ダンス
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跳躍中の男女
2人のモダンダンサー

ダンスは、即興で行われるか、意図的に選択された、美的価値としばしば象徴的な価値を持つ身体動作の連続で構成される芸術形式です。ダンスは、振り付け、動作のレパートリー、または歴史的時代や起源の場所によって分類および説明できます。ダンスは通常、音楽の伴奏とともに演じられますが、ダンサー自身が同時に楽器を使用することもあります

グループダンスには、演劇的ダンスと参加型ダンスの2つの種類があります。どちらのダンスも、社交ダンス、儀式ダンス、競技ダンス、エロティックダンス、武術ダンス、宗教ダンス、典礼ダンスなど、特別な機能を持つ場合があります。ダンスはパフォーマンスだけにとどまらず、運動の一形態として、また時には他のスポーツや活動のトレーニングとしても用いられます。ダンスパフォーマンスやダンスコンテストは世界中で行われており、様々なスタイルや基準が提示されています。

ダンスは、運動や自己表現の一環として、一人で行うこともできます。ダンスは人間にとってごく一般的な行動であり、必ずしも特別な振り付けを必要としません。

演劇と参加型ダンス

アメリカのジャズダンスカンパニーのメンバーが、コンサートダンスの場でフォーマルなグループルーティンを披露します。

舞台舞踊は、パフォーマンスダンスやコンサートダンスとも呼ばれ、主に見せ場として、通常は名ダンサーが舞台上で行うパフォーマンスです。物語を伝えることが多く、パントマイムや衣装、背景などを用いたり、音楽に合わせて表現したりすることもあります。音楽は劇場用に特別に作曲され、演奏されることも多いですが、必ずしもそうする必要はありません。例としては、西洋のバレエやモダンダンス、バラタナティヤムなどのインド古典舞踊、龍舞などの中国や日本の歌舞劇などがあります。古典舞踊のほとんどはダンスのみを中心としていますが、パフォーマンスダンスはオペラやその他のミュージカルにも登場することがあります。

参加型ダンスは、フォークダンス、社交ダンス、ラインダンス、サークルダンス、チェーンダンス、スクエアダンスなどのグループダンス、西洋の社交ダンスなどのパートナーダンスなど、どのようなものであっても、観客に利益をもたらすためというよりも、主に社交や運動、参加者の柔軟性の向上などの共通の目的のために行われます。このようなダンスには物語がほとんどありません。グループダンスとコール・ド・バレエ、社交パートナーダンスとパ・ド・ドゥは大きく異なります。ソロダンスや表現ダンスでさえ、ダンサー自身の満足のためだけに行われることもあります。参加型ダンサーは皆、同じ動きやステップを用いることが多いですが、例えばエレクトロニックダンスミュージックのレイブカルチャーでは、大勢の人が周りの人と協調せずに自由に踊ることがあります。一方、人々が参加できる、または参加しなければならない特定のダンスについて厳格なルールを定めている文化もあります。[ 1 ]

歴史

ビンベトカの中石器時代の踊り子たち

初期のダンスの考古学的証拠としては、インドのマディヤ・プラデーシュ州ビンビトカの岩窟住居跡に描かれた1万年前の壁画 [ 2 ]や、紀元前 3300年頃のエジプトの墓の壁画に描かれた踊る人物像などが挙げられる。文字が発明される以前、ダンスは物語を世代から世代へと伝える口承やパフォーマンスの重要な手段であったと提唱されている[ 3 ] 。恍惚としたトランス状態や癒しの儀式におけるダンスの使用（現代の多くの先住民文化で今日見られるように）は、ダンスの社会的発展におけるもう一つの初期の要因であったと考えられている[ 4 ] 。

ササン朝のボウルの上の踊り子と音楽家たち、イラン

ダンスに関する記述は、記録に残る非常に古い歴史に見られます。ギリシャのダンス（コロス）は、プラトン、アリストテレス、プルタルコス、ルシアンによって言及されています。[5] 聖書とタルムードには、ダンスに関連する多くの出来事が記されており、30以上の異なるダンス用語が含まれています。[ 6 ]新石器時代の中国の陶器には、人々が手をつなぎながら一列になって踊っている様子が描かれており、[ 7 ]甲骨文字には「ダンス」を表す最古の中国語の単語が記されています。[ 8 ]ダンスは『呂氏春秋』に記述されています。[ 9 ] [ 10 ]古代中国の原始的なダンスは、魔術やシャーマンの儀式と関連していました。[ 11 ]

ベールと仮面をつけた踊り子のギリシャの青銅像、紀元前3～2世紀、アレクサンドリア、エジプト

紀元前1千年紀のインドでは、日常生活の様々な側面を体系化しようと試みた多くの文献が編纂されました。バラタ・ムニの『ナティヤ・シャーストラ』 （文字通り「劇作術の文献」）は、初期の文献の一つです。この文献は主に演劇を扱っており、その中でダンスはインド文化において重要な役割を果たしています。以来、インドでは現代に至るまで、ダンスの力強い伝統が脈々と受け継がれ、文化、儀式、そしてボリウッドのエンターテイメント産業において重要な役割を果たし続けています。他の多くの現代ダンスの形態も同様に、歴史的、伝統的、儀式的、そして民族舞踊に起源を遡ることができます。[ 12 ]

音楽

ブルガリアのソフィアで行われたポップミュージックコンサートで、2人の女性が踊っています

ダンスは、一般的には音楽の伴奏とともに行われるが、必ずしもそうとは限らない。一部のダンス（タップダンスやガムブーツダンスなど）では、音楽の代わりに（または音楽に加えて）独自の伴奏が提供される。初期の音楽とダンスの多くは互いのために作られ、しばしば一緒に演奏される。伝統的なダンスと音楽の組み合わせの顕著な例としては、ジグ、ワルツ、タンゴ、ディスコ、サルサなどがある。バロック音楽とバロックダンスのように、いくつかの音楽ジャンルには並行したダンス形式がある。また、クラシック音楽とクラシックバレエのように、命名法は同じでも別々に発展したダンスと音楽の種類もある。振付と音楽は互いに補完し合い、振付師とダンサーによって語られる物語を表現することを意図している。[ 13 ]

リズム

リズムとダンスは、歴史と実践において深く結びついています。アメリカのダンサー、テッド・ショーンは、「ダンスのあらゆる研究の根底にあるリズムの概念は、永遠に語り尽くすことのできないものである」と書いています。[ 14 ]音楽のリズムには、2つの主要な要素が必要です。テンポを確立する規則的に繰り返される脈拍（「ビート」または「タクトゥス」とも呼ばれます）と、拍子または基本的なリズムパターンの特徴を確立するアクセントと休符のパターンです。基本的な脈拍の長さは、単純なステップやジェスチャーとほぼ同じです

タンゴの基本的なリズム

ダンスは一般的に特徴的なテンポとリズムパターンを持っています。例えばタンゴは通常、2 41分間に約66拍の速さで進みます。「スロー」と呼ばれる基本的なゆっくりとしたステップは1拍続き、つまり「右から左へ」のステップは1拍に相当します2 4ダンスの基本的な前進と後進は「ゆっくり・ゆっくり」と数えられ、多くの追加動作は「ゆっくり・速く・速く」と数えられる。[ 15 ]

身体の反復運動は、多くの場合、筋肉の「強い」動きと「弱い」動きを交互に繰り返すことによって成り立っています。[ 16 ]この左右、前後、上昇と下降の交互運動と人体の左右対称性を考慮すると、多くのダンスや音楽は2 拍子や 4 拍子になっています。こうした動きの中には、ハンマーを持ち上げる方が打撃よりも時間がかかるなど、ある段階で他の段階よりも時間がかかるものもあるため、ダンスのリズムの中には3 拍子になるものもあります。[ 17 ]バルカン半島の民族舞踊のように、ダンスの伝統はより複雑なリズムに大きく依存している場合もあります。固定された一連のステップで構成される複雑なダンスでは、そのシーケンスに合わせて一定の長さのフレーズやメロディーが必要になります。

ルルランド – 踊る少女(絵画と絹の布。AL Baldry 1901、107 ページ以前)、碑文には次のように記されています。「踊りはリズムの一形態である/ リズムは音楽の一形態である/ 音楽は思考の一形態である/ そして思考は神性の一形態である。」

音楽の伴奏は最古のダンスに端を発しており、古代エジプト人はダンスの起源を神聖なアトトスに求めていた。アトトスは、宗教儀式に伴う音楽が参加者のリズミカルな動きを引き起こし、その動きを均整のとれたものにしたとされている。ダンスが音楽のリズムから生じるという考えは、ルネサンス期のヨーロッパで、ダンサーのグリエルモ・エブレオ・ダ・ペーザロの作品に見られる。ペーザロは、ダンスを、人間の耳に届く「調和の音程と完全な調和」に一致する内面的な精神的な動きから生じ、それを表現する身体的な動きであると述べている[ 16 ] 。またそれより以前、マクデブルクのメヒティルトは、ダンスを、イエスの「わたしは笛を吹いたが、あなたたちは踊らなかった」という言葉に予示されていた聖なる生活の象徴として捉え、[ 18 ]次のように書いている。

あなたが導いてくれなければ、私は踊ることができません。もしあなたが私を高く飛び立たせたいなら、歌ってください。そうすれば私は愛へと、愛から知識へと、知識から人間のあらゆる感​​覚を超えた恍惚へと飛び立ちます。[ 19 ]

実際、トワノ・アルボーの16世紀の有名なダンス論文『オーケソグラフィー』は、80種類以上の異なるドラムリズムの定義から始まります。[ 20 ]

ヘレン・モラー
カミーユ・クローデル作『ワルツ』、1905年キャスト

ダンスは古来より音楽への応答として出現してきたと考えられてきましたが、リンカーン・カースタインが示唆するように、原始音楽がダンスから生まれた可能性も少なくとも同じくらいあります。ショーンもこれに同意し、ダンスは「人類最初の芸術であり、他のすべての芸術の母体であった」と述べ、「今日の詩の韻律でさえ、ダンスと朗読が同時に行われていたため、身体の動きによって必要となったアクセントの結果である」と述べています[ 14 ]。この主張は、詩の基本的なリズム単位を表す際に「フット（foot）」という用語が一般的に使用されていることからもある程度裏付けられています。

音楽家のスコールズもこの見解を支持し、1小節に2拍、3拍、または4拍子という音楽の安定した拍子、均等でバランスのとれたフレーズ、規則的なリズム、対比、繰り返しなどは、ダンスが音楽に及ぼす「計り知れない」影響によるものだと述べている。[ 21 ]

したがって、ショーンは「音楽なしでダンスを発展させることは十分可能であり、音楽はダンスの助けなしに完全に自立することができる」と主張している。しかしながら、「二つの芸術は常に関連しており、その関係はダンスと音楽の両方に利益をもたらす可能性がある」[ 22 ]。どちらの芸術が他方よりも優れているかは議論の余地がある。賛美歌や民謡によく使われるバラードの小節は、ダンスに由来する名前で、キャロルも元々は円形ダンスであった。例えば、純粋に音楽的な作品の多くは「ワルツ」や「メヌエット」と名付けられており、一方、 2部および3部インヴェンション、アダムスのヴァイオリン協奏曲、アンダンティーノなど、抽象的な音楽作品に基づいたコンサートダンスも数多く制作されている。同様に、詩はしばしばダンスや音楽作品にちなんで構成され、名付けられている。一方、ダンスと音楽はどちらも「小節」や「韻律」の概念を詩から得ている。

ショーンは、音楽のリズムの芸術が「生理学的法則に従って」時間の長さ、休止、アクセントを区別して組み合わせることであるのに対し、「可塑的リズム」（つまりダンス）の芸術は「空間内での動きを指定し、長い時間値をゆっくりとした動きで、短い時間値を素早い動きで解釈し、休止をその多様な連続で調整し、筋肉の神経支配によって体重を加えることで、音のアクセントをさまざまなニュアンスで表現することである」というダルクローズの言葉を賛同して引用している。

ショーンは、音楽の時間体系は「人間が作った人工的なもの、つまり人工的な道具である。一方、リズムは昔から存在し、人間には全く依存しないもの」であり、「人間の心が都合の良い単位に分割した、連続して流れる時間」であると指摘し、ダンスの価値観と時間認識に戻ることで音楽を復活させることができるかもしれないと示唆している。[ 23 ]

20世紀初頭のアメリカのダンサー、ヘレン・モラーは、「音楽、詩、ダンスを最初から切っても切れない結びつきで結びつけているのは、調和や色彩よりもリズムと形式である」と述べています。[ 24 ] [注1 ]

アプローチ

唐代の女性ダンサー

演劇

コンサートダンスは、オペラ同様、その大規模な形式において、一般的に物語的な劇的構造に依存している。振付の動作や所作は、主に登場人物の個性や目的、そしてプロットにおける役割を模倣することを意図している。 [ 29 ]こうした演劇的な要件は、非物語的なダンススタイルで通常見られる動作よりも、より長く自由な動作へと向かう傾向がある。一方、19世紀に発展したバレエ・ブランは、リズミカルなダンスの幕間を許容し、これは20世紀に完全に「プロットのない」バレエへと発展し、 [ 30 ]プチ・アレグロのような速くてリズミカルなダンスステップを許容した。よく知られた例は、『白鳥の湖』第2幕の「白鳥の子たちの踊り」である。

バレエは16世紀から17世紀のフランスとイタリアの宮廷劇から発展し、ダンサーたちはしばらくの間、組曲[ 31 ]でよく知られたダンスから発展したダンスを踊っていました。これらのダンスはすべて、それぞれのダンスと密接に結びついた明確なリズムによって特徴づけられていました。これらはロマン主義的なナショナリズムの時代にキャラクターダンスとして登場しました。

ロマン主義時代には、より大規模なオーケストラと、リズムの明瞭さを欠いた壮大な音楽構想、そして劇的なパントマイムを強調したダンスが伴い、バレエは広く流行しました。ルドルフ・ラバンが「リズムと形」と呼ぶ、性格、感情、そして意図を伝える動きのより広い概念が必要でした。[ 32 ]一方、他のダンススタイルに不可欠なステップと音楽の正確な同期は、特定の場面でのみ必要とされました。そのため、ラバンにとって、近代ヨーロッパ人は「原始的なリズムの動き」の意味を全く理解できないように見えました。[ 33 ]この状況は、20世紀にイーゴリ・ストラヴィンスキーの『春の祭典』などの作品によって変化し始めました。その新しいリズム言語は、原始的な過去の原始的な感情を呼び起こしました。[ 34 ]

バレエのようなインドの古典舞踊は、しばしば劇的な形式をとるため、物語表現と「純粋な」舞踊の間にも同様の相互補完性が見られます。この場合、両者は別々に定義されますが、必ずしも別々に演じられるとは限りません。抽象的かつ技術的なリズム要素は、nritta （ヌリッタ）と呼ばれます。しかし、nrittaと表現舞踊（nritya）はどちらもリズム体系（ tala ）と密接に結びついています。指導者たちは、ダンサーのニーズに 合わせて、 bol （ボル）と呼ばれる音声によるリズム記憶システムを適応させてきました。

歌舞伎や能といった日本の古典舞踊は、インドの舞踊劇と同様に、物語性と抽象性を区別しています。歌舞伎は、時代物（歴史的）、世話物（国内的）、所作事（所作事）の3つの主要なカテゴリーに分けられます。 [ 35 ]同様に、能も、筋書きの進行と所作の語りを主眼とした劇能と、アクロバット、小道具、複数の登場人物、そして精巧な舞台演出を伴う舞踊である風流能に区別されます。[ 36 ]

参加型で社交的

コントラダンスは、ヨーロッパのルーツを持つ参加型の社交的なフォークダンスの一種です

観客向けではなく参加型の社交ダンスには、さまざまな形のパントマイムや物語りが含まれるが、典型的には音楽のリズムパターンに非常に近いため、ワルツやポルカなどの用語は、ダンス自体と同じくらい楽曲を指す。ダンサーの足のリズムは、タップダンスのように、音楽の重要な部分を形成することもある。例えばアフリカのダンスは、固定された基本ステップに根ざしているが、高度なリズム解釈も可能であり、足や胴体で基本拍子を刻み、肩、膝、頭でクロスリズムを拾い、一流のダンサーはポリリズムパターンのすべての要素を同時に造形的に表現する。[ 37 ]

文化的伝統

アフリカ

「クドゥロ」（アンゴラの踊り）
ウガンダの若者が平和の文化祭で踊る

アフリカのダンスは社会に深く根付いており、コミュニティの主要なイベントはダンスに反映されることが多く、出産や葬式、結婚式、戦争の際にダンスが披露されます。[ 38 ] : 13 伝統的なダンスは、宗教的伝統や性的基準を含む文化的道徳を伝え、悲しみなどの抑圧された感情を吐き出し、戦争であれ穀物を挽くであれコミュニティのメンバーが協力するように動機付け、精神的な儀式を執り行い、社会の結束に貢献します。[ 39 ]

アフリカ大陸全土で数千ものダンスが踊られています。これらは、伝統的、新伝統的、そして古典的なスタイルに分けられます。特定の社会に伝わる民俗舞踊、伝統的なスタイルを模倣して近年創作されたダンス、そして学校や個人レッスンでより正式に伝承されているダンスです。[ 38 ] : 18 アフリカのダンスは、ヨーロッパの宣教師や植民地政府など、多くの勢力によって改変されてきました。彼らはしばしば、地元のダンスの伝統を放縦で邪魔になるものとして抑圧しました。[ 39 ]現代のアフリカ文化におけるダンスは、新しい文脈においても伝統的な機能を果たしています。例えば、病院の開院を祝うダンス、見知らぬ都市に移住した農村部出身者のコミュニティを築くダンス、キリスト教の教会の儀式に取り入れられるダンスなどがあります。[ 39 ] [ 40 ]

アジア

インド古典舞踊家
ミンター劇場（マンダレー）で、インワ舞台芸術学校の名教師が伝統的な手の動きを披露しています

インド古典舞踊はすべて、程度の差はあれナティヤシャーストラに根ざしており、共通の特徴を共有しています。例えば、ムドラ（手のポーズ）、いくつかの体の姿勢、脚の動き、そして劇的または表現力豊かな演技、いわゆるアビナヤの取り入れなどです。インド古典音楽が伴奏となり、ほぼすべてのスタイルのダンサーは、打楽器の音に合わせて、足首に鈴を付けます。

現在、インド古典舞踊には多くの地域的な変種が存在します。数十年にわたる議論の末、現在のオリッサ州のオディッシー（オリッシー）舞踊であるミティラーにまで遡ることができる「オドラ・マガディ」のような舞踊は、異なる地域間の文化交流における舞踊の影響を示しています。[ 41 ]

インドとパキスタンにまたがるパンジャーブ地方は、バングラ発祥の地です。音楽様式としても、また舞踊としても広く知られています。バングラは、古くからの収穫祭、愛、愛国心、あるいは社会問題などと深く結びついています。その音楽は「ドール」と呼ばれる楽器によって調和されます。バングラは単なる音楽ではなく、人々がドール（太鼓）を打ち、ボリヤーン（歌詞）を歌い、踊る収穫祭の舞踊でもあります。シク教徒のヴァイサキ祭によってさらに発展しました。

スリランカの舞踊には、悪魔の踊り（ヤクン・ナティマ）が含まれます。これは、仏教伝来以前のスリランカの時代まで遡る、綿密に練り上げられた儀式で、古代の「アーユルヴェーダ」による疾病の原因概念と心理療法、そしてシンハラ人の宇宙観を含む様々な側面が融合されています。その影響はスリランカの古典舞踊にも見られます。[ 42 ]

インドネシアの バリのダンサー

インドネシアの舞踊は、インドネシアの民族と文化の豊かさと多様性を反映しています。インドネシアには1,300以上の民族が存在し、オーストロネシア人とメラネシア人の文化的ルーツ、そしてアジアや西洋からの様々な文化的影響から見て取れます。インドネシアの舞踊は、儀式的な動作や宗教儀式に由来しており、戦争舞踊、病気を治したり防いだりするためのシャーマンの舞踊、雨乞いの舞踊など、様々な儀式から始まります。1世紀にインドネシアでダルマが受け入れられると、ヒンドゥー教と仏教の儀式が様々な芸術作品の中で称えられました。『ラーマーヤナ』、『マハーバーラタ』、『パンジ』といったヒンドゥー教の叙事詩は、西洋の伝統における「バレエ」に似た「センドラタリ」と呼ばれる舞踊劇のインスピレーションとなりました。精巧で高度に様式化された舞踊技法が発明され、特にジャワ島とバリ島で今日まで受け継がれています。ジャワのワヤン・ウォンダンスは、ラーマーヤナやマハーバーラタのエピソードから着想を得ていますが、インド版とは大きく異なります。インドネシアの舞踊は、インドの舞踊ほど「ムドラ」を重視しておらず、むしろ現地の様式を重視する傾向があります。ジャワの神聖な儀式舞踊であるベダヤは、14世紀のマジャパヒト朝時代、あるいはそれ以前にまで遡ると考えられており、この舞踊は、シヴァ神、ブラフマー神、ヴィシュヌ神といったヒンドゥー教の神々を崇拝するために処女の少女たちが踊った儀式舞踊に由来しています。バリ島では、舞踊はヒンドゥー教の神聖なダルマの儀式に不可欠な要素となっています。一部の専門家は、バリ舞踊はジャワの古い舞踊の伝統に由来すると考えています。14世紀の東ジャワの寺院のレリーフには、今日のバリ舞踊で使用されている頭飾りに似た冠と頭飾りが描かれています。イスラム教がインドネシア諸島に広まり始めたのは、先住民族の舞踊やダルマダンスがまだ人気を博していた頃です。芸術家やダンサーたちは今でも以前の時代のスタイルを踏襲し、物語はよりイスラム的な解釈に置き換えられ、衣装もイスラムの教えに沿ったものになっています。[ 43 ]

中東のダンスは、伝統的な円形ダンスをある程度現代化したもので、ダブケ、タムザラ、アッシリアの民族舞踊、クルド人のダンス、アルメニアのダンス、トルコのダンスなどが含まれます。[ 44 ] [ 45 ]これらのダンスはすべて、参加者が（ダンスのスタイルに応じて）手や腕を繋ぎ合わせて踊ります。参加者はダンスフロアを回りながら、脚と肩をリズミカルに動かします。ダンスのリーダーは通常、杖かハンカチを持ちます。[ 44 ] [ 46 ]

ヨーロッパと北米

ピエール＝オーギュスト・ルノワール作「ブージヴァルの踊り」（1883年）

フォークダンスはヨーロッパ各地で多様で、数百年、あるいは数千年前に遡るものもありますが、多くのフォークダンスには、コーラーによるグループでの参加、参加者同士の手つなぎや腕組み、キャロルと呼ばれる固定された音楽形式など、共通の特徴があります。[ 47 ]メイポールダンスのように多くの国で共通しているものもあれば、ケイリーやポルカのように特定の文化に深く根ざしたものもあります。スクエアダンスのようなヨーロッパのフォークダンスの中には、新世界にもたらされ、後にアメリカ文化の一部となったものもあります。

1892年、『くるみ割り人形』初演後の公演で、シュガープラムの妖精役のヴァルヴァラ・ニキチナと騎士役のパベル・ゲルト
スー族のバッファローダンス、1894年

バレエは、リズム、ドラマ、詩、歌、衣装、ダンスを組み合わせた豪華な宮廷ショーから、まずイタリアで、次いでフランスで発展しました。宮廷貴族がパフォーマーとして参加しました。自身もダンサーであったルイ14世の治世には、ダンスはより体系化されました。プロのダンサーが宮廷のアマチュアダンサーに取って代わるようになり、バレエマスターはフランス政府によって免許状を取得しました。最初のバレエダンスアカデミーは、1661年にパリに開校したアカデミー・ロワイヤル・ド・ダンス（王立ダンスアカデミー）でした。その後まもなく、アカデミーと連携した最初の組織化されたバレエ団が結成されました。この団は男性のみのアンサンブルとして始まりましたが、1681年までに女性も加わりました。[ 3 ]

20世紀のコンサートダンスは、より自由なテクニックの探究を特徴とするダンススタイルの革新の爆発的な増加をもたらした。モダンダンスとして知られるようになるものの初期の先駆者には、ロイ・フラー、イサドラ・ダンカン、メアリー・ウィグマン、ルース・セント・デニスなどがいた。音楽とダンスの関係は、エミール・ジャック＝ダルクローズが考案したリトミックの基礎となっており、マリー・ランベールなどの芸術家を通じてモダンダンスとモダンバレエの発展に影響を与えた。ルドルフ・シュタイナーとマリー・シュタイナー＝フォン・シヴァースによって開発されたオイリュトミーは、伝統的なダンスを彷彿とさせる形式的要素と新しいより自由なスタイルを組み合わせ、ダンスに複雑で新しい語彙を導入した。1920年代には、マーサ・グラハム、レスター・ホートン、ドリス・ハンフリーなどの新しいスタイルの重要な創始者が活動をスタートした。この頃から、多種多様なダンススタイルが開発されてきた。モダンダンスを参照。

アフリカ系アメリカ人のダンスは、ダンススタジオ、学校、カンパニーではなく、日常の空間で発展しました。タップダンス、ディスコダンス、ジャズダンス、スウィングダンス、ヒップホップダンス、そしてロックンロール音楽やロックンロールダンスとの関わりを持つリンディホップは、世界的な影響を与えてきました。21世紀には、ヒップレットなど、クラシックバレエのテクニックとアフリカ系アメリカ人のダンスを融合させたダンススタイルも登場しています。[ 48 ]

ラテンアメリカ

ストリートサンバダンサーはカーニバルのパレードやコンテストでパフォーマンスを披露します

ダンスはラテンアメリカの社会生活と文化の中心です。ブラジルのサンバ、アルゼンチンのタンゴ、キューバのサルサは国際的に人気のあるパートナーダンスであり、メレンゲ、クエカ、プレナ、ハラベ、ホロポ、マリネーラ、クンビア、バチャータなどの民族舞踊は、それぞれの国の文化の重要な構成要素です。[ 49 ]伝統的なカーニバルの祭りでは、これらのダンスやその他のダンスが盛大に祝われます。[ 50 ]

ダンスはラテンアメリカ の多くの文化や民族の間で集団的アイデンティティを形成する上で重要な役割を果たしてきました。[ 51 ]ダンスは、この地域の多くのアフリカ、ヨーロッパ、先住民を結びつける役割を果たしました。[ 49 ]カポエイラなどの特定のダンスのジャンルや、特に特徴的なケブラーダや骨盤のスイングなどの体の動きは、ラテンアメリカの歴史を通じてさまざまな形で禁止され、称賛されてきました。[ 51 ]

ダンススタイル

ダンスは、伝統主義と現代性という異なる意味合いを持つスタイルに分類されることが多く、複数のジャンルが融合し、互いに影響を与え合うことも少なくありません。

伝統的なダンスとして捉えられているものには、イタリア・ルネサンス期に誕生し、優雅で正確な動き、ポワントワーク、そして振り付けによる物語性で知られるバレエがあります。結婚式などのフォーマルな社交の場では、ワルツ、タンゴ、フォックストロット、チャチャなどを含む社交ダンスが披露されることがあります。これらはすべて、通常パートナーと一緒に踊られます。また、アイルランドのステップダンス、インドのバラタナティヤム、スペインのフラメンコ、アフリカの部族舞踊といった フォークダンスもあります。

ダンススタイルは、多くの場合、特定の文化やサブカルチャーに固有のものです。例えば、アフリカ系アメリカ人のフォークダンスから発展したジャズダンスや、インド古典舞踊、フォークダンス、そしてモダンスタイルを融合させたボリウッドダンスなどが挙げられます。ダンススタイルは、ベリーダンスのように、起源を越えて広まる傾向があります。

エアリアルダンス、ヒップホップダンス、モダンダンス、ストリートダンスなど、多くのダンススタイルが 1970 年代に誕生しました。

教育

ダンサーはダンススタジオで練習します。ダンススタジオは、古典舞踊やその他の多くのスタイルのトレーニングの主な場です

多くの高等教育機関では、芸術・人文科学プログラムの一環としてダンス研究が提供されています。大学によっては、ダンスで文学士号やそれ以上の学位を取得できる場合もあります。ダンス研究のカリキュラムには、ダンスの実践とパフォーマンス、振付、民族舞踊学、運動学、ダンス記譜法、ダンスセラピーなど、多様なコースやトピックが含まれます。最近では、学習障害、情緒障害、行動障害のある生徒、注意欠陥多動性障害（ADHD）のある生徒を対象に、一部の学校でダンスと運動療法が算数の授業に取り入れられています。[ 52 ]

ダンスは、プロのダンス教室以外では、2歳から成人まで、あらゆる年齢層に教えられています。このようなダンス教育は、世界中のダンススタジオでよく見られます。[ 53 ]一部の公立K-12学校では、生徒が初心者レベルのダンスクラスを受講したり、学校行事でダンスチームに所属してパフォーマンスを披露したりする機会を提供しています。[ 54 ]

職業

ダンサー

プロのダンサーは通常、契約社員として、または特定の公演や作品のために雇用されます。ダンサーの職業生活は、一般的に、絶えず変化する労働環境、強い競争圧力、そして低賃金の中で営まれます。そのため、プロのダンサーは経済的な安定を得るために収入を補わなければならないことがよくあります。アメリカでは、多くのプロのダンサーが組合（アメリカ音楽家組合、映画俳優組合、俳優組合など）に所属しており、組合員の労働条件と最低賃金を定めています。プロのダンサーは高い運動能力を備えていなければなりません。成功するキャリアを築くには、多くのダンススタイルに精通し、高い技術的背景を持ち、健康を維持するために他の形態の身体トレーニングを行うことが有利です。[ 55 ]

教師

ダンス教師は、通常、ダンスパフォーマンスの指導、競技ダンサーの指導、またはその両方に重点を置いています。彼らは通常、指導または指導するダンスの種類においてパフォーマンス経験を有しています。例えば、ダンススポーツの教師やコーチは、トーナメントダンサーや元ダンススポーツパフォーマーであることが多いです。[ 56 ]ダンス教師は、ダンサーを指導し、ダンス競技会で成功する振り付けを作成するために、ダンス競技会のスタイルに関するジェネラリストとスペシャリストの両方である必要があります。ダンス教師は、競技会のサーキットを研究し、年齢に適した曲を選ぶこと、制限時間内に収めること、特定のスタイルで競技するために必要な最小限のテクニックを習得することなど、競技会に出場するために必要なすべてのロジスティクスを整理する必要があります。[ 57 ]ダンス教師は、自営業の場合もあれば、ダンススクールやダンスプログラムのある一般教育機関に雇用されている場合もあります。中には、大学のプログラムや、プロの古典舞踊（バレエなど）やモダンダンスカンパニーと提携している他の学校に勤務する教師もいます。また、様々な種類のダンスのトレーニングとパフォーマンス指導を提供する、小規模な個人経営のダンススクールに雇用されている教師もいます。[ 56 ]

振付師

振付師はダンスにおけるダンスの動きをデザインする人です。多くの場合、大学で訓練を受けており、通常は特定のプロジェクトに雇われますが、まれに特定のダンスカンパニーの専属振付師として契約で働くこともあります。[ 58 ] [ 59 ]

スタジオオーナー

ダンススタジオは民間セクターです。ダンススタジオは通常、商業ダンスや競技ダンスで人気のあるものに基づいてクラスを提供しています。提供されるクラスは、ヒップホップ、ジャズ、コンテンポラリー、バレエなど多岐にわたります。ダンススタジオ業界は2014年以降3.8%成長しており、2019年には40億ドルに達しました。[ 60 ] 2017年現在、米国には約32,000のダンススタジオがあります。[ 57 ]

コンペティション審査員

審査員は、ブロードウェイ、バレエ団、あるいは商業ダンスでプロとして活躍したダンサーです。審査員はそれぞれ異なるダンスのバックグラウンドを持つため、ダンスの審査においてそれぞれ異なる意見を持つことになります。審査システムは、審査員が意見を数値スコアに反映させる必要があるため、一貫性がないと批判されてきました。採点システムは、優れた競技ダンスの主要な要素に基づいています。審査員はダンサーにフィードバックを提供し、技術、パフォーマンススキル、そしてルーティンの向上を支援します。[ 57 ]

大会

ウィンナワルツを中心としたアマチュア社交ダンス大会

ダンスコンテストとは、出場者が審査員の前でダンスを披露し、賞や場合によっては賞金を獲得する組織的なイベントです。ダンスコンテストにはいくつかの主要な種類があり、主に披露されるダンスのスタイルによって区別されます。ダンスコンテストは、業界をリードする講師、審査員、振付師、そして競合するスタジオの他のダンサーとの繋がりを築く絶好の機会です。

競技ダンス

競技ダンスは2～3日間にわたって行われ、ダンススタジオが賞を競います。競技ダンスは地域レベルと全国レベルの両方で開催されます。ダンサーはコンテンポラリー、リリカル、ジャズ、タップ、ヒップホップ、バレエなど、さまざまなスタイルで競います。ダンサーは通常2分程度の振り付けされたルーティンを披露し、資格のある審査員がルーティンを採点して順位付けします。審査員は、振り付け、感情表現、テクニック、全体的な印象の4つの主要カテゴリーに基づいてルーティンを採点します。全体的な印象には、通常、衣装、選曲、その他の細かい要素が含まれます。[ 57 ]ダンス競技ダンスの目的は、ダンサーに安全で教育的な場を提供することです。競技ダンスは、観客の前でパフォーマンスする機会を与えます。多くの場合、競技ダンスはプロの舞台で行われますが、高校の劇場など、パフォーマンス以外の場所で行われる場合もあります競技カテゴリーに関しては、ほとんどの大会ではダンスのスタイル、年齢、経験レベル、競技に参加するダンサーの数に応じてカテゴリーが決められています。[ 57 ]

社交ダンス

メイン記事：社交ダンス

社交ダンスが競技スポーツになったのは、世界ダンス評議会（WDC）の一部門が、どのダンスが標準的な社交ダンスであるかを明確にしたためである。WDCによると、標準的なダンスは、国際標準のワルツ、タンゴ、フォックストロット、ウィンナワルツ、ルンバ、クイックステップ、チャチャチャ、サンバ、パソドブレ、ジャイブである。世界ダンス評議会には、ルールの維持に協力する、さまざまな国からの59のメンバーがいる。標準化されているとされるダンスは、ラテンダンスと標準ダンスに起源を持つ。1950年代、評議会は、ダンススタイルを統一するために、さまざまなスタイルのルールを書き始めた。ルールは、体の様式的な動きと、それぞれの特定のダンスで使用される主なステップを明確にするために役立つ。ダンサーが特定のスタイルをマスターするには、長いプロセスを経なければならない。彼らは、クラス分けされていないダンサーからスタートし、最高の国際レベルであるレベルSクラスになるために何年も努力する。ダンサーは、レベルアップするために、公認された競技会でペアを組んで競う。多くの場合、ダンサーは何年も同じペアを組む。カップルはペアとしてスコアを受け取り、レベルアップするには上位3位以内に入賞しなければならない。レベルアップする数は、競技の難易度と何人倒したかによって決まる。一般的に、カップルはレベルアップするために小規模な地方大会から始める。レベルが上がるにつれて、国内または国際レベルのより大規模な大会に出場するようになる。通常、ペアは学校に通いながら、これらの大会に出場するために1～2日間一緒に海外に遠征する。審査員はスケーティングシステムを用いてペアを採点する。このシステムには11のルールがあり、審査員はこれらを用いて次のラウンドに進む選手を決定する。ほとんどのルールは最終ラウンドにのみ適用され、各ダンスのスコアを算出し、同点を防ぐ。[ 61 ]

その他の主なダンスコンテストの種類は次のとおりです。

  • ハイランドダンスやアイリッシュダンスなど、1 つのダンス スタイルのみが許可されるシングル スタイルの競技。
  • さまざまなダンススタイルを認めるオープンなコンテスト。
  • オリンピックでは、ダンスは1930年代からオリンピック競技への追加を目指してきました。2021年夏季オリンピックでは、ブレイクダンス決勝が加わります。

ダンス外交

1950年代から1960年代にかけて、ダンスの文化交流は国際外交、特に東アジアおよび南アジア諸国間の共通の特徴でした。例えば中華人民共和国は、反植民地主義の連帯を示すために、インドネシア、インド、ビルマなど、最近独立した国々の美的伝統から学び、敬意を表するダンス外交の方式を開発しました。[ 62 ]

健康

履物

ほとんどのダンスにおいて、足は動きの源であり、ダンスの種類、動きの激しさ、踊る場所によっては、ダンサーの健康と安全を助けるために特別な靴が必要になる場合があります

ダンスシューズは、ダンサーの動きをサポートする可能性と、動きを制限する可能性の両方を持ちます。[ 63 ]シューズの効果は、足が本来行うべきではない動きを補助したり、難しい動きを容易にしたりする能力に関係しています。こうした影響は、シューズの機能が身体の通常の可動性から不自然なものであるため、健康と安全に関係します。

バレエ

トウシューズ
使い古したトウシューズ

バレエは、足首とつま先が他の動きの主な支えとなるため、バイオメカニクスによる怪我のリスクが高いことで知られています。トウシューズは、つま先を全て一緒に配置することで、より長時間つま先で立つことができるように設計されています。[ 64 ]

トウシューズには、ダンス中に怪我を軽減したり痛みを和らげたりするのに役立つアクセサリーがあり、つま先パッド、つま先テープ、クッションなどがあります。[ 65 ]

ボディイメージ

ダンサーは、業界の特定の型に当てはめるために、自分のボディイメージに非常に気を取られていると公に考えられています。研究によると、多くのダンサーが芸術における理想的な体重を目指しているため、食習慣をコントロールすることがより困難になっています。ダンサーの中には、特定のイメージを維持するために、しばしば乱用的な戦術に頼る人もいます。よくある例としては、体重管理のために下剤を乱用し、不健康な摂食障害に陥ってしまうダンサーが挙げられます。研究によると、多くのダンサーが、過剰な運動や食事制限など、少なくとも1つの体重管理方法を使用しています。ダンサーが平均以下の体重を維持するというプレッシャーは、彼らの食事や体重管理の行動、そしてライフスタイルに影響を与えます。[ 66 ]ダンサーは芸術的な性質上、多くの敵対的な自己批判的な傾向を持つ傾向があります。パフォーマーによく見られるように、さまざまな人が自己思いやりの概念に抵抗する可能性があります。[ 67 ]

摂食障害

北米では、摂食障害は重大な公衆衛生上の課題となっており、若い女性の約10％が影響を受けている。ダンスなどの美的感覚を重視するスポーツに従事する人々は、ほっそりとした体型への強いプレッシャーのために、さらに大きなリスクに直面している。[ 68 ]ダンサーの摂食障害は一般的に非常に一般的である。データ分析と発表された研究を通じて、実際に不健康な摂食障害に陥ったり摂食障害を発症したりするダンサーの割合と正確性に関する十分なデータが抽出された。ダンサーは一般に、一般の人々よりも摂食障害を発症するリスクが高く、主に神経性無食欲症とEDNOSに陥る。研究では、ダンサーが神経性過食症を発症するリスクが高いこととの直接的な相関関係をまだ区別していない。研究では、ダンサーは全体として摂食障害、より具体的には神経性無食欲症とEDNOSを発症するリスクが3倍高いと結論付けられている。[ 69 ]

健康上の利点

上記の懸念にもかかわらず、ダンスには多くの健康上の利点があります。例えば、専門家は、ダンスが心臓血管の健康を改善し、ストレスを軽減し、柔軟性と敏捷性を高め、筋肉と骨を強化し、バランスと協調性を高めることを指摘しています。精神的および認知的な利点には、記憶力と認知力の向上、脳の活性化、認知症のリスクの軽減などがあります。[ 70 ]ダンスはまた、自尊心を高め、仲間との社会的つながりを促進するのに役立ちます。[ 71 ]

ポップカルチャーにおけるダンス

ソーシャルメディア

ダンスは、 TikTokを含む多くのソーシャルメディアプラットフォームで人気のあるコンテンツ形式になりました。2020年、TikTokダンスはパンデミックによる都市封鎖の間、人々がつながりを保つ手段でした。[ 72 ] TikTokが2017年にデビューして以来、20代前半から30代のプロのダンサーは、収入を得るためにこのアプリを利用してきました。プロのダンサーの大多数は大規模なスタジオで働くことに慣れていますが、このアプリはダンサーが芸術性を投稿するためのより直接的な方法を導入しました。[ 73 ]

テレビ

ダンス競技番組は、長年にわたりダンスの人気を高めてきました。「ダンシング・ウィズ・ザ・スターズ」「ソー・ユー・シンク・ユー・キャン・ダンス」「ダンス・マムズ」といった番組は、より多くの視聴者にこの芸術的なスポーツを理解し、評価する機会を与えました。リアリティ番組の競技形式は視聴者の参加を促し、視聴者数を増加させます。これらの番組は、毎週振り付けられたルーティンをこなすために必要な運動能力を、より多くの人々に理解する機会を与えています。番組の人気が高まるにつれ、ダンスに参加する子供の数も増加しています。[ 74 ]

コマーシャルダンス

コマーシャルダンスとは、商品、コンセプト、ブランド、または有名人を売るための手段としてダンスが使われることです。ミュージックビデオ、テレビ番組、コマーシャル、映画、広告、ツアーコンサート、ブロードウェイ、ラスベガスのショーなど、多くのデジタル空間でコマーシャルダンスが使われています。何かを売るために使われている限り、どんなスタイルのダンスでもコマーシャルダンスとみなされます。[ 57 ]

参照

注記

参考文献

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