シェイクスピアの公演

ジョン・ギルバート卿の1849 年の絵画「ウィリアム・シェイクスピアの戯曲」には、ウィリアム・シェイクスピアの戯曲から選ばれた 420 の場面と登場人物が描かれています。

ウィリアム・シェイクスピアの戯曲は16世紀末から数百万回上演されてきた。シェイクスピアの存命中は、彼の最高傑作の多くがグローブ座とブラックフライアーズ劇場でロード・チェンバレン一座とキングス・メン一座によって上演された。^{[ 1 ] [ 2 ]}これらの初演の俳優には、リチャード・バーベッジ（『ハムレット』『オセロ』『リチャード三世』 『リア王』の初演で主役を演じた）、^{[ 3 ]}リチャード・カウリー、ウィリアム・ケンプなどがいた。シェイクスピアの戯曲のいくつかの役は、シェイクスピア自身が演じた可能性が高い。

シェイクスピアの戯曲は、彼の死後も、1642年から1660年の空位期間（ピューリタンの支配者によってほとんどの公開舞台公演が禁止された）まで上演され続けました。王政復古後、シェイクスピアの戯曲は劇場で上演され、精巧な舞台装置、音楽、ダンス、雷鳴、稲妻、波動装置、花火などが盛り込まれました。この間、台本は舞台用に「改訂」され「改良」されましたが、これは後世の人々に対する甚だしい無礼な行為とみなされています。

ヴィクトリア朝時代のシェイクスピア作品は、しばしば「真正な」歴史的衣装や舞台装置を用いて絵画的な効果を追求する傾向があった。 『アントニーとクレオパトラ』における海戦や艀の場面の演出は、その顕著な例の一つである。^{[ 4 ]}シェイクスピア劇において頻繁に舞台が変化するため、このような凝った舞台装置が用いられることは、しばしばテンポの鈍化を招いた。19世紀末には、ウィリアム・ポールがこの重厚な作風への反発を先導した。彼は、突き出し舞台を用いた一連の「エリザベス朝風」作品において、劇の構成に新たな視点を注いだ。20世紀初頭には、ハーレイ・グランヴィル＝バーカーがカットの少ない四つ折りや二つ折りのテキストを演出し、^{[ 5 ]}エドワード・ゴードン・クレイグらは抽象的な演出を求めた。どちらの手法も、今日のシェイクスピア作品の多様な演出様式に影響を与えている。^{[ 6 ]}

シェイクスピア生前の公演

シェイクスピアが初期の戯曲をどの一座で書いたかは定かではないが、1594年版の『タイタス・アンドロニカス』の表紙には3つの異なる劇団によって上演されたことが示されている。^{[ 7 ]} 1592年から1593年のペスト流行後、シェイクスピアの戯曲は、シェイクスピアが創立メンバーであった新しい劇団、ロード・チェンバレン一座によって、テムズ川北岸のショーディッチにあるシアター・アンド・ザ・カーテンで上演された。 ^{[ 8 ]}ロンドン市民は『ヘンリー四世』の第一部を見るためにそこに押し寄せ、レナード・ディッグスは「フォルスタッフ、ハル、ポインズ、その他の者だけが来れば…ほとんど部屋が空かないだろう」と回想している。^{[ 9 ]}劇場の地主が契約を更新しないと発表したため、劇団は劇場を取り壊し、その木材を使ってテムズ川南岸のサザークにグローブ座を建設した。これはロンドン初の俳優による俳優のための劇場である。 ^{[ 10 ]}グローブ座は1599年秋に開場し、『ジュリアス・シーザー』が最初の上演作品の一つとなった。1599年以降のシェイクスピアの最高傑作のほとんどはグローブ座のために書かれ、『ハムレット』、 『オセロ』、『リア王』などである。^{[ 11 ]}

再建されたロンドン・グローブ座

グローブ座は、ロンドンの他の開放型公共劇場と同様に、布張りの天蓋で覆われた突き出し舞台を採用していました。舞台後方の2階建てのファサードは、ティリング・ハウスを隠しており、ファサード上部の窓からは、『ロミオとジュリエット』のようなバルコニーシーンを演出することができました。ファサード下部の扉は、『テンペスト』の終盤のような発見シーンに使われた可能性があります。舞台自体の落とし戸は、 『ハムレット』の幽霊劇のような舞台演出に使われました。この落とし戸のあるエリアは「地獄」と呼ばれ、その上の天蓋は「天国」と呼ばれていました。

演出と制作の他の特徴についてはあまり知られていない。舞台小道具は最小限だったようだが、衣装は可能な限り精巧に作られていた。『ロミオとジュリエット』の序文で言及されている「2時間の交通渋滞」は空想的なものではない。市政府の敵対的な姿勢により、上演時間は公式にその時間に制限されていたのだ。劇団がこうした制限をどれほど真剣に受け止めていたかは不明だが、劇は猛スピードで上演されたか、現在現存する台本が上演のためにカットされたか、あるいはその両方であった可能性が高い。

シェイクスピアの原作劇が上演されたもう一つの主要な劇場は、第2ブラックフライアーズ劇場で、リチャード・バーベッジの父でロード・チェンバレン男団の興行師ジェームズ・バーベッジによって建てられた屋内劇場であった。しかし、近隣住民の抗議により、バーベッジは何年もの間、この劇場をロード・チェンバレン男団の公演に使用することを断念した。ロード・チェンバレン男団が1603年に国王男団と改名されると、彼らはジェームズ1世の新しい宮廷と特別な関係に入った。公演記録は断片的であるが、国王男団が1604年11月1日から1605年10月31日の間に宮廷でシェイクスピアの戯曲を7作上演したことがわかっており、その中には『ヴェニスの商人』の2回の公演も含まれている。^{[ 12 ]} 1608年、国王男団（当時の名称）がブラックフライアーズ劇場を掌握した。 1608年以降、劇団は冬季には屋内のブラックフライアーズ劇場、夏季にはグローブ座で公演を行った。^{[ 13 ]}屋内での上演と、ジェームズ朝時代に流行した豪華な仮面劇が相まって、新たな上演環境が生まれ、シェイクスピアはより精巧な舞台装置を導入することができた。例えば『シンベリン』では、ジュピターが「雷鳴と稲妻の中、鷲に乗って降り立ち、雷を落とす。幽霊たちはひざまずく」^{[ 14 ]。}屋内劇場で上演された劇では、効果音や音楽もより多く使用されたと考えられる。

海軍大佐ウィリアム・キーリングの日記の断片が現存しており、そこには船員たちが船上でハムレット（シエラレオネ沖、1607年9月5日、ソコトラ島、1608年3月31日）を上演したことが詳しく記されている。 ^{[ 15 ]}また、リチャード二世（シエラレオネ、1607年9月30日）も上演された。 ^{[ 15 ]}断片が発見された後、しばらくの間は贋作ではないかと疑われたが、現在では本物であると広く認められている。^{[ 16 ]}これらはシェイクスピア劇のアマチュア上演として記録された最初のものである。^{[ 15 ]}

1613年6月29日、グローブ座は『ヘンリー8世』の公演中に炎上した。公演中に放火された大砲が不発し、木製の梁と屋根に引火した。この事件に関する数少ない現存する文書の一つによると、燃えているズボンをエールの瓶で消火した男を除いて、負傷者はいなかった。^{[ 17 ]}この事件は、シェイクスピア劇の公演日を極めて正確に特定している。ヘンリー・ウォットン卿は、この劇が「盛大で儀式的な、並外れた状況で上演された」と記録している。^{[ 18 ]}劇場は再建されたが、ロンドンの他の劇場と同様に、グローブ座も1642年にピューリタンによって閉鎖された。

シェイクスピアの一座の俳優には、リチャード・バーベッジ、ウィル・ケンプ、ヘンリー・コンデル、ジョン・ヘミングスなどがいた。バーベッジは『リチャード三世』『ハムレット』『オセロ』『リア王』などシェイクスピアの多くの戯曲の初演で主役を演じた。[ ^{19 ]人気}の喜劇俳優ウィル・ケンプは『ロミオとジュリエット』のピーター、『から騒ぎ』のドッグベリーなどを演じた。16世紀末にはロバート・アーミンが彼と交代し、 『お気に召すまま』のタッチストーン、 『リア王』の道化などの役を演じた。^{[ 20 ]}演技スタイルについては確かにほとんどわかっていない。批評家たちは最高の俳優たちの自然さを称賛した。怒鳴り散らす者や、『ハムレット』にあるように「情熱をずたずたに引き裂く」者は軽蔑された。 『ハムレット』においても、劇作家たちは舞台上で即興で演じる道化師について批判している（現代の批評家は特にこの点でケンプを非難することが多い）。リチャード・タールトンによって頂点に達した古い喜劇の伝統においては、道化師はしばしば劇団の主役であり、喜劇的な脇役を演じさせる役割を担っていた。ジェームズ1世時代までに、この種のユーモアは言葉による機知に取って代わられていた。

空位期間と王政復古期の公演

『ウィッツ』（1662年）の扉絵。左下隅にファルスタッフが描かれ、劇的な滑稽さが描かれている。

シェイクスピアの戯曲は、彼の死後も、1642年から1660年の空位期間（1642年～1660年）まで上演され続けました。この期間には、ピューリタンの支配者によってほとんどの公開舞台公演が禁止されました。舞台、衣装、舞台装置の使用は禁じられていましたが、俳優たちは「ドロール」と呼ばれる、大作劇の短い部分を演じることで、なんとか生計を立てていました。これらの部分は通常、何らかのジグで締めくくられます。シェイクスピアも、これらの場面のために作品が盗用された多くの劇作家の一人でした。シェイクスピアから盗用されたドロールの中には、「織工ボトム」（『夏の夜の夢』のボトムの場面）^{[ 21 ]}や「墓掘り人」（ 『ハムレット』の墓掘り人の場面）^{[ 22 ]などがあります。}

1660年の王政復古において、シェイクスピアの戯曲は新たに認可された二つの劇団、トーマス・キリグルー率いる国王劇団とウィリアム・ダヴェナント率いる公爵劇団に分割上演された。この認可制度は2世紀にわたって存続し、1660年から1843年まで、ロンドンでシェイクスピア劇を定期的に上演していた劇団は二つの主要劇団のみであった。ジョン・ローウィンやジョセフ・テイラーといった初期スチュアート朝の俳優たちと親交のあったダヴェナントは、初期の伝統との連続性を確立した中心人物であった。そのため、彼が俳優たちに与えた助言は、当時の慣習を反映している可能性があるとして興味深い。

しかし全体としては、革新こそが王政復古劇団の命題であった。ジョン・ダウンズの報告によると、国王一座には当初、キャロライン朝時代の俳優も数人含まれていたが、空位期間の強制的な中断により、両劇団は過去から分断された。王政復古劇団の俳優たちはプロセニアム舞台で、多くの場合夕方6時から9時の間に上演された。舞台装置や小道具は、より凝り、多様になった。おそらく最も顕著なのは、少年役が女優に取って代わられたことである。比較的高価な屋内劇場の観客は、グローブ座の多様でしばしば手に負えない観客よりも裕福で、教養が高く、均質だった。ダヴェナントの劇団はソールズベリー・コート劇場で始まり、その後リンカーン法曹院の劇場に移り、最終的にドーセット・ガーデン劇場に定着した。キリグルー劇団はギボンズ・テニスコートで始まり、その後ドルリー・レーンにあるクリストファー・レンの新劇場に定着した。両劇団の観客は、エリザベス朝の人々が喜んだものとはかなり異なる演目を期待していた。彼らは悲劇に関しては英雄劇を、喜劇に関しては風俗喜劇を好んでいた。シェイクスピアは好んでいたものの、彼の戯曲もこうした好みに沿ったものであってほしいと願っていたようだ。

復古期俳優トーマス・ベタートンがハムレットを演じ、父の亡霊と対峙する（ハムレットとガートルードは共に当時の衣装を着ている）（1709年）

王政復古期の作家たちは、シェイクスピアの戯曲を自由に翻案することで彼らの要求に応えた。ウィリアム・ダヴェナントやナハム・テイトなどの作家は、ボーモントやフレッチャーの宮廷喜劇や新古典主義の劇作法を好んだ当時の嗜好に合わせて、シェイクスピアの戯曲のいくつかを書き直した。^{[ 23 ]}テイトは1681年に『リア王の歴史』を出版した。これはシェイクスピアの原作悲劇をハッピーエンドに改変したバージョンである。スタンリー・ウェルズによると、テイトのバージョンは「1681年から1838年までの上演で、シェイクスピアの戯曲に取って代わった」^{[ 24 ]。}当時、ウィリアム・チャールズ・マクレディはシェイクスピアのテキストを短縮・再構成したバージョンからリア王を演じていた。^{[ 25 ]}「物語の規則性と現実味に欠けていた部分を補う一つの方法を思いついたのは幸運だった」とテイトは言った。「それは、原作ではお互いの言葉を一切変えずにエドガーとコーデリアの愛を物語全体に貫くことだった」^{[ 26 ]}

テイトの『リア王』は、シェイクスピアの悲劇的構想への鈍感さから生じた、考えの浅はかな翻案の例として、今もなお有名である。テイトの才能は言語ではなく――挿入された台詞の多くは、全く筋が通っていない――構成にあった。彼の『リア王』は、エドマンド・ザ・バスタードの注目を集める最初の演説で鮮やかに始まり、牢獄に囚われたコーデリアをリアが英雄的に救い、王位に正義が回復される場面で終わる。テイトの世界観、そしてシェイクスピアの悲劇作品（『リア王』や『ロミオとジュリエット』など）の彼の「ハッピーエンド」版を1世紀以上にわたり支持（そして要求）してきた演劇界の世界観は、社会における道徳観、そしてその社会において演劇と芸術が果たすべき役割に対する、根本的に異なる感覚から生まれたものであった。テイト版シェイクスピアは、私たちの卑劣な本能に道徳的な鏡を向けることで、演劇が前向きな変化をもたらす変革の担い手としての責任を担っていると捉えています。現在、シェイクスピアの最高傑作の一つとされる作品のテイト版が18世紀を通して舞台を席巻したのは、啓蒙時代と理性時代の人々がシェイクスピアの「悲劇的ヴィジョン」を不道徳と見なし、悲劇作品が上演不可能と判断したからです。テイト版の作品は現在ではほとんど上演されていませんが、1985年にはリバーサイド・シェイクスピア・カンパニーがシェイクスピア・センターで『リア王の歴史』を上演し、成功を収めました。これは「ロナルド・レーガン時代のリア王」と称賛された作品です。^{[ 27 ]}

おそらく、王政復古期の改訂の目的を示すより典型的な例は、ダヴェナントによる1662 年の喜劇『恋人たちに対する法律』であろう。これは『尺には尺を』の主要筋と『から騒ぎ』の副筋を組み合わせたものである。その結果、王政復古期の喜劇趣味がスナップショットのように表れた作品となった。ベアトリスとベネディックはクローディオとヒロと対比するように登場し、全体を通じて機知に富んだ会話に重点が置かれ、シェイクスピアの愛欲という主題は徐々に控えめにされている。劇は 3 人の結婚で終わる。ベネディックはベアトリスと、クローディオはヒロと、そしてイザベラはアンジェロと結婚するが、アンジェロはイザベラの貞操を狙った策略だった。ダヴェナントは多くの橋渡しシーンを書き、シェイクスピアの詩の多くを英雄二行連句として書き直した。

王政復古期の舞台芸術の最後の特徴は、シェイクスピア作品の制作に影響を与えた。亡命者たちがフランスで培ったオペラへの嗜好は、シェイクスピアにも影響を与えた。ダヴェナントとジョン・ドライデンは『テンペスト』をオペラ『テンペスト、あるいは魔法の島』に仕立て上げた。彼らの作品には、ミランダの妹、女性を知らないヒッポリトという男、そして最後に再び夫婦が登場する。また、多くの歌、壮麗な難破の場面、そして空飛ぶキューピッドの仮面劇も盛り込まれた。シェイクスピアの他の作品には、『真夏の夜の夢』 （1692年に『妖精の女王』として上演）や、チャールズ・ギルドンの『尺には尺を』（精巧な仮面劇として上演） などがある。

こうした改訂は今となっては的外れに思えるかもしれないが、当時の劇作家や観客にとっては意味のあることだった。劇作家たちはシェイクスピアを崇拝者としてではなく、演劇のプロとして捉えていた。1668年のドライデンによれば、ボーモントやフレッチャーの「戯曲は現在、舞台で最も楽しく、頻繁に上演されている娯楽で​​あり、彼らの作品のうち2つはシェイクスピアかジョンソンの作品で年間を通して上演されている」^{[ 28 ]}が、彼らにとってはシェイクスピアは時代遅れになったように見えた。しかし、ほぼ例外なく、彼らはシェイクスピアを改訂する価値があると考えていた。改訂された作品のほとんどは舞台では失敗に終わったが、多くは何十年も舞台で話題となり続けた。例えば、トーマス・オトウェイによるローマ版『ロミオとジュリエット』は、1680年から1744年の間にシェイクスピアの原作を舞台から駆逐したようだ。18世紀初頭には、改訂版シェイクスピアがレパートリーの主役となり、ボーモントとフレッチャーのシェアは着実に減少していった。^{[ 29 ]}

18世紀

18世紀は、シェイクスピア劇の制作において3つの大きな変化を目の当たりにしました。イギリスでは、スターシステムの発達が演技と演出の両面に変革をもたらしました。世紀末には、ロマン主義革命があらゆる芸術に影響を与えたように、演技にも影響を与えました。同時に、俳優とプロデューサーはシェイクスピアの台本に立ち返り、王政復古期の改訂版を徐々に排除していきました。そして、世紀末までにシェイクスピア劇はイギリス国外、つまりアメリカ合衆国だけでなく多くのヨーロッパ諸国でもレパートリーとして確立されました。

英国

リチャード3世を演じるデイヴィッド・ギャリック。ウィリアム・ホガース作、1745年。ウォーカー美術館蔵。ボズワースの戦い前のテントの場面：リチャードは自分が殺した者たちの亡霊に悩まされている。

18世紀、シェイクスピアはロンドンの舞台を独占し、シェイクスピア作品の上演はますますスター俳優のスター出演を生み出すものになっていった。1737年の免許法の施行後、上演される戯曲の4分の1はシェイクスピア作となり、少なくとも2回、ロンドンのライバル劇場がまったく同じシェイクスピア劇を同時に上演し（1755年の『ロミオとジュリエット』 、翌年の『リア王』 ）、それでも観客を魅了した。この出来事は、演劇文化においてシェイクスピア・スターがますます目立つようになったことを示す顕著な例であり、コヴェント・ガーデンとドルリー・レーン劇場の男性主役、スプランジャー・バリーとデイヴィッド・ギャリックの間の競争とライバル意識が大きな魅力であった。 1740年代には、マルヴォーリオやシャイロックなどの役を演じたチャールズ・マックリンや、 1741年にリチャード3世で名声を博したデイヴィッド・ギャリックが、シェイクスピアを真に人気のあるものにするのに貢献した。^{[ 30 ]}ギャリックは1747年から1776年の間にドルリー・レーン劇場で26の戯曲を上演し、1769年にはストラトフォードで盛大なシェイクスピア・ジュビリーを開催した。 ^{[ 31 ]}しかし、彼はシェイクスピアの作品を自由に翻案し、『ハムレット』についてこう語っている。「あの高貴な戯曲を第5幕のつまらない部分から救い出すまでは舞台を降りないと誓ったのだ。墓掘り人の策略やオズリック、そしてフェンシングの試合なしで上演したのだ。」^{[ 32 ]} 30代後半のバリーとギャリックがあるシーズンには青年期のロミオを演じ、次のシーズンには老齢のリア王を演じることには、どうやら違和感は感じられなかったようだ。 18 世紀の真実味の概念では、俳優が役柄に身体的に適していることは通常求められませんでした。この事実は、1744 年に上演された『ロミオとジュリエット』に象徴されています。この劇では、当時 40 歳だったテオフィラス シバーが、十代の娘ジェニーのジュリエット役のロミオを演じました。

ヨーロッパの他の地域

シェイクスピアの作品の一部は、生前すでにヨーロッパ大陸で上演されていた。ルートヴィヒ・ティークは、 『ハムレット』などの戯曲のドイツ語版を指摘した。出所は不明だが、かなり古いものであることは確かである。^{[ 33 ]}しかし、シェイクスピアがドイツの舞台で定期的に上演されるようになったのは、17世紀半ば以降のことである。^{[ 34 ]}ドイツでは、レッシングがシェイクスピアをドイツの民衆文学と比較した。ゲーテは1771年にフランクフルトでシェイクスピア記念祭を開催し、劇作家はアリストテレス的な統一性が「牢獄のように抑圧的」であり、「想像力にとって重い足かせ」であることを示したと述べた。ヘルダーも同様に、シェイクスピアの作品を読むことは「出来事、摂理、世界の書から、時の砂に吹かれながら開かれるページ」を開くと宣言した。^{[ 35 ]}シェイクスピアの作品があらゆる創造的境界を打ち破り、混沌とし、溢れかえる矛盾に満ちた世界を明らかにするという主張はロマン主義批評の特徴となり、後にヴィクトル・ユーゴーが​​戯曲『クロムウェル』の序文で表現し、悲劇、不条理、些細なこと、深刻なことが分かちがたく絡み合ったジャンルであるグロテスクの芸術家としてシェイクスピアを称賛した。^{[ 36 ]}

19世紀

1813 年のドルリー・レーン劇場のロイヤル劇場。プラットフォームステージはなくなり、オーケストラピットが俳優と観客を隔てています。

19世紀には劇場や舞台装置はますます精巧になり、使用される演技版は徐々にカットされ、再構成され、ペースとアクションを犠牲にして独白とスターをますます強調するようになりました。^{[ 37 ]}舞台装置を変えるために頻繁に休止する必要があったため、上演はさらに遅くなり、上演時間を許容できる限度内に収めるためにさらに多くのカットの必要性が認識されました。シェイクスピアの戯曲は大幅なカットなしでは上演するには長すぎるというのが一般に受け入れられた格言になりました。17世紀の俳優が観客と接触するために前に出ていたプラットフォームまたはエプロンステージは姿を消し、俳優は第四の壁またはプロセニアムアーチの後ろに恒久的に留まり、オーケストラによってさらに観客と隔てられました（右の画像を参照）。

ヴィクトリア朝時代のシェイクスピア作品は、しばしば「真正な」歴史的衣装や舞台装置を用いて絵画的な効果を追求する傾向があった。 『アントニーとクレオパトラ』における海戦や艀の場面の演出は、 その顕著な例の一つであった。^{[ 4 ]}その結果、テンポが失われてしまうことが多々あった。18世紀末、ウィリアム・ポールはこの重苦しい作風への反発を先導した。彼は突き出し舞台を用いた一連の「エリザベス朝風」作品において、劇の構成に新たな注意を払った。

19世紀を通して、伝説的な俳優たちの名が次々と挙げられ、彼らが出演した劇の数はほぼかき消されてしまった。サラ・シドンズ（1755–1831）、ジョン・フィリップ・ケンブル（1757–1823）、ヘンリー・アーヴィング（1838–1905）、エレン・テリー（1847–1928）などである。正統派演劇のスターになるということは、何よりもまず「偉大なシェイクスピア俳優」であること、つまり男性であれば『ハムレット』、女性であれば『マクベス夫人』の名演、そして特に名高い独白の印象的な演技を披露することを意味するようになった。シェイクスピア劇のスペクタクル、スター、独白の頂点は、俳優兼マネージャーのヘンリー・アーヴィングと共演者のエレン・テリーの時代で、 1878年から1902年にかけてロンドンのリセウム劇場で、しばしばオーケストラの付随音楽を伴う手の込んだ舞台作品を上演した時だった。同じ頃、ウィリアム・ポールのエリザベス朝舞台協会によって、シェイクスピアの原作のルーツ、そしてエリザベス朝劇場のプラットホーム舞台、背景の不在、流動的な場面転換への革命的な回帰が起こっていた。^{[ 38 ]}

20世紀

20世紀初頭、ハーレー・グランヴィル＝バーカーはカットの少ない四つ折り版や二つ折り版のテキストを演出し^{[ 5 ]} 、エドワード・ゴードン・クレイグらは抽象的な演出を求めた。どちらのアプローチも、今日のシェイクスピア作品の多様な演出様式に影響を与えている^{[ 6 ] 。}

20 世紀には、シェイクスピアの戯曲の視覚的解釈も多様化しました。

ゴードン・クレイグが1911年に手がけた『ハムレット』のデザインは、キュビズムの影響を強く受け、画期的なものでした。クレイグはシンプルなフラットで空間を定義しました。単色のキャンバスを木枠に張り、蝶番で連結して自立させるという手法です。このフラットの構造自体は独創的ではありませんでしたが、シェイクスピア劇への応用は全く新しいものでした。フラットは様々な配置が可能で、ヨーロッパやアメリカ大陸の劇場で広く用いられている材料と手法を用いて、建築的あるいは抽象的な石造構造を模倣する手法を提供しました。

20世紀のシェイクスピア舞台美術における2つ目の大きな転換は、 1923年にバーミンガム・レパートリー劇場で上演されたバリー・ヴィンセント・ジャクソンの『シンベリン』であった。この作品は、シェイクスピアに近代衣装の概念を再び取り入れた点で画期的であった。近代衣装を用いた上演は第一次世界大戦以前にも小規模な例がいくつかあったためこれが初めてというわけではないが、『シンベリン』はこうした手法にあからさまに注意を喚起した最初の作品であった。 賭けの衣装をまとったイアキモはイブニングドレス、宮廷の廷臣は軍服、変装したイモージェンはニッカボッカーズとキャップを着用した。批評家が「プラスフォーのシェイクスピア」というキャッチフレーズを生み出したのは、この作品のためであった^{[ 39 ]} 。この実験はまずまずの成功を収め、 2年後には演出家のH・K・エイリフが近代衣装で『ハムレット』を上演した。これらの作品は、今日私たちがよく知っている現代風のシェイクスピア劇の道を開いたのです。

1936年、オーソン・ウェルズは連邦劇場プロジェクトに雇われ、ハーレムで画期的な『マクベス』を演出しました。出演者全員がアフリカ系アメリカ人でした。ウェルズは舞台を19世紀のハイチ、アフリカの魔術に完全に支配された邪悪な王によって統治された世界に変更したため、この作品は『ブードゥー・マクベス』として知られるようになりました。 ^{[ 40 ]}当初は敵対的でしたが、黒人コミュニティはこの作品を熱烈に受け入れ、ラファイエット劇場は10週間満席となり、ブロードウェイでも小規模な成功を収め、全国ツアーも行われました。^{[ 41 ]}

シェイクスピアの戯曲を舞台変更するというこの流れに沿った20世紀の他の注目すべき作品としては、第一次世界大戦の戦場を舞台にした1928年のH・K・エイリフの『マクベス』、ニュルンベルクのナチスの集会に基づいた1937年のウェルズの『ジュリアス・シーザー』、フランス革命風の衣装をまとった1994年のサッカーの『コリオレイナス』などがある。^{[ 42 ]}

1978年、ロイヤル・シェイクスピア劇場で『じゃじゃ馬ならし』の脱構築版が上演された。^{[ 43 ]}主人公は客席の間を舞台に向かって歩き、酔ったふりをして性差別的な発言を叫び、その後舞台装置を破壊（つまり脱構築）した。報道後も、一部の観客は本物の暴行を目撃したと思い、公演から逃げ出した。^{[ 43 ]}

21世紀

英国のロイヤル・シェイクスピア・カンパニーは、 21世紀に2つの主要なシェイクスピア・フェスティバルを開催した。1つ目は2006年から2007年にかけて開催されたコンプリート・ワークス（RSCフェスティバル）で、シェイクスピアのすべての戯曲と詩が上演された。^{[ 44 ]} 2つ目は2012年に開催されたワールド・シェイクスピア・フェスティバルで、2012年ロンドン文化オリンピックの一環として開催され、世界中から何千人もの出演者が参加する約70の作品が上演された。^{[ 45 ]}これらの作品の半分以上はグローブ・トゥ・グローブ・フェスティバルの一環である。このフェスティバルの各作品は、「Year of Shakespeare」というプロジェクトでシェイクスピア研究者、演劇従事者、ブロガーによってレビューされている。

2009年5月、ドンマー・ウェアハウス・ウエストエンド・シーズンのウィンダムズ劇場で、ジュード・ロウが主役の『ハムレット』が開幕した。共演はロン・クック、ピーター・エア、グウィリム・リー、ジョン・マクミラン、ケビン・R・マクナリー、ググ・バサ＝ロー、マット・ライアン、アレックス・ウォルドマン、ペネロープ・ウィルトン。プロダクションは6月3日に公式開幕し、2009年8月22日まで上演された。^{[ 46 ] [ 47 ]}同プロダクションは2009年8月25日から30日までデンマークのエルシノア城でも上演され^{[ 48 ]} 、ニューヨークのブロードハースト劇場でもブロードウェイで上演された。

プロペラ・カンパニーは世界中で男性キャストのみの舞台を上演してきた。^{[ 49 ]}フィリダ・ロイドはロンドンで女性キャストのみのシェイクスピア作品を継続的に上演してきた。^{[ 50 ] [ 51 ] [ 52 ]}

スクリーン上のシェイクスピア

20世紀初頭以来、シェイクスピアの戯曲を原作とした長編映画は420本以上製作されており、シェイクスピアは最も多く映画化された作家となっている。^{[ 53 ]}映画化作品の中には、特に十代の観客をターゲットにしたハリウッド映画のように、シェイクスピアのセリフではなくプロットを使用しているものもあれば、単に戯曲を映画化しただけのものもある。

ドレスとデザイン

何世紀にもわたり、シェイクスピアの上演スタイルには定評がありました。それは誤って「エリザベス朝風」と称されていましたが、実際にはシェイクスピアの死後間もない時代のデザインの流行を反映したものでした。シェイクスピアの演劇は当初、当時の衣装で上演されていました。俳優たちは舞台を降りても着られるような衣装を身に付けていました。この傾向は18世紀のジョージ王朝時代まで続き、衣装が当時の流行の服装となりました。シェイクスピアの死後数世紀、主に19世紀になって初めて、上演作品はシェイクスピアのスタイルを振り返り、「本物」を追求するようになりました。ヴィクトリア朝時代は歴史的正確さを重視しており、教養のある中流階級の人々にアピールするために、舞台にもそれが取り入れられました。チャールズ・キーンは特に歴史的文脈に興味を持ち、自身の作品のために歴史的な衣装や舞台装置を研究することに多くの時間を費やしました。このシェイクスピア風の模倣スタイルは20世紀まで定着しました。 21 世紀の現在、舞台でも映画でも、シェイクスピア作品で「本物の」時代衣装で上演されているものはほとんどありませんが、1990 年頃まで、シェイクスピア劇のほぼすべての本物の映画版は、正しい時代衣装で上演されていました。

参照

• エリザベス朝時代
• グローブ座

注記

1. ウィリアム・シェイクスピア著『夏の夜の夢』編集者序文
2. Foakes, 6.• 凪清志郎, AM (1958). Shakespeare's Stage . New Haven, CT: Yale University Press, 7. ISBN 0-300-02689-7. • シャピロ、131–32。
3. リングラー、ウィリアム・ジュニア「シェイクスピアとその俳優たち：リア王に関する若干の考察」『リア王の書斎から舞台へ：批評エッセイ集』（ジェームズ・オグデンとアーサー・ホーリー・スコーテン編）、フェアリー・ディキンソン大学出版局、1997年、127頁。キング、TJ（トーマス・J・キング・ジュニア）（1992年）『シェイクスピア劇のキャスティング：ロンドンの俳優とその役柄 1590–1642』、ケンブリッジ大学出版局。ISBN 0-521-32785-7（ペーパーバック版 2009年、ISBN 0-521-10721-0）
4. ハルパーン（1997年）『近代におけるシェイクスピア』ニューヨーク：コーネル大学出版局、64頁。ISBN 0-8014-8418-9。
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19. リングラー、ウィリアム・ジュニア（1997年）「シェイクスピアとその俳優たち：リア王についての考察」『リア王 書斎から舞台へ：批評エッセイ集』ジェームズ・オグデン、アーサー・ホーリー・スコウテン編。ニュージャージー州フェアリー・ディキンソン大学出版局、127ページ。ISBN 0-8386-3690-X。
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33. Tieck、xiii.
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35. Düntzer、111。
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参考文献

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• グリック、クラリス。「ウィリアム・ポエル：その理論と影響」シェイクスピア・クォータリー15（1964年）。
• ヒル、エロール『セーブルのシェイクスピア』アマースト：マサチューセッツ大学出版局、1984年。
• ハウスマン、ジョン. 『ランスルー：回想録』ニューヨーク：サイモン＆シュスター、1972年。
• ジャクソン、ラッセル。「ストラトフォード・アポン・エイヴォンにおけるシェイクスピア、1994-1995年」シェイクスピア・クォータリー46（1995年）。
• ネットルトン、ジョージ・ヘンリー著『王政復古期および18世紀（1642-1780）のイギリス演劇』ロンドン：マクミラン社、1914年。
• マンフレッド・フィスター著「シェイクスピアとヨーロッパの正典」『舞台の転換：ヨーロッパ文化におけるシェイクスピア』バルツ・エングラー、レディナ・ランバート編、ニューアーク（デラウェア州）：デラウェア大学出版局、2004年。
• スプレイグ、A.C.ボーモント、フレッチャー『復古期の舞台』ニューヨーク：ベンジャミン・ブロム、1954年。
• ティーク、ルートヴィヒ。Alt-englishes Theater or Supplemente zum Shakspear。ベルリン、1811年。

外部リンク

• ダニエル・ローゼンタール編『シェイクスピア・アット・ザ・ナショナル・シアター1967–2012』、Google Arts & Culture