水彩画

丸い筆を使って水彩画を描く画家
愛の使者、マリー・スパルタリ・スティルマンによる1885年の水彩画とテンペラ画

水彩（アメリカ英語）またはwatercolour（イギリス連邦英語、綴りの違いを参照）、またはaquarelle（フランス語：[akwaʁɛl] 、ラテン語のaqua「水」のイタリア語の縮小語に由来） [ 1 ]は、水性[ 3 ]溶液に分散した顔料で絵の具を作る絵画技法[ 2 ]の一種である。水彩とは、画材と作品の両方を指す。

水彩画における従来かつ最も一般的な支持体（絵の具を塗布する材料）は紙であり、通常は特殊なタイプの水彩紙が使用される。その他の支持体または基質には、石、象牙、絹、葦、パピルス、樹皮紙、プラスチック、上質紙、革、布、木、水彩キャンバス（水彩画用に特別に調合されたジェッソでコーティングされている）などがある。水彩紙は、多くの場合、全部または一部が綿で作られている。[ 4 ] [ 5 ]これにより、表面に適切な質感が与えられ、濡れたときの歪みが最小限に抑えられる。[ 6 ]水彩紙は通常、より良い質感と外観を提供するコールドプレス紙である。透明性は水彩画の主な特徴である。水彩絵具は、顔料、アラビアゴムなどの結合剤、グリセリンなどの保湿剤の混合物から成り、これらが他の成分と相まって顔料を結合させ、絵具のペーストを形成します。これが水彩絵具です。色に関しては、顔料の品質と濃度が水彩絵具の品質と価格を決定づけます。顔料濃度の高いプロ仕様の絵具は、大量の水を加えても色の鮮やかさを失わずに使用できます。[ 7 ]水彩絵具は、中国白を加えることで不透明にすることもできます。19世紀には議論を巻き起こし、イギリスの伝統における「真の水彩画」とは見なされませんでしたが、[ 8 ] 1880年頃にはこの論争は終結しました。

水彩画は、芸術そのものとしては最古の形態ではないにしても、古代の絵画形態の一つです。[ 2 ]東アジアでは、墨を用いた水彩画[ 9 ]は筆画または巻物画と呼ばれています。中国、韓国、日本の絵画[ 10 ]では、水彩画が主要な画材として使用され、黒や茶色の単色で描かれることが多く、墨やその他の顔料が用いられることが多いです。インド、エチオピアなどの国々にも、長い水彩画の伝統があります。

18世紀後半以降、特にイギリスにおいて、水彩画の完成度が高まったのと同時に、多くの西洋の芸術家は、油彩や彫刻といった「完成」作品の下準備として、主にスケッチツールとして水彩画を用いていました。[ 11 ] 18世紀末まで、伝統的な水彩画は「彩色画」として知られており、[ 12 ]水彩画を「ドローイング」と呼ぶことは、少なくとも20世紀まで一部で続いていました。19世紀末までに高品質のカラーリトグラフが開発されたことで、水彩画の魅力的な複製版画が可能になり、特に風景画や静物画において、現在も広く普及しています。

歴史

水彩画は、旧石器時代のヨーロッパの洞窟壁画にまで遡り[ 13 ] 、少なくともエジプト時代から写本の挿絵に使用され、特にヨーロッパ中世では顕著であった[ 14 ]。しかし、芸術媒体としての継続的な歴史は、ルネサンスに始まる。北方ルネサンスのドイツ画家アルブレヒト・デューラー（1471-1528）は、植物、野生動物、風景を描いた優れた水彩画を数点描き、水彩画の最も初期の例の1つであると一般的に考えられている[ 15 ] 。ドイツの重要な水彩画の流派は、デューラー・ルネサンスの一環としてハンス・ボル（1534-1593）によって率いられた。

大きな耳を持つ野ウサギの絵。
アルブレヒト・デューラー『若い野ウサギ』1502年、水彩・ボディーカラー、アルベルティーナ美術館、ウィーン

この早い時期からのスタートにもかかわらず、水彩画はバロック時代のイーゼル画家によるスケッチや模写、カートゥーン（本格的なデザイン画）にのみ一般的に使用されていました[ 16 ] 。水彩画の初期の著名な画家としては、ヴァン・ダイク[ 17 ]（イギリス滞在中）、クロード・ロラン、ジョヴァンニ・ベネデット・カスティリオーネ、および多くのオランダとフランドルの画家がいます[ 18 ]。しかし、植物図と野生動物図は、おそらく水彩画の中で最も古く重要な伝統を形成しています。植物図は、ルネッサンス時代に人気となり、本やブロードシートに手描きの色付けされた木版画として、また、上質紙や紙に着色されたインクの絵として人気になりました。植物画家は伝統的に最も厳格で熟練した水彩画家であり、今日でも、水彩画は、フルカラーで要約、明確化、理想化できる独自の機能を備え、科学出版物や博物館の出版物の図解に使用されています。野生動物のイラストレーションは、19 世紀にジョン・ジェームズ・オーデュボンなどの芸術家によって頂点に達し、今日でも多くの博物学者のフィールド ガイドに水彩画が用いられています。

英語学校

18世紀、特にイギリスにおいて水彩画が普及した要因はいくつかある。[ 19 ]エリート層や貴族階級の間では、水彩画は良質な教養の付随的な装飾品の一つであり、地図製作者、軍人、技術者は、土地、地形、[ 20 ]要塞、野外地質の描写、公共事業や委託プロジェクトの図解に役立つことから、水彩画を高く評価していた。水彩画家は、ディレッタント協会（1733年設立）の資金援助による地質学や考古学の探検によく同行し、地中海、アジア、新世界での発見を記録した。これらの探検は地形画家の需要を刺激し、彼らは当時の流行に敏感な若者が皆行っていたイタリアへのグランドツアー沿いの有名な場所（景勝地）の記念画を大量に制作した。[ 21 ]

18世紀後半、イギリスの聖職者ウィリアム・ギルピンは、イングランドの田園地帯を巡る美しい旅を描いた、大人気のシリーズ作品を執筆しました。旅の挿絵には、渓谷、古城、廃墟となった教会などを描いた、感傷的なモノクロ水彩画が用いられました。 [ 22 ]この例によって、水彩画は個人的な観光日誌として普及しました。文化、工学、科学、観光、そしてアマチュアの関心が融合し、水彩画はイギリス独自の「国民芸術」として称賛され、推進されるようになりました。ウィリアム・ブレイクは、手彩色の彫刻詩集を数冊出版し、ダンテの『神曲』の挿絵を手掛けたほか、水彩画による大型モノタイプ作品の制作にも挑戦しました。[ 23 ]この時代の他の重要な水彩画家としては、トーマス・ゲインズバラ、[ 24 ]ジョン・ロバート・コーゼンズ、フランシス・タウン、[ 25 ]マイケル・アンジェロ・ルーカー、ウィリアム・パース、[ 26 ]トーマス・ハーン、[ 27 ]ジョン・ワーウィック・スミスなどがいた。[ 28 ]

トーマス・ガーティン『川から見たジェドバラ修道院』 1798–99年、水彩画

18世紀後半から19世紀にかけて、印刷書籍と家庭美術の市場は、この媒体の成長に大きく貢献しました。[ 29 ]水彩画は、収集価値のある風景画や観光版画の基礎資料として使用され、手描きの水彩画の原画や有名絵画の模写は、多くの上流階級の芸術ポートフォリオに使用されました。トーマス・ローランドソンによる風刺的なチラシ（多くはルドルフ・アッカーマンによって出版されました）もまた、非常に人気がありました。

水彩画を独立した成熟した絵画媒体として確立した功績を持つ3人のイギリス人芸術家は、しばしば「イギリス水彩画の父」と呼ばれるポール・サンドビー（1730–1809）、大判のロマンティックな風景画や絵画的な風景画への水彩画の使用を開拓したトーマス・ガーティン（1775–1802）、そして数百点もの優れた歴史画、地形画、建築画、神話画を描いた水彩画を制作したジョセフ・マロード・ウィリアム・ターナー（1775–1851）[ 30 ]である。ターナーは水彩画の力強さと洗練さを最高潮にまで高め、[ 31 ]歴史画、地形画、建築画、神話画など、数百点もの優れた水彩画を制作した。水彩画を段階的に展開していくターナーの手法は、湿った紙の上に大きく漠然とした色面を描き始め、その後、ウォッシュとグレーズを繰り返すことでイメージを洗練させていくというものだった[ 32 ] 。この手法は、彼が「工房並みの効率性」で大量の絵画を制作することを可能にし[ 33 ]、この種の画材としては初となる個人画廊の売上もあって、彼を億万長者にした。ターナーとガーティンの同時代人として、ジョン・ヴァーリー、ジョン・セル​​・コットマン[ 34 ] 、アンソニー・コプリー・フィールディング、サミュエル・パーマー[ 35 ] 、ウィリアム・ハヴェル[ 36 ]、サミュエル・プラウトらが重要かつ才能豊かな画家であった。スイス人画家アブラアン＝ルイ＝ロドルフ・デュクロもまた、大判のロマンティックな水彩画で広く知られていた。

ウィリアム・ベリーマンによる未完成の水彩画。1808年から1816年にかけて、水彩、インク、鉛筆を用いて制作された。部分的に色を塗ることで、中心となる主題に視線が引き寄せられている。
エクセターの牧師館跡。ジョージ・タウンゼント作。1885年。

アマチュア活動、出版市場、中流階級の美術収集、そして19世紀の技法が重なり合って、イギリスの水彩画協会が設立された。水彩画家協会（1804年、現在の王立水彩画協会）と新水彩画協会（1832年、現在の王立水彩画家協会）である。（スコットランド水彩画家協会は1878年に設立され、現在のスコットランド王立水彩画家協会として知られる。）[ 37 ]これらの協会は、多くの芸術家に毎年展覧会とバイヤーの紹介を提供した。また、特に伝統的な（「透明」）水彩画の支持者と、ボディーカラーやグワッシュ（「不透明」水彩画）で可能なより濃い色を早期に採用した人々の間で、ささいな地位の争いや美的論争も繰り広げられた。ジョージ王朝時代後期からヴィクトリア朝時代にかけては、ターナー、ヴァーリー、コットマン、[ 39 ]デイヴィッド・コックス、ピーター・デ・ウィント、[ 40 ]ウィリアム・ヘンリー・ハント、ジョン・フレデリック・ルイス、[ 41 ]マイルズ・バーケット・フォスター、[ 42 ]フレデリック・ウォーカー、[ 43 ]トーマス・コリアー、アーサー・メルヴィルなど多くの画家による、19世紀の最も印象的な紙上作品の一つであるイギリスの水彩画が絶頂期を迎えた。特に、リチャード・パークス・ボニントン[ 44 ]による優美で宝石細工のような、雰囲気のある水彩画（「風俗画」 ）は、1820年代に特にイギリスとフランスで水彩画の国際的な流行を生み出した。19世紀後半には、肖像画家のフレデリック・ハヴィルがイギリスにおける水彩画の確立に重要な役割を果たした。美術評論家のハントリー・カーターはハヴィルを「水彩画派の創始者」と評した。[ 45 ]

水彩画の人気は、より厚く、よりサイズの大きい水彩紙や、水彩画専用に製造された筆（「鉛筆」と呼ばれる）など、多くの革新を促しました。この時期に、ヴァーリー、コックスらによって水彩画の指導書が初めて出版され、今日でも水彩画の特徴となっている段階的な描画手順が確立されました。イギリスの美術評論家ジョン・ラスキンによる水彩画の指導書『素描の要素』は、1857年の初版以来、一度だけ絶版になったことがあります。市販の水彩絵具ブランドが販売され、絵具は金属チューブや乾燥ケーキの形で包装されていました。乾燥ケーキは、スタジオの磁器でこすり落とす（溶かす）か、現場で持ち運び可能な金属製の絵具箱に入れて使用されました。化学の飛躍的進歩により、合成ウルトラマリンブルー、コバルトブルー、ビリジアン、コバルトバイオレット、カドミウムイエロー、オーレオリン（亜硝酸コバルトカリウム）、亜鉛華、そして様々な種類のカーマインレーキやアカネレーキなど、多くの新しい顔料が利用可能になりました。これらの顔料は、あらゆる画材、特にイギリスの水彩画、特にラファエル前派による水彩画において、色彩の使用を促進しました。

ウィンスロー・ホーマー『青い船』 1892年

アメリカ合衆国

ジョン・シンガー・サージェント『白い船』ブルックリン美術館

19世紀にはアメリカ合衆国でも水彩画が人気を博した。初期の傑出した画家にはジョン・ジェームズ・オーデュボン、初期ハドソン・リバー派の画家であるウィリアム・H・バートレット、ジョージ・ハーヴェイなどがいた。19世紀半ばまでには、ジョン・ラスキンの影響で水彩画への関心が高まり、特にジョン・W・ヒル・ヘンリー、ウィリアム・トロスト・リチャーズ、ロデリック・ニューマン、フィデリア・ブリッジズといった画家による詳細な「ラスキン風」スタイルが目立つようになった。アメリカ水彩画家協会（現アメリカ水彩画協会）は1866年に設立された。19世紀後半のアメリカの水彩画家としては、トーマス・モラン、トーマス・エイキンズ、ジョン・ラファージ、ジョン・シンガー・サージェント、[ 46 ]チャイルド・ハッサム、そしてとりわけウィンスロー・ホーマーがいた。

ヨーロッパ

スタニスワフ・マスウォフスキ、Pejzaż jesienny z Rybiniszek (ルイビニシュキの秋の風景)、水彩、1902

水彩画は大陸ヨーロッパではあまり人気がなかった。18世紀には、グアッシュはイタリアの画家マルコ・リッチとフランチェスコ・ズッカレッリにとって重要な画材であり、彼らの風景画は広く収集された。[ 47 ]グアッシュはフランスでも多くの画家によって使用された。19世紀には、イギリス派の影響によりフランスで「透明」水彩画が普及し、ウジェーヌ・ドラクロワ、フランソワ・マリウス・グラネ、アンリ＝ジョゼフ・アルピニー、風刺作家オノレ・ドーミエにとって重要な画材となった。水彩画を頻繁に使用した他のヨーロッパの画家には、ドイツのアドルフ・メンツェルとポーランドの スタニスワフ・マスウォフスキがいる。

19世紀には、水彩画は大型の油絵の精巧な複製に用いられました。フレデリック・エドウィン・チャーチの『アンデスの心臓』の水彩画版はその一例ですが、研究者たちはこれを原画ではなく複製であると特定しています。作品の素材や改変の分析は、この時代における水彩画の重要性を示しています。[ 48 ]

ポール・セザンヌ、自画像

光にさらされると急速に退色する鮮やかな色の石油由来のアニリン染料（およびそこから合成された顔料）の採用と、1857年に大英博物館が継承した2万点のJMWターナーの絵画を適切に保存するための努力により、水彩画における顔料の耐久性に対する否定的な再評価がもたらされた。[ 49 ]これにより、水彩画の地位と市場価値は急落した。しかし、孤立した画家たちは20世紀に入ってもこの媒体を好み、発展させ続けた。ポール・シニャックは風景画や海洋画を制作し、ポール・セザンヌは純色の小さな釉薬の重なりだけで構成された水彩画のスタイルを開発した。

20世紀と21世紀

20世紀には、水彩画で重要な作品を制作した多くの芸術家がおり、その中にはワシリー・カンディンスキー、エミール・ノルデ、パウル・クレー、エゴン・シーレ、ラウル・デュフィなどがいます。アメリカでは、チャールズ・バーチフィールド、エドワード・ホッパー、ジョージア・オキーフ、チャールズ・デムス、ジョン・マリン（全作品の80%が水彩画）などがその代表例です。この時期のアメリカの水彩画は、ヨーロッパの印象派やポスト印象派を模倣することが多かったものの、[ 50 ] 1920年代から1940年代にかけては、水彩画の「地域的」な様式[ 51 ]で、顕著な個性主義が花開きました。特に、「クリーブランド派」や「オハイオ派」の画家たちはクリーブランド美術館を中心としており、[ 52 ]カリフォルニア・シーン派の画家たちは、ハリウッドのアニメーションスタジオやシュイナード美術大学（現在のカリフォルニア芸術大学）と関係があることが多かったです。カリフォルニアの画家たちは、州の多様な地形、地中海性気候、そして「自動車」という特性を活かして、戸外制作、いわゆる「プレイン・エア」の伝統を活性化させた。中でも最も影響力のあったのは、フィル・ダイク、ミラード・シーツ、レックス・ブラント、ドン・キングマン、ミルフォード・ゾーンズらである。1921年に設立され、後に全米水彩画協会と改名されたカリフォルニア水彩画協会は、彼らの作品の重要な展覧会を後援した。現在、世界最大の水彩画（高さ9フィート（3メートル）、幅16フィート（5メートル））は、ビルディング6の「肖像：室内」である。[ 53 ]アメリカ人アーティスト、バーバラ・プレイがマサチューセッツ州現代美術館（MASS MoCA ）の委託を受けて制作したこの作品は、[ 54 ]マサチューセッツ州現代美術館のロバート・W・ウィルソン・ビルディングで鑑賞できる。[ 55 ]

フランスには、水彩画に特化したフェスティバルがいくつか存在します。例えば、7月に開催されるブリウド水彩画ビエンナーレ[ 56 ]では、2年ごとに様々な国の水彩画家が集まります。ブリウド村では、デモンストレーションや講演会が開催されます。

アメリカでは、抽象表現主義の台頭や、アマチュア画家の軽視、広告や工房の影響を受けた絵画スタイルの台頭により、 1950年頃以降水彩画の人気は一時的に下降したものの、[ 57 ] 、マーサ・バーチフィールド、ジョセフ・ラファエル、アンドリュー・ワイエス、フィリップ・パールスタイン、[ 58 ]エリック・フィッシュル、ゲルハルト・リヒター、アンゼルム・キーファー、フランチェスコ・クレメンテなどのアーティストが水彩画を使い続けている。スペインでは、セフェリ・オリヴェが革新的なスタイルを生み出し、ラファエル・アロンソ・ロペス＝モンテロやフランセスク・トルネ・ガバルダなどの弟子たちがそれを継承した。メキシコの主な代表者としては、イグナシオ・バリオス、エドガルド・コグラン、アンヘル・マウロ、ビセンテ・メンディオラ、パストル・ベラスケスなどがあげられる。この絵画技法の信奉者が多いカナリア諸島には、ホセ・コマス・ケサダなどの著名な芸術家がいます。

水彩絵の具

水彩画のセット

水彩絵の具は4つの主成分から構成されています。[ 59 ]顔料、アラビアゴム[ 60 ] [ 61 ]顔料を懸濁状態に保つ結合剤、グリセリン、牛胆汁[ 62 ]蜂蜜、防腐剤などの添加剤は、顔料と媒質の混合物の粘度、隠蔽性、耐久性、色を変えるために使用されます。そして、蒸発した水は、塗布時に絵の具を薄める溶剤として使用されます。

より一般的な用語である水彩画は、水を溶媒として使用し、筆、ペン、またはスプレーで塗布できるあらゆる絵画媒体を指します。 [ 63 ]これには、ほとんどのインク、水彩絵の具、テンペラ、カゼイン、グワッシュ、および現代のアクリル絵の具が含まれます。

「水彩絵具」とは、水溶性の複合炭水化物を結合剤として使用した絵具を指します。元々（16世紀から18世紀）、水彩絵具の結合剤は砂糖や膠でしたが、19世紀以降は天然アラビアゴムが好まれるようになりました。結合剤は、結合剤の可塑性と溶解性を高めるためにグリセリンや蜂蜜などが添加され、製品の保存期間を延ばすためにその他の化学物質も添加されています。

「ボディカラー」という用語は、透明ではなく不透明な絵の具を指します。通常は、グアッシュと呼ばれる不透明水彩絵の具を指します。[ 64 ]現代のアクリル絵の具は、アクリル樹脂分散液をバインダーとして 使用します。

現代の水彩画の代わりに水溶性のカラーインクを用いた絵画は、専門家の間では「アクアレルム・アトラメント」 （ラテン語で「インクで描いた水彩画」）と呼ばれています。しかし、この用語は現在では使われなくなっています。[ 65 ] [ 66 ]

蛍光水彩絵具は通常、光に対して非常に敏感です。研究によると、このタイプの水彩絵具は紫外線を含む日光にさらされると退色する可能性があることが示されています。研究によると、紫外線波長を除去することで退色を遅らせることができますが、照明条件によっては外観の変化が生じる可能性があります。[ 67 ]

蛍光水彩絵具の外観は、反射光と蛍光発光の影響を受けます。保存修復に関する研究により、照明条件の変化によってこれらの絵具の明るさと色が完全に変化する可能性があることが明らかになっています。特定の光への曝露に対するこの反応は、保存修復中にこれらの絵具の色を正確に一致させることを困難にする可能性があります。 [ 67 ]

保存研究では、水彩画材の色の変化を経時的に測定することの重要性が強調されています。水彩画材と植物由来の顔料を比較する研究では、光や熱への曝露後の退色や変色を測定・追跡するための特別なツールが用いられています。これらの手順は、水彩画材が時間の経過とともにどのように変化し、形作られるかをより深く理解するのに役立ちます。 [ 68 ]

市販の水彩絵の具

リーブスの水彩画箱

18世紀初頭以前の水彩画家は、薬局や専門の「絵の具職人」から顔料を購入し、アラビアゴムなどのバインダーと混ぜて自ら絵の具を作らなければなりませんでした。初期の市販絵の具は小さな樹脂の塊で、水に濡らして苦労して「こすり落とす」ことで、使用可能な色の濃さを得る必要がありました。ウィリアム・リーブスは1766年頃に絵の具職人として事業を開始しました。1781年、彼と弟のトーマス・リーブスは、イギリス水彩画の「黄金時代」に導入された、時間を節約する便利な湿式水彩絵の具ケーキの発明により、美術協会から銀パレット賞を受賞しました。この「ケーキ」は、濡れた筆で触れるとすぐに溶けました。[ 69 ]

現代の市販の水彩絵具は、チューブ、パン、液体の3種類があります。[ 70 ]現在販売されている絵具の大部分は、標準サイズの折りたたみ式小型金属チューブに入っており、特定の水分が既に混合されているため、歯磨き粉のような粘度に調合されています。使用時には、このペーストをさらに水で薄める必要があります。パン絵具（小さな乾燥したケーキまたはバー状の絵具が、蓋を開けたプラスチック容器に詰められたもの）は、通常、フルパンとハーフパンの2つのサイズで販売されています。

現代の工業有機化学のおかげで、今日入手できる画家の絵の具の種類、彩度、耐久性は大幅に改善されました。ハンザイエロー、フタロブルー、キナクリドンの導入により、正確で毒性のない原色が存在するようになりました。このような 3 色のセットから、古典的技法で白を使用しないのと同様に、原則として他のすべてを混ぜることができます。 顔料の現代的発展は、芸術的需要によって推進されたものではありません。画材業界は規模が小さすぎるため、世界的な染料や顔料の製造に対して市場影響力を及ぼすことはできません。オーレオリンなどのまれな例外を除き、すべての現代の水彩絵の具は、より広い工業用途のある顔料を使用しています。絵具製造業者は、工業基準からすると非常に少量のこれらの顔料を購入し、ビヒクル、溶剤、添加剤とともに粉砕してパッケージ化します。より高価なブランドの無機顔料の粉砕プロセスでは、粒子サイズが小さくなり、絵の具を水で塗布したときの色の流れが改善されます。

透明性

19世紀イギリス美術界における党派的な論争において、グアッシュは伝統的な水彩絵具と明確に対比され、その高い隠蔽力、あるいは「透明性」の欠如を理由に軽蔑され、「透明」水彩絵具が称賛された。不透明絵具への嫌悪は、19世紀に入っても隠蔽性を高めるために鉛白が使用されていたことに端を発する。鉛白は硫黄を含む大気汚染の影響ですぐに黒く変色し、作品を台無しにしてしまう傾向があった。[ 71 ]「透明」水彩絵具は、紙に貼られたステンドグラスのように光が顔料を通過し、紙で反射し、鑑賞者に届く途中で再び顔料を通過することで色が強くなるという従来の主張は誤りである。水彩絵具は、アクリル絵具や油絵具のように凝集した層を形成するのではなく、単に紙の表面に顔料粒子をランダムに散りばめているだけである。透明性は、粒子の間から紙が見えることによって生じます。[ 72 ]水彩画は、顔料がより純粋な形で塗布され、顔料の色を覆い隠す充填剤（カオリンなど）がほとんどまたは全く含まれていないため、アクリル絵具や油絵具よりも鮮やかに見えることがあります。通常、ガムバインダーの大部分またはすべてが紙に吸収されるため、バインダーが顔料の視認性を変えることはありません。[ 72 ]ガムが吸収されても、顔料の粒子が繊維に浸透しやすくなるため、紙への顔料の付着力は低下するのではなく、むしろ高まります。実際、ガムの重要な機能は、画家が描いた部分に明るい部分を作りたい場合に、色の「剥離」（除去）を容易にすることです。[ 72 ]さらに、ガムは顔料粒子の凝集を防ぎます。 [ 72 ]

テクニック

水彩画は、画材の透明性、流動性、そして水と紙との相互作用を活かした様々な技法を用いています。これらの技法は、完成作品の外観、質感、そして深みに影響を与えます。

最も一般的な手法の一つはウォッシュです。これは、薄めた顔料を紙全体に均一に塗布する技法です。ウォッシュには、均一な色を生み出すフラットウォッシュと、暗い色調から明るい色調へと徐々に変化するグラデーションウォッシュがあります。ウォッシュは、背景、空、または広い色面を表現するためによく使用されます。

アーティストはウェット・オン・ウェット技法とウェット・オン・ドライ技法を頻繁に使い分けます。ウェット・オン・ウェット技法では、湿った紙、あるいは濡れた紙に顔料を塗布することで、色を柔らかく広げ、混ざり合わせ、鮮やかな色を明るくすることができます。この技法は、雰囲気のある効果や自由な形状を表現する際によく用いられます。一方、ウェット・オン・ドライ技法では、乾いた紙に顔料を塗布するため、よりシャープなエッジとより緻密な表現が可能になり、細かい部分を描く際に効果的です。

レイヤリング（グレージングとも呼ばれる）は、もう一つの基本的な技法です。乾いた絵の具の上に透明な色の層を重ねることで、深みを出したり、色調を調整したり、影を作ったりすることができます。水彩画は透明なので、下地の色が見え、最終的な色彩効果に貢献します。

質感や視覚的な面白さを表現するために、追加の技法が用いられます。ドライブラシは、水をほとんど含まない筆を用いて、紙の質感を強調する、ざらざらとした途切れ途切れの線を描きます。リフティングは、筆、スポンジ、布などを用いて、湿った紙や乾いた紙から顔料を取り除き、ハイライトや修正を加えます。また、マスキングと呼ばれる技法を用いることもあります。マスキングとは、紙の白さを保つために、周囲の部分を塗る際に一時的に覆い隠す技法です。

保存修復の過程では、水彩画の調色や修復に使用する材料は、色の安定性を重視して慎重に選定されます。紙の保存修復に関する科学的研究によると、和紙に塗布された植物由来の染料は、現代の水彩画に比べて色の変化が大きいことが示されています。そのため、長期にわたって視覚的に安定している必要がある絵画の修復には、通常、市販の顔料が使用されます。[ 68 ]

紙の保存修復に関する研究では、水彩画修復に用いられる伝統的な材料と、様々な着色材との相互作用についても調査されています。天然植物染料と合成水彩顔料を比較した研究では、植物由来の顔料は熱や湿度に対する耐性が低いことが明らかになっています。これは、水彩画作品に天然染料を使用する際のリスクを浮き彫りにしています。[ 68 ]

これらの技法は水彩画の基礎を形成し、スタイル、主題、個人の好みに応じてアーティストによって適応および組み合わせられることがよくあります。

参照

参考文献

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  16. ^バロック時代には、水彩画は自然主義の書籍、アルバム、科学出版物の装飾、手描きの地図や建築図面の作成に頻繁に使用されました。紙、羊皮紙、象牙に描かれた水彩画も非常に人気がありました。ロンドン（2021年、23ページ）
  17. ^フランドルの画家アンソニー・ヴァン・ダイク（1599-1641）は、透明な水彩画技法を改良しました。これは注目すべき進歩であり、画家たちは紙の色が顔料を通して透けて見えるようにし、それが作品において重要な役割を果たすようになりました。ロンドン（2021年、23頁）
  18. ^水彩画は、クロード・ロラン（1600年または1604/5年 - 1682年）、ジョヴァンニ・ベネデット・カスティリオーネ（1609年 - 1664年）をはじめとする多くのオランダおよびフランドルのバロック画家たちによって実践されました。ロンドン（2021年、24頁）
  19. ^「しかし、キリスト教時代のイギリスでは、19世紀にヴィクトリア女王が王室の認可を与え、それが芸術界の権威の範疇に確固たる地位を築くまで、絵画はそれ自体が芸術媒体として評価されることはなかった。」チャップリン（2001年、6ページ）
  20. ^「18世紀までに、水彩画は風景の地形図を描く手段として確立されました。」チャップリン（2001年、6ページ）
  21. ^「ヨーロッパ大旅行に出かける家族が、休暇中に写真を撮るために美術教師を連れていく一方で、アレクサンダー・コーゼンズ（1717–1786）やフランシス・タウン（1740–1816）といったプロの芸術家たちはイタリアを広く旅しました。異国の遺跡を水彩画で描くために海外へ行くことは、イギリスの伝統となりました。ただし、当時は水彩画という媒体が絵の具であるという認識さえもなかったため、水彩画として知られていました。」チャップリン（2001年、6ページ）
  22. ^「ターナーの1790年代の修行時代は、ウィリアム・ギルピン（1724-1804）が広めた『ピクチャレスク』様式の流行と重なっていた。これは非対称で破綻した形態と粗い質感を特徴とする美的嗜好であり、宗教改革で荒廃した荒れ果てたコテージや修道院教会に象徴される。」ムーアビー他 (2010 , p. 167)
  23. ^「18世紀の比喩的構成の伝統を19世紀初頭に最も真に持ち込んだ芸術家はウィリアム・ブレイクである。」レイノルズ（1998年）
  24. ^「トーマス・ゲインズバラ（1727-1788）、ウィリアム・パース（1742-1782）、ジョン・セル​​・コットマン（1782-1842）、サミュエル・プラウト（1783-1852）など、多くの芸術家がイギリスの水彩画に影響を与えました。」ロンドン（2021年、24ページ）
  25. ^「アレクサンダー・コーゼンズ（1717–1786）やフランシス・タウン（1740–1816）のようなプロの芸術家はイタリアを広く旅した。」チャップリン（2001年、6ページ）
  26. ^「例えば、バトル修道院の門の石積みを描いた習作は、18世紀の地形画家マイケル・アンジェロ・ルーカー（1746-1801）の初期の水彩画から派生した色彩表現の試みである。ルーカーの構図の一部を出発点として、ターナーは明暗のスケールを徐々に変化させながら、一度に一色ずつ色を塗り重ねて絵を作り上げていく手法を完璧に習得した。」ムーアビー他 (2010年、18-19頁)
  27. ^「ハーンの作風はルーカーよりもさらに緻密で、落ち着き払っている。彼はルーカーより1、2年早く生まれ、1765年頃に世間の注目を集め、海外航海の後はイギリス各地の名所を描写する長い人生を送り、その多くは『グレートブリテンの古代史』という有名な出版物に掲載された。彼は1807年までこの出版物に寄稿していた。」レイノルズ (1998)
  28. ^「ジョン・“ワーウィック”・スミスのニックネームは、ウォーウィック卿の庇護を受けていたことに由来すると長らく考えられてきたが、カンバーランドのウォーウィック村近郊で生まれたことに由来するとも考えられている。彼は1777年から1781年、そして1783年にもローマに滞在した。イタリアの風景画の構図への関心と、色彩感覚の向上に、旅の痕跡が見て取れる（図23）レイノルズ（1998）
  29. ^「1799年にナポレオン戦争が勃発し、ヨーロッパはイギリス人の渡航に対して閉ざされた。」チャップリン（2001年、7ページ）
  30. ^「彼は1775年4月23日にロンドンで生まれ、ジョセフ・マロード・ウィリアム・ターナーという名前を与えられた。家族からはウィリアムと呼ばれていたが、現在ではJMWターナーというイニシャルで呼ばれることが多い。」レイノルズ（2020年、19ページ）
  31. ^「特にガーティンとターナーは、水彩画が持つ雰囲気作りの可能性を探求し、質感と色彩の実験を行いました。」チャップリン（2001年、8ページ）
  32. ^「これらの水彩画は、一見すると何の苦労もなく描かれたようにも見えるが、その背後にある綿密な計画段階を隠している。鉛筆画から完成した水彩画までの間に、ターナーは色と光の構造と相対的な配置を、際限なく実験できる創造プロセスを進化させたのだ。」ムーアビー他 (2010年、26頁)
  33. ^「ある魅力的な記述によると、ターナーは部屋中に張った紐に湿った習作を掛けており、その乾いたシーツは『ピンク、青、黄色』に染まっていて、一見すると洗濯婦の洗濯物のように見えた。」ムーアビー他 (2010 , p. 26)
  34. ^「ジョン・ヴァーリー（1778–1842）、トーマス・ガーティン（1775–1802）、ジョン・セル​​・コットマン（1782–1842）、そしてデイヴィッド・コックス（1783–1859）は、イギリス水彩画の黄金時代を先導した」チャップリン（2001年、7ページ）
  35. ^「デイヴィッド・コックス、サミュエル・パーマー、F・O・フィンチ、コプリー・フィールディングといった多様な才能と気質を持つ人物がジョン・ヴァーリーの弟子であったことを思い出すと、彼が自身のビジョンを生徒たちに押し付けたのではなく、教育の真髄であるように、彼らの中に潜在するものを引き出したことが明らかになるだろう。」レイノルズ（1998年）
  36. ^「ウィリアム・ハヴェルは1805年に23歳で、出品会員の中で最年少でした。彼の作品は、協会会員に共通するアプローチ、すなわち17世紀の風景画家たちの構図への依存、油絵との競争への志向、そして作品の豊かな色調を典型的に表しています。」レイノルズ（1998年）
  37. ^「19世紀までに水彩画は非常に人気を博し、水彩画家協会（1804年、現王立水彩画家協会）、新水彩画家協会（1832年、現王立水彩画家協会）、スコットランド水彩画家協会（1878年、現スコットランド王立水彩画家協会）など、いくつかの美術協会が設立されました。アイルランド水彩画家協会（WCSI）は1870年にアイルランドで設立され、アルスター水彩画家協会（UWS）は北アイルランドで設立されました。ロシア水彩画家協会は1880年にロシアのサンクトペテルブルクで設立されました。」ロンドン（2021年、26ページ）
  38. ^レイノルズ（1992年、102ページ）
  39. ^「J.S.コットマンは1782年にノーリッジで生まれ、芸術の道に進むことを決意し、1798年、16歳か17歳でロンドンに移住した。ここで彼はモンロー博士と親交を深め、この鑑定家が将来有望な若者を選ぶ際の卓越した才能を示す好例となった。5年前のターナーとガーティンと同様に、彼は輪郭線を模写し、ドローイングをトレースすることになった。」レイノルズ (1998)
  40. ^「19世紀初頭のガーティン、ターナー、コットマン、コックス、デ・ウィント、コンスタブル、ボニントン、そして展覧会協会」レイノルズ（1998年）
  41. ^「ルイスとハントは、その後30年間の水彩画に見られるように、色彩の鮮やかさとタッチの緻密さへと向かう美的転換の先駆者であった。」レイノルズ（1998年）
  42. ^「バーケット・フォスターは、これらの原則（色彩の鮮やかさとタッチの繊細さ）を風景画に適用し、夏の野原や田舎道の魅力を強調し、住民を行儀の良い子供たちや立派な農民として理想化している。」レイノルズ（1998年）
  43. ^「次世代の芸術家において、イラストレーション派のリーダーとして認められたのはフレデリック・ウォーカーでした。」レイノルズ（1998年）
  44. ^「ボニントンはわずか25歳でこの世を去ったが、当時の流行を非常に巧みに捉え、数々の傑作を残しただけでなく、フランスとイギリスの同時代人や後継者たちに強い影響を与えた。」レイノルズ（1998年）
  45. ^ 「ハヴィル・フレデリックの伝記」。
  46. ^「水彩画は、ヨーロッパの画家たちが「新世界」を記録したことでアメリカ大陸にも広がり、19世紀にはアメリカで人気を博しました。1866年には、アメリカ水彩画家協会（現在のアメリカ水彩画協会）が設立されました。ジェームズ・A・M・ホイッスラー（1834-1903）、トーマス・モラン（1837-1926）、トーマス・エイキンス（1844-1916）、ジョン・シンガー・サージェント（1856-1925）をはじめとする多くの画家が、19世紀末までにアメリカの水彩画の伝統に貢献しました。」ロンドン（2021年、26-27ページ）
  47. ^ブラウン、デイヴィッド・ブレイニー。「水彩画」、グローブ・アート・オンライン、オックスフォード・アート・オンライン、オックスフォード大学出版局。2014年4月26日閲覧。
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  51. ^「ほぼ同時期に、いくつかの新しい地方学校が設立された。」ロンドン（2021年、27ページ）
  52. ^「クリーブランド美術館は、『クリーブランド派』あるいは『オハイオ派』の芸術家たちの中心地でした。1921年にはカリフォルニア水彩画協会（現在の全米水彩画協会）が設立されました。」ロンドン（2021年、27ページ）
  53. ^ジェニファー・ナレウィッキ著「世界最大の水彩画の裏話」スミソニアン博物館。2018年7月1日閲覧。
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  58. ^「しかし、アンドリュー・ワイエス（1917-2009）、フィリップ・パールスタイン（1924年生まれ）、ジョセフ・ラファエル（1933年生まれ）をはじめとする多くの芸術家がこの媒体で創作を続けました。」ロンドン（2021年、27ページ）
  59. ^「顔料、アラビアゴムなどの結合剤、グリセリンなどの保湿剤の混合物で構成されており、これらが他の成分と結合することで、顔料が結合して絵の具ペーストを形成し、水彩絵の具として知られています。」 Viscarra (2020 , p. 47)
  60. ^「ターナーの現存する水彩絵具パレットには、アラビアゴム、トラガカントゴム、チェリーゴム、サルココラゴムなどの様々なゴム混合物と、微量の砂糖が含まれていることが発見されている。」 Moorby et al. (2010 , p. 38)
  61. ^「アラビアゴムは塗料の中で乾燥しやすく、非常に脆いので、もう一つの主成分は塗料の溶解性を保つグリセリンです。」チャップリン（2001年、25ページ）
  62. ^「牛胆汁は湿潤剤として添加される。」チャップリン（2001年、25～26ページ）
  63. ^ 「水溶性色鉛筆用水彩絵筆」。
  64. ^チルヴァース (2009)
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  69. ^「…より使いやすいソフト水彩ブロックは、アーティストの色彩担当者であるリーブスによって導入されました。」ムーアビー他 (2010年、p. 40)
  70. ^「…一般的には、液体、チューブ入りのクリーム状、固形、パレット、チョークパステル、ワックス、マーカー、鉛筆などの形状があります。」 Viscarra (2020 , p. 47)
  71. ^クライポール & ヘレニウス (2007 , p. 187)
  72. ^ a b c dクライポール & ヘレニウス (2007 , p. 183)

引用文献

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  • ロンドン、ウラジミール（2021年）『水彩画の本』（Kindle版）ASIN  B0B1VFHMC1。
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  • レッドグレイヴ、リチャード、レッドグレイヴ、サミュエル（1866年）『イギリス派の画家たちの一世紀』
  • レイノルズ、グラハム（1992年）『水彩画の簡潔な歴史』ロンドン：テムズ・アンド・ハドソン社
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  • ヴィスカラ、アレハンドラ (2020). 『水彩画の描き方入門』（Kindle版）. ASIN  B0852QZCND .
  • ウォーターハウス、エリス・カーカム（1994年）『1530年から1790年のイギリスの絵画』イェール大学出版局。

ブラント、レックス（1949年）。『レックス・ブラントによる水彩画』。シュイナード美術大学とコロナ・デル・マーのブラント・ダイク・サマースクールで教えられる水彩画の画材、技法、表現法を網羅した、学生画家のためのハンドブック。カリフォルニア州コロナ・デル・マー、1949年頃。マシュー・ホワイト（2023年7月5日）. 3ステップの水彩画プロセスであなたのアートを磨きましょう。スミス、ダニエル.水彩画の肖像画の描き方.ロンバルド、A.（2005年3月15日）.中国水彩画技法：動物の描き方. リード・ビジネス・インフォメーション.

さらに読む

歴史

  • アンドリュー・ウィルトン＆アン・ライルズ著『イギリス水彩画の黄金時代（1750-1880）』プレステル社、1993年、ISBN 3-7913-1254-5
  • アン・ライルズ＆ロビン・ハムリン著『オッペ・コレクションの英国水彩画』テート・ギャラリー出版、1997年。ISBN 1-85437-240-8
  • クリストファー・フィンチ著『アメリカン・ウォーターカラーズ』アビービル・プレス、1991年。ASIN B000IBDWGK
  • クリストファー・フィンチ著『19世紀の水彩画』アビーヴィル・プレス、1991年。ISBN 1-55859-019-6
  • クリストファー・フィンチ著『20世紀水彩画集』アビーヴィル・プレス、1988年。ISBN 0-89659-811-X
  • エリック・シェーンズ著『ターナー：偉大な水彩画集』ロイヤル・アカデミー・オブ・アーツ、2001年、ISBN 0-8109-6634-4
  • マーティン・ハーディー著『イギリスの水彩画』（全3巻：I. 18世紀、II. ロマン主義時代、III. ヴィクトリア朝時代）バッツフォード、1966-1968年。ISBN 1-131-84131-X
  • マイケル・クラーク著『魅惑の展望：イギリス水彩画の社会史』大英博物館出版、1981年。ASIN B000UCV0XO
  • ムーア、ショーン『究極のビジュアル辞典』ドーリング・キンダースリー、1994年。ISBN 0-7513-1050-6

チュートリアルとテクニック

  • レックス・ブラント著『水彩画の必勝法：透明水彩の基本テクニックと技法 20レッスン』ヴァン・ノストランド・ラインホールド、1973年。ISBN 0-442-21404-9
  • デイヴィッド・デューイ著『水彩画集：現代のアーティストのための画材と技法』ワトソン・ガプティル社、1995年、ISBN 0-8230-5641-4
  • ドナ・セルディン・ジャニス著『サージェント・アブロード：人物と風景』アビーヴィル・プレス、第1版（1997年10月）。ISBN 978-0-7892-0384-7。
  • シャルル・ルクレール著『水彩画の芸術（改訂増補版）』ワトソン・ガプティル社、1999年、ISBN 0-8230-0292-6
  • 英国王立水彩画協会『水彩画の達人』、カッセル・イラストレイテッド、2004年、ISBN 1-84403-149-7
  • ジョン・ラスキン『素描の要素』 [1857] ワトソン＝ガプティル社、1991年。ISBN 0-8230-1602-1（他出版社からの転載もございます。）
  • ピップ・シーモア著『水彩画：アーティストのためのハンドブック』Lee Press、1997年、ISBN 0-9524727-4-0
  • スタン・スミス著『水彩画：完全コース』リーダーズ・ダイジェスト、1995年。ISBN 0-89577-653-7
  • カーティス・タッペンデン著『水彩画基礎コース』 Cassell Illustrated、2003年、ISBN 1-84403-082-2
  • エドガー・A・ホイットニー著『水彩画完全ガイド』ワトソン・ガプティル社、1974年。[ドーバー版ISBN 0-486-41742-5]

材料

  • イアン・シダウェイ著『水彩画家のための用紙名鑑』ノースライト社、2000年、ISBN 1-58180-034-7
  • ジャック・ターナー著『ブラシ：アーティストと職人のためのハンドブック』デザイン・プレス、1992年。ISBN 0-8306-3975-6
  • シルヴィ・ターナー著『ファインペーパーの本』テムズ・アンド・ハドソン、1998年。ISBN 0-500-01871-5
  • マイケル・ウィルコックス著『ウィルコックス水彩絵具ガイド』スクール・オブ・カラー・パブリケーションズ、2000年。ISBN 978-0-9679628-0-1
ウィキメディア・コモンズには、水彩画に関連するメディアがあります。
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