古代ギリシャの陶器

ヘレニズム時代のアンフォラは、おそらく古代に輸送された状態で積み重ねられており、ボドルム水中考古学博物館に展示されています。
ヒルシュフェルトのクラテル（紀元前8世紀半ば、幾何学文様時代後期）。エクフォラ（死体を墓へ運ぶ行為）を描いている。アテネ国立考古学博物館。ニューヨーク・メトロポリタン美術館（収蔵番号：14.130.14）。

陶器は比較的耐久性に優れているため、古代ギリシャの考古学的記録の大部分を占めています。紀元前1千年紀に廃棄または埋葬された壺の破片は、古代ギリシャ人の生活習慣や精神を理解するための最良の手がかりとなっています。日常使いや台所用に地元で作られた器もいくつかありましたが、アッティカなどの地域から、イタリアのエトルリア人など地中海沿岸の他の文明によって、より精巧な陶器が輸入されました。[ 1 ]南イタリアの古代ギリシャ陶器のように、地域によって異なる種類が数多く存在しました。

これらの場所では、様々な種類と形の花瓶が使用されていました。すべてが純粋に実用的だったわけではありません。幾何学模様の大型アンフォラは墓標として、プーリアのクラテルは墓への供物として用いられました。また、パナシナイアのアンフォラは、後代のテラコッタ製の置物と同様に、一部は美術品として扱われていたようです。中には、ワインを薄めるために一般的に使用されていたクラテルのように、貯蔵などの機能を果たすだけでなく、非常に装飾的で、上流階級の消費や家庭の装飾にも用いられた花瓶もありました。

古代ギリシャの陶器様式は「古代ギリシャ」ではなく「エーゲ海」と呼ばれ、最終段階までに非常に洗練されたミノア陶器、キクラデス陶器、ミニヤン陶器、そして青銅器時代のミケーネ陶器を含み、その後ギリシャ暗黒時代による文化的混乱が続きました。文化が回復するにつれて、亜ミケーネ陶器は最終的にプロト幾何学様式へと融合し、これが古代ギリシャ陶器の起源となりました。

花瓶絵の隆盛に伴い、装飾も増加しました。ギリシャ陶器における幾何学模様の芸術は、暗黒時代後期からアルカイック初期にかけてのギリシャと連続しており、この時期にはオリエンタリズム化の時代が到来しました。アルカイック期および古典期ギリシャで生産された陶器には、当初は黒絵式陶器が含まれていましたが、その後、赤絵式陶器や白地技法といった他の様式も出現しました。西斜面陶器などの様式は、その後のヘレニズム時代を特徴づけるもので、この時代に花瓶絵は衰退しました。

再発見と学問

ディスジェクタ・メンブラ（古代ギリシャの陶器の破片）

ギリシャ美術への関心はルネッサンス期の古典学問の復興に遅れをとり、1630年代にローマのニコラ・プッサンを中心とした学界で復興した。15世紀と16世紀にはイタリアの古代の墓から出土した花瓶のささやかなコレクションが作られたが、これらはエトルリアの花瓶とみなされていた。ロレンツォ・デ・メディチがギリシャから直接アッティカの花瓶をいくつか購入した可能性はあるが[ 2 ]、それらとイタリア中部で発掘された花瓶との関連はずっと後になってから指摘された。 1764年のヴィンケルマンの『古代の陶器の芸術史』は、現在ギリシャ陶器として知られているもののエトルリア起源説を初めて否定したが[ 3 ] 、ウィリアム・ハミルトン卿の2つのコレクション（1つは海で失われ、もう1つは現在大英博物館にある）は依然として「エトルリアの花瓶」として出版されていた。この論争に決定的な終止符が打たれたのは、1837年にシュタッケルベルクの『ギリシャ神話の大地主』が出版されてからであった。[ 4 ]

ウェッジウッドによる新古典主義の「ブラックバサルト」ウェアの花瓶、 1815年頃

ギリシャの花瓶に関する初期の研究の多くは、花瓶に描かれた絵を収めたアルバムを作成するという形をとったが、ダンカルヴィルやティシュバインのフォリオは形状を記録しておらず、日付も示そうとしていないため、考古学的記録としては信頼性が低い。 19 世紀を通じて、真剣な学術研究の試みは着実に進展しました。その始まりは、1828 年にローマで Instituto di Corrispondenza (後のドイツ考古学研究所) が設立されたこと、続いてエドゥアルト ゲルハルトによる先駆的な研究Auserlesene Griechische Vasenbilder (1840 ～ 1858 年)、1843 年に雑誌Archaeologische Zeitungが創刊されたこと、そして1846 年にEcole d'Athensが設立されたことです。現在私たちが使用している年代記、すなわち東洋化 (幾何学、アルカイック)、黒図式、赤図式、多色 (ヘレニズム) を初めて概説したのはゲルハルトでした。

最終的に、オットー・ヤーンが1854年にミュンヘン・ピナコテーク美術館に刊行したカタログ『Vasensammlung（古代ギリシャ陶器の分類）』が、ギリシャ陶器の科学的記述の基準を確立しました。ヤーンの研究は、ギリシャ陶器の歴史と年代学に関する標準的な教科書として長年用いられましたが、ゲルハルトと同様に、赤像式技法の導入時期を実際よりも1世紀後としていました。この誤りは、 1885年にアテネ考古学協会がアクロポリスの発掘調査を行い、紀元前480年にペルシャ人侵略者によって破壊された赤像式壺のいわゆる「ペルシャの残骸」を発見したことで修正されました。より確実に確立された年代学のおかげで、 1880年代と90年代にアドルフ・フルトヴェングラーとその弟子たちは、考古学の発掘現場で発見された陶器の性質から地層の年代を割り出すことができました。これは後にフリンダース・ペトリーが彩色されていないエジプトの陶器に適用した年代測定法です。

19世紀はギリシャの発見と基本原理の確立の時代でしたが、20世紀は統合と知的産業の時代でした。公共の花瓶コレクションの全体を記録し、公開する取り組みは、エドモン・ポティエによるCorpus vasorum antiquorum（古代の花瓶コレクション）と、ジョン・ビーズリーによるビーズリー・アーカイブの創設から始まりました。

ビーズリーとその後の研究者たちも、機関コレクションに収蔵されているギリシャ陶器の破片を研究し、多くの彩色作品を個々の芸術家の作と帰属させています。研究者たちはこれらの破片を「disjecta membra」（ラテン語で「散らばった部分」）と呼び、現在では異なるコレクションに収蔵されているものの、同じ花瓶に属する破片を特定できた例も数多くあります。[ 5 ]

用途と種類

典型的なアテネの花瓶（この場合は渦巻型クラテル）の部品の図

ギリシャの壺の形状に用いられる名称は、歴史的事実というよりも慣習的なものであることが多い。中には、その用途を示すものや、本来の名称が付けられているものもあるが、初期の考古学者が、その物体とギリシャ文献に記された既知の名称を一致させようと試みた結果、名付けられたものもある。しかし、必ずしもそれが成功したわけではない。形態と機能の関係を理解するために、ギリシャ陶器は4つの大まかなカテゴリーに分類することができ、ここでは一般的な種類を挙げる。[ 1 ] [ 6 ] [ 7 ]

これらの実用的な機能に加えて、特定の形状の花瓶は特に儀式と関連付けられており、他の形状の花瓶は運動競技や体育館と関連付けられていました。[ 8 ]用途のすべてが明らかになっているわけではありませんが、不確かな場合は、研究者がおおよその用途を推測しています。中には、純粋に儀式的な機能を持つものもあります。例えば、

いくつかの容器は墓標として設計されました。クラテルは男性の墓、アンフォラは女性の墓をそれぞれ表していました。[ 9 ] これはこれらの容器の保存に役立ち、葬列を描いたものもある理由です。[ 10 ]白地のレキュトスには、葬送の供物として用いられた油が入れられており、その目的のみで作られたものと思われます。多くの例には、油で満たされているように見せるために、内部に隠されたもう一つのカップが備え付けられており、それ自体は他に有用な用途はありませんでした。

紀元前8世紀以降、ギリシャ陶器の国際市場が存在し、アテネとコリントスが紀元前4世紀末までその支配権を握っていました。[ 11 ]ギリシャ国外で発見されたこれらの花瓶の地図を作成することで、この貿易の規模をある程度推定することはできますが、寄贈や移民については考慮できません。エトルリア人の墓で発見されたパナシナイコ陶器の数については、中古市場の存在のみが説明できます。ヘレニズム時代にアテネの政治的重要性が低下するにつれて、南イタリアの陶器が西地中海への輸出貿易を支配するようになりました。

考古学者たちはまた、ギリシャの陶器が日常の仕事や鑑賞のための芸術としてだけではなく、社会的価値観、宗教的信念、そしてコミュニティのアイデンティティーを表現するためにも使われていたと指摘している[ 12 ]。多くの場合、これらの芸術品は日常生活でそれらに遭遇した人々に文化的規範を伝えるものとして機能した。陶器の様式の変化はしばしば、新しい交易路や都市政治の変化など、ギリシャ世界におけるより大きな変化を反映していた[ 13 ]。スポーツ、祭り、その他の一般的な活動を描いた花瓶の絵は、私たちに日常生活を垣間見せてくれ、性別による役割や適切な行動がどのように形成され、強化されたかを示している[ 14 ]。マクニーヴンによると、アテネの画家たちは特定の身振り、ポーズ、体の位置を用いて、その人が市民であるか部外者であるかを示していたため、陶器は古代ギリシャにおいて社会的境界とアイデンティティーを示す重要な手段となっていた[ 15 ]。アッティカ、コリントス、東ギリシャなどの地域の陶器のスタイルの違いも、陶器が地域社会のアイデンティティを表現するのにどのように役立ったかを示しています[ 16 ]。

粘土

粘土製の陶器が損傷する原因は、破損、摩耗、あるいは火との接触など、ごくわずかです。[ 17 ]陶器の製造と焼成の工程は比較的単純です。陶工がまず必要とするのは粘土です。アッティカ地方の鉄分を多く含む粘土は、陶器にオレンジ色を与えました。[ 18 ]

製造

外部ビデオ
ビデオアイコンギリシャの花瓶の製作、 J・ポール・ゲティ美術館制作、 Sarthistory 主催[ 19 ]
ビデオアイコンエクセキアス、アッティカの黒像式アンフォラ、アイアスとアキレスがゲームをしている
ビデオアイコン混合船とサイクロプスの洞窟から脱出するオデュッセウスはすべてSmarthistoryでホストされています[ 19 ]

浮揚

粘土を地面から掘り出すと、そこには岩や貝殻など、取り除くべき不要なものが山ほど含まれています。陶工は粘土を水と混ぜ、不純物をすべて底に沈めます。これは簸簸（れんじょ）または簸簸（ひゅう）と呼ばれます。この工程は何度も繰り返すことができ、繰り返すほど粘土は滑らかになります。

ドロクで陶器を作る様子（ドロン・プロヴァ作）

車輪

陶工は粘土を練り、ろくろに乗せます。ろくろに乗せられた粘土は、下図のような様々な形、あるいは望む形に成形することができます。ろくろで作られた陶器は、紀元前2500年頃に遡ります。それ以前は、壺の壁を作るのにコイル工法が用いられていました。ギリシャの花瓶のほとんどはろくろで作られていましたが、リュトンのように、型で作られた作品（いわゆる「プラスチック」作品）も見られ、手作業や型で成形された装飾要素がろくろで作られた壺に加えられました。より複雑な作品は、部品として作られ、革のように硬くなった状態で粘土を接合して組み立てられ、陶工は最終的な成形や旋盤加工のために再びろくろに戻りました。時には、若い男性がろくろ回しを手伝うこともありました。[ 20 ] [ 21 ]

粘土スリップ

壺が作られた後、陶工は超微粒子の粘土スリップで絵付けをしました。絵付けは、黒図と赤図という2つの異なる様式に従って、焼成後に黒くなる部分に施されました。[ 22 ]装飾のために、花瓶の絵付け職人は、異なる太さの筆、切り込み用のピンポイントの道具、そしておそらくレリーフラインには単毛の道具を使用しました。[ 23 ]

黒図法：焼成前にピンツールで絵具スリップ層を切り込む

一連の分析研究により、ギリシャ陶器の特徴である金属光沢を伴う印象的な黒色の光沢は、酸化カルシウム含有量が非常に低いイリティック粘土のコロイド状成分から生じたものであることが明らかになった。この粘土スリップは鉄の酸化物と水酸化物を豊富に含み、花瓶本体に使用された粘土とはカルシウム含有量、正確な鉱物組成、粒径において異なっていた。絵具に使用された微細粘土懸濁液は、粘土に複数の凝集防止剤（カリ、尿素、ワインの残渣、骨灰、海藻灰など）を加えることで製造されたか、雨期後にイリティック粘土層からその場で採取された。最近の研究では、黒釉に含まれる微量元素（特に亜鉛）が、古代に使用された粘土層の特徴である可能性があることが示唆されている。一般的に、古代に使用された粘土スリップの製造については、様々な研究者チームがそれぞれ異なるアプローチを提唱している。[ 24 ] [ 25 ] [ 26 ]

発砲

陶工の工房。コリント式黒絵式ピナクスのB面、 575～550年頃。

ギリシャの陶器は、今日の陶器とは異なり、非常に洗練された工程を用いて一度だけ焼かれた。[ 27 ]黒い色の効果は、焼成中に存在する酸素の量を変えることによって達成された。これは、酸化還元状態が交互に起こる三相焼成と呼ばれる工程で行われた。まず、窯が約920～950 °Cに加熱され、すべての通気口が開かれて酸素が焼成室に取り込まれ、絵の具と粘土本体の両方でヘマタイト(Fe 2 O 3 ) が生成されるため、ポットとスリップが両方とも赤褐色 (酸化状態) に変わる。次に通気口が閉じられ、生木が投入されると一酸化炭素が発生し、赤いヘマタイトが黒いマグネタイト(Fe 3 O 4 ) に変わる。この段階では不完全燃焼のために温度が下がる。最後の再酸化段階（約 800～850 °C）では、窯が開かれ、酸素が再導入され、スリッピングされていない保留粘土はオレンジがかった赤色に戻りましたが、前の段階で焼結/ガラス化された花瓶のスリッピングされた部分はもはや酸化されず、黒のままでした。

3段階の焼成を1回行うという説明は経済的で効率的に思えるかもしれないが、一部の学者は、これらの各段階が別々の焼成に限定され、陶器が異なる雰囲気で複数回焼成される可能性も同様にあると主張している[ 28 ]。いずれにせよ、2000 年以来アテネに近代的な生産ユニットを設立するに至った広範な実験作業を伴うプロセスの忠実な再現[ 29 ]により、古代の花瓶は再塗装後または色の不具合を修正する試みとして、複数回の 3 段階の焼成にかけられた可能性があることが示されています[ 24 ] 「鉄還元技法」として最もよく知られているこの技法は、18 世紀半ばから 20 世紀末にかけて、コント・ド・カイリュス(1752 年)、デュラン・グレヴィル (1891 年)、ビンズとフレーザー (1925 年)、シューマン (1942 年)、ウィンター (1959 年)、ビムソン (1956 年)、ノーブル (1960、1965 年)、ホフマン (1962 Walton et al. (2009)、Walton et al. (2014)、Lühl et al. (2014)、Chaviara & Aloupi-Siotis (2016)による最近の研究では、高度な分析技術を用いて、プロセスと使用される原材料に関する詳細な情報が得られています。[ 30 ]

花瓶の絵

（1）
（2）
（3）
（4）
左から右へ：（1）エクセキアス作の黒絵式アンフォラ、アキレウスとアイアスがゲームに興じている、紀元前 540～530年頃。（2）ニオビドスの画家による音楽を演奏する女性たちの赤絵式アンフォラ、（3）アンドキデスの画家によるバイリンガルアンフォラ、紀元前 520年頃（ミュンヘン）、（4）ピストクセノスの画家による白地の鉢に描かれたアポロとカラスのキュリクス。

古代ギリシャの陶器で最もよく知られているのは、上質な彩色が施された器です。これらは、大衆が日常的に使用するような陶器ではありませんでしたが、幅広い層の人々に手が届くほど安価でした。

古代ギリシャの絵画はほとんど残っていないため、現代の学者は、大量に残っており、古代ギリシャの文学とともに古代ギリシャ人の習慣的な生活と精神を知る最良のガイドでもある古代ギリシャの花瓶の絵画を通じて、古代ギリシャ美術の発展を部分的に追跡しなければなりません。

陶器絵付けの発展

ギリシャ先史時代ギャラリー、国立考古学博物館、アテネ、ギリシャ
ボウル、ギリシャ先史時代ギャラリー、国立考古学博物館、アテネ、ギリシャ

石器時代

ギリシャの陶器は、セスクロやディミニで発見されたもののように、石器時代にまで遡ります。

青銅器時代

ギリシャ陶器のより精巧な絵画は青銅器時代のミノア陶器やミケーネ陶器にまで遡り、その後のいくつかの例では、高度に発達して典型的となる野心的な具象絵画が見られます。

鉄器時代

何世紀にもわたって幾何学的な装飾様式が主流となり、ますます複雑化していく中、8世紀には具象的な要素が再び力強く復活しました。7世紀後半から紀元前300年頃にかけて、人物を主体とした絵画の進化した様式は、その制作と品質において最盛期を迎え、広く輸出されました。

紀元前11世紀から紀元前8世紀にかけてのギリシャ暗黒時代には、円形や波型の装飾文様を主に用いたプロト幾何学美術が初期の様式として主流でした。この様式は、ギリシャ本土、エーゲ海、アナトリア、イタリアで、幾何学的形状を整然と並べた幾何学美術と呼ばれる陶器様式に引き継がれました。[ 31 ]

紀元前8世紀に始まり紀元前5世紀初頭まで続いた古代ギリシャの時代には、古代コリントスに先導されたオリエンタライズ期の誕生が見られ、幾何学模様に取って代わったモチーフの中で、以前の幾何学的な陶器の棒人間が肉付けされていった。[ 11 ]

古典期の陶器の装飾は、主にアッティカの花瓶絵付けが主流である。アッティカの生産はギリシャ暗黒時代の後に再開した最初のものであり、ギリシャの他地域、特にボイオティア、コリントス、キクラデス諸島（特にナクソス島）、東エーゲ海のイオニア植民地に影響を与えた。[ 32 ]花瓶の生産は主にアテネの独占であり、コリントス、ボイオティア、アルゴス、クレタ島、キクラデス諸島の絵師や陶工はアッティカ様式に従うことで満足していたことがよく証明されている。アルカイック期の終わりまでには、黒絵式陶器、赤絵式陶器、白地技法のスタイルが完全に確立され、紀元前5世紀初頭から4世紀後半の古典期ギリシャを通じて使用され続けた。コリントスはアテネの流行に埋もれてしまいました。なぜならアテネは赤絵式と白地式の両方の様式の祖だったからです。[ 11 ]

プロト幾何学様式

プロトジオメトリック・アンフォラ、BM

プロト幾何学様式期（紀元前 1050年頃～900年頃）の花瓶は 、ミケーネ宮殿文化の崩壊とそれに続くギリシャ暗黒時代の後、工芸品生産が復活したことを象徴する。この時代の彫刻、記念碑的建築物、壁画は未だに知られていないため、この時代において宝飾品以外で見られる数少ない芸術表現様式の一つである。紀元前1050年までにギリシャ半島の生活は安定し、土器生産の著しい向上が見られたようである。この様式は円、三角形、波線、弧の表現に限られているが、コンパスや複数の筆も用い、明らかに熟慮され、顕著な器用さで配置されている。[ 33 ]レフカンディ 遺跡は、この時代の陶器の最も重要な出所の一つであり、8世紀初頭まで続いた独特のエウボアプロト幾何学様式の証拠となる副葬品が発見されている。[ 34 ]

幾何学的なスタイル

ボイオティア幾何学模様のヒュドリアランプ、ルーブル美術館

幾何学芸術は紀元前9世紀から8世紀にかけて栄えました。ミノア文明やミケーネ文明の表現様式を覆す、新たなモチーフが特徴でした。メアンダー（蛇行模様）、三角形、その他の幾何学的装飾（これが幾何学様式の名称の由来です）は、以前の様式で主に円形を描いていた図形とは一線を画しています。しかし、この新しい芸術様式の年代記は、海外で年代が確定できる場所で発見された輸出品に基づいています。

ディピュロン・アンフォラ（紀元前8世紀半ば）。スケールを示す人物像が添えられている。壺は墓標として使用された。[ 35 ]アテネ国立考古学博物館。

初期幾何学様式（紀元前900～850年頃）には、黒ニスを多用した「黒ディピュロン」様式と呼ばれる抽象的なモチーフのみが見られます。中期幾何学様式（紀元前850～770年頃）になると、具象的な装飾が登場します。当初は、馬、鹿、ヤギ、ガチョウなどの動物の同じ模様が幾何学模様の帯と交互に描かれていました。それと並行して、装飾は複雑になり、ますます華麗になっていきます。画家は空白を残すことをためらい、そこに蛇行模様や卍模様を描きます。この段階は「horror vacui（空虚への恐怖）」と呼ばれ、幾何学様式の終焉まで続くでしょう。

18世紀半ばには人物像が登場し始め、その最も有名な表現は、アテネの墓地の一つ、ディピュロンで発見された壺の表現である。これらの大型の葬祭壺の破片には、主に戦車や戦士の行列、あるいはπρόθεσις（プロテーシス：死者の顕現と弔い）やἐκφορά（エクフォラ：棺を墓地へ運ぶ）といった葬祭の場面が描かれている。ふくらはぎはやや突出しているが、それ以外は幾何学的に表現されている。兵士の場合は、特徴的な描写から「ディピュロンの盾」と呼ばれるディアボロ型の盾が体の中心部を覆っている。馬の脚と首、そして戦車の車輪は、遠近法を用いずに並んで描かれている。署名がないためディピュロンの巨匠と呼ばれるこの画家の手による作品は、 いくつかの作品、特に記念碑的なアンフォラで確認されている。[ 36 ]

この時代末期には、神話的表現が登場します。おそらくホメーロスが『イリアス』と『オデュッセイア』においてトロイア神話の伝承を体系化した頃でしょう。しかしながら、ここでの解釈は現代の観察者にとってリスクを伴います。二人の戦士の対決は、ホメーロス風の決闘とも、単なる戦闘とも捉えられます。また、難破した船は、オデュッセウスや不運な船乗りの難破を象徴しているのかもしれません。

最後に、ギリシャに見られる地方流派について見てみましょう。花瓶の製作は主にアテネの専売特許でした。原幾何学様式時代と同様に、コリントス、ボイオティア、アルゴス、クレタ島、キクラデス諸島では、画家や陶工がアッティカ様式を踏襲することで満足していたことがよく知られています。紀元前8世紀頃から、彼らは独自の様式を生み出し、アルゴスは具象的な場面を専門とし、クレタ島はより厳格な抽象表現にこだわり続けました。[ 37 ]

東洋風のスタイル

原コリントス時代のスカイフォス、紀元前 625年頃、ルーブル美術館

東洋化様式は、紀元前8世紀から7世紀にかけてエーゲ海と東地中海で起こった文化的興奮の産物であった。小アジアの都市国家との交易によって育まれた東洋の工芸品は、高度に様式化されながらも特徴的な具象芸術に影響を与えた。北シリアとフェニキアの新ヒッタイト公国からの象牙、陶器、金属細工はギリシャにもたらされ、アナトリアのウラルトゥとフリギアからの品物も同様であったが、エジプトやアッシリアの文化の中心地との接触はほとんどなかった。この新しい言語は、最初はコリントス（原コリント語として）で、後に紀元前725年から紀元前625年の間にアテネ（原アッティカ語として）で発展した。[ 38 ]

ライオン、雄牛、アイベックス、スフィンクスが描かれたプロトコリント式のオルペ、紀元前 640～630年頃、ルーブル美術館

この様式は、スフィンクス、グリフィン、ライオンなど、モチーフの語彙の拡大と、花瓶の腹部のフリーズに配された非神話上の動物のレパートリーを特徴としています。画家たちは、これらのフリーズに蓮やパルメットを施すようになりました。人物の描写は比較的稀でした。発見されているのは、細部に彫り込みのあるシルエットの人物で、黒絵式の彫り込みシルエットの人物の起源と考えられます。これらの人物には十分な細部があり、学者たちは複数の異なる芸術家の手によるものであると見分けることができます。幾何学的な特徴は、これらの東洋化の試みを取り入れたプロトコリント式と呼ばれる様式に残りましたが、保守的な亜幾何学的様式と共存していました。

コリントスの陶器はギリシャ全土に輸出され、その技術がアテネに伝わり、それほど東洋的ではないものの、アテネで表現様式の発展を促した。原アッティカ時代と呼ばれるこの時代には、東洋的なモチーフが現れているものの、その特徴は依然としてあまり写実的ではない。画家たちは、戦車の行列など、幾何学文様時代の典型的な場面を好んでいる。しかし、彼らはシルエットに代えて線描の原理を採用している。紀元前7世紀半ばには、白黒様式、すなわち白い部分に黒い人物を描き、肌や衣服の色を表現するために多色彩を伴う白黒様式が現れている。アテネで使われていた粘土はコリントスのものよりオレンジ色が濃かったため、肌を表現するのにそれほど適していなかった。アッティカの東洋化画家には、アナラトスの画家、メソゲイアの画家、ポリフェモスの画家がいる。

クレタ島、特にキクラデス諸島は、「プラスチック」と呼ばれる壺、すなわち腹や襟が動物や人間の頭部を象った壺への関心の高さで特徴づけられます。アイギナ島では、グリフィンの頭部を象ったプラスチック壺が最も人気がありました。パロス島で製造されたメラネシアのアンフォラは、コリントス文明の発展についてほとんど何も示していません。叙事詩的な構成と、卍や蛇行模様を多用した恐怖の空虚さへの顕著な嗜好が見て取れます。

最後に、この時代最後の主要様式である「野生のヤギ様式」を特定することができる。これは、カメイロスの墓地遺跡内での重要な発見により、伝統的にロドス島に帰属している。実際、この様式は小アジア全域に広がっており、ミレトスとキオス島に生産の中心があった。2つの形式が主流で、青銅製の模型を模倣したオイノコエスと、脚付きまたは脚なしの皿である。装飾は重ね合わせたレジスターで構成されており、様式化された動物、特に野生のヤギ（名前の由来）がフリーズの中で互いに追いかけ合っている。多くの装飾モチーフ（花の三角形、卍など）が空白を埋めている。

黒絵技法

エクセキアス作『アキレスとペンテシレイア』、紀元前 540年頃、BM、ロンドン。

ギリシャ陶器といえば、黒絵式が最もよく思い浮かぶ。古代ギリシャでは長年人気のあった様式である。黒絵式陶器の時代は、ヴィンケルマンがアルカイック中期から後期と定義した紀元前 620年から480年頃とほぼ一致する。シルエットの人物像に生き生きとしたディテールを刻み込む技法は​​、現在黒絵式陶器と呼ばれているが、これは7世紀のコリントス人によって発明され[ 39 ] 、そこからスパルタ[ 40 ] 、 [ 40 ] 、[ 41 ] 、 [ 42 ] 、[ 43 ] 、そしてアテネを含む他の都市国家や地域に広まった。

ハンフリー・ペイン[ 44 ]とダレル・エイミックス[ 45 ]によって広範に研究されたコリント式の織物は、動物と人物の並行した描写からその起源を辿ることができる。動物のモチーフは花瓶でより目立っており、コリント式黒像式の初期段階における最大の実験を示している。コリント式の芸術家たちが人物の描写に自信を深めるにつれ、中期から後期にかけて、動物のフリーズは人物シーンに比べてサイズが小さくなっていった。紀元前6世紀半ばまでには、コリント式の陶器の品質は著しく低下し、一部のコリント式の陶工は、より優れたアテネの陶器を模倣して、自分たちの壺に赤い陶泥を塗って隠すほどであった。

アテネでは、研究者たちが作品に署名した花瓶の絵師たちの最古の例を発見しました。その最初のものはソフィロスによる「恐竜」（下図、BM、 580年頃）です。これは、墓石として求められる記念碑的な作品を制作するという、芸術家としての彼らの野心の高まりを示唆しているのかもしれません。例えばクレイティアスの「フランソワの花瓶」がそうです。多くの学者は、この様式における最高傑作は、構成と物語への感覚で知られるエクセキアスとアマシスの画家の作品であると考えています。

紀元前520年頃には赤絵式技法が開発され、アンドキデスの画家、オルトス、プシアクスによってバイリンガル壺の形で徐々に導入されました。[ 46 ]赤絵式はすぐに黒絵式を凌駕しましたが、パナサニアアンフォラのユニークな形で黒絵式は紀元前4世紀まで使用され続けました。

赤絵技法

エウフロニオス作「酒宴の客と娼婦」、紀元前 500年頃、BM E 44

赤絵式技法の革新は、6世紀後半のアテネにおける発明でした。これは、赤い背景を持つ黒絵式とは全く対照的でした。切込みではなく直接描画によって細部を表現できるようになったことで、三分の二の横顔、より詳細な解剖学的描写、遠近法の表現など、芸術家たちに新たな表現の可能性をもたらしました。

第一世代の赤絵式画家たちは、赤絵式と黒絵式の両方に加え、シックスの技法や白地技法といった他の技法も用いました。後者は赤絵式と同時期に開発されました。しかし、20年も経たないうちに、実験的な手法は専門化へと移行しました。これはパイオニア・グループの花瓶に見られるように、彼らの人物画はすべて赤絵式でしたが、初期の花飾りには黒絵式も使用されていました。エウフロニオスやエウテュミデスといったパイオニアたちが共有した価値観と目標は、彼らが自意識を持った運動に近いものであったことを示しています。しかし、彼らは自身の作品以外には何も残していません。ジョン・ボードマンは、彼らの作品に関する研究について、「彼らの経歴、共通の目的、そしてライバル関係さえも再現することは、考古学的な勝利と言えるだろう」と述べています。[ 47 ]

このリュトン（ワインを飲むためのもの）は、体の片側がロバの頭、もう片側が雄羊の頭の形をしています。紀元前 450年頃。ウォルターズ美術館、ボルチモア。

後期アルカイック期の壺絵付け職人（紀元前 500年頃～紀元前480年頃）は、作風に自然主義的な要素を強め、横顔の描き方の漸進的な変化にそれが表れています。この時期には、壺絵付け職人とカップ絵付け職人の専門化も見られ、前者ではベルリンとクレオフラデスの絵付け職人、後者では ドゥーリスとオネシモスの絵付け職人が有名です。

ベルリンの画家による、ホプリトドロモスを走る競技者を描いた首掛けアンフォラ、紀元前 480年頃、ルーブル美術館

赤絵式絵画の初期から盛期（紀元前 480年頃～425年頃）にかけて、いくつかの異なる流派が発達した。ミュソンの工房と関わり、パン・ペインターに代表されるマニエリスム派は、硬い衣服とぎこちないポーズといった古風な特徴を堅持し、それを誇張した身振りと組み合わせた。対照的に、アキレス・ペインターとその同時代人（ベルリン・ペインターの弟子であった可能性もある）からなるベルリン・ペインター派は、通常、黒一色の背景、あるいは控えめな白地のレキュトスを背景にした一人の人物という、写実的なポーズを好んだ。ポリグノトスとクレオポンの画家は、ニオビドの画家の流派に含めることができます。彼らの作品は、テーマ (例: ポリグノトのケンタウロマキア、ブリュッセル、Musées Royaux A. & Hist.、A 134) と構成感覚の両方において、パルテノン神殿の彫刻の影響を多少は示しているからです。

世紀末にかけて、ニケの欄干に見られるようなアッティカ彫刻の「豊かな」様式は、髪の毛や宝飾品といった付随的な細部へのより深い配慮を伴った同時代の花瓶画にも反映されました。メイディアスの画家は、この様式で最もよく知られています。

アテネの花瓶生産は、おそらくアレクサンドロス大王による都市支配のため、紀元前330-320年頃に停止し、アテネ自身の政治的運勢とともに4世紀を通じて緩やかに衰退した。しかし、花瓶生産は南イタリアのギリシャ植民地で4世紀と3世紀に継続され、5つの地域様式が区別できる。これらは、アプリア、ルカニア、シチリア、カンパニア、パエスタンである。赤絵式絵画は、多色絵画の特徴的な追加によりそこで繁栄し、黒海の植民地パンティカペウムの場合は、ケルチ様式の金箔細工であった。ダレイオスの画家と冥界の画家など、注目すべき芸術家の作品がいくつか残っており、どちらも4世紀後半に活動しており、密集した多色場面は、それ以前の画家が試みなかった感情の複雑さを試みることが多い。彼らの作品は、ギリシャの花瓶絵画の達成における後期マニエリスム段階を代表するものである。

白地技法

ブリュゴスの画家による激怒するメナド–右手にテュルソスを持ち、左手ではヒョウを空中に振り回し、髪の王冠には蛇が巻き付いている –キュリクスのトンド、紀元前490～480年、ミュンヘン、国立古代美術館

白地技法は紀元前6世紀末に発展しました。よりよく知られている黒絵式や赤絵式とは異なり、その着色は粘土を塗布して焼成するのではなく、白土の表面に絵具と金箔を施すことで実現されました。他の技法よりも高度な多色表現が可能でしたが、最終的な花瓶の視覚的な印象は劣りました。この技法は5世紀から4世紀にかけて大きな重要性を増し、特に小型のレキュトス（副葬品）として広く用いられました。重要な代表者としては、発明者のアキレウスの画家、プシアクス、ピストクセノスの画家、タナトスの画家などが挙げられます。

ヤヌス面を持つアッティカ赤像式プラスチック製カンタロス（サテュロスと女性の頭部付き） 、 420年頃

レリーフとプラスチックの花瓶

レリーフとプラスチックの花瓶は紀元前4世紀に特に人気を博し、ヘレニズム時代にも生産され続けました。これらは、紀元前420年以降、主にアッティカ地方で発展したいわゆる「リッチスタイル」に影響を受けています。主な特徴は、ピンクや赤みがかった色、青、緑、金といった色彩を多用した多人物構成と、神話上の女性像の強調でした。演劇やパフォーマンスもまた、彼らのインスピレーションの源の一つでした。

デルフィ考古学博物館には、アフロディーテとエロスを描いた壺など、この様式の特に優れた例がいくつか所蔵されています。底部は円筒形で、取っ手は垂直に伸び、帯状の模様は黒色で塗られています。女性像（アフロディーテ）はヒマティオンをまとって座っています。その隣には、裸で翼を持つ男性像が立っています。二人とも葉で作った花冠をかぶり、髪には金色の彩色の痕跡が残っています。顔立ちは様式化されています。壺は白地で、所々に青、緑、赤みがかった彩色の痕跡が残っています。紀元前4世紀の作品です。

同じ部屋には、プラスチックの装飾が施された小さなレキュトスが保管されており、翼のある踊り子が描かれています。この人物像はペルシャ風の頭巾と東洋風の衣装を身に着けており、この時代には既に東洋風の踊り子（おそらく奴隷）が流行していたことを示しています。人物像も白色で覆われています。この壺の全高は18センチメートルで、紀元前4世紀のものです。

ヘレニズム時代

西斜面土器カンタロス、紀元前330～300年、ケラメイコス考古学博物館、アテネ

アレキサンダー大王の征服によって始まったヘレニズム時代には、黒絵式陶器と赤絵式陶器が事実上消滅した一方で、東では西斜面陶器、シチリアではケントゥリペ陶器、西ではグナティア花瓶などの新しい様式が登場した。 [ 48 ]ギリシャ本土外では、マグナ・グラエキアなどの地域的なギリシャの伝統が発展し、南イタリアではアプリア、ルカニア、パエスタン、カンパニア、シチリアなどのさまざまな様式が生まれた。[ 11 ]

碑文

いわゆる「メムノン ピエタ」、古代ギリシャの屋根裏部屋の赤像式カップ、c.紀元前 490～ 480 年、カプア出身。左側の碑文: (ΕΕΝΕΜΕΚΝΕRINE (意味不明)、HERMOΓΕΝΕS KALOS (「ヘルモゲネス・カロス」 – 「ヘルモゲネスは美しい」)。右側の碑文: HEOS (「イオス」)、ΔΟRIS EΓRAΦSEN (「ドリス・エグラフセン」 – Do(u)risが描いた)）右側の碑文：MEMNON（「メムノン」）、KALIAΔES EΠOIESEN（「カリアデス・エポイセン」 –カリアデスがルーヴル美術館、G 155 ） 。

ギリシャ陶器の銘文には2種類あります。1つは刻銘（最古は紀元前8世紀、ギリシャ文字の起源と同時期に遡ります）で、もう1つは彩文です。彩文はそれから1世紀ほど後に現れ始めました。どちらの形態も、彩文壺では比較的よく見られましたが、ヘレニズム時代には壺に銘文を刻む習慣は廃れてしまったようです。アッティカ陶器には、これらの銘文が圧倒的に多く見られます。

署名（逆行書き）SOΦΙLOS MEΓΡΑΦSEN（「ソフィロス・メグラフセン」 –ソフィロスが私を描いた）、紀元前 570年頃、大英博物館、GR 1971.11–1.1

碑文にはいくつかのサブクラスがあります。陶工と画家は、それぞれエポイエセン（epoiesen）、エグラフセン（egraphsen）という署名を作品に記すことがありました。6世紀初頭には、コリントスの作品に商標が見られるようになりました。これらは陶器製作所ではなく、輸出商人の所有だった可能性があり、これは推測の域を出ません。パトロンの名前、登場人物や作品の名称も記録されていることがあります。時には、場面に付随する台詞の断片が見つかることもあります。例えば、パナシナイアのアンフォラ（BM, B 144）には、伝令官が「デュスニケトスの馬が勝利した」と記されています。しかし、より不可解なのは、カロス（ kalos）とカリー（kalee ）の碑文です。これらはアテネの上流社会における求愛儀式の一部であった可能性がありますが、社交の場とは必ずしも関連しない様々な花瓶に見受けられます。最後に、アベセダリア碑文とナンセンス碑文がありますが、これらは主に黒絵式の壺に限定されています。[ 49 ]

フィギュア

ギリシャのテラコッタ人形もまた重要な陶器の一種であり、当初は主に宗教的な装飾を目的としたものであったが、次第に純粋に装飾的な主題を表現するようになった。タナグラ人形と呼ばれるものは、実際には他の地域でも作られており、最も重要な種類の一つである。初期の人形は、通常、寺院への 奉納物であった。

金属加工やその他の材料との関係

いくつかの土器の花瓶は、青銅、銀、そして時には金といった金属細工の技法から着想を得ています。これらの花瓶は、上流階級の食事の際にますます多く使われるようになりましたが、盗掘される恐れのある墓には置かれず、必要に応じて金塊として取引される価値の貯蔵庫として扱われることが多かったのです。金属製の花瓶は、ある時点で溶かされて再利用されたため、現存するものは非常に少ないです。

近年、多くの学者が、この二つの素材の従来の関係に疑問を呈しています。ギリシャとエトルリア両国において、墓に埋葬するために作られたと考えられていたよりも、はるかに多くの彩色花瓶が、金属器の安価な代替品として生産されていたからです。また、彩色自体も、金属器の彩色をこれまで考えられていたよりも忠実に模倣している可能性があります。[ 50 ]

テッサロニキ近郊のデルヴェニ・クラテルは、紀元前320年頃に作られた、重さ40キロの青銅製の大型渦巻クラテルで、アリアドネとサテュロスおよびマイナデスの行列に囲まれたディオニュソスを表す高さ32センチメートルの浮き彫りの人物像のフリーズで精巧に装飾されています。

アラバストロンの名称は、もともとアラバスターから作られたことに由来する。[ 51 ]ガラスも使われており、主に装飾的な小さな香水瓶に使われていたが、ヘレニズム時代のガラスの中には、品質とおそらく価格の点で金属製品に匹敵するものもあった。

参照

参考文献

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出典

古代ギリシャの陶器に関する図書館資料

さらに読む

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ウィキメディア・コモンズには、古代ギリシャの陶器に関連するメディアがあります。
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