描画
レオナルド・ダ・ヴィンチのウィトルウィウス的人体図( 1485年頃)ヴェネツィア、アカデミア

描画とは、紙やその他の二次元面、あるいはそれらのデジタル表現に、道具を用いて描画する視覚芸術です。伝統的に、描画に用いられる道具には、鉛筆、クレヨン、インクペンなどがあり、時にはこれらが組み合わされています。より現代的な道具としては、マウスとペンで操作するスタイラスペンや、 VR描画ソフトウェア のグラフィックタブレットやゲームパッドなどがあります。

描画用具は少量の物質を表面に放出し、目に見える跡を残します。ペン、鉛筆、パステル、クレヨン、マーカー、色鉛筆、水彩など、多くの描画用具があります。描画に最も一般的に使用される支持体は紙ですが、厚紙、ベラム、木材、プラスチック、革、キャンバス、ボードなどの他の材料も使用されてきました。一時的な描画は黒板またはホワイトボードに行うことができます。描画は人類の歴史を通じて人気があり、基本的な公的な表現手段でした。アイデアを伝達する最も単純かつ効率的な手段の1つです。[ 1 ]描画用具が広く入手できるため、描画は最も一般的な芸術活動の1つになっています。

より芸術的な形態に加えて、ドローイングは商業イラストレーション、アニメーション、建築、工学、そして技術図面にも頻繁に用いられます。完成作品を意図しない、素早いフリーハンドのドローイングは、スケッチと呼ばれることもあります。技術図面を制作するアーティストは、製図家、製図工、または製図家と呼ばれることもあります。[ 2 ]

概要

パルミール夫人と犬、1897年、アンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレック

ドローイングは、視覚芸術における人間の表現形態の中でも最も古いものの一つです。一般的には、紙やその他の素材に線や色調の領域を描き、視覚世界の正確な描写を平面上に表現する技法です。[ 3 ]伝統的なドローイングは単色、あるいは少なくとも色彩は少なかったものの、[ 4 ]現代の色鉛筆画は、ドローイングとペインティングの境界に近づいたり、境界を越えたりすることがあります。西洋の用語では、ドローイングとペインティングは区別されますが、多くの場合、両方の作業で同様の画材が用いられます。チョークなど、通常はドローイングに用いられる乾いた画材は、パステル画にも用いられます。ドローイングは、筆やペンで塗布された液体の画材を用いて行われます。筆を用いたドローイングは非常に広く普及していますが、ここでは線やハッチングを用いるプロセスが、ドローイングとしての特徴となっています。同様の支持体は、絵画と描画の両方に用いることができます。絵画は通常、用意されたキャンバスやパネルに液体の絵の具を塗布しますが、同じ支持体にまず 下絵を描くこともあります。

デッサンを、それ自体のみを目的とする、自立した芸術形式と捉える概念は、絵画を支配する造形的性質と原理について、芸術家や芸術愛好家の間で議論されたことから生まれた。17世紀の「色彩論争」では、色彩を重視する者とデッサンを重視する者が対立した。この議論において、「デッサン」は技法や媒体から独立したものとして理解されていた。それは主に、対象物の輪郭線を指し、色面とその変調とは対照的であった。これはレオナルド・ダ・ヴィンチによってよく知られている区別である。[ 5 ] [ 6 ]

デッサンは通常、観察、問題解決、構成を重視した探索的な作業です。また、デッサンが絵画の準備として用いられることも少なくなく、両者の区別はさらに曖昧になっています。こうした目的で描かれたデッサンをスケッチと呼びます。

描画には次のようないくつかのカテゴリがあります。

描画方法も数多くあります。

芸術以外の分野では、建物、機械、回路などの 技術図面や設計図は、印刷によって別の媒体に転写された場合でも、「図面」と呼ばれることがよくあります。

歴史

コミュニケーションにおいて

描画は人間の表現方法の中でも最も古い形態の一つで、書き言葉よりも前から存在していたという証拠がある。[ 7 ]描画は文字が発明される以前から専門的なコミュニケーション手段として使われていたと考えられており、[ 7 ] [ 8 ]これは約3万年前の洞窟壁画や岩絵（後期旧石器時代の美術）によって証明されている。 [ 9 ] これらの絵はピクトグラムと呼ばれ、物体や抽象的な概念を描いていた。[ 10 ]新石器時代までに作られたスケッチや絵画は、やがて様式化され、記号体系（原文字）へと簡略化され、最終的には初期の文字体系へと発展した。

写本では

ヨーロッパで紙が広く普及する以前、修道院の修道士たちは、羊皮紙や羊皮紙に描かれた彩飾写本の下絵として、あるいは最終的なイメージとして、絵を用いていました。また、絵は科学の分野でも、発見、理解、そして説明のための手段として広く用いられてきました。

科学では

ガリレオ・ガリレイ『月の満ち欠け』、1609年または1610年、茶色のインクと淡彩で描かれた紙。208 × 142 mm。国立中央図書館（フィレンツェ）所蔵、Gal. 48、fol. 28r

[ 11 ]観察結果を図に描くことは科学的研究の重要な部分である。

1609年、天文学者ガリレオ・ガリレイは望遠鏡で観測した図を通して、金星と太陽黒点の周期的な変化を説明しました。 [ 12 ] 1924年、地球物理学者アルフレッド・ウェゲナーは図を用いて大陸の起源を視覚的に示しました。[ 12 ]

芸術的表現として

デッサンとは、アイデアを視覚化し、創造性を表現する最も簡単な方法の一つであり、そのため芸術の世界で重要な役割を果たしてきました。歴史を通じて、デッサンが芸術活動の基礎と考えられてきました。[ 13 ]当初、芸術家たちはデッサンを描くために木の板を使用し、再利用していました。[ 14 ] 14世紀に紙が広く普及すると、芸術におけるデッサンの使用が増加しました。この時点で、デッサンは通常、思考と調査のツールとして使用され、芸術家が最終的な作品を準備している間の学習媒体として機能しました。[ 15 ] [ 16 ]ルネサンスはデッサン技術の大きな洗練をもたらし、芸術家は以前よりも写実的に物事を表現できるようになり、[ 17 ]幾何学と哲学への関心も高まりました。[ 18 ]

初めて広く利用可能になった写真の発明は、芸術の階層構造の変化をもたらした。[ 19 ]写真は視覚現象を正確に表現する方法として絵画に代わるものを提供し、伝統的な絵画の実践は芸術家にとって必須のスキルとしてあまり重視されなくなった。特に西洋社会ではそうであった。[ 12 ]

著名な芸術家や製図家

15世紀後半頃、アルブレヒト・デューラーや、北方で最初の名が知られる彫刻家マルティン・ショーンガウアー（ 1448年頃- 1491年）といった芸術家や彫刻家の活躍により、デッサンが芸術形式として重要視されるようになりました。ショーンガウアーはアルザス出身で、金細工師の家に生まれました。次世代の巨匠であるアルブレヒト・デューラーも金細工師の息子でした。[ 20 ] [ 21 ]

古典絵画の巨匠たちの作品は、制作された国の歴史や、当時の国民の基本的な特徴を反映していることが多い。17世紀のプロテスタント国家であったオランダには、宗教画はほとんど存在せず、国王も宮廷もなかったため、ほとんどの作品は個人で購入されていた。風景画や風俗画は、スケッチではなく、完成度の高い芸術作品と見なされることが多かった。一方、イタリアのデッサンには、芸術的支援において大きな役割を果たしたカトリックと教会の影響が見て取れる。フランスのデッサンにも同じことが当てはまることが多いが、17世紀にはフランス古典主義[ 22 ]の規律により、デッサンにはバロック調というより、より自由な動きを表現したイタリアのデッサンの方が目立った。[ 23 ]

20世紀、モダニズムは「想像力豊かな独創性」[ 24 ]を奨励し、一部のアーティストの描画へのアプローチは、文字通りではなく、より抽象的なものへと変化しました。パブロ・ピカソ、アンディ・ウォーホル、ジャン＝ミシェル・バスキアといった世界的に著名なアーティストたちは、ドローイングを制作の中心に据え、伝統的な技法を再解釈することで、現状に挑戦しました。[ 25 ]

バスキアの絵は様々な媒体で制作されたが、最も一般的なのはインク、鉛筆、フェルトペンやマーカー、オイルスティックであり、ドア、衣服、冷蔵庫、壁、野球のヘルメットなど、手元にあるあらゆる表面に描いた。[ 26 ]

何世紀にもわたって、次のような著名な芸術家や製図家が輩出され、それぞれが独自の描画言語を持っていました。

材料

画材とは、インク、顔料、または色を描画面に塗布する手段です。ほとんどの画材は乾燥しているか（例：グラファイト、木炭、パステル、コンテ、シルバーポイント）、液体の溶剤またはキャリア（マーカー、ペン、インク）を使用します。水彩色鉛筆は、通常の鉛筆のように乾燥した状態で使用し、濡れた筆で湿らせることで様々な絵画効果を得ることができます。ごくまれに、（通常は解読された）目に見えないインクで描くアーティストもいます。メタルポイントでは通常、銀または鉛を使用します。[ 28 ]金、プラチナ、銅、真鍮、青銅、ティンポイントもまれに使用されます。

紙には様々なサイズと品質があり、新聞紙ほどの紙質のものから、一枚一枚販売されている高品質で比較的高価な紙まであります。[ 29 ]紙は、質感、色合い、酸味、そして濡れたときの強度がそれぞれ異なります。滑らかな紙は細かいディテールを描写するのに適していますが、より「ザラザラ」とした紙は描画材料をよりよく保持します。したがって、より粗い紙は、より深いコントラストを生み出すのに適しています。

新聞紙やタイプライター用紙は、練習やラフスケッチに役立ちます。トレーシングペーパーは、描きかけの絵の上で実験したり、ある紙から別の紙にデザインを転写したりするのに使われます。カートリッジペーパーは、パッド入りで販売されている基本的な画用紙です。ブリストルボードや、さらに厚手の無酸性ボードは、滑らかな仕上げになっていることが多く、細かい部分を描くのに使用され、湿った画材（インクやウォッシュ）を塗布しても歪みません。ベラム紙は非常に滑らかで、非常に細かい部分を描くのに適しています。コールドプレス水彩紙は、その質感からインク画に適しています。

酸性フリーのアーカイブ品質の紙は、新聞用紙などの木材パルプベースの紙よりも色と質感がはるかに長く保たれます。木材パルプベースの紙は、はるかに早く黄ばんで脆くなります。

基本的な道具は、画板またはテーブル、鉛筆削りと消しゴム、そしてインクで描く場合は吸い取り紙です。その他に使用される道具は、コンパス、定規、三角定規です。定着剤は、鉛筆やクレヨンの跡がにじむのを防ぐために使用します。製図テープは、紙を描画面に固定するために使用され、また、スプレーや飛び散った材料やウォッシュなどの偶発的な跡が付かないように領域をマスキングするためにも使用されます。イーゼルまたは傾斜したテーブルは、描画面を適切な位置に保つために使用されます。これは通常、絵画で使用される位置よりも水平です。

技術

アントワーヌ・ワトー、トロワ・クレヨン技法

ほとんどすべての製図家は、口や足で描く障害者を除いて、手と指を使って画材を使います。[ 30 ]

作品に取り掛かる前に、アーティストは通常​​、様々な画材の働きを探求します。練習シート上で様々な描画ツールを試し、明度や質感、そして様々な効果を生み出すためにツールをどのように適用するかを確かめます。

ラファエロ、アルバの聖母の習作とその他のスケッチ

画家の描くストロークの選択は、画像の外観に影響を与えます。ペンやインクの絵では、ハッチング（平行線の集合）がよく用いられます。[ 31 ]クロスハッチングは、2つ以上の異なる方向のハッチングを用いて暗い色調を作り出します。破線ハッチング、つまり断続的に途切れる線は明るい色調を形成し、その切れ目の密度を制御することで色調のグラデーションを実現します。スティップリングは、点を用いて色調、質感、陰影を表現します。色調を構築する方法によって、異なる質感を表現することができます。[ 32 ]

乾いた画材で描く場合も、鉛筆やドローイングスティックを使うことで連続的なトーンの変化を表現できるものの、同様の技法が用いられることが多い。一般的に、絵はアーティストの利き手に基づいて塗りつぶされる。右利きのアーティストは、絵がにじまないように左から右へ描く。消しゴムを使うと、不要な線を消したり、トーンを明るくしたり、散らばった線をきれいにしたりすることができる。スケッチやアウトライン画では、描かれた線は被写体の輪郭に沿って描かれることが多く、アーティストの位置にある光から投影された影のように見えることで奥行き感を生み出す。

アーティストは、イメージの一部をそのまま残し、残りの部分を塗りつぶすことがあります。残したい部分の形状は、マスキング液で塗ったり、フリスケットで切り取って描画面に貼り付けたりすることで、マスクを剥がすまで表面を余分な跡から保護します。

画像の一部を保存するもう一つの方法は、表面にスプレー式の定着剤を塗布することです。これにより、剥がれた素材がシートにしっかりと固定され、汚れを防ぎます。ただし、定着剤スプレーには通常、呼吸器系に有害な化学物質が使用されているため、屋外など換気の良い場所で使用する必要があります。

もう一つの技法は減法描画で、描画面を黒鉛や木炭で覆い、その後消して画像を作成します。[ 33 ]

トーン

ヘンリー・マクベス＝レイバーンによる鉛筆画、ハッチングと陰影付き（1909年）

シェーディングとは、紙のトーン値を変化させることで、素材の色合いや影の位置を表現する技法です。反射光、影、ハイライトに細心の注意を払うことで、非常にリアルな画像を表現できます。

ブレンディングでは、ある道具を使って元の描画ストロークを柔らかくしたり広げたりします。ブレンディングは、グラファイト、チョーク、木炭などすぐには定着しない媒体を使うと最も簡単に行えますが、塗りたてのインクは、濡れていても乾いていても、にじませていくつかの効果を出すことができます。シェーディングとブレンディングには、ブレンディング スタンプ、ティッシュ、練り消しゴム、指先、またはこれらの組み合わせを使用できます。セーム革は、滑らかなテクスチャを作成したり、材料を取り除いてトーンを明るくしたりするのに役立ちます。グラファイトを使えば、ブレンディングなしで滑らかな表面で連続的なトーンを実現できますが、この技法は手間がかかり、やや鈍い先端で小さな円形または楕円形のストロークを描く必要があります。

描画にテクスチャを加えるシェーディング技法には、ハッチングや点描などがあります。他にもテクスチャを表現する方法は数多くあります。紙の選択に加えて、描画材料や技法もテクスチャに影響を与えます。テクスチャは、対照的なテクスチャの隣に描くことで、よりリアルに見せることができます。粗いテクスチャは、滑らかにブレンドされた領域の隣に描くことで、より際立ちます。同様の効果は、異なるトーンを近くに描くことでも得られます。明るいエッジを暗い背景の隣に描くと、目立ち、まるで表面から浮かんでいるように見えます。

光の方向と質は陰影表現において非常に重要な役割を果たし、絵画の奥行きと立体感に影響を与えます。光が様々な表面とどのように相互作用するかを理解することは、滑らかで反射する素材から、粗くマットな質感まで、アーティストがリアルな表現を生み出すのに役立ちます。現実世界の照明条件を観察し、実物から練習することで、説得力のある影やハイライトを描く能力を高めることができます。

さらに、クロスハッチングやスカンブリングといった高度なシェーディング技法を用いることで、トーンの遷移や表面のディテールをより細かくコントロールできます。クロスハッチングは交差する線を重ねることで深みとトーンを表現し、スカンブリングは円形や走り書きのようなストロークで柔らかく有機的な陰影を表現します。これらの技法は、慎重なブレンディングやテクスチャの適用と組み合わせることで、柔らかなグラデーションから大胆でコントラストの高い構図まで、幅広い効果を実現できる万能なツールキットとしてアーティストに提供されます。

形と比率

人体の比率

絵を描きながら対象の寸法を測定することは、対象をリアルに表現する上で重要なステップです。コンパスなどの道具を使って、様々な辺の角度を測ることができます。これらの角度は描画面に再現され、正確であることを確認するために再確認することができます。もう一つの測定方法は、対象の異なる部分の相対的な大きさを比較することです。描画具のある一点に指を置くことで、その寸法を他の部分と比較することができます。定規は定規としても、比率を計算する道具 としても使用できます。

年齢による割合の変化

人物のような複雑な形状を描こうとする場合、まずは基本となる体積の集合を用いてその形状を表現すると効果的です。立方体、球体、円柱、円錐といった形状の組み合わせで、ほとんどあらゆる形状を表現できます。これらの基本となる体積を肖像として組み立てたら、その絵をより正確で洗練された形に仕上げていきます。基本となる体積の線は削除され、最終的な肖像に置き換えられます。基礎となる構造を描くことは、具象芸術における基本的なスキルであり、多くの書籍や学校で教えられています。これを正しく応用することで、細部に関する不確実性のほとんどが解消され、最終的なイメージの一貫性が保たれます。[ 34 ]

より洗練された人物画を描くには、解剖学と人体のプロポーションに対する深い理解が不可欠です。熟練した画家は、骨格の構造、関節の位置、筋肉の配置、腱の動き、そして動作中に各部位がどのように連携するかを熟知しています。これにより、不自然に硬直した印象を与えない、より自然なポーズを描くことができます。また、特に肖像画を描く際には、被写体の年齢によってプロポーションがどのように変化するかについても熟知しています。

視点

二点透視図

線遠近法は、平面上の物体を、距離に応じて縮むように描く手法です。建物であれテーブルであれ、あらゆる物体の平行な直線は、最終的に消失点に収束する線に沿って描かれます。建物は平面と同じ高さに建てられているため、この収束点は通常、地平線上のどこかにあります。通り沿いの建物など、複数の建物が一直線に並んでいる場合、建物の水平方向の上下は通常、消失点に収束します。

建物の正面と側面の両方を描くと、側面を形成する平行線が地平線上の2番目の点（画用紙の外にある場合もあります）に収束します。これが2点透視図法です。[ 35 ]垂直線を地平線の上または下の3番目の点に収束させると、3点透視図法が作成されます。

虫の目線で人物を描く芸術家

奥行きは、上記の遠近法のアプローチに加えて、いくつかのテクニックで表現できます。同じ大きさの物体は、見る人から遠ざかるほど小さく見えるはずです。したがって、カートの後輪は前輪よりもわずかに小さく見えます。奥行きは、テクスチャの使用によって表現できます。物体のテクスチャは、遠ざかるにつれて、より圧縮され、雑然とした感じになり、近くにあるときとはまったく異なる特徴を帯びます。奥行きは、遠くにある物体のコントラストを下げ、色の彩度を下げることによっても表現できます。これにより、大気のもや効果が再現され、視線は主に前景に描かれた物体に集中するようになります。

構成

ウィリアム・アドルフ・ブグローによる白のハイライトを施した習作

画像の構成は、芸術的価値のある興味深い作品を制作する上で重要な要素です。アーティストは、鑑賞者にアイデアや感情を伝えるために、作品における要素の配置を計画します。構成は作品の焦点を決定づけ、美的に魅力的で刺激的な調和のとれた作品全体を生み出します。

被写体への照明も芸術作品の創作において重要な要素であり、光と影の相互作用はアーティストにとって貴重なツールです。光源の配置によって、表現するメッセージの種類は大きく変わります。例えば、複数の光源を使うと、人物の顔のしわを目立たなくし、より若々しい印象を与えることができます。一方、強い日光のような単一の光源を使うと、質感や特徴的な特徴を際立たせることができます。

物体や人物を描く際、熟練した芸術家はシルエットの内側の領域とその外側の両方に注意を払います。外側はネガティブスペースと呼ばれ、人物と同様に重要な表現となることがあります。人物の背景に配置される物体は、どこから見ても適切に配置されている必要があります。

スタディとは、最終的なイメージを構想するために下描きされるものです。スタディは、完成イメージの特定の部分の外観を決定したり、最終目標を達成するための最適なアプローチを試行錯誤したりするために用いられます。しかし、綿密に練られたスタディはそれ自体が芸術作品となることもあり、完成までには何時間もの綿密な作業が必要となることもあります。

プロセス

ミュンヘンでバルベリーニの牧神を描く若い女性

視覚的に正確な絵を描く能力には個人差があり、[ 36 ]視覚的に正確な絵とは「特定の時間と特定の空間における特定の物体として認識され、表現された物体では見えない視覚的詳細をほとんど追加せず、また視覚的詳細をほとんど削除せずに描かれたもの」です。[ 37 ]

調査研究は、なぜ一部の人が他の人よりも絵が上手なのかを説明することを目的としてきました。ある研究では、描画プロセスにおける4つの主要な能力が提唱されました。それは、マークを描くために必要な運動能力、描画者自身の描画に対する認識、描画されている物体の認識、そして適切な表現判断を行う能力です。[ 37 ]この仮説に基づき、いくつかの研究は、これらのプロセスのうち、どのプロセスが描画の正確さに最も影響を与えるのかを結論づけようとしました。

ジャン＝オーギュスト＝ドミニク・アングル作「男性胴体の学術研究」における描画過程（1801年、ワルシャワ国立美術館）
モーター制御

運動制御は、描画プロセスの「制作段階」において重要な物理的要素である。[ 38 ]運動制御は描画能力に役割を果たしていると示唆されているが、その影響は重要ではない。[ 37 ]

感知

描画プロセスにおいて最も重要な段階は、描いている物体を知覚する個人の能力であると考えられてきました。[ 37 ]この示唆は、知覚と描画能力の間に強固な関係があることの発見によって裏付けられています。[ 39 ]

この証拠は、ベティ・エドワーズの絵の描き方本『脳の右側で描く』の基礎となりました。[ 40 ]エドワーズは読者の知覚能力の発達に基づいて、読者に絵の描き方を教えることを目指しました。

さらに、影響力のある芸術家であり美術評論家でもあるジョン・ラスキンは、著書『素描の原理』の中で、描画プロセスにおける知覚の重要性を強調しています。[ 41 ]彼は、「十分に鋭敏に見れば、見たものを描くのはほとんど難しいことではないと私はほぼ確信している」と述べています。

視覚記憶

これは視覚的に正確な絵を描く能力にも影響を与えることが示されています。短期記憶は、描いている対象と絵自体の間を視線が移動するため、描画において重要な役割を果たします。[ 42 ]

意思決定

芸術家と非芸術家を比較したいくつかの研究では、芸術家は絵を描く際に戦略的思考に多くの時間を費やしていることが示されています。特に、芸術家は絵をどのように進めていくかについて様々な仮説的な計画を検討するといった「メタ認知」活動に多くの時間を費やしています。[ 43 ]

参照

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  42. ^ McManus, I.C.; Chamberlain, RS.; Loo, P.-K.; Rankin, Q.; Riley, H.; Brunswick, N. (2010). 「描けない美術学生：描画能力、視覚的記憶、模写の正確さ、そして失読症の関係を探る」(PDF) .美学、創造性、そして芸術の心理学. 4 : 18– 30. CiteSeerX 10.1.1.654 . ​​5263. doi : 10.1037/a0017335 . 2017年10月26日時点のオリジナル(PDF)からアーカイブ。 2017年10月25日閲覧。 
  43. ^ Fayena-Tawil, F.; Kozbelt, A.; Sitaras, S. (2011). 「グローバルに考え、ローカルに行動する：アーティストと非アーティストの描画中の認知、メタ認知、評価に関するプロトコル分析比較」『美学、創造性、芸術の心理学』5 (2): 135–45 . doi : 10.1037/a0021019 .

さらに読む

  • ブロマー、ジェラルド・F. (1988). 『Exploring Drawing』 マサチューセッツ州ウースター：デイビス出版.
  • ボドリー・ギャラリー、ニューヨーク（1971年）『モダン・マスター・ドローイング』OCLC 37498294。 
  • エドワーズ、ベティ（2001年）『脳の右側を描く新しい方法』改訂第3版、ハーパーコリンズ出版社、ISBN 978-0-00-711645-4。
  • ヒルベリー、JD (1999).鉛筆で描くリアルなテクスチャ. ノースライトブックス. ISBN 0-89134-868-9。
  • ホルコム、M. (2009). 『ペンと羊皮紙：中世の素描』ニューヨーク：メトロポリタン美術館.
  • ランダ、ロビン (2011). 『Take a Line for a Walk: A Creativity Journal』 ボストン: ワズワース. ISBN 978-1-111-83922-2。
  • ローハン、フランク（1978年）『ペン＆インクテクニック』コンテンポラリーブックス社、ISBN 0-8092-7438-8。
  • ラスキン, J. (1857). 『デッサンの基本』 ニューヨーク州ミネオラ: ドーバー出版. ISBN 978-1-4538-4264-5。
  • スピアーズ、ヘザー（2007年）『クリエイティブ・アイ』ロンドン：アークトゥルス、ISBN 978-0-572-03315-6。
  • トレイブ、マーク編（2008年）『ドローイング／シンキング：電子時代への挑戦』ISBN 0-415-77560-4。
  • ワールドブック社 (1988). 『ワールドブック百科事典第5巻』. ISBN 0-7166-0089-7。
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