ロバート・ラウシェンバーグ

ロバート・ラウシェンバーグ
ラウシェンバーグ、1968年
誕生
ミルトン・アーネスト・ラウシェンバーグ
( 1925-10-22 )1925年10月22日
アメリカ合衆国テキサス州ポートアーサー
死去2008年5月12日(2008-05-12)（82歳）
フロリダ州キャプティバ、米国
教育カンザスシティ・アート・インスティテュート・アカデミー、ジュリアン・ブラックマウンテン・カレッジ、ニューヨーク・アート・スチューデンツ・リーグ
著名な作品アッサンブラージュ
著名な作品キャニオン（1959年）モノグラム（1959年）
運動ネオ・ダダ、抽象表現主義、ポップアート
配偶者
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（ 1950年結婚 、 1953年離婚） 
受賞レオナルド・ダ・ヴィンチ世界芸術賞（1995年）高松宮殿下記念世界文化賞（1998年）

ミルトン・アーネスト・ラウシェンバーグ（ 1925年10月22日 - 2008年5月12日）は、アメリカの画家、グラフィックアーティストであり、初期の作品はポップアート運動の先駆けとなった。ラウシェンバーグは、日常の物を素材として取り入れ、絵画と彫刻の境界を曖昧にした作品群「コンバインズ」（1954年 - 1964年）でよく知られている。ラウシェンバーグは主に画家と彫刻家であったが、写真、版画、製紙、パフォーマンスにも取り組んでいた。[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ]

ラウシェンバーグは、60年近くにわたる芸術家としてのキャリアの中で数々の賞を受賞しました。中でも特に著名なのは、1964年の第32回ヴェネツィア・ビエンナーレ国際絵画大賞と、 1993年の国家芸術賞です。 [ 4 ]

ラウシェンバーグは2008年5月12日に亡くなるまで、ニューヨーク市とフロリダ州キャプティバ島に住み、仕事をしていた。 [ 5 ]

人生とキャリア

ラウシェンバーグはテキサス州ポートアーサーで、ドラ・カロライナ（旧姓マットソン）とアーネスト・R・ラウシェンバーグの息子としてミルトン・アーネスト・ラウシェンバーグとして生まれた。 [ 6 ] [ 7 ] [ 8 ]彼の父親はドイツ人で、母親はオランダ系だった。[ 9 ]ラウシェンバーグは父方の祖母ティナ「タイニー」ジェーン・ハワードがチェロキー族であると誤って主張した。[ 10 ] [ 11 ]彼の父親は電力会社ガルフ・ステーツ・ユーティリティーズで働いていた。彼の両親は原理主義キリスト教徒だった。[ 12 ]彼にはジャネット・ベグノーという妹がいた。[ 13 ] [ 14 ]

18歳で、ラウシェンバーグはテキサス大学オースティン校に入学し、薬理学を学び始めたが、授業の難しさ（この時点では失読症であることに気づいていなかった）と生物学の授業でカエルの解剖をしたくないという理由で、すぐに中退した。[ 15 ]彼は1944年にアメリカ海軍に徴兵された。カリフォルニアを拠点とし、1945年か1946年に除隊するまで海軍病院で神経精神科技術者として勤務した。[ 15 ]

その後、ラウシェンバーグはカンザスシティ美術大学とパリのアカデミー・ジュリアンで学び、[ 16 ]フランスの美術学校で学び、そこで同級生のスーザン・ワイルと出会った。この時、彼も名前をミルトンからロバートに改めた。[ 17 ] 1948年、ラウシェンバーグはワイルと共にノースカロライナ州のブラックマウンテン・カレッジに入学した。[ 18 ] [ 19 ]

ブラックマウンテンで、ラウシェンバーグはドイツのバウハウス創設者、ヨーゼフ・アルバースを訪ねた。彼は1948年8月号のタイム誌でアルバースについて読んでいた。彼はアルバースの厳格な指導法が、自身のずさんな性質を矯正してくれることを期待していた。[ 20 ]アルバースの予備デザインコースは厳格な規律に基づいており、「無秩序な実験」は一切許されなかった。[ 21 ] [ 22 ]

ラウシェンバーグは、彼自身の言葉を借りれば、「アルバースの愚か者、彼が語っていないことの顕著な例」となった。[ 23 ]ラウシェンバーグはアルバースを最も重要な師とみなしていたが、前衛音楽の作曲家として名声を博していたジョン・ケージに、より親和性のある感性を見出していた。ラウシェンバーグと同様に、ケージも師であるアルノルド・シェーンベルクの教えから離れ、より実験的な音楽アプローチを好んでいた。ケージはラウシェンバーグの初期のキャリアにおいて、彼に必要な支援と励ましを与え、二人はその後数十年にわたり友人であり、芸術的な共同作業者としての関係を続けた。[ 20 ]

1949年から1952年までラウシェンバーグはニューヨークのアート・スチューデンツ・リーグでヴァーツラフ・ヴィトラチルとモリス・カンターに師事し[ 24 ]、そこで仲間の芸術家ノックス・マーティンやサイ・トゥオンブリーと出会った[ 25 ]。

ラウシェンバーグは1950年の夏、コネチカット州アウターアイランドのワイル家でスーザン・ワイルと結婚した。彼らの唯一の子供であるクリストファーは1951年7月16日に生まれた。二人は1952年6月に別居し、1953年に離婚した。[ 26 ]その後、ラウシェンバーグはサイ・トゥオンブリーやジャスパー・ジョーンズといった芸術家仲間と恋愛関係を持った。[ 27 ] [ 28 ]晩年の25年間のパートナーは、かつてのアシスタントである芸術家ダリル・ポットルフであった。[ 29 ] [ 24 ]

1970年代に彼はニューヨーク市マンハッタンのノーホーに引っ越した。 [ 30 ]

ラウシェンバーグは1968年7月26日にキャプティバ島の最初の不動産であるビーチハウスを購入しました。しかし、この不動産が彼の永住の地となったのは1970年の秋になってからでした。[ 31 ]

ラウシェンバーグは2008年5月12日、フロリダ州キャプティバ島で心不全のため亡くなった。[ 24 ] [ 32 ]

芸術的貢献

ラウシェンバーグのアプローチは、画家のジャスパー・ジョーンズと同じく「ネオ・ダダイスト」と呼ばれることもあった。[ 33 ]ラウシェンバーグは「絵画は芸術と人生の両方に関係している」とよく言い、「両者の隙間」で制作したいと考えていた。[ 34 ]多くのダダイストの先駆者たちと同様に、ラウシェンバーグは美術品と日常品の区別に疑問を呈し、既製の素材を用いることで、マルセル・デュシャンの「泉」 （1917年）が提起した知的問題を再現した。デュシャンのダダイズムの影響は、標的、数字、旗といった身近な文化的シンボル、つまり「心が既に知っているもの」を描いたジャスパー・ジョーンズの絵画にも見られる。[ 35 ]

2022年に国立美術館で開催される「ファクトムI」と「ファクトムII」（いずれも1957年）

ブラックマウンテン・カレッジで、ラウシェンバーグは版画、デッサン、写真、絵画、彫刻、演劇など、様々な芸術媒体を試し、作品にはこれらの要素が組み合わさっていることが多かった。ブラックマウンテン・カレッジで制作した「 Night Blooming」（1951年）は、小石や砂利をキャンバスに押し付けて黒色顔料にしたものだった。同年、彼はニューヨークのアパートでスーザン・ワイルと共同で全身の青写真を制作し、「それをスクリーンや壁紙のデザインにしたいと願っていた」という。[ 36 ]

1952年の秋から1953年の春にかけて、ラウシェンバーグは仲間の芸術家でありパートナーでもあるサイ・トゥオンブリーと共にイタリアと北アフリカを旅した。そこで彼は、拾い集めた素材を使ってコラージュや小彫刻を制作し、その中には「スカトーレ・ペルソナリ」や「フェティッチ・ペルソナリ」も含まれていた。彼はそれらをローマとフィレンツェのギャラリーで展示した。[ 37 ]ラウシェンバーグにとって意外なことに、多くの作品が売れた。売れなかった作品の多くは、彼の展覧会を批評した美術評論家の提案に従い、アルノ川に投げ捨てられた。 [ 38 ] [ 39 ]

1953年にニューヨークに戻ると、ラウシェンバーグは、スクラップメタル、木材、より糸など、マンハッタン下地区で見つけた材料を使って彫刻を作り始めた。[ 40 ] 1950年代を通して、ラウシェンバーグは最初はスーザン・ワイルと、後にはマトソン・ジョーンズというペンネームでジャスパー・ジョーンズと共同で、ティファニーやボンウィット・テラーの店頭ウィンドウディスプレイをデザインして生計を立てた。

無題（1963年）、キャンバスに油彩、シルクスクリーン、金属、プラスチック

1953年に起きた有名な事件で、ラウシェンバーグは抽象表現主義の画家ウィレム・デ・クーニングに、芸術的ステートメントとしてその絵を消すという明確な目的を掲げて絵を依頼しました。このコンセプチュアルな作品「消されたデ・クーニングの絵」は、クーニングの同意を得て制作されました。[ 41 ] [ 24 ] [ 42 ]

1961年、ラウシェンバーグは、アイデアを作品そのものとして提示するという、同様の概念的アプローチを試みました。彼はパリのギャラリー・イリス・クレールの展覧会に招待され、ギャラリーオーナーであるクレールの肖像画を展示することになりました。ラウシェンバーグの応募作品は、「私がそう言うなら、これはイリス・クレールの肖像画です」と宣言する電報でした。[ 23 ]

1962年までに、ラウシェンバーグの絵画には、ファウンド・オブジェだけでなく、ファウンド・イメージも取り入れられるようになっていった。同年、アンディ・ウォーホルのスタジオを訪れたラウシェンバーグは、通常は商業的な複製手段に用いられるシルクスクリーン技法を用いて、写真をキャンバスに転写し始めた。 [ 43 ] 1962年から1964年にかけて制作されたシルクスクリーン作品は、批評家たちにラウシェンバーグの作品をポップアートと結びつけるきっかけとなった。

この時期にラウシェンバーグは、全長32フィート（約10メートル）のシルクスクリーンと油彩による作品『はしけ』[ 44 ]を制作しました。この作品は主に24時間かけて制作されました。作品中で確認できるイメージには、トラック、宇宙船、文字、そしてディエゴ・ベラスケスの『ロークビー・ヴィーナス』の一部などがあります。

ラウシェンバーグは、1950年代半ばの初期のコンバイン制作以来、作品の中でテクノロジーの実験を行っており、稼働中のラジオ、時計、扇風機を彫刻の材料として使用することもあった。後に、ベル研究所の研究科学者ビリー・クルーバーと働きながら、テクノロジーへの関心を深めた。2人は協力して、ラウシェンバーグの最も野心的なテクノロジーベースの実験のいくつかを実現した。例えば、周囲の音に反応する光のインスタレーションであるサウンディングス（1968年）などである。1966年、クルーバーとラウシェンバーグは、アーティストとエンジニアのコラボレーションを促進するための非営利団体、 Experiments in Art and Technology（EAT）を正式に設立した。[ 45 ] [ 46 ] 1969年、NASAはラウシェンバーグをアポロ11号の打ち上げに立ち会うよう招待した。この画期的な出来事に応えて、ラウシェンバーグはリトグラフのシリーズ「ストーンド・ムーン」を制作した。[ 47 ]これにはNASAのアーカイブからの図表やその他の画像と彼自身の絵や手書きのテキストを組み合わせることが含まれていました。[ 48 ] [ 49 ]

ベルリンで自転車に乗る（1998年）

1970年から、ラウシェンバーグはフロリダ州キャプティバの自宅兼スタジオを拠点に制作した。新しいスタジオで制作した最初の作品はCardboards（1971–72年）とEarly Egyptians（1973–74年）で、これらの作品では段ボールや砂など地元で調達できる素材を使用していた。以前の作品では都市のイメージや素材を強調することが多かったのに対し、ラウシェンバーグは今や布や紙に見られる天然繊維の効果を好んでいた。彼は溶剤転写技法を用いて布地にプリントし、Hoarfrost（1974–76年）とSpread（1975–82年）シリーズを制作した。Spreadは木製パネルの上に大きな布地をコラージュした作品である。ラウシェンバーグは、インドの織物で有名な都市アフマダーバードへの旅行からインスピレーションを得たカラフルな布地を使用してJammer （1975–76年）シリーズを制作した。ジャマー シリーズの、イメージのないシンプルさは、イメージに満ちたホアフロストや、ニューヨークで制作された初期の作品のざらざら感とは際立った対照をなしています。

1975年以降、ラウシェンバーグの創作活動において海外旅行は中心的な位置を占めるようになった。1984年、ラウシェンバーグは国連でラウシェンバーグ海外文化交流（ROCI）の開始を発表した。ROCIプロジェクトは、ほぼ全額がアーティスト自身の資金で賄われ、7年間にわたる世界10カ国への旅から構成されていた。ラウシェンバーグは各地で写真を撮影し、訪れた文化に触発された作品を制作した。完成した作品は各国の現地展覧会で展示された。ラウシェンバーグはしばしば地元の文化施設に作品を寄贈した。[ 50 ]

1980年代半ばから、ラウシェンバーグは鋼鉄や鏡面加工されたアルミニウムなど、様々な処理を施した金属にシルクスクリーンで画像を転写することに焦点を当てるようになりました。彼はいわゆる「メタル・ペインティング」と呼ばれるシリーズを数多く制作し、その中には『ボレアリス』（1988–92）[ 51 ] 、 『アーバン・バーボンズ』（1988–1996）、『ファントムズ』（1991）、『ナイト・シェードズ』（1991） [ 52 ]などがあります。さらに1990年代を通して、ラウシェンバーグはより原始的な技法を用いながらも、新しい素材を活用し続けました。最新の技術革新への取り組みの一環として、晩年の絵画シリーズでは、デジタルインクジェット写真画像を様々な支持体に転写しました。『アルカディアンの隠れ家』（1996）では、画像をウェットフレスコに転写しました。 1998年の作品「ラブホテル[アナグラム（しゃれ）]」はポリラミネートに植物染料を転写して作られ、アーティストが40年近く住んでいたフロリダ州のペレス美術館マイアミのパーマネントコレクションに含まれています。 [ 53 ] [ 54 ]ラウシェンバーグは環境への取り組みに沿って、転写の過程で化学薬品ではなく生分解性の染料と顔料、そして水を使用しました。[ 55 ]

白い絵、黒い絵、赤い絵

1951年、ラウシェンバーグはカジミール・マレーヴィチが確立した単色絵画の伝統を受け継ぎ、「ホワイト・ペインティング」シリーズを制作した。マレーヴィチは絵画をその最も本質的な性質にまで削ぎ落とし、美的純粋さと無限性を体現した。[ 56 ]「ホワイト・ペインティング」は1953年秋、ニューヨークのエレノア・ウォードのステーブル・ギャラリーで展示された。ラウシェンバーグは、日常的に使用する白い住宅用塗料とペイントローラーを用いて、一見すると真っ白なキャンバスのように見える、滑らかで装飾のない表面を創り出した。しかし、ジョン・ケージは「ホワイト・ペインティング」を無内容のものとして捉えるのではなく、「光、影、そして粒子の空港」と表現した。 [ 57 ]部屋の繊細な空気の変化を映し出す表面である。ラウシェンバーグ自身も、これらの絵画は周囲の環境の影響を受けており、「部屋の中に何人の人がいるのかほとんどわかるほどだ」と述べている。「ホワイト・ペインティング」と同様に、1951年から1953年にかけて制作された「ブラック・ペインティング」は複数のパネルで構成され、主に単色で構成されている。ラウシェンバーグはキャンバス上の質感のある新聞紙の地にマットな黒と光沢のある黒の絵の具を塗り、時折新聞紙が見えるようにした。

1953年までに、ラウシェンバーグは「ホワイト・ペインティング」と「ブラック・ペインティング」シリーズから、より高度な表現主義を追求する「レッド・ペインティング」シリーズへと移行しました。彼は赤を「最も難しい色」と捉え、模様のある布、新聞紙、木、釘などを用いたキャンバス地に直接、赤色顔料を垂らしたり、貼り付けたり、絞り出したりすることで、この挑戦​​に挑みました。[ 58 ] 「レッド・ペインティング」の複雑な素材表面は、ラウシェンバーグの有名な「コンバイン」シリーズ（1954-1964）の先駆けとなりました。[ 56 ]

組み合わせ

ベッド（1955年）2022年ニューヨーク近代美術館にて

ラウシェンバーグはニューヨークの路上で捨てられた物を集め、スタジオに持ち帰って作品に取り入れました。彼は「自分で作れるものとは違う何かが欲しかった。驚きや共同性、そして驚きを見つける寛大さを利用したかった。[…] つまり、物自体が文脈によって変化し、新しいものになったのだ」と述べています。[ 59 ] [ 42 ]

芸術と生活の乖離に関するラウシェンバーグの発言は、彼の芸術家としての貢献を理解する出発点となる。[ 34 ]彼はほとんどあらゆるものに潜在的な美を見出していた。かつて彼はこう言った。「石鹸皿や鏡、コーラの瓶などを醜いと思う人は本当に気の毒だ。なぜなら、彼らは一日中そのようなものに囲まれていて、きっと惨めな思いをしているだろうから。」[ 24 ]彼の「コンバイン」シリーズは、日常的な物を伝統的な画材と並んで美術の文脈に持ち込むことで、新たな意義を与えた。「コンバインズ」は芸術と彫刻の境界を取り払い、両者が一つの作品の中に存在するようにした。「コンバインズ」は厳密には1954年から1964年までのラウシェンバーグの作品を指すが、ラウシェンバーグはその後も芸術家としてのキャリアを通じて、衣類、新聞紙、都市のゴミ、段ボールといった日常的な物を活用し続けた。

キャニオン（1959）、コンバインペインティング

コンバインズ制作へとつながった過渡期の作品は「シャーリーン」（1954年）と「コレクション」（1954/1955年）で、スカーフ、電球、鏡、漫画などをコラージュしている。ラウシェンバーグは「ブラック・ペインティング」や「レッド・ペインティング」では新聞紙や模様のある織物を用いていたが、「コンバインズ」では日常的な物を伝統的な画材と同等の重要性を持たせている。コンバインズ初期の作品の一つとされる「ベッド」（1955年）は、使い古したキルト、シーツ、枕に赤い絵の具を塗りつけて制作された。この作品は、伝統的な絵画のように壁に垂直に掛けられていた。使用された素材が作家自身の生活と密接に結びついていることから、「ベッド」は自画像であり、ラウシェンバーグの内面意識が直接的に表れたものだとよく考えられている。一部の批評家はこの作品が暴力やレイプの象徴であると解釈できると指摘したが[ 60 ]、ラウシェンバーグは「ベッド」を「私が描いた中で最も親しみやすい絵の一つ」と評した[ 40 ] 。彼の最も有名なコンバインの作品には、剥製の動物を組み込んだものがある。例えば、剥製のアンゴラヤギを含む「モノグラム」（1955-1959年）や、剥製のイヌワシを特徴とする「キャニオン」 （1959年）などである。イヌワシはゴミ捨て場から回収されたものの、「キャニオン」は1940年のハクトウワシ及びイヌワシ保護法により政府の怒りを買った[ 61 ] 。

批評家たちは当初、コンバインを色彩、質感、構成といった形式的な特性の観点から評価していました。1960年代の形式主義的な見解は、後に批評家のレオ・スタインバーグによって反駁されました。スタインバーグは、それぞれのコンバインを「物体が散りばめられ、データが入力される受容面」と評しました。[ 62 ]スタインバーグによれば、ラウシェンバーグの「フラットベッド・ピクチャー・プレーン」と彼が呼んだ水平性は、絵画の伝統的な垂直性に取って代わり、ラウシェンバーグ作品特有の物質に縛られた表面を生み出したのです。

2006年、ロサンゼルス現代美術館はメトロポリタン美術館と共同で、ラウシェンバーグの65点以上の作品を展示する「ロバート・ラウシェンバーグ：コンバインズ」展[ 63 ]を開催した。この展覧会は、メトロポリタン美術館では2005年12月20日から2006年4月2日まで、ロサンゼルス現代美術館では2006年5月21日から9月4日まで開催された。

パフォーマンスとダンス

ラウシェンバーグは1950年代初頭にニューヨークに移住した後、ダンスへの興味を探求し始めました。ブラックマウンテン・カレッジで初めて前衛的なダンスとパフォーマンスアートに触れ、ジョン・ケージの『シアター・ピースNo.1』（1952年）に参加しました。これは最初のハプニングとよく言われています。彼はマース・カニンガムとポール・テイラーの舞台装置、照明、衣装デザインを始めました。1960年代初頭には、グリニッジ・ヴィレッジのジャドソン記念教会で行われた急進的なダンスシアターの実験に関わり、1963年5月にジャドソン・ダンスシアターで初の公演『ペリカン』（1963年）を振付しました。[ 64 ]ラウシェンバーグは、キャロリン・ブラウン、ヴィオラ・ファーバー、スティーブ・パクストンなど、カニンガムと関係のあるダンサーと親しい友人であり、彼らは皆、彼の振付作品に出演していましたラウシェンバーグのマース・カニンガム・ダンス・カンパニーへのフルタイムの関与は、1964年のワールドツアーをもって終了した。[ 65 ] 1966年、ラウシェンバーグはニューヨークの第69連隊兵器庫で開催された「9 Evenings: Theatre and Engineering」の一環として、オープン・スコアのパフォーマンスを制作した。このシリーズは、Experiments in Art and Technology (EAT)の形成に重要な役割を果たした。 [ 66 ] [ 67 ]

1977年、ラウシェンバーグ、カニンガム、ケージは13年ぶりに再び協力し、『トラベローグ』（1977年）を制作した。この作品でラウシェンバーグは衣装と舞台デザインを担当した。[ 55 ]ラウシェンバーグは1967年以降、自身の振付は行わなかったが、その後の芸術家としてのキャリアにおいて 、トリシャ・ブラウンを含む他の振付家とのコラボレーションを続けた。

委嘱作品

ラウシェンバーグはキャリアを通じて、彼にとって重要な大義を支持する数多くのポスターをデザインしました。1965年、ライフ誌から現代の地獄を視覚化する依頼を受けたとき、彼はベトナム戦争や、人種差別、ネオナチ、政治的暗殺、環境災害といった現代の社会政治的問題に対する怒りをためらうことなく表現しました。[ 38 ]

1969年、ニューヨーク市のメトロポリタン美術館は、ラウシェンバーグに開館100周年を記念する作品を制作するよう依頼しました。ラウシェンバーグは、美術館の設立当初の目標が1870年の証明書に詳述されていることを知り、その証明書を基に、美術館所蔵の最も有名な作品の画像と当時の理事会の署名を添えた「開館100周年記念証明書」を作成しました。この証明書の複製は、多くの美術館や個人コレクションに所蔵されています。[ 68 ]

1979年12月30日、マイアミ・ヘラルド紙は日曜版雑誌『トロピック』を65万部発行し、表紙はラウシェンバーグがデザインした。1983年、彼はトーキング・ヘッズのアルバム『スピーキング・イン・タンズ』のアルバムデザインでグラミー賞を受賞した。[ 69 ] 1986年、ラウシェンバーグはBMWから、有名なBMWアートカー・プロジェクトの第6弾として、フルサイズのBMW 635 CSiのペイントを依頼された。ラウシェンバーグの車は、このプロジェクトで初めて、ニューヨークのメトロポリタン美術館の作品の複製とラウシェンバーグ自身の写真をフィーチャーした車となった。

1998年、バチカンは2000年の聖年を記念し、イタリアのサン・ジョヴァンニ・ロトンドにあるピオ神父礼拝堂に展示するため、ラウシェンバーグに作品を委託した。「最後の審判」をテーマに、ラウシェンバーグは全長6メートルの模型「幸福な黙示録」（1999年）を制作した。この作品は最終的に、ラウシェンバーグが神を衛星放送受信アンテナとして描いたことが不適切な神学的表現であるという理由でバチカンに拒否された。[ 70 ]

作品

展覧会

ラウシェンバーグは1951年春、ベティ・パーソンズ・ギャラリーで初の個展を開催しました。[ 71 ] [ 72 ] 1953年、イタリア滞在中にアイリーン・ブリンとガスペロ・デル・コルソの目に留まり、ローマにある彼らの有名なギャラリーで初のヨーロッパ展が開催されました。[ 37 ] 1953年、エレノア・ワードはラウシェンバーグをステーブル・ギャラリーでのサイ・トゥオンブリーとの共同展に招待しました。1954年、ニューヨークのチャールズ・イーガン・ギャラリーで開催された2度目の個展では、ラウシェンバーグは『レッド・ペインティング』（1953–1953年）と『コンバインズ』（1954–1964年）を発表しました[ 73 ] [ 74 ]レオ・カステリは1958年にラウシェンバーグの「コンバインズ」の個展を開催した。唯一の売り上げはカステリ自身が購入した「ベッド」（1955年）で、現在はニューヨーク近代美術館に所蔵されている。[ 75 ]

ラウシェンバーグの最初の回顧展は、1963年にニューヨークのユダヤ博物館で開催されました。1964年には、ヴェネツィア・ビエンナーレで国際絵画大賞を受賞した最初のアメリカ人アーティストの一人となりました（ジェームズ・ホイッスラーとマーク・トビーはそれぞれ1895年と1958年に絵画賞を受賞していました）。中期回顧展はワシントンD.C.の国立美術館（現在のスミソニアン博物館）で開催され、1976年から1978年にかけて全米を巡回しました。[ 55 ] [ 76 ]

1990年代には、ニューヨークのソロモン・R・グッゲンハイム美術館（1997年）で回顧展が開催され、この回顧展は1999年までヒューストン、ケルン、ビルバオの美術館を巡回した。 [ 77 ]「コンバインズ」展はニューヨークのメトロポリタン美術館で開催され（2005年、ロサンゼルス現代美術館、パリのポンピドゥー・センター、ストックホルム近代美術館を2007年まで巡回）、ラウシェンバーグの死後初の回顧展はテート・モダンで開催され（2016年、ニューヨーク近代美術館、サンフランシスコ近代美術館を2017年まで巡回）、ラウシェンバーグの死後初の回顧展が開催された。[ 78 ]

その他の展覧会には、ロバート・ラウシェンバーグ展「ジャマーズ」、ガゴシアン・ギャラリー、ロンドン（2013年）、「ロバート・ラウシェンバーグ展：フルトン・ストリート・スタジオ、1953-54」、クレイグ・F ・スター・アソシエイツ（2014年）、「ビジュアル・レキシコン」、レオ・カステッリ・ギャラリー（2014年）、 「ロバート・ラウシェンバーグ展：メタル作品」 、ガゴシアン・ギャラリー、ビバリーヒルズ（2014年）、 [ 79 ] 「ラウシェンバーグ・イン・チャイナ」 、ユーレンス現代美術センター、北京（2016年）、「ラウシェンバーグ：1/4マイル」、ロサンゼルス郡立美術館（2018-2019年）などがある。[ 80 ]

ラウシェンバーグ生誕100周年を記念して、ソロモン・R・グッゲンハイム美術館では、「ロバート・ラウシェンバーグ：人生は止められない」展[81]を開催する。この展覧会では、ラウシェンバーグが主に1日かけて制作した32フィートのシルクスクリーン作品「Barge」など、代表作が展示される。この展覧会は2025年10月10日から2026年4月5日まで開催され、ロバート・ラウシェンバーグ財団からの貸し出しも含まれる。この展覧会は、生誕100周年を祝ういくつかの展覧会のうちの1つであり、メニル・コレクションの「ロバート・ラウシェンバーグ：1970年代のファブリック作品」、フアン・マルシュ財団の「ロバート・ラウシェンバーグ：イメージの使用」[ 82 ]、ブランドホルスト美術館[ 83 ]とルートヴィヒ美術館の「ファイブ・フレンズ：ジョン・ケージ、マース・カニングハム、ジャスパー・ジョーンズ、ロバート・ラウシェンバーグ、サイ・トゥオンブリー」などがある。

2026年9月9日から4月11日まで、グレイ美術館では「Handle with Care: Robert Rauschenberg's Ecological Conscience 」という展示会が開催されました。これは、「…アーティストは地球の責任ある管理を促進する義務と力を持っている」というラウシェンバーグの信念を検証する展示会です。[ 84 ]

2025年9月12日から2026年4月19日まで、ニューヨーク市立博物館では、ラウシェンバーグ生誕100周年を記念した数々の展覧会の一つとして、 ロバート・ラウシェンバーグの「ニューヨーク：現実世界からの絵画」展が開催された。 [ 85 ]

遺産

ラウシェンバーグは、芸術が社会変革の触媒となる力を強く信じていました。ラウシェンバーグ海外文化交流（ROCI）は、芸術表現を通して国際的な対話を促し、文化理解を深める取り組みとして1984年に始まりました。ROCI展は1991年にワシントンD.C.のナショナル・ギャラリーで開催され、[ 86 ]メキシコ、チリ、ベネズエラ、中国、チベット、日本、キューバ、ソ連、ドイツ、マレーシアの10カ国を巡回しました。

1970年、ラウシェンバーグはChange, Inc.というプログラムを立ち上げ、経済的必要性に応じて視覚芸術家に1回限りの1,000ドルまでの緊急助成金を支給した。[ 87 ] 1990年、ラウシェンバーグは世界平和、環境、人道問題など、彼が関心を寄せる大義への意識を高めるためにロバート・ラウシェンバーグ財団（RRF）を設立した。1986年、ラウシェンバーグはアメリカ功績アカデミーのゴールデン・プレート賞を受賞した。[ 88 ] [ 89 ] 1993年、ビル・クリントン大統領からアメリカ国家芸術賞を授与された。2000年、ラウシェンバーグはエイズ撲滅への芸術的貢献が認められamfARの優秀賞を受賞した。[ 90 ]

RRFは現在、ラウシェンバーグのキャリアのあらゆる時期の作品を多数所蔵している。2011年、同財団はガゴシアン・ギャラリーと共同で、ラウシェンバーグの個人コレクションから選りすぐりの作品を展示した「ロバート・ラウシェンバーグの個人コレクション」を展示した。この展覧会の収益は財団の慈善活動の資金に充てられた。[ 91 ]また2011年、財団は「アーティスト・アズ・アクティビスト」プロジェクトを立ち上げ、アーティストのシェパード・フェアリーを招き、彼が選択した問題に焦点を当ててもらった。彼が制作したエディション作品は、ホームレス連合への資金集めのために販売された。[ 92 ] RRFは毎年、助成金や慈善活動のコラボレーションを通じて、新進アーティストや芸術団体を支援し続けている。RRFはニューヨークの財団本部とフロリダ州キャプティバ島にある故アーティストの邸宅で、いくつかのレジデンス・プログラムを開催している。

2013年、コンプレックスのデール・アイジンガーは、オープン・スコア（1966年）を史上最高のパフォーマンスアート作品の第7位に挙げました。 [ 93 ]

フロリダ・サウスウェスタン州立大学のボブ・ラウシェンバーグ・ギャラリーは、ラウシェンバーグに敬意を表し、彼の祝福を受けて、2004 年に (1979 年設立の「The Gallery of Fine Art」から) 改名されました。

アート市場

2010年、ラウシェンバーグのコンバインの1つであるスタジオ・ペインティング（1960-61年）は、当初600万ドルから900万ドルと見積もられ、ニューヨークのクリスティーズでマイケル・クライトンのコレクションから1100万ドルで購入されました。 [ 94 ] 2019年、クリスティーズはシルクスクリーンの絵画バッファローII（1964年）を8880万ドルで販売し、このアーティストの以前の記録を破りました。

アーティストの再販ロイヤリティ獲得のためのロビー活動

1970年代初頭、ラウシェンバーグは、作品が二次市場で転売された場合にアーティストに補償する法案を可決させるため、米国議会に働きかけた。タクシー王ロバート・スカルが抽象表現主義とポップアートのコレクションの一部を220万ドルで売却した後、ラウシェンバーグはアーティストの再販ロイヤルティ（ droit de suit ）を求めて闘い始めた。スカルは当初、ラウシェンバーグの絵画「Thaw」（1958年）と「Double Feature」 （1959年）をそれぞれ900ドルと2,500ドルで購入したが、およそ10年後、スカルは1973年にニューヨークのサザビー・パーク・バーネットで行われたオークションで、これらの作品を85,000ドルと90,000ドルで売却した。 [ 95 ]

ラウシェンバーグのロビー活動は1976年に報われ、カリフォルニア州知事ジェリー・ブラウンが1976年カリフォルニア州再販ロイヤリティ法に署名した。 [ 96 ]ラウシェンバーグはカリフォルニア州での勝利後も全国的な再販ロイヤリティ法の制定に尽力した。

関連項目

参考文献

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さらに読む

ウィキクォートにはロバート・ラウシェンバーグに関する引用があります
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