イン・イヤーフェイス・シアター

イン・イヤーフェイス・シアターとは、1990年代にイギリスで生まれた、対立的な演劇スタイルと感性を表す用語です。この用語は、イギリスの演劇評論家アレクス・シアーズが、 2001年3月にフェイバー・アンド・フェイバー社から初版を出版した著書『イン・イヤーフェイス・シアター：今日のイギリス演劇』のタイトルとして借用しました。 [ 1 ]

ボストン大学ロンドン大学院ジャーナリズムプログラムの非常勤講師であり、TheatreVoiceの共同編集者でもある[ 2 ]シエルツは、観客を巻き込み影響を与える手段として、舞台上で下品で衝撃的で対立的な題材を提示する若い劇作家の作品を「イン・イヤー・フェイス・シアター」と呼んでいる[ 1 ] 。

語源

ロイヤル・コート劇場

「in-your-face」に関して、アレクス・シエルズは次のように書いています

「in-your-face」という表現は、新オックスフォード英語辞典（1998年）では「露骨に攻撃的または挑発的で、無視したり避けたりできないもの」と定義されています。コリンズ英語辞典（1998年）では、形容詞「confrontational（対決的な）」が加わっています。「in-your-face」は、1970年代半ばのアメリカのスポーツジャーナリズムにおいて、嘲笑や軽蔑を表す感嘆詞として使われ、1980年代後半から1990年代にかけて徐々に一般的なスラングへと浸透し、「攻撃的、挑発的、無遠慮」という意味になりました。何かを間近で見ざるを得ないこと、個人的な空間を侵害されること、そして通常の境界線を越えることを示唆しています。[ 3 ]

シエルツは「イン・イヤー・フェイス・シアター」という用語を作ったと誤解されている。彼は「1990年代半ばに決定的に出現したこの種の新しい演劇を記述し、称賛し、理論化したのは確かに私だが、この用語を発明したわけではない」と述べている。シエルツは著書『イン・イヤー・フェイス・シアターの簡潔な歴史』の中で、この用語が彼自身によって普及される以前に、他者によって直接的または間接的に使用されていたいくつかの事例を概説している。[ 4 ]

1994年、ポール・テイラーはフィリップ・リドリーの『完璧な場所からのゴースト』の批評の中で、劇中に登場する暴力的な少女ギャングを「顔面を強打する去勢三人組」と表現した。

ブッシュ劇場で上演された『トレインスポッティング』に対し、評論家のチャールズ・スペンサーは「こうした強烈な演出は好きではないかもしれないが、無視することは全く不可能だ」と記した。同年、劇がウエストエンドに移った際、『タイムズ』紙のジェレミー・キングストンは、この劇の過去2回の上演では「俳優が観客のすぐそばまで迫り、まさに強烈なリアリズムを醸し出していた」と評した。

1995年11月のインタビューで、劇作家のアンソニー・ニールソンは「イン・ユア・フェイス・シアターが復活しつつあると思う。それは良いことだ」と述べた。シエルズは「私の知る限り、これが『イン・ユア・フェイス・シアター』という言葉が初めて使われたようだ」と述べている。

このインタビューから約1ヶ月後、批評家のイアン・ハーバートは、自身が編集者を務めていた『シアター・レコード』誌の様々なコラムで「イン・ヤー・フェイス」という表現を使い始めた。シアーズは、ハーバートが「堅苦しい『イン・ユア・フェイス』よりも、より直接的な『イン・ヤー・フェイス』という表現を選んだ」と評した。ハーバートが『シアター・レコード』誌に寄稿した後、この表現は他の批評家によっても使われるようになり、シアーズによれば、「1996年10月にマーク・レイヴンヒルの『ショッピング・アンド・ファッキング』がロイヤル・コート・シアターで初演される頃には、この表現は急速に広まっていた」という。[ 5 ]

シアーズは、「イン・ヤー・フェイス・シアターについての本を書くというアイデアは、もともとイアン・ハーバートが持っていた」と述べている。ハーバートは当初、フェイバー・アンド・フェイバーの演劇編集者だったペギー・ブッチャーにこの構想を話していたのだ。ハーバートも本のタイトルを『イン・ヤー・フェイス・シアター』に決め、ブッチャーからアウトラインの作成を依頼された。しかし、ハーバートはアウトラインを提出することができず、「本を書くということは、慣れていない実際の作業になるということに気づいた」と冗談めかして語った。しかしシアーズは、ハーバートは多忙で「本を書くには忙しすぎた」と述べている。結果としてハーバートは執筆を断念し、ブッチャーにシアーズに執筆を依頼した。「当時、彼は新しい作品に興味を持っていたので、この仕事にふさわしい人物だった」という。本書の執筆初期段階では、シアーズは『クール・ブリタニア』への改名を検討していたが、ブッチャーが「数年後には誰もそのタイトルに敬意を示さなくなるだろう」という理由で却下したとシアーズは述べている。そして、彼女の考えは正しかった。シアーズは2000年1月に本書の執筆を終え、2001年3月にフェイバー・アンド・フェイバー社から『イン・ヤー・フェイス・シアター：今日の英国ドラマ』というタイトルで出版された。[ 6 ]

歴史

アレクス・シエルツの「5つの偉大な瞬間」

「ブラステッド・アンド・アフター：今日の英国演劇における新しい執筆」と題した講演の中で、シエルツは「1990年代の歴史における5つの偉大な瞬間」を挙げ、イン・イヤーフェイス演劇を形作ったと述べています。講演以外でも、シエルツはこれらの瞬間の重要性についてより詳細に述べています。[ 7 ]

北米の演劇とスコットランドの演劇の影響

シエルツはまず、エディンバラのトラバース劇場の芸術監督イアン・ブラウンを挙げている。ブラウンは1980年代後半、劇場で上演する「カナダとアメリカの挑発的な演劇」を探し始め、具体的にはブラッド・フレイザーとトレイシー・レッツの作品を探していたという。[7 ]ブラウンは自身について「リスクを冒す人。私は少しばかげた演劇をするのが好きだった。ロンドンの劇場のほとんどは、ブラッド・フレイザーの演劇を露骨な性描写のために上演しようとしなかった」と述べている。[ 9 ]ドミニク・ドロムグール監督はフレイザーを「90年代半ばに隆盛を極めたブルータリズムの初期の預言者、洗礼者ヨハネ」と称えている。「90年代後半には陳腐化した多くの手法、アナル舐め、サディズム、抗体、性的な率直さ、憤慨に対する冷静な皮肉などは、フレイザーから始まった」と評している。 [ 10 ]ブラウンはまた、「スコットランド人俳優によるスコットランド作品」も展開しており、例えば1992年には「地元俳優」サイモン・ドナルドが脚本を手掛けた「挑発的な」舞台『ライフ・オブ・スタッフ』を制作した。[ 9 ]シエルツはブラウンが無意識のうちに「アンソニー・ニールソン、マーク・レイヴンヒル（カナダ人のブラッド・フレイザーの作品に影響を受けた）、そして1990年代の若者の歌『トレインスポッティング』へと続く長い道を切り開いていた」と述べている。[ 7 ]

シエルツはまた、ブラウンのプログラミングは、ロンドンのイン・イヤー・フェイス演劇（サラ・ケインの作品に影響を与えたジェレミー・ウェラーのエディンバラを拠点とする劇団グラスマーケット・プロジェクトなど）を「始動させた」より広範な「スコットランド演劇性」の一部であり、 「スコットランドの劇作はイン・イヤー・フェイスの感性に深い影響を与えた」と主張している。[ 11 ]

若手英国アーティストとフィリップ・リドリー

シエルズが挙げる2つ目の「偉大な瞬間」は、1991年にブッシュ劇場で上演されたフィリップ・リドリーの戯曲『ピッチフォーク・ディズニー』である。 [ 7 ]シエルズは『ピッチフォーク・ディズニー』について、「90年代を代表する戯曲であるだけでなく、その10年間を代表する戯曲でもある…その伝説はますます大きくなり、後続の世代の劇作家に決定的な影響を与えるまでになった。それは基礎テキストであり、当時と現在を隔てるものだ」と述べている。シエルズはさらに、この戯曲は「英国演劇に全く新しい感性をもたらし、現代劇作家の新たな方向性を示した。それは写実的な自然主義、政治的イデオロギー、社会評論を避け、観客席をセンセーションの渦に巻き込んだ」と記し、「この作品はアジェンダを設定する作品であり、体験型演劇の時代がここから始まった」と付け加えている。[ 12 ]ブッシュ劇場の芸術監督ドミニク・ドロムグールは、『ピッチフォーク・ディズニー』について「新しい脚本の方向性を示した最初の劇の一つだ。政治も自然主義もジャーナリズムもなく、問題は何もない。その代わりに、登場人物、想像力、機知、セクシュアリティ、肌、そして魂が描かれている」と書いている。[ 13 ]

リドリーはセント・マーチンズ美術学校の美術学生だった1980年代にこの劇を書き始め、最終学年で創作した一連のパフォーマンスアートのモノローグから発展していった。 [ 14 ] [ 15 ]リドリーは自身をヤング・ブリティッシュ・アーティスト（YBAとしても知られる）と同時代人であるとしている。 [ 16 ]これらのアーティストは1988年のダミアン・ハーストの展覧会「フリーズ」から活動を開始したとされ[ 17 ]、シエルツは彼らを「アートシーンの挑発的な人々で、1997年のセンセーション展は1990年代の感性を示す非常に影響力のある例だった」と評している。[ 8 ]リドリーは「物議を醸したセンセーション展に参加したほとんどの人々」と知り合いだったと主張している。リドリーの初期戯曲はこの展覧会の何年も前に上演されたものの、彼は自身の戯曲が『センセーション』と、特にイメージ描写において同じ「感性」を共有していると述べている。[ 18 ]シエルツは、リドリーの劇作家としての独創性は、演劇学校や劇場の「新作プログラム」ではなく、美術学校で学んだことに一部起因していると考えている。そのためシエルツは、1990年代の新作の歴史はロイヤル・コート・シアターから始まるべきではなく、「おそらく、より正確には」セント・マーチンズ美術大学とゴールドスミス・カレッジに目を向けるべきだと感じている。文化的には、YBA、クール・ブリタニア、ブリット・ポップの間には明らかに繋がりがある。[ 7 ]

ジェームズ・バルジャー殺人事件

シエルズがイン・イヤー・フェイス・シアターの発展に起因すると考えるもう一つの「重要な瞬間」は、 1993年に2歳のジェームズ・バルジャーが2人の10歳の少年に誘拐され、拷問され、殺害された実際の殺人事件である。シエルズは、これが1990年代の文化における「間違いなく重要な出来事」であったと述べている。[ 7 ]

2004年、劇作家マーク・レイヴンヒルは「布地の裂け目：ジェームズ・バルジャー殺人事件と1990年代の新たな演劇創作」と題した講演を行いました。講演の中でレイヴンヒルは、バルジャー殺人事件がいかにして彼に「初めての戯曲執筆」のきっかけを与えたかを語りました。レイヴンヒルは、この事件が1990年代の他の劇作家たちにも影響を与えた可能性があると考えています。「私だけだったのでしょうか？そうではないでしょう。少年が連れ去られる防犯カメラの映像を頭のどこかで思い浮かべながら書き始めた人は、他にどれくらいいたのでしょうか？[…] 1990年代の若いイギリス人劇作家、いわゆる「イン・イヤー・フェイス」劇作家の中で、意識的か無意識的かに関わらず、あの瞬間に突き動かされた人はどれくらいいたのでしょうか？」

シエルツはまた、この殺人事件が「映画、テレビ、芸術作品の検閲を求める声につながった」と述べている[ 19 ]。「1994年に少年たちの裁判で裁判官が、少年たちが暴力的なビデオ『チャイルド・プレイ3』を観たことが殺人事件の原因であると推測して説明したため、メディアの嵐が巻き起こり、それが『ブラステッド』をめぐるメディア騒動の文化的背景になったと私は主張する」[ 7 ] 。

ロイヤル・コート劇場のスティーブン・ダルドリー

シエルズは、ロイヤル・コート劇場の芸術監督スティーブン・ダルドリーによるプログラミングを、イン・イヤー・フェイス・シアターのもう一つの「偉大な瞬間」として挙げている。[ 7 ]シエルズによると、ダルドリーは「人々に衝撃を与えることを楽しんでいただけでなく、新しいプロジェクトの資金獲得にも長けていた」一方で、「メディアを巧みに操り、挑発的な演劇をプログラミングしただけでなく、公の場でそれらを力強く擁護した」という。[ 20 ] 1992年に同劇場の芸術監督に任命されたダルドリーが最初にプログラミングした演劇は、フィリス・ナギーの『ウェルドン・ライジング』で、シエルズはこの作品が「他の若い作家たちに影響を与え、大きなメッセージとなった」と述べている。[ 21 ]

シエルツは、1994年にダルドリーが上演方針をアメリカ作品と「ゲイの身体演劇」中心から「テキストベースのドラマ」へと見直したことが、劇場にとっての転機だったと考えている。「テキストベースのドラマでは、多くの新人劇作家を上演することにした」。[ 7 ]ダルドリーは「1994年秋から、劇場はシアター・アップステアーズでの新作を倍増させ、若手作家に焦点を当てるようになった」と述べている。[ 20 ]ダルドリーが1994年から95年にかけて初めて上演した新人作家による作品には、ジョー・ペンホールの『Some Voices』[ 22 ]、ニック・グロッソの『Peaches』[ 23 ]、ジュディ・アプトンの『 Ashes and Sand』[ 24 ]など、多くの衝撃的な作品が含まれていた。[ 25 ]

シエルツは、今シーズンの「キープレイ」はサラ・ケイン作「ブラステッド」だと指摘している。 [ 26 ]シエルツは、「1990年代の決定的な瞬間の一つは、サラ・ケインの「ブラステッド」を上演することを決定した（ロイヤルコート劇場での）脚本会議だった。新作を推奨するのは意図的な方針だったが、この会議で「ブラステッド」の上演を見送っていたら、その後の10年間の歴史は全く違ったものになっていたかもしれない」と述べている。[ 7 ]「ブラステッド」が初演されたとき、一部の批評家は劇中の恐怖描写（身体的暴力、排便、レイプ、人食いなど）に憤慨し、報道機関に連絡して怒りを表明した。これがマスコミの熱狂を巻き起こし、その結果「1981年にメアリー・ホワイトハウスがハワード・ブレントンの「英国におけるローマ人」の上演中止を企てて以来、演劇界最大のスキャンダルの中心となった」。シエルツは「初演から数日のうちに[…] 『ブラステッド』は何年もの間最も話題になる演劇となり、街で最も人気のあるショーとなった。すぐに、それが10年間で最も悪名高い演劇になるであろうことは明らかになった」と述べている。[ 27 ]シエルツはまた、「その衝撃的な内容と不安をかき立てる演劇の形式に対するメディアの騒動により、イギリスの新作が注目を集めるようになった」と述べている。 [ 28 ]この論争は「重要な文化的瞬間」となり[ 29 ] 、ブラステッドによって「新しい刺激的な感性が到来した」[ 28 ] 。ニューヨークへの資金集め旅行中に、ダルドリーはイギリスに呼び戻され、ニュースナイトとワールド・アット・ワンに出演して、論争の中でその演劇を擁護した。[ 27 ]シエルツはこう述べている。「ダルドリーは新たな役割に気づいた。ケインを弁護した時、彼は自身も弁護し、最高裁の使命を再発見した。論争の喧騒は、挑発こそが正しい手段であることを彼に教えた。それは新たな観客を呼び込むだけでなく、彼のアイデンティティを新たにした。最高裁が論争の舞台としてのルーツを再発見するにつれ、ダルドリーは正面から挑発する演劇の興行師となった。」[ 26 ]

ダルドリーが芸術監督を務めていた時代にロイヤル・コート劇場が上演した他の注目すべきイン・イヤー・フェイス劇には、アンソニー・ニールソンの『ペネトレーター』 （1994年）、ジェズ・バターワースの『モジョ』（1995年）、マーティン・マクドナーの『ビューティー・クイーン・オブ・リーナン』（ 1996年）、マーク・レイブンヒルの『ショッピング・アンド・ファッキング』 （1996年） 、アンソニー・ニールソンの『ザ・センサー』（1997年）などがある。

マーティン・クリンプによる彼女の暗殺未遂

シエルズは、マーティン・クリンプの戯曲『彼女の人生への試み』を、イン・イヤー・フェイス・シアターの発展における「偉大な瞬間」の一つに挙げている。1997年にロイヤル・コート劇場で上演された初演について、シエルズは「クリンプが同世代で最も革新的で、最も刺激的で、最も輸出性の高い劇作家という名声を確立した出来事」と評した。[ 30 ]クリンプによって「劇場のための17のシナリオ」として上演されたこの戯曲は、その型破りな形式と構成から先駆的な作品として挙げられている。シエルツは、この劇を「ポストモダニズムの奇想天外な演出であり、新しいタイプの演劇を創造するための一連の挑発的な提案として解釈できる」と評している。その処方箋は、一貫した登場人物の概念を覆し、場面を柔軟なシナリオに転換し、台詞の代わりに短いメッセージや詩的な連なりを代用し、巧みな台詞と残酷なイメージを融合させ、ショーをアートインスタレーションとして演出することだった。台本には誰がどの台詞を言うかは明記されていないが、ティム・アルベリーの演出は、クリンプの文章の鋭さとユーモア、そして独特の皮肉、そして論点を探すことの無意味さに対する鋭い批評を鮮やかに描き出していた。[ 31 ]シエルツは『彼女の命を狙う試み』を「現代演劇の中で最も影響力のある作品の一つ」と呼び[ 7 ]、「クリンプの最高傑作」、「1990年代の最高の演劇」[ 30 ]と称賛し、2005年には「この演劇は過去25年間のイギリス演劇の中でも最高の作品の一つと言えるだろう」と述べた[ 32 ] 。

イン・イヤー・フェイス・シアターの衰退

1990 年代の終わりにかけて、英国で上演される新しいイン・イヤー・フェイス劇の数は減少していった。

1997年1月、スティーブン・ダルドリーは「私が初めてロイヤル・コート劇場に着任した頃は、ゲイの演劇が多かったが、その後『モジョ』や『ショッピング・アンド・ファッキング』のような暴力的な演劇が続いた。今はその傾向は衰退しつつあると感じている」と語った。[ 33 ]

シエルツは、彼にとって「潮目が変わり、対立の時代が終わったことを示唆し」、イン・イヤー・フェイス演劇の衰退を告げる3つの出来事を挙げている。[ 34 ]

一つ目は「コナー・マクファーソン作『堰』の大成功」[ 34 ]で、 1997年にロイヤル・コート劇場のシアター・アップステアーズで初演され、「ウエストエンドに3年近く、その後ブロードウェイに上演」され、「興行成績の成功は[ロイヤル・コート]劇場の脆弱な財政にとって決定的に重要だった」[ 35 ] 。シエルツは「[この劇は]、幽霊物語の一つに小児性愛者に関する不快なエピソードがあり、最後の物語には子供を失うという感情的な側面があるにもかかわらず、多くの『直接的な』劇にはない、非常に救済的な雰囲気を持っている」[ 36 ]と述べ、この劇の「大成功は、大衆の衝撃的な好みが、より穏やかな美学への欲求に取って代わられたことを示唆している」[ 19 ]と述べている。

シエルズが次に挙げる出来事は、「アーヴィン・ウェルシュの衝撃的な作品『ユール・ハヴ・ハッド・ユア・ホール』の失敗」である[ 34 ]。この作品は「1998年にウェスト・ヨークシャー・プレイハウスで初演され、1999年2月初旬にロンドンで上演された際に、当然ながら酷評された」[ 19 ] 。

シエルズが挙げる最後の重要な出来事は、1999年2月のサラ・ケインの死である[ 34 ]。彼はこれを「都合の良い終着点」と呼んでいる[ 35 ] 。

デヴィッド・エルドリッジは「おそらく『イン・ヤー・フェイス』は実際には1994年から1997年までしか続かなかった」と書き、同様に『ザ・ウィアー』を「方向転換の兆し」として挙げ、「ベン・エルトンが小説[ 1999年出版の『インコンシーバー』]でこの形式を嘲笑した頃には、それは終わっていた」と述べた。[ 37 ]

シエルツは「1999年以降も、その[イン・イヤー・フェイス]感覚を持った個々の戯曲は存在するが、もはや標準ではない」[ 35 ]と述べ、「2000年までに、憤慨の熱狂的な時代は終わりに近づいている兆候があった」[ 34 ] 。シエルツは、2001年3月に著書『イン・イヤー・フェイス・シアター：今日の英国演劇』が出版された頃には、「イン・イヤー・フェイス・シアターという無遠慮な現象は[…]その激しさを著しく失っただけでなく、英国の新作演劇シーンの中心ではなくなっていった」と述べている。そのため、彼は自分の著書が「必然的に過去を振り返るもの」になっていると感じている。[ 19 ]しかし、セイアーズは「2001年までにニューウェーブは崩壊したが、その理由の一つは、イン・イヤー・フェイス・シアターがその役割を果たしたことだ。イン・イヤー・フェイス・シアターは劇場の自己満足の扉を蹴破り、それが導いたところに他の作家も続いた。イン・イヤー・フェイスの作家たちは劇場に宣伝という酸素を与え、それ以来出現した多様なニューライティング文化を刺激するのに貢献した。」と述べている。[ 19 ]

2004年、シアーズは新作に関する討論会を主催し、劇作家のマーク・レイヴンヒル、サイモン・スティーブンス、リチャード・ビーンをパネリストに迎えました。ある観客がパネリストに対し、イン・イヤー・フェイス・シアターは「もはや新作の最前線ではない」と思うかと質問しました。ビーンは「確かに状況は変わったと思います」と答えました。彼は、演劇に性的なシーンを入れることがもはやショッキングでも最先端でもないとされ、「ロイヤル・コート劇場に行って、誰かがペニスを取り出して手に唾を吐いたら、『またか』と思うような時代が来たのでしょう」と語りました。シアーズはこのコメントに付け加え、「1990年代には、舞台でアナルレイプを見なければ、お金を返せと言われた時代もあった」と冗談めかして付け加えました。ビーンは、2004年に上演した戯曲『ハネムーン・スイート』に「セックスシーンが2回とオナニーシーンが1回」しか含まれていないにもかかわらず、批評家たちはそれを「非常に商業的な戯曲」と感じ、なぜ「ロイヤル・コート劇場のメインステージで上演されるのか」と疑問を呈したと指摘した。ビーンは、批評家たちのこうした反応は、戯曲において「明らかに、そのような下品な行為が今では完全に容認されている」ことを示していると感じた。ロイヤル・コート劇場の若手作家プログラムで指導を行っているスティーブンス氏は、この質問に対し、「若手作家プログラムに参加している若手作家たちに『ブラステッド』のコピーを渡すのは実に興味深い。彼らは全く異質で、全く退屈で、全く面白くないと感じている。[…] 彼らは怒りをもって反応しており、私はそれが本当に心強い」と答えた。彼はさらに、この劇に対する怒りの理由は、「『ブラステッド』と、非常に強烈な（強烈な）劇が最初に爆発的に流行した後、多くの質の低い劇が、その薄っぺらな模倣者によって書かれ、アナルレイプの描写が退屈になり、一種のトレードマークになったためだと考えている。彼らはおそらく、それらの劇で独創的な作品を生み出した人々と模倣者を区別しておらず、それを少し不必要だと感じているだけだろう。（中略）不快だから不必要だと言うのではなく、今となっては退屈だから不必要だと考えているのだ」と述べた。[ 38 ]

2008年に出版されたエッセイの中で、シエルズは「フィリップ・リドリー、デビー・タッカー・グリーン、デニス・ケリーなど一部の劇作家はイン・ヤー・フェイス・シアターの技法をいくつか使っているが、全体的なシーンは進化し​​ている」と書いている。[ 39 ]

重要な分類

新しい演劇作品を説明するために、そのような既存のフレーズや概念を流用して適用するプロセスは、「分類」または「ラベル付け」の重要な手段を提供し、一部の批評家はそれらを「分類する」または「家畜化する」（「飼いならす」）と述べています。[ 40 ]イン・イヤー・フェイス・シアターの創造は、より広く受け入れられた文芸批評における造語の歴史と平行している。例えば、マーティン・エスリン（『不条理演劇』）は、 1961年に同名の著書で不条理という実存哲学的概念を演劇にまで拡張した。 [ 41 ]また、アーヴィング・ウォードル（ 『脅迫の喜劇』）は、1958年にデイヴィッド・キャンプトンの『ルナティック・ビュー：脅迫の喜劇』の副題からこのフレーズを借用し、キャンプトンの戯曲とハロルド・ピンターの『誕生日パーティー』の公演評で、ピンターの作品にキャンプトンの副題を当てはめた。[ 40 ] [ 42 ] [ 43 ]

イン・イヤー・フェイス・シアターはしばしば「運動」であると誤って分類されてきたが[ 44 ] [ 45 ] [ 46 ]、シエルツはこれに異議を唱えている。[ 47 ]

イン・イヤー・フェイス・シアターは運動ではありませんでしたし、私もそう言ったことはありません。イン・イヤー・フェイス・シアターを支持するために、マニフェストに署名したり、会員カードを買ったり、デモに参加したりすることはできません。そして、この件についてメールで問い合わせてくる人たちに、私はいつも説明しているのですが、イン・イヤー・フェイス・シアターは実際の劇場建物でもなければ、劇団でもありません。[…] むしろ、イン・イヤー・フェイス・シアターとは、感性であると同時に、一連の演劇技法なのです。

2002年の会議

2002年に西イングランド大学で開催された2日間の会議で、「イン・イヤー・フェイス・シアター」が議論され、シアーズ氏は基調講演を行いました。[ 48 ]シアーズ氏自身の会議報告書は、彼のウェブサイトにアーカイブされています。[ 49 ]

会議の結果を要約して、共同主催者のグラハム・サンダースとレベッカ・ドモンテは、シエルズが2002年までに「イン・イヤーフェイス・シアター」がすでに歴史的現象（過去の傾向、つまり時代遅れ）になっていたことを認め、次のように述べている。

会議のタイトルにもかかわらず、この会議は英国演劇における新作の現状が議論されるフォーラムにもなった。開会の辞で、デイヴィッド・エルドリッジは、この時期の戯曲の多くを「サッチャーの子供たち」、すなわち英国左派が分裂し方向性を見失い、冷戦が激化し、自由市場経済が社会と文化を容赦なく作り変えた時代に育った世代からの直接的な反応だと捉えた。エルドリッジは、作家が「ムーブメント」に巻き込まれると、神話化や自己顕示欲が芽生えることがあると警告し、（ドンマー・ウェアハウスを暗に指して）英国演劇における現在の「ドンマー化」の傾向、すなわち、新作を観客にとってより受け入れやすいものにするためにハリウッドの大スターを起用する傾向について警告した。[ 50 ]

Writernetが発行した別の会議報告書は、「特定の時代やジャンルに縛られることは、戯曲に責任を課し、朗読や上演の前に期待感を抱かせることになる。本質的には、単純化されたラベルによって戯曲に対する先入観が生まれ、芸術的完全性が損なわれる。戯曲や劇作家は、表面的な一枚岩的な焦点を当てられると、併合されたり「ゲットー化」されたりする危険がある」と述べている。[ 51 ]

Writernetはさらにこう付け加えている。「この問題は世界中から寄せられた数多くの論文に反映されており、それらは主にサラ・ケインとマーク・レイヴンヒルの作品を、ポストモダニズム、形而上学的演劇、アルトーの残酷演劇、そしてラカンといった理論的レンズを通して探求していた。主催者の責任ではないが、これは明らかに会議の提出内容を正確に反映していたようだ。」[ 51 ]

しかし、この報告書は、「シエルツは自己弁護として、『イン・イヤー・フェイス』はムーブメントではなく、『アリーナ』あるいは『感性』であると断言した」と指摘し、「イン・イヤー・フェイス・シアターは1990年代の作品群の一部に過ぎない」と付け加えている。さらに、シエルツは「自身の著書とレーベルの限界を受け入れ、それがロンドン中心主義的であり、その範囲が限られていることを認めていた」と指摘している。[ 51 ]

それにもかかわらず、この論文は「マックス・スタッフォード＝クラーク（アウト・オブ・ジョイントとジョイント・ストック劇団の創設者であり、エディンバラのロイヤル・コート劇場とトラバース劇場の元芸術監督）」が「1990年代の演劇について尋ねられたとき」に「誰もが同じ景色を見ているので、絵画には類似点が必ずある」と述べたと伝えている。[ 51 ] [ 52 ]

著名人

シアーズ氏によると、「イン・イヤー・フェイス演劇のビッグスリーは、サラ・ケイン、マーク・レイヴンヒル、アンソニー・ニールソンです」。シアーズ氏は自身のウェブサイトの「Who?」で「その他の注目作家」14名を挙げ、次のような補足を加えています。「もちろん、イン・イヤー・フェイス劇を1、2本書いてから別の作家に移った作家もいます。他のすべてのカテゴリーと同様に、このカテゴリーも、爆発的に変化する新しい脚本シーンの現実を完全に把握することは期待できません。」[ 53 ]

出典：Aleks Sierz [ 1 ] [ 53 ] [ 54 ] [ 39 ]およびDavid Eldridge [ 37 ]

演劇

主な作品

その他の戯曲

文化的言及

デイヴィッド・エルドリッジの1996年の演劇『トニーと過ごした1週間』の中で、ニコラスという登場人物は「チェルシーの演劇に連れて行かれて、かなりショックを受けた。目くらましや性交ばかりで、キングス・ロードから5分も離れていない！」と言っている。 [ 74 ]これは、キングス・ロードに近いロイヤル・コートで上演された 演劇『ブラステッド』への言及である可能性が高い

ベン・エルトンの1999年の小説『インコンシーブル』では、登場人物がロイヤル・コート劇場で『ファッキング・アンド・ファッキング』という演劇を観劇した際に「ロイヤル・コート劇場では、演劇のタイトルに下品な言葉を入れ、第一場の終わりにはアナルセックスを入れることを強く主張している」と述べている。 [ 75 ]

サイモン・グレイの戯曲『ジャプス』[ 76 ]の中で、中年作家マイケル・カーツは、彼が「顔に突きつけるような」新しいタイプの文章に憤慨する。若い劇作家の新作を観劇した後、カーツは舞台の登場人物を次のように描写している。

[彼らは] 「愛している」という最も恐ろしい言葉を発するという無礼さ、いや傲慢さを持っていましたが、[しかし]それは何を意味していたのでしょうか?彼らが言いたかったのは、「お前とヤッたんだ。だからもう一度ヤッて、もしかしたらその後も何回かヤッて、他の誰かがお前とヤッたら嫉妬で狂う」ってことだった…。彼女たちがするのはただヤッてるだけで、話すのってどうやってヤッてるか、本当は誰と、誰とヤッたいかってことばかりで、それを言葉で隠そうともしない…。内面を匂わせる言葉すらなく、性的な競争や裏切りの機会以外、友情も何もなく、興味も情熱も感情もない。まるで男がチンポ、チンポが男、女が女、女が女で、人生の唯一の目的はチンポを女に押し込み、チンポの上に女を押​​し込むことかのよう…。そして、ほら、ほら、最悪なのは、彼女たちが文法的に話すことだ。文章を組み立てる。組み立てる！それも、かなり優雅に。なぜ？なぜか教えて？（少し間を置いて）実は、理由はわかっている。動詞も名詞も、あなたの顔に突き出るんです。あなたの顔に。まさにそのフレーズですよね？まさにそのフレーズ！あなたの顔に！

2006年の映画『ヴィーナス』では、老俳優モーリス・ラッセルが若い女性ジェシーをロイヤル・コート・シアター・アップステアーズに連れ出し、演劇を観劇します。劇中には、10代後半の少女3人が露骨な言葉で会話するシーンがあります。ハニフ・クレイシが執筆した公開された脚本では、このシーンに罵詈雑言が含まれていましたが、映画ではより露骨なセリフが使われており、舞台俳優の一人が「バカな雌牛」というセリフを「バカな女」に変更しています。[ 77 ] [ 78 ]

BBCラジオのモキュメンタリー番組『インクレディブル・ウーマン』のあるエピソードでは、イン・イヤーフェイス・シアターがパロディ化されている。このエピソードでは、ジェレミー・フロントが、物議を醸した劇作家ベラ・ヘイマンを描いた架空のラジオドキュメンタリーを披露する。『子宮摘出術5-9-1 』でブレイクしたヘイマンは、「英国演劇界の恐るべき子供」と評され、「上演不可能、あるいは一部の人が言うところの「観るに堪えない」上演で知られ、「観客を不快にさせ、時には入院させるほどの」存在として知られている。ジェレミーはヘイマンの『Razor F**K』という舞台を観劇する。この舞台は「激しい言葉遣いと露骨な暴力を含む、場所を選ばない、クロスプラットフォーム、マルチメディア、没入型体験」と評されている。この劇では、頭にバケツをかぶった裸の男性俳優2人が、制服を着て鞭を振り回す女性に殴打される。この公演では、裸の俳優たちが舞台の血で溢れた床を這いずり回り、大蔵大臣が去勢される場面も描かれている。このエピソードでは、モーリーン・リップマンが、ノエル・カワード作『 Present Laughter 』のウエストエンドでの不運な復活公演に出演する女優役を演じている。ヘイマンはこの作品を暴力シーンを交えて再演している。ジェレミーはドキュメンタリーの締めくくりで、「ベラ・ヘイマンが先見の明のある人物であることは疑いようがない。素晴らしいスタイルと鋭い洞察力を持つ、最も革新的な演出家の一人だ。ただ、グレープフルーツのスプーンで彼女の目をえぐり出さなければならないのは残念だ」と述べている。[ 79 ]

参照

注釈

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参考文献

Wikiversityには、 Collaborative_play_writingに関する学習リソースがあります。
  • 新作執筆スペシャル- 2010 年 2 月 16 日にロンドンのアート ワーカーズ ギルドで開催された演劇研究協会の会議で、アレックス シエルツ氏が行った「ブラストとその後: 今日の英国演劇における新作執筆」と題する講演の音声録音。
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