合唱団

合唱団（/ k w aɪər / KWIRE）は、コラールまたはコーラス（ラテン語のchorusに由来し、「円になって踊る」という意味）とも呼ばれ、歌手の音楽アンサンブルです。合唱曲とは、そのようなアンサンブルが演奏するために特別に書かれた音楽、つまりアンサンブルによって演奏される音楽です。合唱団は、中世から現代までのクラシック音楽のレパートリーから、またはポピュラー音楽のレパートリーから音楽を演奏します。ほとんどの合唱団は指揮者によって率いられ、指揮者は腕、手、顔のジェスチャーで演奏をリードします

コベントリーのブルーコートCEスクール合唱団による晩祷のリハーサル。ヨーク大聖堂の聖歌隊席で、彫刻が施された聖歌隊席が見える。

聖歌隊という用語は、教会に所属するグループ（実際に聖歌隊席に座っているかどうかは関係なく）を指すことが多い。一方、合唱団は劇場やコンサートホールで演奏するが、この区別は厳密ではない。聖歌隊は楽器を使わずに歌うこともあれば、ピアノ、アコーディオン、パイプオルガン、小編成のアンサンブル、オーケストラの伴奏で歌うこともある。

合唱団はアンサンブルのサブセットとなることもあり、例えばオーケストラにおける「木管合唱団」、あるいは多声合唱作品における声部や楽器による様々な「合唱団」などと呼ばれることもあります。18世紀から21世紀にかけての典型的なオラトリオやミサ曲では、「合唱団」や「聖歌隊」という言葉は、各パートに複数の歌手がいることを意味します。これは、これらの作品にも登場する四重奏のソリストとは対照的です。

ドイツのデュッセルドルフで、休日の合唱団がいくつかの歌を歌っている。

構成

合唱団は、多くの場合、指揮者、合唱指揮者、または合唱指揮者によって指揮されます。ほとんどの場合、合唱団は4つのセクションで構成され、4部合唱で歌いますが、そのパートを歌える歌手がいる限り、パート数に制限はありません。例えば、トーマス・タリスは「Spem in alium」と題した40パートのモテットを作曲しました。これは、それぞれ5パートの合唱団8つで構成されており、クリストフ・ペンデレツキの「スターバト・マーテル」は、それぞれ16声の合唱団3つ、合計48パートで構成されています。4パート以外では、最も一般的なパート数は3、5、6、8です。

合唱団は、伴奏の有無にかかわらず歌うことができます。無伴奏の歌唱は通常アカペラと呼ばれます（ただし、アメリカ合唱指揮者協会[ 1 ]は、アカペラは「礼拝堂で歌うような」歌唱を意味し、今日の無伴奏音楽の多くは世俗的であるため、この用法を「無伴奏」とすることを推奨しています）。伴奏楽器は、ピアノまたはパイプオルガンなどの1つの楽器のみから、70人から100人の演奏者からなるフルオーケストラまで、多岐にわたります。リハーサルでは、演奏に別の楽器編成が予定されている場合や、合唱団が無伴奏音楽のリハーサルを行っている場合でも、ピアノまたはオルガンの伴奏が用いられることがよくあります。電子機器の普及により、小グループでは、グループリハーサルと個人練習の両方で、これらの機器と学習用トラックを併用することができます。

多くの合唱団は、教会、オペラハウス、学校、村の会館など、様々な場所で演奏します。場合によっては、特別なコンサートのために合唱団が集まって「マス合唱団」を結成することもあります。このような場合、合唱団は祝賀や人々を楽しませるために、一連の歌や楽曲を披露します。

指揮者の役割

指揮とは、合唱コンサートなどの音楽演奏を、手、腕、顔、頭を使った目に見えるジェスチャーで指揮する芸術です。指揮者または合唱指揮者の主な任務は、演奏者を統一し、テンポを設定し、明確な準備と拍子（拍子）を実行し、批判的に聴き、アンサンブルの音を形作ることです。[ 2 ]

ほとんどの合唱団では、音楽監督（演目決定、ソリストと伴奏者の起用）、合唱指揮者（歌手の訓練とリハーサルの実施）、指揮者（演奏全体の指揮）を同じ人が務めます。しかし、オペラのように合唱団が他の団体と合唱する場合など、これらの役割は分担されることもあります。

指揮者または合唱指揮者は、通常、一段高い台の上に立ち、指揮棒を使う場合と使わない場合があります。指揮棒を使用すると指揮者の動きがよりよく見えるようになりますが、多くの合唱指揮者は、より表現力豊かにするために、特に小規模なアンサンブルで活動する場合、手を使って指揮することを好む傾向があります。2010年代では、ほとんどの指揮者は指揮時に楽器を演奏しませんが、クラシック音楽の歴史の初期の時代には、楽器を演奏しながらアンサンブルを指揮することは一般的でした。1600年代から1750年代のバロック音楽では、2010年代に演奏する指揮者は、ハープシコードやバイオリンを演奏しながらアンサンブルを指揮することがあります（コンサートマスターを参照）。ミュージカル劇場のピットオーケストラでは、ピアノを演奏しながら指揮することもあります。演奏中のコミュニケーションは通常、非言語的です（これは芸術音楽に厳密に当てはまりますが、ジャズのビッグバンドや大規模なポップアンサンブルでは、ときどき口頭での指示がある場合があります）。しかし、リハーサルでは、指揮者は一般的にアンサンブルの音楽の解釈を練る芸術監督としても機能するため、アンサンブルに口頭で指示を与えることがよくあります。

指揮者は、指揮する合唱団のガイドとしての役割を担います。演奏する作品を選び、楽譜を研究し、それに基づいて一定の調整（テンポ、セクションの繰り返し、ボーカルソロの割り当てなど）を行い、解釈を練り、歌手にそのビジョンを伝えます。合唱団が合唱とオーケストラのための曲を歌う場合、合唱指揮者はオーケストラなどの器楽アンサンブルを指揮しなければならないこともあります。また、リハーサルのスケジュール、[ 3 ] 、コンサートシーズンの計画、オーディションの聴取、メディアでのアンサンブルの宣伝など、組織的な事柄にも携わることがあります。

礼拝において

歴史的に、歌曲のレパートリーは宗教音楽と世俗音楽に分けられます。多くの宗教音楽はコンサートでの演奏を念頭に作曲されていますが、その起源は典礼という文脈における役割にあります。

伴奏

 
エジプト、アレクサンドリアのサムエル・メナシェ・シナゴーグにて、ラビ・モーシェ・コーエンのエジプト・アレクサンドリア・ユダヤ教聖歌隊

初期の数世紀のディアスポラ後のユダヤ人と同様に、キリスト教徒の間でも、礼拝から楽器を排除すべきという意見が広く一致していました。初期の著述家の間では、神の礼拝においては伴奏のない人間の声を優先すべきだという意見が一致していました。[ 4 ]

東方正教会のほとんどの教会、一部のアメリカのプロテスタント教会、そして伝統的なユダヤ教のシナゴーグでは、賛美歌に楽器による伴奏は行われません。西方典礼の教会では、伴奏楽器は通常オルガンですが、植民地時代のアメリカでは、モラヴィア教会が弦楽器と管楽器のグループを用いていました。現代的な礼拝形式を採用している多くの教会では、小規模な増幅バンドによる伴奏が行われており、ローマカトリック教会は、独自の裁量で追加のオーケストラ伴奏を行う場合があります。

典礼機能

賛美歌や礼拝音楽など、会衆が参加する歌唱を導くことに加えて、教会の聖歌隊の中には、典礼暦の様々な時期にふさわしい固有歌（入祭唱、昇天唱、聖体拝領アンティフォナ）を含む完全な典礼を歌うところもあります。キリスト教では、福音ルーテル教会、英国国教会、ローマカトリック教会が主なものですが、礼拝の指定された時間に賛美歌やモテットを演奏することがはるかに一般的です。カトリック教会では、第二バチカン公会議の『典礼憲章』において、ミサなどの礼拝において「真の典礼的機能を果たす」人々の中に聖歌隊が含まれることが確認されています。[ 5 ]会衆で歌うことは、儀式の効力に貢献します。キリスト教では、初期の教会において、特定の賛美歌を認可するだけでなく、信者に真のキリスト教精神を与えるという点で、歌唱は重要な役割を果たしてきました。[ 6 ]

種類

 
2013年、ヘルシンキ大聖堂で少年合唱 団カントーレス・ミノーレスが演奏

合唱団の主な分類法の一つに性別と年齢があります。これは、これらの要素が伝統的に合唱団の響きや演奏する音楽に影響を与えると考えられてきたためです。[ 7 ] [ 8 ] ここでは、プロ、上級アマチュア、セミプロレベルでの普及率の高い順に、合唱団の種類を列挙します。

  • 成人混声合唱団 (男声と女声) はおそらく最も一般的で主流なタイプであり、通常ソプラノ、アルト、テナー、バスの声で構成され、しばしばSATBと略される。[ 9 ] 1 つまたは複数の声が 2 つに分割されることが多く、たとえば SSAATTBB では各声が 2 つのパートに分割され、SATBSATB では合唱団が 2 つの半独立 4 パート合唱団に分割される。バリトンの声も使用されることがあり (例: SATBarB)、これは高音域のバスによって歌われることが多い。男性が少ない小規模な合唱団では、SAB、つまりソプラノ、アルト、バリトンの編成により、少数の男性が 1 つのパートでテナーとバスの両方の役割を分担することができ、アルトがテナーパートも歌うことがある。
  • 男声合唱団（または男声合唱団と少年合唱団）。混声合唱団と同じSATBの声楽構成だが、少年が高音パート（トレブルまたはボーイソプラノと呼ばれることが多い）を歌い、男性がアルト（ファルセット）を歌い、カウンターテナーとも呼ばれる。この形式は最近まで英国の大聖堂合唱団（キングス・カレッジ、セント・ポール大聖堂、ウェストミンスター寺院など）の典型であった。しかし、現在ではすべての大聖堂が女性を受け入れており、2019年までに英国の大聖堂合唱団では女性合唱団員が男性合唱団員を上回った。[ 10 ]
  • 男声合唱団（Männerchor）は、成人男性のみで構成される低音域の声楽合唱団で、通常はテノール2人、バリトン、バスで構成され、TTBB（または、上声部がアルト音域でファルセットを歌う場合はATBB）と略されることが多い。ATBBは、バーバーショップ・カルテットの楽曲に見られることがある。
  • 少年合唱団は、通常 SSA またはSSAA を歌う少年の合唱団で、声変わり中の少年/若い男性のためのカンビアータ/テノール パートと、声変わりした少年/若い男性のためのバリトン パートが含まれることもあります。
  • 女声合唱団は、成人女性のみで構成される高音域の合唱団で、通常はソプラノとアルトから構成され、それぞれ2パートで構成されます。SSAAと略されることが多いですが、ソプラノI、ソプラノII、アルトと略される場合もあるため、SSAと略されます。歌手全員が若い場合は、「少女合唱団」という用語が使用されます。
  • 子どもの混声合唱団（男声と女声）。通常は 2 部 SA または 3 部 SSA ですが、場合によってはそれ以上の声が入ることもあります。

女性のみの児童合唱団や混声合唱団は、高音の少年合唱団、低音の男性合唱団、SATB合唱団に比べて、職業的に普及していない傾向がある。[ 9 ]これは、奨学金やその他の資金の不足、そして女性が信徒聖職者や音楽監督になるなどの職業上の機会が少ないことが一因である。[ 8 ]

合唱団は、活動する団体によっても分類されます。

 
1960年代のラムブルック校の合唱団。当時の典型的な男子校合唱団だった。

合唱団の中には、演奏する音楽の種類によって分類されるものもあります。

学校で

アメリカ合衆国では、中学校や高校で授業や活動として合唱が行われることがよくあります。合唱団の中にはコンテストに参加するものもあります。高校で人気のある合唱団の1つに、ショー合唱団があります。中学生や高校生の時に、生徒の声は変化します。女子も声の変化を経験しますが、男子の場合、より顕著です。音楽教育に関する多くの文献は、男性の声の変化の仕組みと、思春期の男性歌手をどのように支援するかに焦点を当てています。[ 12 ]ジョン・クックシーによる研究では、男性の声の変化を5段階に分類しており、ほとんどの中学生男子は変化の初期段階にあります。[ 12 ]男女の生徒の声域は、声が変化している間は制限される場合があり、合唱教師はそれに適応する必要があり、この年齢層を教えるのは難しい場合があります。[ 13 ]

全国的に、男子生徒が合唱団に登録する数は女子生徒よりもはるかに少ない。[ 14 ]音楽教育分野では、音楽プログラムにおける「男子生徒の不足」に長年関心が寄せられてきた。[ 14 ]合唱団に参加する男子生徒が少ない理由についてはさまざまな推測がなされており、その解決策も多岐にわたる。ある研究者は、中学校で合唱を楽しんでいる男子生徒が、単にスケジュールに合わないという理由で高校の合唱団に進まない可能性もあることを発見した。[ 15 ]男子の合唱団参加率が低い理由の1つは、米国が男性歌手を奨励していないためではないかと推測する研究もある。[ 16 ]多くの学校には女子合唱団があり、女性歌手を追加することで混声合唱団が抱えるバランスの問題を軽減している。しかし、男子合唱団もなければ、男子生徒に女子生徒ほど歌う機会が与えられず、問題が悪化する可能性がある。[ 14 ]他の研究者は、男性歌手専用のアンサンブルやワークショップを開催することで、自信と歌唱力の向上に役立つと指摘している。[ 15 ] [ 16 ]

英国の大聖堂の聖歌隊は通常、学校に通う生徒から構成されます。

舞台上の配置

 
レイアウト例
 
オーケストラの前に合唱団を配置

ステージ上で各セクションをどのように配置すべきかについては、様々な考え方があります。異なる声質をどこに配置するかは指揮者が決定します。交響楽団の合唱では、弦楽器の典型的な配置に倣い、オーケストラの後ろの合唱団を左から右へ、最高声から最低声へと配置するのが一般的ですが（必ずしも普遍的ではありません）、アカペラやピアノ伴奏の場合は、男性歌手が後ろ、女性が前に位置することも珍しくありません。また、外声部同士の音程を合わせる必要があるとして、バスをソプラノの後ろに配置する指揮者もいます。

より経験を積んだ合唱団は、すべての声を混ぜて歌うこともあります。同じ声の歌手が2人1組または3人1組になることもあります。この方法の支持者は、各歌手が他のパートを聞き取ってチューニングしやすくなる一方で、各歌手の独立性を高める必要があると主張します。反対派は、この方法では、聴衆にとって貴重な個々の声部の空間的な分離が失われ、またセクション共鳴が排除されるため合唱団の有効音量が低下すると主張します。二重（または多重）合唱の音楽の場合、通常各合唱団のメンバーは一緒にいますが、特に16世紀の音楽（ヴェネツィアの多合唱様式の作品など）の演奏では、大幅に離れていることもあります。ベンジャミン・ブリテンの戦争レクイエムのように、合唱団を分離することを実際に指定している作曲家もいます。作曲家の中には、分離した合唱団を使用して「交響的」効果を生み出す人もいます。これは、音楽的な対話で一方の合唱団がもう一方の合唱団に「応答」しているように見える効果です。

歌手の間隔についても考慮されます。研究によると、実際のフォーメーションだけでなく、空間の広さ（横方向と周囲の空間の両方）も、合唱団員と聴衆の音の知覚に影響を与えることが分かっています。[ 17 ]

歴史

古代

 
現在アテネにあるレリーフ。ディオニュソスと、仮面と太鼓を持った女優たち（おそらく『バッカイ』の登場人物）を描いている

合唱音楽の起源は伝統音楽に見られます。大規模なグループでの歌唱は伝統的な文化において非常に広く行われてきました（古代ギリシャのようにパートごとに歌うことやユニゾンで歌うこともあれば、現代ヨーロッパの合唱音楽のようにパートごとに歌うことやハーモニーで歌うこともあります）。[ 18 ]

現存する最古の合唱レパートリーは古代ギリシャのもので、その中でも紀元前2世紀のデルフォイ賛歌と紀元後2世紀のメソメデス賛歌が最も完成度が高い。ギリシャ合唱団はギリシャ演劇でその役を歌い、エウリピデス（オレステス）とソポクレス（アイアス）の作品の断片がパピルスから発見されている。セイキロスの墓碑銘（紀元前2世紀）は完全な歌曲である（ただし独唱用の可能性もある）。比較的新しい例として、オクシリンコス賛歌（紀元後3世紀）は最古のキリスト教音楽としても興味深い。

ローマ劇の音楽のうち、テレンスの1行が18世紀に発見されました。しかし、音楽学者トーマス・J・マティーセンは、もはや真正であるとは考えられていないと述べています。[ 19 ]

中世音楽

 
教会の歌、Tacuinum Sanitatis Casanatensis (14 世紀)

西ヨーロッパで記譜された最古の音楽はグレゴリオ聖歌であり、他にもいくつかの種類の聖歌があり、これらは後にカトリック教会に吸収（または時には廃止）されました。このユニゾンの合唱の伝統は、聖アンブロシウス（4世紀）からグレゴリウス大帝（6世紀）の時代から現在まで続いています。中世後期には、オルガヌムと呼ばれる複数の旋律パートを含む新しいタイプの歌唱が特定の機能で主流となりましたが、当初このポリフォニーは独唱者によってのみ歌われました。この技法のさらなる発展には、クラウズラエ、コンダクトゥス、モテット（最も有名なのはアイソリズム・モテット）があり、ルネサンスのモテットとは異なり、異なるテキストが異なる声部で同時に歌われる楽曲を表しています。パートごとに 1 人以上の歌手によるポリフォニーの最初の証拠は、オールド ホール写本(1420 年、ただし 14 世紀後半の音楽を含む) に見られます。そこには、1 つのパートが同時に鳴る 2 つの音符に分割される、 明らかなディヴィジ(分割) が見られます。

ルネサンス音楽

 
ルカ・デッラ・ロッビアのカントーリア、フィレンツェ、ドゥオーモ美術館

ルネサンス期、西ヨーロッパでは宗教合唱曲が正式に記譜された音楽の主流でした。この時代を通じて、何百ものミサ曲やモテット（およびその他の様々な形式）がア・カペラ合唱のために作曲されましたが、特定の時代と特定の地域では楽器の役割をめぐって議論があります。この時代の著名な作曲家には、ギヨーム・デュファイ、ジョスカン・デ・プレ、ジョヴァンニ・ピエルルイジ・ダ・パレストリーナ、ジョン・ダンスタブル、ウィリアム・バードなどがいます。ルネサンス多声音楽の栄光は合唱であり、ヨーロッパ中で非常に熟練した名声のある合唱団によって歌われました。この時代の合唱曲は今日でも世界中の多くの合唱団 で人気を博しています[ 20 ] 。

マドリガルは、アマチュアが室内楽で歌うために考案されたパートソングで、この時代に誕生しました。イタリアでは、マドリガルは当初、片思いの詩や神話の物語を劇的にアレンジしたものでしたが、後にイギリスに輸入され、よりダンス的なバレエと融合し、季節の歌や飲食を謳歌するようになりました。現在、ほとんどの英語話者にとって「マドリガル」という言葉は、7音節と11音節からなる詩的な形式のマドリガルではなく、後者を指します。

ルネサンス期のポリフォニーにおける歌声の相互作用は、西洋音楽に何世紀にもわたって影響を与えました。作曲家は今日に至るまで、特に18世紀の音楽理論家ヨハン・ヨーゼフ・フックスによって体系化された「パレストリーナ様式」の訓練を日常的に受けています。20世紀初頭の作曲家もまた、ルネサンスの影響を受けた様式で作曲を行いました。ハーバート・ハウエルズは、ドリアン旋法によるミサ曲をルネサンス様式に完全に準拠して作曲し、レイフ・ヴォーン・ウィリアムズの「ト短調ミサ曲」はこの様式の発展形です。アントン・ウェーベルンはハインリヒ・イザークの「コラリス・コンスタンティヌス」について学位論文を執筆しており、この研究は 彼のセリー音楽における対位法技法の解明に役立つ可能性があります。

バロック音楽

 
1パート1声のバロック・カンタータ

音楽におけるバロック時代は、1600年頃の通奏低音と通奏低音システムの発展と関連しています。通奏低音パートは通奏低音グループによって演奏され、少なくとも和音楽器（例：パイプオルガン、チェンバロ、リュート）と低音楽器（例：ヴィオローネ）が含まれていました。バロックの声楽は、フィレンツェのカメラータのモノディや初期オペラの発展など、独奏声楽の領域における劇的な意味合いを探求しました。この革新は、実際には、骨組みの縮小スコア（失われた楽曲を再構成できる場合がある）またはバッソ・セグエンテ（最も低い音のパート（低音パート）を含む単一の五線譜のパート） から、オルガンで合唱音楽を伴奏するという確立された慣習の延長でした

声楽と楽器を組み合わせた新しいジャンル、スティレ・コンチェルタートが誕生しました。その起源はヴェネツィア楽派の多合唱音楽に遡ります。 クラウディオ・モンテヴェルディ（1567–1643）は、晩祷とマドリガーレ集第8巻でこのジャンルを完璧に完成させました。これらの作品は、歌手と楽器の両方に高度な技巧を要求します。（彼の第5巻には、「チェンバロまたはリュートのための」通奏低音が含まれています。）彼の弟子であるハインリヒ・シュッツ（1585–1672）（彼は以前にジョヴァンニ・ガブリエーリに師事していました）は、この新しいスタイルをドイツに紹介しました。セコンダ・プラティカという新しい音楽と並んで、スティレ・アンティコ、つまり古いスタイルの対位法的なモテットが19世紀まで書き続けられました。当時の合唱団は通常かなり小規模で、歌手は教会歌唱向きか室内歌唱向きかに分類されていました。モンテヴェルディ自身も歌手であり、マニフィカトの演奏には1パートにつき1声ずつで参加したことが記録されている。[ 21 ]

独立した器楽伴奏は、合唱音楽に新たな可能性を切り開きました。ヴァース・アンセムは、伴奏ソロと合唱セクションを交互に配置し、このジャンルで最も有名な作曲家はオーランド・ギボンズとヘンリー・パーセルです。グラン・モテット（リュリやドラランドの作品など）は、これらのセクションを独立した楽章に分離しました。ジャコモ・カリッシミを先駆者とするオラトリオは、この概念をコンサートサイズの作品へと発展させ、通常は聖書や道徳的な物語を題材としました。

バロック合唱音楽、特にオラトリオの最高峰は、ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデルの作品、特に『メサイア』と『エジプトのイスラエル』に見出すことができます。数百人規模の近代合唱団が誕生するのは合唱協会の発展とヘンデル生誕100周年記念コンサートの開催を待たねばなりませんでしたが、ヘンデルは既に、シャンドス・アンセムのソリストからより大規模な合唱団（その構成は現代のオーケストラ合唱団とは大きく異なります）まで、多様な演奏陣容を用いていました。

昨日（10 月 6 日）、ウェストミンスター寺院で戴冠式賛歌のリハーサルが行われました。音楽は有名なヘンダル氏によるもので、40 名の声と、約 160 本のバイオリン、トランペット、オーボエ、ケトルドラム、ベースが参加しました。

— ノーリッジ・ガゼット、1727年10月14日

ルター派の作曲家たちは、しばしばコラール旋律に基づいた、器楽伴奏付きのカンタータを作曲した。17世紀後半には、台頭しつつあったドイツの伝統を受け継いだ、質の高い宗教合唱作品が数多く存在する（ディートリヒ・ブクステフーデのカンタータがその代表例である）。しかし、ルター派の教会カンタータがより体系化され、認識しやすい形になったのは18世紀初頭になってからである。ゲオルク・フィリップ・テレマン（フランクフルトに拠点を置く）は1000曲を超えるカンタータを作曲し、その多くは版画化され出版されており（例えば、彼の『Harmonische Gottesdienst』）、クリストフ・グラウプナー（ダルムシュタットに拠点を置く）は1400曲以上を作曲している。ヨハン・セバスティアン・バッハ（1685–1750）のカンタータは、おそらくこのレパートリーの中で最も有名な（そして頻繁に演奏される）作品である。バッハの死亡記事には、彼のカンタータの5つの完全なサイクルが記載されており、そのうち約200の作品からなる3つが今日知られているほか、モテットもある。バッハ自身はカンタータという言葉をめったに使用しなかった。モテットは、オーケストラ伴奏がなく、楽器が声と伴奏して演奏する教会音楽を指す。伴奏付きの作品は、受難曲、ミサ曲、マニフィカト、カンタータである。

今日、激しい論争を巻き起こしているのが、いわゆる「リフキン仮説」です。これは、バッハが1730年にライプツィヒ市議会に送った有名な覚書「 Entwurff 」（教会音楽のための簡潔だが最も必要な草稿）を再検証するものです。この覚書では、少なくとも12人の歌手が必要とされています。バッハは4つの教会に音楽を提供し、各声部に代役を付けて二部合唱曲を演奏するという責任を負っていたため、ジョシュア・リフキンは、バッハの音楽は通常、1パートにつき1声部を念頭に置いて作曲されたと結論付けています。オリジナルの演奏パートの中には、四重奏を盲目的に2人ずつではなく、補強するリピエーニが含まれているものもあります。

古典音楽とロマン派音楽

18世紀後半の作曲家たちは、交響曲やその他の器楽音楽の新たな可能性に魅了され、合唱曲を軽視する傾向が強かった。モーツァルトの作品は、主に宗教的な合唱曲が多く、彼の最高傑作の一つとして際立っている（例えば、ハ短調の「大ミサ」や、後者は高く評価されているニ短調の「レクイエム」など）。ハイドンは、1790年代にイギリスを訪れた際に、ヘンデルのオラトリオを大編成で演奏するのを聴き、晩年は合唱曲への関心が高まった。1797年からミサ曲集を作曲し、2つの傑作オラトリオ『天地創造』と『四季』を作曲した。ベートーヴェンはミサ曲を2曲しか作曲しておらず、どちらも典礼用に作曲された。ただし、ミサ・ソレムニスは、長さ、難解さ、そして大規模な楽譜のため、おそらく最も壮大な儀式にしか適していない。彼はまた、交響曲第九番と合唱幻想曲で、交響曲のテクスチャーの一部として合唱を使用する先駆者でもありました。

19世紀には、宗教音楽が教会を抜け出し、ベルリオーズの『テ・デウム』や『レクイエム』、ブラームスの『ドイツ・レクイエム』など、教会での使用には不向きな大規模な宗教音楽が演奏会の舞台に躍り出た。ロッシーニの『スターバト・マーテル』、シューベルトのミサ曲、ヴェルディの『レクイエム』も器楽伴奏の壮大さを生かした作品である。ヘンデルをモデルにしたオラトリオも引き続き作曲され、明らかにその影響を受けている。ベルリオーズの『キリストの幼年時代』やメンデルスゾーンの『エリヤと聖パウロ』などがこのカテゴリーに入る。シューベルト、メンデルスゾーン、ブラームスも世俗カンタータを作曲しており、その中で最もよく知られているのはブラームスの『シクサルの歌』と『ネーニー』である。

数人の作曲家、特にブルックナーは、ミサ曲やモテットでルネサンス対位法と半音階的和声を驚くほど並置させています。メンデルスゾーンとブラームスも重要なアカペラ・モテットを書いています。アマチュア合唱団（主に社交の場として始まりましたが）は、シューベルト、シューマン、メンデルスゾーン、ブラームスなどのパートソングの作曲の場として真剣に検討されるようになりました。これらの「歌のクラブ」は、女性または男性が別々に行うことが多く、音楽は典型的には四部（「パートソング」と呼ばれるのはこのためです）で、アカペラまたは簡単な楽器編成でした。同時に、ツェツィーリア運動はカトリック教会において純粋なルネサンス様式の復活を試みました。

20世紀と21世紀

アメリカ合衆国では、セント・オラフ合唱団やウェストミンスター合唱大学といったグループによって混声合唱団の発展が先駆的に進められました。これらのグループは、賛美歌やその他のキリスト教的宗教曲を編曲することに特徴があり、20世紀の大半においてアメリカ合衆国の合唱音楽の潮流を決定づける役割を果たしました。アメリカ合衆国における世俗的な合唱音楽は、デール・ウォーランド・シンガーズなどのグループによって20世紀後半を通じて普及しました。

英国にはいくつの合唱団があり、どのような種類で、何人の団員がいて、どんな種類の音楽を歌い、どのような資金で運営されているかを調べるために、オンライン調査「Big Choral Census」が立ち上げられた。調査結果によると、英国には約4万の合唱団が活動しており、定期的に合唱団で歌っている人は200万人以上いると推定された。リストに載ったグループの30%以上がコミュニティ合唱団を自称し、半数の合唱団は現代音楽を歌っているが、クラシック音楽の歌唱も依然として人気がある。ほとんどの合唱団は自己資金で運営されている。グループで一緒に歌うことの人気の高まりは、英国ではギャレス・マローンの「The Choir」などのテレビ番組の影響がある程度あると考えられている。[ 22 ] 2017年には、インドネシアのPurwa Caraka Music Studio Choirが映画「Surat Kecil untuk Tuhan」の合唱アレンジで童謡をカバーし、このトレンドの先駆けとなった。[ 23 ]

聖歌隊やコーラスは、典礼や娯楽の役割以外にも、社会奉仕活動を行うこともあります。[ 24 ]精神衛生治療[ 25 ]や、ホームレスや恵まれない人々のためのセラピー（「ハード・ノックス合唱団」[ 26 ]など）や、軍人妻たちの特別なグループのためのセラピーなどが含まれます。

参照

参考文献

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