フィリピンの音楽
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フィリピン音楽（フィリピン語：Musika ng Pilipinas ）は、フィリピンにおける音楽演奏芸術と、様々な国内外のジャンルやスタイルで作曲されたフィリピン人の音楽を含む。フィリピンの音楽作品は、先住民のスタイルと様々なアジアのスタイルが融合していることが多く、スペイン／ラテンアメリカ、そして（アメリカ）アメリカの影響を受けている。これらの国々からの外国支配による影響も受けている。
先住民族の音楽
著名な先住民族の音楽家には、フィリピン先住民族の楽器の中で最も難しいとされるクティヤピを専門とするランゲ・ランゲのウカ[ 2 ] [ 3 ] 、バサル、アロディン、ババラクを専門とするマシノ・インタライ[ 4 ]、同じくクティヤピを専門とするサマオン・スライマン[ 3 ]がいる。著名な民謡作曲家には、母子への愛情深い触れ合いを思い起こさせる有名な「サ・ウゴイ・ング・ドゥヤン」を作曲した国立音楽家ルシオ・サン・ペドロがいる。もう一人の作曲家、国立音楽家アントニーノ・ブエナベントゥラは民謡や民舞曲の記譜で知られている。ブエナベントゥラは「パンダンゴ・サ・イラウ」 の音楽を作曲した。
ゴング音楽
今日のフィリピンのゴング音楽は、地理的に2つのタイプに分けられます。コルディレラ山脈のグループに特有の平らなゴングで、一般的にガンサと呼ばれています。そして、スールー諸島、ミンダナオ島の大部分、パラワン島、そしてパナイ島とミンドロ島の内陸部に広がるイスラム教徒やアニミズムのグループが用いる、ボス付きのゴングです。後者は、キリスト教化が進む以前は、フィリピンの沿岸低地社会に広く普及していました。また、中国から 平らなチャウゴングが輸入されることも稀でした。
クリタンとは、フィリピン南部の島々で演奏されるラック式のゴングチャイム楽器と、それに伴う様々なアンサンブルを指します。グループによってクリタンの演奏方法は異なります。クリタン音楽では、主にマギンダナオン族とマラナオ族という2つのグループが知られています。クリタン楽器の起源は、9世紀以前に中国から東南アジアにゴングがもたらされたこと、あるいは16世紀にジャワ島からボス付きのゴングチャイムがもたらされたことに遡ると考えられます。いずれにせよ、クリタン・アンサンブルは、フィリピン史における植民地時代以前の時代に起源を持つ、最も先進的なアンサンブル音楽であり、同国南部では今もなお息づく伝統音楽です。
クリンタン・アンサンブルに関わる音楽的伝統は、ボルネオ島、小スンダ列島、スラウェシ島、マルク島、スールー島、ミンダナオ島周辺の仏教徒、アニミズム信者、イスラム教徒、そしてキリスト教徒といった、現在の東南アジア海洋地域の国境を越えた地域的な音楽様式と多様な楽器で構成されています。クリンタン・アンサンブルは、ジャワ島、バリ島、スマトラ島、マレー半島、そして南ボルネオのガムラン・アンサンブル、さらには東南アジア大陸部のアンサンブルとは遠い関係にあります。これは主に、メロディーやパーカッションを演奏するラック式のボス付きゴングチャイムの使用によるものです。
ヒスパニックの影響を受けた音楽
フィリピンの民俗音楽には、スペインとラテンアメリカの影響が多少見られます。これは、グアムやマリアナ諸島とともに、メキシコシティとマドリードからスペイン副王領が統治していた時代に由来しています。ルソン島、ビサヤ諸島、そして主にビサヤ諸島が居住するミンダナオ島北部と東部、そしてサンボアンガ島最西端の沿岸低地の民俗音楽や伝統音楽に見られます。
フィリピンのヒスパニック音楽は、イベリアと一部のメキシコの伝統に由来する。これは、フィリピンの植民地が、主に中国やその他のアジアの高級品を太平洋を越えてヌエバ・エスパーニャ本土（現在のメキシコのアカプルコ）に転売する遠方の貿易拠点としての性格を持っていたためである。標準化されたジャンルの他に、カトリックや一般的なヒスパニックの語法と融合した植民地化以前の音楽形式が数多くあり、典型的には宗教的な民俗儀式を伴う。キリスト教徒のフィリピン人の間で広く聞かれるパションの聖歌は、ヒスパニック化以前の声楽スタイルを保存しており、多くの町の守護聖人への祈祷は、植民地化以前の祖先崇拝や精霊崇拝の形式を受け継いでいる。例としては、スブリ（バタンガス）、シヌログ（セブ）、ティニクリン（レイテ）、ボリボン・キングキング（ボホール）などがある。
ロンダラ
ロンダラは、バンドゥリアやラウドなどのマンドリン型の4弦楽器、ギター、コントラバス、そしてしばしば打楽器としてドラムで構成される伝統的な弦楽オーケストラです。ロンダラはイベリア半島のロンダラの伝統に起源を持ち、ヒスパニック系の歌曲や舞踊の伴奏として用いられます。
ハラナとクンディマン
ハラナとクンディマンは、スペイン統治時代にまで遡る人気の叙情歌で、求愛の儀式で慣習的に用いられています。ハラナはスペインのメキシコ系スペイン語にルーツを持ち、伝統的で、ハバネラのリズムパターンに基づいています。一方、クンディマンは、植民地時代以前にスペインのタガロフォン地域に起源を持ち、3拍子のリズムを使用し、短調で始まり、後半で長調に移行するのが特徴です。ハラナとクンディマンは様式が異なります。ハラナは2/4拍子であるのに対し、クンディマンは3/4拍子です。基本は、第1詩節が短調で、第2詩節が途中で平行長調で続きます。
1920年代に、アタン・デ・ラ・ラマ、ホビタ・フエンテス、コンチング・ロサル、シルビア・ラ・トーレ、ルーベン・タガログなどの演奏家がハラナとクンディマンをより広い聴衆に紹介したことで、ハラナとクンディマンはより主流になりました。
クラシック音楽
スペイン植民地時代に導入されたクラシック音楽は、裕福なエリート層に広く親しまれました。19世紀後半からは、「イルストラドス」、つまり「教養ある現地人」の台頭がクラシック音楽界を席巻し始めました。こうした現地の作曲家には、フリアン・フェリペ、ホセ・カンセコ・ジュニア、マルセロ・アドナイ、シンプリシオ・ソリス、フルヘンシオ・トレンティーノ、ボニファシオ・アブドンなどがいます。[ 5 ]
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スペインの演劇音楽サルスエラは、後にフィリピン音楽に取り入れられ、地域化されました。1879年に初めて導入され、1900年に登場しました。[ 6 ]アメリカによる侵略後、植民地主義者たちは、サルスエラが民族主義的感情を煽るために用いられたとして、この音楽形式を「扇動的」と見なしました。[ 5 ]サルスエラを専門とする作曲家には、ホセ・エステラやボニファシオ・アブドンなどがいます。[ 6 ]サルスエラはクンディマンの前身と考えられています。[ 5 ]
正式なクラシック音楽教育は1900年代に導入されました。新しい公立学校制度により、音楽はカリキュラムに組み込まれました。高等教育機関として音楽院や音楽大学が設立されました。初期の学校としては、スコラスティカ・カレッジ（1906年）やフィリピン大学音楽院（1916年）などが挙げられます。これらの学校の卒業生の多くは、フランシスコ・ブエンカミーノ、ニカノール・アベラルド、フランシスコ・サンティアゴ、アントニオ・モリーナといった著名なクラシック音楽作曲家になりました。[ 6 ]
1907年にセントロ・エスコラール・デ・ラス・セニョリータスとして設立されたセントロ・スコラー大学には、著名な作曲家フランシスコ・ブエンカミーノ・シニアが率いる音楽学部がありました。1930年に音楽学部は音楽院に昇格し、ブエンカミーノが初代校長に就任しました。この時、CEUロンダラとCEU合唱団が組織されました。[ 7 ]
アメリカのネオクラシズムに触発され、ルクレシア・カシラグとエリセオ・パハロはクラシック音楽作品に現代的な手法を取り入れました。しかし、伝統的なヨーロッパのクラシック音楽の形式とは異なるフィリピンの表現主義を生み出したのは、ホセ・マセダでした。 [ 6 ]
20世紀後半から21世紀にかけての著名なクラシック音楽作曲家には、ラモン・パガヨン・サントスやフランシスコ・フェリシアーノなどがいます。クラシック音楽を専門とするグループとしては、フィリピン・ユース・オーケストラ、マニラ交響楽団、UP交響楽団などがあります。[ 6 ]
合唱音楽
合唱音楽はフィリピンの音楽文化において重要な位置を占めています。その起源は、かつてミサで歌われていた教会の聖歌隊に遡ります。20世紀半ばには、演奏活動を行う合唱団が出現し始め、時を経るにつれて人気が高まっていきました。教会以外にも、大学、学校、地域社会でも合唱団が設立されています。
ロバート・デルガド、フィデル・カララン、ルシオ・サン・ペドロ、エウデニス・パラルアンなどのフィリピンの合唱編曲家たちは、OPM、民謡、愛国歌、ノベルティソング、ラブソング、さらには外国の歌までも美しく編曲し、合唱団の膨大なレパートリーに取り入れてきました。
フィリピン・マドリガル・シンガーズ（旧称：フィリピン大学マドリガル・シンガーズ）は、フィリピンのみならず世界的に最も有名な合唱団の一つです。国際コンクールで数々の賞を受賞し、フィリピンで最も優れた合唱団の一つとなりました。受賞歴のある合唱団には、サント・トマス大学シンガーズ、フィリピン・マイスタージンガーズ（旧フィリピン・アドベンチスト大学アンバサダーズ）、UPシンギング・アンバサダーズ、UPコンサート・コーラスなどがあります。
ポピュラー音楽
マニラサウンド
マニラ・サウンドは、1970年代半ばにマニラ市で生まれた音楽ジャンルです。このジャンルは1970年代半ばから後半にかけて隆盛を極め、ピークを迎えました。フィリピン戒厳令時代の「明るい側面」と捉えられることが多く、 OPMの前身として、フィリピンの現代音楽ジャンルのほとんどに影響を与えています。
オリジナルフィリピン音楽（OPM）
オリジナル・ピリピノ・ミュージック（通称OPM）は、APOハイキング協会のダニー・ハビエルが作った商業的な頭字語で、[ 8 ]もともとはフィリピンのポップ・ミュージックのジャンル、主にバラードやノベルティ・ナンバーを指し、1970年代の商業的な前身であるマニラ・サウンドの衰退後に人気を博した。「OPM」という用語は、フィリピンでフィリピン人によって作曲、演奏、録音された、あらゆるジャンルのポピュラー・ミュージック[ 9 ]を包括的に表すようになった。
1970年代にOPMが登場する以前、1950年代から1960年代にかけてのフィリピンのポピュラー音楽は、シルビア・ラ・トーレ、ディオメデス・マトゥラン、リック・マンリケ・ジュニア、ルーベン・タガログ、ヘレン・ガンボア、ビルマ・サントス、エドガー・モリッツ、カルメン・カマチョなど多くのアーティストによって録音された、ほとんどが方言の歌詞で、頻繁に映画のテーマを扱った歌で構成されていた。しかし、アジアの歌の女王と呼ばれたピリタ・コラレスのような例外もあり、彼女の人気リリースにはセブアノ語、タガログ語、英語、スペイン語の翻案が含まれていた。全盛期からOPMはマニラに定着し、タガログ語と英語が主要言語であった。また、アメリカのカントリーミュージックの影響を強く受けていた。
フィリピン初の作詞作曲コンテストであるメトロマニラ・ポピュラー・ミュージック・フェスティバルは、1977年にフィリピン・ポピュラー・ミュージック財団によって創設されました。このイベントには、当時多くの著名な歌手やソングライターが出演しました。1985年に中止されるまで7年間毎年開催されました。その後、1996年に「メトロポップ・ソング・フェスティバル」として復活し、さらに7年間開催されましたが、人気の衰退により2003年に中止されました。[ 10 ]このフェスティバルの別バージョンであるヒミグ・ハンドグ・コンテストは、2002年にABS-CBNコーポレーションとその子会社である音楽レーベルのスター・ミュージック（旧スター・レコード）によって運営され始めました。
このようなコンテストは2000年から2003年にかけて5回開催され、2013年に復活しました。以前のコンテストとは異なり、コンテストにはさまざまなテーマがあり、毎年ファイナリストに選ばれる曲の種類を反映しています。[ 11 ] [ 12 ] 2012年には、フィリピンポピュラーミュージックフェスティバルが立ち上げられました。これは、最初の作詞作曲コンテストに触発されたと言われています。[ 13 ]毎年開催されているOPM音楽の別の作詞作曲コンテストは、 1985年に最初に考案されたラジオネットワークBombo Radyoが主催するボンボミュージックフェスティバルです。 [ 14 ]
他のフィリピン語でのOPM
セブアノ語、カパンパンガン語、イロカノ語、その他フィリピンの言語など、他の地域の言語のレコーディングアーティストが全国的に有名になることは、1970年代以降、特にビスロック（ビサヤのロック音楽）の出現以降、めったにありませんでした。ダバオを拠点とするバンド1017と、サンボアンガを拠点とするチャバカノバンドMaldita がその例です。
タルラックを拠点とするバンド Mernuts による「Oras」（「 Time」）のデビュー ミュージック ビデオはMTV Pilipinas に浸透し、他の主流のフィリピンのミュージック ビデオの仲間入りを果たした初めてのカパンパンガンのミュージック ビデオになりました。さまざまなカパンパンガンのバンドによるカパンパンガン民謡の即興曲を現代的にリメイクしたアルバム『ロックカパンパンガン: フィリピン・カパンパンガン・ロックの誕生』[ 15 ]も 2008 年 2 月に発売され、カパンパンガンのケーブル チャンネル Infomax-8 および中部ルソン最大の FM ラジオ局の 1 つである GVFM 99.1 を通じて定期的に再生されました。地元の人々が「カパンパンガン文化ルネッサンス」と呼ぶものに触発され、アンヘレス市生まれのバラード歌手ロニー・リアンは、リパッケージアルバムのために「Ayli」（「Ngiti」のカパンパンガン版）や「Ika」（「Ikaw」のカパンパンガン版）などの人気曲のいくつかをカパンパンガン語に翻訳しました。
非タガログ語・非英語音楽への関心が高まり、フィリピンの他の言語の表現も増えているにもかかわらず、マニラを中心とするフィリピンの音楽業界は、他地域への投資に消極的である。その主な理由としては、言語の壁、市場規模の小ささ、そしてフィリピンにおける地域主義からの社会文化的脱却などが挙げられます。一例として、イロカノ語グループのブクロス・シンガーズ[ 16 ]が挙げられます。彼らは1990年代にイロカンディアで人気を博し、2000年代にかけて他のイロカノ語アーティストの先駆けとなりましたが、フィリピンの他の音楽市場でブレイクすることはほとんどありませんでした。
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フィリピンのポップとPポップ
フィリピンのポップミュージックアーティストは何十年も存在していましたが、Pポップは2010年代に、国の急速な経済成長と、それに伴うアジアのアイデンティティの社会的、文化的復活を反映して、品質、予算、投資、多様性の向上を伴って登場しました。K-popやJ-pop、アジア風バラード、アイドルグループ、EDMからの影響が強く、西洋のジャンルへの依存は少なく、若いフィリピン人や主流文化の間での韓流や日本の波の人気を反映しています。 この今や主流のジャンルの成長を定義した著名なフィリピンのポップミュージックアーティストには、Regine Velasquez、Sarah Geronimo、Yeng Constantino、Erik Santos、KZ Tandingan、Moira Dela Torre、Morissette、およびPポップバンドのSB19とBINIがいます。
ピノイロック
アメリカ合衆国は1898年から1946年までフィリピン諸島を占領し、アメリカのブルース、フォークミュージック、R&B、ロックンロールを導入して人気を博しました。1950年代後半には、現地の演奏家がタガログ語の歌詞を北米のロックンロールにアレンジし、フィリピンロックの重要な起源を築きました。1960年代のフィリピンロックにおける最も顕著な功績は、ヒット曲「キラー・ジョー」で、この曲はロッキー・フェラーズというグループを躍進させ、アメリカのラジオチャートで16位を記録しました。
1970年代
1970年代まで、人気ロックミュージシャンは主に英語で曲を作曲・プロデュースしていました。1970年代初頭には、ロックミュージックは現地語で書かれるようになり、フアン・デラ・クルス・バンドのようなバンドが、そうした人気バンドの先駆けとなりました。同じ曲の中でタガログ語と英語の歌詞を混ぜることも人気で、その一例として、マニラのサウンドシーンの先駆者であったバンド、ホットドッグの「Ang Miss Universe Ng Buhay Ko（私の人生のミス・ユニバース）」が挙げられます。2つの言語を混ぜること（「タグリッシュ」として知られる）は、フィリピンでは日常会話では一般的でしたが、大胆な試みと見なされました。しかし、シャロン・クネタの最初のヒット曲「ミスターDJ」を含むポピュラーソングにおけるタグリッシュの成功は、その壁を打ち破りました。
フィリピンのロックミュージシャンの活動は、フォークミュージックをはじめとする様々な文化の影響を受けており、1978年のフレディ・アギラールのブレイクスルーにつながりました。アギラールのデビュー曲「Anak」（「Child」の意）は、フィリピンで最も商業的に成功したレコードであり、アジアやヨーロッパで人気を博し、世界中の歌手によって多くの言語に翻訳されています。アシンも同時期に音楽シーンに登場し、人気を博しました。同様のアーティストには、サンパギータ、コリサ、フロランテ、マイク・ハノポル、ヘベル・バルトロメなどがいます。
1980年代
フォークロックは1980年代のフィリピンの抗議音楽となり、アギラールによる「バヤン・コ」（我が祖国）は1986年のエドサ革命のアンセムとして人気を博しました。同時に、カウンターカルチャーは政治的な歌詞の台頭を拒絶しました。マニラでは、ビトレイド、ザ・ジャークス、アーバン・バンディッツ、コントラスといったバンドが牽引する、アンダーグラウンドのDIYハードコアパンク、パンクロックシーンが発展しました。この時期には、ドーンを先頭にニューウェーブの影響も感じられました。
1990年代
1990年代には、多くのフィリピン人からフィリピンのナンバーワン・ミュージシャンとみなされるイレイザーヘッズが登場した。彼らの成功をきっかけに、トゥルー・フェイス、ヤノ、シアコル、ザ・ユース、イントロボイズ、アフター・イメージ、ティース、パロキア・ニ・エドガー、リヴァーマヤといった影響力のあるフィリピン・ロックバンドが次々と登場し、それぞれが様々なロックのサブジャンルの影響を独自のスタイルに取り入れていた。[ 18 ] 1990年代にはデスメタル（スカイチャーチ、ジェニタル・グラインダー、デス・アフター・バース、ディスインターメント、カバオン・ニ・カマタヤン、マス・カーネージ、アポステイト、マーダム、エグズヒュームド、サクリジ、ランブルベリー、ディスインターメント、デスローン、アロマ）が登場し、クラブ・ドレッドの「トゥノグ・カルエ」時代には、これらのバンドが目立った。
1990年代になると、マニラのハードコアパンクシーンは衰退し始めました。「パンクはみんな消えてしまった」と、 1990年代後半から2000年代初頭にかけて地元のDIY音楽シーンを記録した雑誌『コンスピラジン』の創刊者、ジェップ・ペリグロは回想します。それでも、DIYパンク文化が豊かなマニラ南東部のラグナ州や、フィリピンのパンクの首都として知られる「ストロング・サウス」と呼ばれる隣接するカビテ州など、活動の拠点は存在していました。 [ 19 ]
2000年代
2000年代のフィリピンのロックは、ロックメタル、ポップ、パンクロック、ハードコアパンク、エモ、ハードロック、ヘビーメタル、オルタナティブロックを含むようにも発展し、Razorback、Wolfgang、Greyhoundz、Slapshock、Queso、 Typecast 、PILEDRIVER 、 Chicosci、Kamikazee、Bamboo、Franco、Urbandub、Tanya Markova、Kiko Machine、およびプログレッシブバンドのParadigm、Fuseboxx、Earthmover、Eternal Nowなどの アーティストが登場しました。
2010年代
2010年代には、オートテリック、アン・バンダン・シャーリー、ランサム・コレクティブ、ベン＆ベン、ディセンバー・アベニュー、IV・オブ・スペーズ、ムニムニ、パープルチキンズ[ 20 ]など、ロックの別の形式であるインディーズ音楽のさまざまなサブジャンルの無名アーティストが台頭しました。
ロックフェスティバルが登場し、ロックやメタル愛好家にとって毎年恒例のイベントとなっています。大きなイベントの一つである「パルプ・サマー・スラム」では、地元のロック／メタルバンドだけでなく、ラム・オブ・ゴッド、アンスラックス、デス・エンジェル、アーチ・エネミーといった国際的なバンドも出演しています。[ 21 ]もう一つの地元限定の毎年恒例イベントである「ラクラーカン・フェスティバル」では、100組以上のフィリピンのロックバンドが出演します。
フィリピン音楽におけるネオ・トラディショナルというジャンルも人気を集めており、ジョーイ・アヤラ、グレース・ノノ、バヤン・バリオス、カダンヤン、ピニクピカンなどのアーティストがフィリピン先住民の伝統的な音楽のサウンドを活用しながら、比較的商業的な成功を収めている。
2020年代
2020年代には、マグナス・ヘイヴン、バンダン・ラピス、ザ・ヴォーエルズ・ゼイ・オービット、ノビタといった新しいロックやインディーズのアーティスト／バンドが誕生しました。かつてIV・オブ・スペーズで活動していたジルド・ベニテスもソロレコーディングを行いました。
ピノイジャズ
フィリピン人による初期のジャズ
フィリピンにおけるジャズ音楽は、 1910年代から1920年代にかけてのアメリカ占領時代に始まりました。この時期、フィリピン人はアフリカ系アメリカ人やヒスパノ・フィリピン音楽の実験を始めました。この時代を代表するミュージシャンの一人に、自称「ジャズの王」ルイス・ボロメオがいます。ボロメオが生み出した音楽は、同時代の人々に広く受け入れられていたラグタイムでした。フランシスコ・サンティアゴやホセ・エステラといったクラシック音楽の作曲家たちは、当時「現代音楽」と考えられていたジャズの要素を融合させ、「ヒムノ・ワンステップ」、「フィリピン・フォックストロット」、「フィリピン・タンゴ・フォックストロット」といった新しいダンスミュージックのジャンルを生み出しました。 1920年代には、パーロフォンなどのレコード会社が登場し、前述のハイブリッドダンスジャンルが勢いを増すにつれ、多くのデパートやマニラのエスコルタなどの商店街で新しい「フィリピンダンスレコード」の販売と宣伝が始まりました。[ 22 ]さらに、1950年代にフィリピン人ベーシスト、アンヘル・ペーニャがオリジナル曲を作曲したことがきっかけとなり、アルトサックス奏者のリト・モリーナ、ピアニストのエミル・ミハレス、ドラマーのトニー・ベラルデ、そして他のジャズオーケストラの専門家からなる ジャズフレンズが結成されました。
アドボジャズ
フィリピーナス・ヘリテージ・ライブラリーによると、ピノイ・ジャズは、フィリピンの民俗音楽の要素と、1970年代半ばのエディ・ムンジとライアン・カヤビャブのJEMレコードのアルバムに代表される70年代以降の新興モダン・ジャズのトレンドを融合させたことで、ユニークなジャンルとなった。 [ 23 ]彼らの録音への関心が再燃し、 1990年代後半以降にアドボ・ジャズとして再発明されたピノイ・ジャズが復活した。最初の推進力となったのは、JRCOBB Jazz Chamberなどのグループや、 2002年にGround Zero （現在は消滅したN/Aレコード・レーベルから）というタイトルの受賞歴のあるアルバムをリリースしたWDOUJI（頭字語： Witch Doctors of Underground Jazz Improvization）などのバンドだった。 [ 24 ] [ 25]そして、サックス奏者のトッツ・トレンティーノが率いるBuhay（現在は解散したStar Recordsレーベル傘下）など。[ 26 ] 2000年代初頭にはFreedom Bar（ケソン市クバオのAnonas通り沿いに位置）や2010年代にはTago Jazz Cafe （同じくクバオに位置）などの会場で、営業時間後のジャズジャムセッションが当たり前になり、 [ 27 ]新進のジャズグループやレコーディングの才能の育成の場となった。[ 28 ]
ピノイ・ジャズはポストモダンの革新への道を切り開き、最も有名なのはフィリピンのジャズ・スーパーグループであるジョニー・アレグレ・アフィニティ[ 29 ]で、2005年に英国に拠点を置くキャンディッド・レコードから同名のデビューアルバムをリリースした[ 30 ] [ 31 ]。他の著名人としては、ギタリストのボブ・エイブス[ 32 ]の民族的なジャズの録音や[ 33 ] [ 34 ] [ 35 ]、スポークンワード・フュージョン・アンサンブルのラジオアクティブ・サゴ・プロジェクトもジャズの基礎を示した。カパンパンガンの歌手モン・デイビッド[ 36 ]も同様にフィリピンのジャズ歌手としての地位を磨き、2006年にロンドン国際ジャズ・コンペティションで優勝した。[ 37 ]女性ジャズ歌手・ソングライターの中では、イギリス系フィリピン人のミシュカ・アダムスがキャンディッド・レコードの看板アーティストとして大人気となり、2枚のアルバムをリリースした。[ 38 ] [ 39 ]新世紀に数々の賞を受賞したヒューマンフォークの音楽は、本物の土着音楽のリズムや楽器編成と都会のフォークミュージックやジャズのハーモニーを融合させるきっかけとなった。
その他のジャンル
フィリピンの音楽シーンでは、フィリピンの文化意識を高めるオルタナティブグループや部族バンドなど、他の多くのジャンルの人気が高まっています。
ヒップホップ
フィリピンヒップホップは、フィリピン国内外で、特にフィリピン系アメリカ人によってフィリピン系のミュージシャンによって演奏されるヒップホップ音楽です。フィリピンは、ヒップホップ発祥の地であるアメリカ合衆国との歴史的なつながりから、1980年代初頭に登場し、アジアで最初のヒップホップ音楽シーンを持つことが知られています。フィリピンでリリースされるラップ音楽は、タガログ語、チャバカノ語、セブアノ語、イロカノ語、英語など、さまざまな言語で登場しています。フィリピンでは、フランシス・M、アンドリュー・E、ヴィンセント・ダファロン、マイケル・V、デンマーク、グロック9が、主流のラップアルバムを最初にリリースした、国内で最も影響力のあるラッパーとして挙げられています。Abra、 Bassilyo 、 Curse 1 、 Flict-G 、 Smugglaz 、 Dello 、 Loonie 、Shehyee、Shanti Dope、 1096 Gang 、Al James、 Because 、 Bugoy na Koykoy 、 Nik Makino 、 Honcho 、Skusta Clee、Flow G、Ex Battalion、ALLMO$T、OCなどの新種のヒップホップ/ラップ/トラップ アーティストDawgsとEz Mil はその後 2010 年代初頭から現在に至るまで続いています。
ノベルティポップ
ピノイのノベルティ ソングは1970 年代から 1980 年代初頭にかけて人気になりました。この頃人気のあるノベルティ歌手は、レイカード デュエット、フレッド パノピオ、ヨヨイ ヴィラメでした。 1990 年代と 2000 年代のノベルティ ポップ アクトには、マイケル V.、バヤニ アグバヤニ、グリン デパートメント、マスキュラドス (「Lagot Ka!」)、ブラックディヤック、フォン ナヴァロ、リト カモ、セックスボム ガールズ、ジョーイ デ レオン(「イタクタク モー」)、ビバ ホット ベイブス、ウィリー レビラメが含まれます。
ラテンとボサノバ
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アフロキューバンの別名「ラテンとボサノバ」のリズムは、フィリピンの解放後およびそれ以降、フィリピンのポピュラー音楽に広く浸透しました。アニー・ブラジルと息子のリチャード・マーク、カティンディグ家のミュージシャン（エディ・カティンディグ、ロミー・カティンディグ、ボーイ・カティンディグ、ヘンリー・カティンディグ、テイティング・カティンディグ）、ボー・ラゾン、アイリーン・シソン、シッティなどのパフォーマーは、ラテンやボサノバの影響を受けたライブパフォーマンスやレコーディングで人気と商業的成功を収めました。
レゲエ
特にバギオでは、アンダーグラウンドのレゲエやスカのシーンが長らく盛んでしたが、こうしたジャンルがメインストリームに受け入れられたのはごく最近のことです。トロピカル・ディプレッション、ブラウンマン・リバイバル、プット3スカ、セブのルーツ・リバイバル、タルラック市のブラウン・アウトフィット・ビューローといったアーティストは、「アイランド・リディム」と呼ばれるジャンルの普及に大きく貢献しました。また、フアン・パブロ・ドリームや大規模なインディーポップシーンを先頭に、モッズ・リバイバルも 急成長しています。
エレクトロニカとアンビエント
エレクトロニックミュージックは、 1990年代半ばにマニラのアンダーグラウンドで始まり、コンソーシアムのマノレット・ダリオなどが先頭に立っていました。2010年には、地元のアーティストが自らエレクトロポップの楽曲を作り始めました。現在では、エレクトロニックミュージックの楽曲のほとんどはCMで使用されています。現在、エレクトロニックミュージックのみを放送しているラジオ局は107.9 U Radioのみです。2010年代には、ダバオ市発祥の「ボムテック」として知られるブドッツ（フィリピン風EDMの先駆けとされる）の台頭や、ザ・パレス・マニラ（BGC、タギッグ）やコーブ・マニラ（パラニャーケ、オカダ・マニラ）といった知名度の高いナイトクラブの台頭もありました。Somedaydream 、Borhuh、Kidwolf、Zelijah、John Sedano、MVRXX、MRKIII、Bojam、CRWN、NINNO、Kidthrones、Jess Connellyといったインディーズ・エレクトロニック・ミュージックのプロデューサー、DJ、アーティストも人気を集めています。Ace Ramos、Mars Miranda、Marc Marasigan、Martin Pulgar、Katsy Lee、Patty Tiu、David ArdienteといったメインストリームのクラブDJも、国際的なDJが出演する人気クラブコンサートやフェスティバルで活躍しています。自ら「アースミュージック」と呼ぶ音楽の信奉者であるAto Marianoは、様々なパーカッションを含む土着楽器のサウンドサンプルを収録したデジタルアルバムをリリースしました。
バンサモロポップ
2000年代後半、マギンダナオ・デル・ノルテ、マギンダナオ・デル・スル、ソクサーゲンを中心に、バンサモロ・ポップ（Bポップ、モロポップとも呼ばれる）として知られるアンダーグラウンド・ポップミュージック・シーンが登場し、地元ラジオのリスナーやファンを獲得しただけでなく、 YouTubeのおかげでマギンダナオのディアスポラの間でも世界中に広まった。著名なBポップ・アーティストには、ダトゥ・ホメイニ・カムサ・バンスアン（「モロ・ソングの王」と呼ばれる）、タムタックス、シャイラ（「バンサモロ・ポップの女王」と呼ばれ、「Selos」という曲で知られる）[ 40 ] 、ジョンソン・アンパトゥアンなどがおり、彼らはクラブではなく、バランガイのバスケットコート、住宅街、誕生日や結婚式のパーティー、さらには森の村などの最も辺鄙な場所でも演奏している。インドネシアのダンドゥット音楽シーンに似て、このジャンルの歌詞は主にマギンダナオン語とタガログ語の両方で書かれており、EDMなどの他のジャンルの影響を受けています。 [ 41 ]バンサモロはフィリピンのイスラム教徒が住む地域であるため、バンサモロの女性ポップアーティストは、宗教的道徳に関して、ステージ上でトゥワークなどの性的なダンスを披露したり、ヒジャブやアバヤを着用せずシャツとジーンズ（破れたジーンズも）だけを着て人前でパフォーマンスしたりしたことで、この地域の超保守的なイスラム教徒コミュニティ、特にウラマーと呼ばれる宗教学者から批判を受けることがよくありました。
フィリピンにおける抗議としての音楽
フィリピンには、フィリピン革命の時代にまで遡り、抗議活動や社会変革に関連した歌の長い歴史があり、その際の重要な抗議音楽には愛国的な行進や伝統的なフィリピンのクンディマンが含まれていました。この初期のプロテストソングの最も注目すべき例の1つは、フリアン・フェリペの1898年の作曲「フィリピン国民行進」であり、これはホセ・パルマの1899年の詩「フィリピーナ」と組み合わされて、現在フィリピンの公式国歌であるルパン・ヒニランを生み出した。フィリピンの国歌になりかけたもう一つの曲は、 革命的なタガログ共和国の国歌としてアンドレス・ボニファシオの依頼でフリオ・ナクピルが 1896 年に作曲した『マランガル・ナ・ダリット・ン・カタガルガン』 （タガログ民族／人民の名誉ある賛美歌）である。[ 43 ] [ 44 ] [ 45 ] [ 46 ]
「バヤン・コ」はアメリカ占領時代の重要な抗議歌であり、1929年にコンスタンシオ・デ・グスマンが作曲したタガログ語版は、プロパガンダ運動の英雄ホセ・アレハンドリノのスペイン語曲を基に 、ホセ・コラソン・デ・ヘススが歌詞をつけたとされている。後に戒厳令下で扇動的とみなされ、マルコス大統領によって禁止されたが、1983年のニノイ・アキノ暗殺後の葬儀で抗議者たちが歌ったことで、重要なスローガンとなった。[ 47 ]
抗議活動に音楽を使用することは、特に1972年の戒厳令公布後に起こった人権侵害の後、マルコス独裁政権時代に広まり、ポピュラーミュージック、フォークミュージック、ロックミュージックを取り入れるようになりました。[ 48 ]抗議活動に音楽を使用する傾向は、1986年のピープルパワー革命でマルコスが退陣するまで続き、[ 49 ]その後、抗議活動や社会変革を訴える手段としての歌の使用は、フィリピンの音楽文化の一貫した特徴となりました。[ 50 ] [ 51 ]
参照
参考文献
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出典
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さらに読む
- バーロウ、サンナ・モリソン（1952年）『マウンテンズ・シンギング：フィリピンにおけるゴスペル録音の物語』香港：アライアンス・プレス。
外部リンク
