ジャネット・ドーソン

ジャネット・ドーソン MBE
生誕	1935年（90～91歳） オーストラリア、シドニー
出身校	ビクトリア国立美術館美術学校 スレイド美術学校
著名な	絵画
運動	色彩のフィールド
配偶者	マイケル・ボディ ​ ​ （ 1968年生まれ 、2014年没）

ジャネット・ドーソンMBE（1935年シドニー生まれ）は、1960年代のオーストラリアにおける抽象絵画の先駆者であったオーストラリア人アーティストである。 ^{[ 1 ] [ 2 ]} 1957年から1960年にかけてヨーロッパに滞在した際にイギリスで学び、抽象画に触れた^{[ 3 ]}。また、自身の作品や他の有名なオーストラリア人アーティストの作品を印刷する熟練したリトグラフ印刷者でもあり、 ^{[ 3 ]}舞台装置や家具のデザイナーでもあった。奨学金を得てイギリスとイタリアで学び、1960年にオーストラリアに帰国した。^{[ 3 ]} 1973年、夫の肖像画「読書するマイケル・ボディ」でニューサウスウェールズ州立美術館のアーチボルド賞を受賞した。^{[ 4 ]} オーストラリア国内外で展覧会を開催し、作品はオーストラリアとイギリスの主要なコレクションに収蔵されている。^{[ 5 ]} 1977年、芸術への貢献によりMBEを授与された。^{[ 6 ]} 2025年から2026年にかけて、ニューサウスウェールズ州立美術館はドーソンの回顧展を開催する予定である。

経歴

ドーソンは1935年にシドニーで生まれ、幼少期をフォーブスで過ごしました。^{[ 7 ]}彼女は11歳の頃から美術に強い関心を持ち始め、 1946年から1949年までH・セプティマス・パワーの私立美術学校で土曜の午前中のクラスで正式な美術の授業を受け始めました。その後、イースト・マルバーンのクラレンス・ストリートに住み、医師の受付として働きました。^{[ 8 ]} 1952年から1956年までメルボルンのビクトリア国立美術館美術学校で学び、最初はウィリアム・ダージーに師事しました。その後、アラン・サムナーが校長に就任しました美術評論家のロバート・ヒューズは、サムナーの辞任後の1962年に「1947年に校長に就任して以来、サムナー氏は、作品に何らかの意義を持つ若い画家を一人も輩出していないようだ。ジャネット・ドーソンを除いては。ドーソンの疑いようのない才能は、サムナー氏が説いてきた軟弱なアカデミズムに対する反抗から生まれたものだ。」と不満を述べている。^{[ 9 ]}

1955年、ドーソンはギャラリー・アート・スクール賞を複数回受賞した。受賞作品には、グレース・ジョエル奨学金（ヌード）、ヒュー・ラムゼイ肖像画賞（「抽象画」で1回、「実物からの3枚の絵のパネル」で1回、「頭部習作」で2等賞、そして「展覧会における最優秀主題画またはパネル画に対するナショナル・ギャラリー協会奨学金」などがある。^{[ 10 ]}

1955年の新聞記事によると、彼女は美術学生として「主に半抽象画を制作し、大きなキャンバスに描くことを楽しんでいる。特に壁画に興味がある」と述べ、「最大の目標は、学校の3年間の留学のための900ポンドの旅行奨学金を獲得することだ」と記されている。^{[ 11 ]}この奨学金は当時、西オーストラリアの画家フランシス・ウーリー（1930年生まれ）が獲得していた。実際、翌年、彼女は友人のキャスリーン・ボイルと共に、ビクトリア国立美術館の旅行奨学金^{[ 12 ] [ 13 ] [ 8 ]}を受賞した。受賞作品は美術館の階段に描かれた3人の人物像で、彼女は「粘土で型を作り、そこから絵を描いた」と記されている。^{[ 8 ]} 22歳で、彼女はSSローマ号に乗船した。^{[ 1 ]}

海外留学と旅行

1957年7月中旬にジェノバに上陸し、ミラノ、ベルン、パリを経て、ドーソンはロンドンに到着した。 1957年後半から1959年半ばまで、スレード美術学校で学んだ。 ^{[ 1 ]}ロンドンでは、1959年にテート美術館で開催された「ニュー・アメリカン・アート」展を鑑賞し、ロスコ、スティル、マザーウェルらの絵画のシンプルさと鮮やかな色彩に感銘を受けた。パリではデュビュッフェとミロの作品にも触れ、決定的な影響を受けた。^{[ 14 ]}

デボラ・クラークは次のように述べている。「ドーソンの特定のマークやシンボルの使用にはヨーロッパのシュルレアリスムの影響が見られ、ジャクソン・ポロックやマーク・ロスコ（1959年にテート・ギャラリーで作品を見た）のようなアメリカの抽象画家たちの温かさと開放性に対する彼女の賞賛も現れているが、彼女の抽象化の形式的な装置の使用は、風景そのものの感覚に対する真摯な反応に根ざしている。」^{[ 13 ]}

彼女は絵を描くのが好きで^{[ 13 ]}、版石に直接描くリトグラフ^{[ 1 ]}を学びました。1959年、彼女はスレード学校のリトグラフ賞を受賞しました。この賞にはボイシ奨学金^{[ 3 ]}も含まれており、イタリアへの渡航が可能になりました。1959年末から1960年初頭にかけて、彼女はローマの英国学校が芸術家のための作業場として利用していた丘の上の村、アンティコリ・コラードに居住しました^{[ 15 ]} 。そこでの3ヶ月間、ドーソンは風景画を描きました^{[ 16 ]。}それらの絵はビクトリア国立美術館、ニューサウスウェールズ州立美術館、そしてNGAに所蔵されています。かつて彼女が不快感を覚えていた抽象表現は、彼女のイタリア風景画では「官能的な描写」^{[ 13 ]}、つまり波やマーク、シンボルが紙を覆い尽くす太いストロークで表現され、丘や谷が官能的な線やモチーフへと変化しました。彼女の作品はほぼ完全に抽象的になりました。

ドーソンは1960年初頭にイタリアからパリへ旅した。1957年から1961年まで、オランダの版画家ノーノ・ラインホルトのアトリエ・パトリス^{[ 17 ]がブラール通り26番地で開かれた。 [ 18 ]}そこでは5人の版画家のうち唯一の女性だったドーソンは^{[ 19 ]} 、パリの学校の画家たちの ために版画の仕事に就き、ピエール・スーラージュ、フリッツ・フンデルトヴァッサー、菅井久美らのリトグラフの校正刷りを手がけ、自ら描いたイタリア語の絵を大胆な色彩、線、筆致でリトグラフに翻訳した^{[ 3 ]} 。1960年にパリのアトリエ・パトリスで制作した5枚のリトグラフは、NGV、AGNSW、NGAのコレクションに収蔵されている。^{[ 1 ] [ 17 ]}ドーソンは1960年後半にメルボルンに戻った。^{[ 20 ]}

ギャラリーA

1960年11月下旬、約4年ぶりにオーストラリアに戻ったドーソンは、 ^{[ 19 ] [ 21 ]} メルボルンの数多くの美術館ではなく、^{[ 22 ]}ドーソンはフリンダース通りにあるアートギャラリーを併設したデザインと家具の販売スペースであるギャラリーAを初の個展の開催地として選び、^{[ 23 ] [ 24 ]} 1961年5月18日にオープンした。その後、このギャラリーに雇われ、ディーラーのマックス・ハッチンソンや家具デザイナーで彫刻家のクレメント・ミードモアと共同作業を行い、 1961年に同ギャラリーで開催された大規模な展覧会「バウハウス：その様相と影響」に参加することとなった。^{[ 22 ]} ドーソンはギャラリーA版画工房も設立し、^{[ 25 ] [ 26 ] [ 3 ]} 来訪アーティスト向けのリトグラフ印刷技師としてスタジオで働き、^{[ 16 ]}ジェームズ・グリーソンはこれをオーストラリアのグラフィックアートの「先駆者」と評している。^{[ 27 ]} この役目において、彼女はジョン・ブラック、ジョン・オルセン、フレッド・ウィリアムズといったオーストラリアの芸術家にリトグラフを紹介した。彼女の教え子にはグレアム・コーエン、^{[ 28 ]}リチャード・ヘイヴィアット^{[ 29 ]}ウィンストン・トーマスなどがいた。^{[ 30 ] [ 31 ]}また、1961年11月にはオーストラリアの版画家に作品を募集し、その中から10点がロンドンの収集家兼キュレーターのロバート・アースキンが企画する「世界の版画展」でオーストラリアを代表する作品として選ばれることとなった。^{[ 32 ]} 1963年9月発行のフランス語版画特集号「ミーンジン」では、彼女の作品が表紙と挿絵に掲載された。^{[ 33 ]}

ギャラリー・マネージャー兼テクニカル・アシスタントとして働きながら、ドーソンの抽象表現はアクリル絵具と成形されたコンポジションボードの使用を通して発展していきました。彼女の芸術に関連し、影響を与えたのはギャラリーの家具デザインで、その一つがクイーンズランド・アート・ギャラリー・コレクション^{[ 34 ]}に収蔵されています。これは1964年にオーストラリアのラミネックス社の依頼で制作され、メルボルンのスティーブン・デイヴィスによって製作された「リビング・アート」テーブルトップ・シリーズです。アンジェラ・ゴダードはドーソンのテーブルを次のように評しています。

「オーストラリア美術において特異な存在である。デザインとアートの間を揺れ動き、機能と美学を融合させている。ラミネックスの力強いフラットカラーの使用は、同時代のアメリカの抽象芸術、特にジャスパー・ジョーンズの1950年代後半のターゲット・ペインティングやフランク・ステラの1960年代のプロトラクター・シリーズを彷彿とさせる。しかし、コーヒーテーブルという形で表現されたこれらのテーブルトップは、目を引く抽象作品であると同時に、抽象化の還元主義的方法論についての思索を喚起し、抽象絵画の使用価値に対する遊び心のある批判さえも示唆している。」^{[ 35 ]}

彼女はギャラリーAで版画やデッサンを展示した後、1964年にそこで初の個展を開催した。^{[ 36 ]}

カラーフィールド・ペインティング

ロバート・リンゼイは次のように述べています。「1960年代初頭から中頃にオーストラリアに戻ってきた芸術家のグループを通して、新しい国際的なスタイルが確立されました。ジャネット・ドーソンは1961年に、ディック・ワトキンスは1962年に、シドニー・ボールは1965年にニューヨークから、そしてトニー・マクギリックも1965年にオーストラリアに戻りました…」^{[ 37 ]}

ドーソンを含むこのグループのアーティストたちは、1968年8月21日から9月28日まで、メルボルンのセントキルダロードにあるNGVの新施設のオープニング展である「ザ・フィールド」に出展された。展覧会のキュレーターである展示担当官のジョン・ストリンガーとオーストラリア美術学芸員のブライアン・ファインモアは、ドーソンの作品2点を選んだ。ウェンディ・パラモアとノーマナ・ライトとともに招待されたわずか3人の女性のうちの1人であるドーソンは、最近の大規模な作品「ウォール11」（1968–69年、合成ポリマー塗料でカンバスに描いたもの、184.3 x 184.4 cm）を展示した。この作品はすぐに1969年にオーストラリア国立美術館によって購入された。また「ローラスケープ2」（1968年、合成ポリマー塗料で不規則な形のコンポジションボードに描いたもの、150.0 x 275.0 cm）も展示された。後者は、 1988 年にオーストラリア評議会の視覚芸術/工芸委員会の支援を受けてバララット美術館によって購入されました。

1970年代にドーソンはハードエッジな抽象表現からより「絵画的な」スタイルへと移行しましたが、形式的な語彙は維持しました。^{[ 38 ]} 1979年の回顧展でメアリー・イーグルは「彼女は自然界のあらゆるものが混ざり合い、流れ合っているのを見ている」と述べています。^{[ 14 ]}

スタイルとレセプション

ジェームス・グリーソンは、1964年8月にハングリー・ホース・ギャラリーで開催されたグループ展でドーソン、ラポテック、コバーンの作品を比較し、「ジャネット・ドーソンの色彩の生き生きとした対話の背後にある精神の静けさ」に注目し、次のように予測している。

ジャネット・ドーソンとジョン・コバーンには共通点が数多くあり、異なる道を歩みながらも、おそらく同じ方向へ向かっているのではないかと思わせるほどだ。二人とも、異なる状況下で色がどのように反応するかに魅了され、色彩の両義的な性質を巧みに利用している。…ドーソンは直線的な表現にあまり縛られていない。彼女は時に色彩を揺らめかせ、重なり合い、混ざり合わせている。^{[ 39 ]}

ドーソンはカラーフィールド運動に関わっていた。これは、色彩を主題として、単色でグラデーションのかかった色調を使用する抽象画である。^{[ 40 ]}美術史家バーナード・スミスは、「カラーペインティングがオーストラリアの絵画シーンに初めて登場したのは1963年頃で、かなりためらいがちだった。その登場において特に重要なのは、シドニーのディック・ワトキンスとメルボルンのジャネット・ドーソンという2人の芸術家である。」と書いている。 ^{[ 31 ]}彼女は、 1968年にビクトリア国立美術館で開催された「ザ・フィールド」に展示された 芸術家の一人でした。この展覧会はあまりにも多くの論争を巻き起こしましたが、多くの若い芸術家のキャリアをスタートさせました。ドーソンは、この展覧会に参加したわずか3人の女性芸術家の1人でした。 ^{[ 16 ]}（2018年に再演）。^{[ 41 ]}ザ・フィールドの年に、ドナルド・ブルックは、ギャラリーAで5月に開催された展覧会「ジャネット・ドーソンの絵画」を批評し、当時のドーソンの絵画をオブジェクトとして捉えるアプローチについて説明しました。

彼女は非具象的な画家であり、ミロがそうしたように絵画の中に形を描くという手法から、ごく最近になって、ビスケット缶や床屋の看板に描かれるような意味で、絵画の表面のみを描くようになった。この解釈――錯覚的な絵画ではなく、色彩のある物体を見るという解釈――を促すヒントとなるのは、不規則で絵画らしくない形状を用いるという、今ではお馴染みの手法である。ジャネット・ドーソンは、特異な輪郭を持つ支持体を二次元、時には三次元的に構築する。彼女はそれらを皮肉な方法で分割し、色彩を塗り分けるため、線と境界線はぎこちない視覚的ストレスを伴って互いに引っ張り合い、引き合う。^{[ 42 ]}

1970 年にブルックはこの評価を拡張しています。

ジャネット・ドーソンは…楕円形の支持体を用い、初期モンドリアン、カンディンスキー、そしておそらくウィンダム・ルイスのダイナミズム、あるいはレーヨン主義を想起させる。その融合は非常に滑らかで、正確には言い表せない。彼女は、濃密で落ち着いた色合いの、厚みのある非常に物理的な絵具を用いて、流動的あるいは振動する液体、あるいは不規則に撚り合わされたロープのような効果を巧みに生み出している。その動きは、防波堤やバッフルのように機能する固定された障壁によって方向転換され、停止され、互いに重なり合ったり、後ろに滑り込んだりする。奥行きが暗示されているものの、鑑賞者の目の前にあるものが、部屋の壁に垂直に取り付けられた支持体に筆で描かれた実体のある顔料であるということを暗示するものではない。^{[ 43 ]}

メアリー・イーグルはドーソンの初期の絵画に「建築的、雰囲気のある空間と光、そして雲、月、虹のイメージというテーマ」があり、それが彼女の抽象画にも引き継がれていると指摘している。^{[ 14 ]}

ドーソンがアーチボルド賞を受賞したことは、彼女のキャリアにおいて純粋な抽象表現から脱却したことを示す出来事であったが、美術史家パトリック・マッコーギーは「人物と支持体の自由な絵画的扱い」を称賛し、彼女の成功は「驚くべきものであり、当然のことだ」と評した。「ドーソンは洗練された抽象画家としてよく知られている。アーチボルド賞という堅苦しい領域に踏み込み、すべてを前に進めたことは、予想を覆す素晴らしい成果である…」^{[ 4 ]}

ビナロングの田舎に移住した後にドーソンが制作した作品について、ダニエル・トーマスは1974年の批評で彼女を「オーストラリア最高峰のアーティストの一人」と評したが、「今や『モダン』と言えるのは、彼女が色彩、形態、そして表面についてすべてを知り尽くしているという意味においてのみである。彼女はキャンバスの端に形を固定し、すべてが見事に制御されているという確信を持っている」と述べている。彼はこの展覧会を「彼女がおそらく不本意ながら『昔ながらの』作品へと回帰した証」と捉えている。「この展覧会は、ピンクと黄色が共に歌うというテーマだけではない。…農業、寒さ、雨の必要性、そして牧草地の隅に生えるユーカリの木がいかに原始的で灰色の毛むくじゃらの怪物であるかについても描いている。ユーカリの木の絵の展覧会を開催するなら、リスター・リスター、ハンス・ヘイゼン、シドニー・ノーランと共に、ジャネット・ドーソンも必ず含めなければならない」^{[ 44 ]} 1977年8月のギャラリーAの展覧会では、ナンシー・ボーレースが批評で述べている ように、彼女はそのようなイメージを、ユーカリの木を使わずにマクロなスケールでコラージュで増幅させた。

今回はユーカリの木は展示されていません。彼女は3つのシリーズを展示しています。『Foxy Night』、『Practical House Designs』、『Traditional Portrait Drawings』です。また、『Featherscapes』という小さな夕焼けの絵画パネルもあります。これは、羽、小枝、草、さや、砕いた卵の殻といった、自然界で最も壊れやすいものをコラージュしたものです。彼女は今回初めてコラージュを使用し、『Big Rising Moon 2』では、破れた紙、羽、ガラスの裏に押し込んだくしゃくしゃになったぼろ布で絵を描いています。」^{[ 45 ]}

ゲイリー・カタラーノは、1988 年にリッチモンドで開催された彼女の個展について書き、ドーソンの形而上学とブレイクの形而上学をイーグルが比較したことに疑問を呈し、その後渋々同意し、この芸術家のシュールレアリズムを強調している。

ドーソンの形而上学は、その構成要素においてブレイク的なものではないことを強調しておかなければならない。ブレイクはあらゆるものを人体に宿らせ、それによってその変容のエネルギーを増幅させた。ドーソンのヴィジョンは、その性格において擬人化的でもなければ、その推進力において政治的に急進的でもないが、世界を水の働きへと還元する。もちろん、これらの絵画には常識に反するものが数多く存在する。水で満たされた半球形のボウルが、T字型の「スピリット・レベルI」の頂点で宙に浮いている。カップが傾き、水が同じ絵画の縁を伝ってこぼれる。その流れは岩ではなく、キャンバスに描かれた架空の襞によって止められている。しかし、この遊び心には真剣な意図がある。端的に言って、ドーソンは文字通りの真実と想像上の真実は決して相容れないものではないと信じているのだ。^{[ 46 ]}

1997 年にカタラーノがこの芸術家に行ったインタビューにより、ドーソンは形而上学の問いに対して独自の答えを述べることができた。

「自然主義と象徴主義は完全に両立します。もちろん、制作中にスタイルや技法に名前を付ける必要はありません。そんなことをしたら、ひどい仕事になってしまいます。しかし…フール・ダリアの花びらの配置は、銀河やその他の宇宙の集合体と同じ螺旋構造をとっています。ですから、その観点から見ると、ダリアと銀河の間に大きな違いはありません。マジックリアリズムのトリックをする必要はありません。ダリアは目の前にあるので、研究して描く方が有益です。小さなものの中に大きなものがある。あなたをさらに前進させるには、質感、触感、細部への興味といった興味が必要です。心に響く作品のほとんどは、そうした性質が「説明」ではなく、内在しているのです。」^{[ 7 ]}

1996 年にオーストラリア国立美術館で開催されたドーソンの素描展の際に、シドニー・モーニング・ヘラルドのジョン・マクドナルドは次のように述べた。

綿密な観察と形式的な創意工夫が明晰に絡み合う、まさに啓示的な作品。抽象と具象の境界線は、幾度となく交差し、ついにはただ一つの連続体として、アーティストのタッチと個性によって定義される。この点において、1995年に制作された赤キャベツの13点からなるシリーズ作品に勝るものはない。このシリーズは、発芽から分解まで、この野菜のライフサイクル全体を描いている。この単一のモチーフを用いることで、ドーソンは様々なトーン、線、質感を探求している。それは、モネがルーアン大聖堂、干し草の山、ポプラの木などを何度も繰り返し描き、光の移ろいゆく効果を捉えたのと同じである。^{[ 47 ]}

マクドナルドはその後の研究について次のように述べています。

[1970年代]末期には、彼女は「フォクシー・ナイト」の制作に取り組んでいました。これは、月と風景を幾何学的な傾斜の連続へと昇華させ、羽根のようなジェスチャー的な筆致で柔らかさを添えた作品です。私は常に、これらの絵画は、詩的な抽象表現と幾何学的な抽象表現を融合させようとする、ややぎこちない試みだと感じてきました。そして、その準備段階のドローイングには、ドーソンが地図製作者のような綿密な計画を練っている様子が見て取れます。これは、ドーソンのキャリアにおけるドローイングと絵画のバランスについて、些細な疑問を提起します。この概観では、彼女は非常に自然で完璧なデッサン家として描かれており、グラフィック・アーティストとして既に成し遂げていないものが、彼女の絵画の中に何かあるのではないかと考えさせられます。異なる媒体によって何が加えられ、あるいは失われているのかを知るには、絵画の回顧展を待つ必要があるかもしれません。

パートナーシップ

1968年、ドーソンはマイケル・ボディ（1934年～2014年）と結婚しました。ボディはイギリス生まれの劇作家兼俳優で、ケンブリッジ大学で教育を受け、1960年にオーストラリアに移住しました。ドーソンは1963年、メルボルンでエメラルド・ヒル劇場のデザインと、彼の戯曲『You'll Come to Love Your Sperm Test』のセットでボディと出会いました。^{[ 48 ]}当時、ドーソンは1969年から1971年までシドニーのオーストラリア博物館の展示部門でフルタイムで働いており、そこで「自然史」に触れたことが絵画に影響を与えたと彼女は考えています。^{[ 7 ]}

1973年、彼女はボディの戯曲『オマリー王とキャッシュの伝説』の舞台美術を手掛け、ボディが劇作家として滞在していたニムロッド劇場で上演されたオマリーとボディの『最後の晩餐ショー』に関するエッセイ集の挿絵を制作した。^{[ 48 ]}二人は学校で演劇の制作と上演に関するプログラムで協力した後、ウェイバリーからニューサウスウェールズ州のビナロング村に移住した。 ^{[ 14 ]}そして、夫が園芸用具に囲まれている絵を描いた『マイケル・ボディ・リーディング』で、ドーソンはアーチボルド賞を受賞した3人目の女性となった。 [ 49 ^{] [ 50 ] [ 4 ]これが}彼女の同賞への最初で唯一の応募作となった。^{[ 51 ]}

1977年、彼らは入植地のすぐ外にある小さな土地「スクリブルロック」に住み、そこで1994年12月22日から1995年5月まで、オーストラリア国立美術館が全作品購入した「スクリブルロック・レッドキャベツ」シリーズを制作した。 ^{[ 7 ] [ 13 ]} 1981年、ドーソンと夫はシアターACTの設立に協力するためキャンベラに移り、1985年にビナロングに戻った。 ^{[ 4 ]}その年、オーストラリア評議会はドーソンに19,250豪ドルのフルスタンダード芸術家助成金を授与した。^{[ 52 ]}

ボディは2014年に亡くなり、ドーソンはビクトリア州オーシャングローブに引っ越しました。マイケルには3人の子供がおり、そのうちの1人はボディより先に亡くなっていました。^{[ 50 ]}

展覧会

• 1961年：メルボルンのギャラリーAで個展（絵画、リトグラフ、ドローイング）。^{[ 53 ] [ 23 ] [ 24 ] [ 54 ]}
• 1963年：『プリント'63』、スタジオ・ワン・プリントメーカーズ。スキナー・ギャラリー（1963年 – 1963年）；ニューカッスル・リージョン・アート・ギャラリー（1963年9月1日 – 1963年9月1日）；キャッスルメイン・アート・ギャラリー・アンド・ヒストリカル・ミュージアム（1963年9月1日 – 1963年9月1日）；ルディ・コモン・アート・ギャラリー（1963年9月1日 – 1963年9月1日）；ダグラス・ギャラリー（1963年9月1日 – 1963年9月1日）；ビクトリア国立美術館（1963年9月11日 – 10月6日）；ボニーソン・アート・ギャラリー、アデレード（1963年10月1日 – 1963年10月1日）；ヨシオド・ギャラリー、東京（1964年 – 1964年）^{[ 55 ] [ 56 ]}
• 1964年8月：グループ展、ハングリーホースギャラリー、シドニー^{[ 39 ]}
• 1965年：Introduction '65、ジャネット・ドーソン、レナード・ヘッシング、ロバート・クリッペル、コリン・ランスリー、ジョン・オルセン、チャールズ・レディントン。ギャラリーA、メルボルン
• 1966年：ロサンゼルスとサンフランシスコで開催された現代オーストラリア絵画展に出品^{[ 57 ]}
• 1966/7:ギャラリーA。夏季展示会66、オーストラリアの絵画、デッサン、水彩画、彫刻。出展アーティストは、シドニー・ボール、ジェニファー・バーウェル、ヘンリー・バスティン、チャールズ・ブラックマン、アーサー・ボイド、ジョン・ブラック、ドナルド・ブルック、マイク・ブラウン、ジュディ・カサブ、ピーター・クラーク、ジョン・コバーン、マーティン・コロコット、ジャック・クーリエ、レイ・クルーク、ロバート・ディッカーソン、ラッセル・ドライスデール、ペギー・ファウザー、マクシミリアン・フォイアリング、ジョン・ファース＝スミス、ウィリアム・フレイター、ピーター・フリーマン、レナード・フレンチ、ドナルド・フレンド、マージョリー・ギレスピー、ジェームズ・グリーソン、トーマス・グレグホーン、アン・ホール、プロ・ハート、エレイン・ハクストン、ジョン・ヘンショー、ダリル・ヒル、ルートヴィヒ・ヒルシュフェルド＝マック、レナード・ヘッシング、パール・ヘッシング、ロバート・ヒューズ、ロバート・クリッペル、マイケル・クミット、コリン・ランスリー、リチャード・ラーター、フランシス・リムバーナー、エルウィン・リン、メアリー・マッククイーンです。、マーシャ・モーガン、シドニー・ノーラン、アラン・オールドフィールド、ジョン・オルセン、スタン・オストヤ＝コトコウスキー、ウィリアム・ピースコッド、ジョン・パーシヴァル、カール・プレート、ピーター・パウディッチ、クリフトン・ピュー、エマニュエル・ラフト、スタニスラウス・ラポテック、チャールズ・レディントン、スティーブン・リード、ジョン・リグビー、ヤン・リスク、ウィリアム・ローズ、ローズマリー・ライアン、ギャレス・サンソム、マイケル・シャノン、イムレ・シゲティ、マイケル・テイラー、スタン・デ・テリガ、ピーター・アップワード、デビッド・ウォーレン、ガイ・ウォーレン、リチャード・ウェイト、ロバート・ウィリアムズ、レス・ウィリス、ケン・ウィッソン、ピーター・ライト。ギャラリーAのメルボルン支店とシドニー支店で1967年2月24日まで展示されました。
• 1968年：フィールド展。ハードエッジ抽象、カラーフィールドペインティング、形状のあるキャンバスを用いた絵画、コンセプチュアルアートなど、40名のアーティストによる74点の抽象作品のうち、2点の絵画が展示された。ビクトリア国立美術館^{[ 58 ]}
• 1979年：ビクトリア国立美術館での総括展^{[ 14 ] [ 5 ]}
• 1988年2月～3月：個展、リッチモンド、レノックス通り312番地^{[ 39 ] [ 59 ]}
• 1996年6月22日～8月11日：ジャネット・ドーソンの素描展、オーストラリア国立美術館^{[ 13 ] [ 47 ] [ 5 ]}
• 1998年～2019年：シドニーのステラ・ダウナー・ファインアートで6回の個展を開催
• 2000年：オーストラリア美術における挑戦と応答、1955-65年、オーストラリア国立美術館 2002年：親密な肖像画、国立肖像画美術館、キャンベラ
• 2002–2019: メルボルンのチャールズ・ノドラム・ギャラリーで10回のグループ展を開催
• 2006年：サーベイ展、バサースト・ギャラリー（ニューサウスウェールズ州）、SHアービン・ギャラリー（シドニー）、クイーンズランド大学美術館、タスマニア博物館・美術館、モーニントン半島地域美術館（ビクトリア州）^{[ 5 ] [ 60 ]}
• 2007–2019: シドニーのステラ・ダウナー・ファイン・アートでグループ展を開催
• 2008年：モダン・タイムズ、パワーハウス博物館、シドニー^{[ 22 ]}
• 2012年：ジャネット・ドーソン：個人的な視点、ゴールバーン地域美術館、ニューサウスウェールズ州
• 2015/19: キャンベラのナンシー・セバー・ギャラリーで2回の個展
• 2017年：抽象：オーストラリアの女性抽象画家を祝う、ジーロング美術館、ビクトリア州、および旅行
• 2018年：フィールド再訪、ビクトリア国立美術館
• 2019年：不快な椅子で快適さを見つけようとする - オーストラリア女性美術のクルーザーズ・コレクションの絵画、西オーストラリア大学、パース
• 2019年：クラウド・コミックス、ナンシー・セバー・ギャラリー、キャンベラ^{[ 61 ]}
• 2020年： 1900年から21世紀までのオーストラリアの女性芸術家150名を特集した「Know My Name」、オーストラリア国立美術館^{[ 16 ]}
• 2025–2026年：Far Away, So Close、ニューサウスウェールズ州立美術館^{[ 62 ]}

受賞と表彰

• 1956年：ビクトリア国立美術館巡回奨学金^{[ 12 ] [ 8 ]}
• 1959年：ボイシ奨学金^{[ 1 ]}
• 1973年：アーチボルド賞^{[ 51 ] [ 49 ] [ 50 ] [ 4 ]}
• 1977年：芸術への貢献によりMBEを受賞^{[ 63 ]}
• 1985年：オーストラリア芸術評議会助成金^{[ 52 ]}

コレクション

• ロンドン王立協会^{[ 64 ]}
• ニューサウスウェールズ州立美術館^{[ 65 ]}
• オーストラリア国立美術館^{[ 4 ]}
• ビクトリア国立美術館^{[ 66 ]}
• 南オーストラリア美術館^{[ 67 ]}

参考文献

1. ランドト、ジョン（2020年10月）。ジャネット・ドーソンの版画、1957-60年（論文：美術史・キュレーター研究（上級）修士課程、芸術・社会科学部編）。キャンベラ：オーストラリア国立大学
2. “Rêve du soleil (Sun dream), 1960 by Janet Dawson” . www.artgallery.nsw.gov.au . 2020年8月10日時点のオリジナルよりアーカイブ。 2020年9月20日閲覧。
3. “Janet Dawson” . nga.gov.au. 2020年6月26日時点のオリジナルよりアーカイブ。2020年9月20日閲覧。
4. パトリック・マッコーギー、「アーチボルド賞はシドニーのアーティストに」、ジ・エイジ、1974年1月19日土曜日、2ページ
5. 「Janet Dawson | Stella Downer Fine Art - Dealer Consultant & Valuer」 stelladownerfineart.com.au . 2020年10月22日時点のオリジナルよりアーカイブ。 2020年9月20日閲覧。
6. シドニー・モーニング・ヘラルド、1977年12月31日土曜日、5ページ
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さらに読む

• デボラ・クラーク『ジャネット・ドーソンの素描 1956年から現在まで』展覧会カタログ、オーストラリア国立美術館、1996年
• ゲイリー・カタラーノ、「自然史（インタビュー）」、アート＆オーストラリア、第34巻、第3号、1997年、332-341ページおよび表紙のイラスト。
• アンドリュー・セイヤーズ『Intimate Portraits』展覧会カタログ、国立肖像画美術館、キャンベラ、2002年。
• ダニエル・トーマス、「ゴールデン・オールディーズ」、アート＆オーストラリア、第50巻、第4号、2013年、582～589頁。

外部リンク

• アートサイクロペディア
• 伝記