歌唱

歌う少女たち
少年合唱団
歌う少女たち（フランス・ハルス、1628年頃）

歌唱は声で音楽を創り出す芸術です。これは最も古い音楽表現形式であり、人間の声は最初の楽器であると考える人もいます。[ 1 ]歌唱の定義は資料によって異なります。[ 1 ]資料によっては、歌唱を声で音楽的な音を創り出す行為と定義しています。[ 2 ] [ 3 ] [ 4 ]その他の一般的な定義には、「調和のとれた連続した言葉や音の発声」[ 1 ]や「人間の声によって楽音を奏でること」などがあります。[ 5 ]

歌うことを職業（または趣味）とする人は、歌手またはボーカリスト（ジャズやポピュラー音楽）と呼ばれます。[ 6 ] [ 7 ]歌手は、楽器の伴奏付き、または伴奏なしで歌える音楽（アリア、レチタティーヴォ、歌曲など）を演奏します。歌うことは、合唱団などの音楽家のアンサンブルで行われることがよくあります。歌手はソリストとして、または単一の楽器（芸術歌曲や一部のジャズスタイルなど）から交響楽団やビッグバンドまで、あらゆる伴奏で演奏するかもしれません。世界中に多くの歌唱スタイルが存在します。

歌はフォーマルでもインフォーマルでも、アレンジしても即興でもできる。宗教的な信仰の一形態として、趣味として、喜びや慰めの源として、儀式の一部として、音楽教育の一環として、あるいは職業として行われることもある。歌唱において優れた能力を発揮するには、時間、献身、指導、そして定期的な練習が必要である。練習を定期的に行えば、音はより明瞭で力強くなる。[ 8 ]プロの歌手は通常、クラシックやロックなど、特定の音楽ジャンルを中心にキャリアを築いていくが、クロスオーバー（複数のジャンルで歌う）で成功する歌手もいる。プロの歌手は通常、キャリアを通してボーカルコーチや声楽教師から発声トレーニングを受ける。

歌とラップは同じではないので混同してはならない。 [ 9 ] [ 10 ] [ 11 ]音楽学者でラップの歴史家でもあるマーティン・E・コナーによると、「ラップはしばしば歌と正反対であることによって定義される」。[ 12 ]ラップも声楽の一種ではあるが、歌とは異なり、歌のように調性に取り組まず、ピッチの正確さも必要としない。[ 10 ]歌と同様に、ラップは言葉に関連してリズムを使用するが、特定のピッチで歌うのではなく、話される。[ 10 ]グローブ・ミュージック・オンラインは、「米国のポピュラー音楽の歴史的文脈において、ラップはアフリカ系アメリカ人の英語の文体的な話し言葉の慣習に直接つながる、歌の代替手段として見ることができる」と述べている。[ 9 ]しかし、一部のラップアーティストは音楽の中でラップだけでなく歌も採用している。ラップのリズミカルな話し方と歌の音程の切り替えを印象的なコントラストとして使い、聞き手の注目を集める。[ 13 ]

声

身体的な面から見ると、歌うことは明確に定義されたテクニックであり、肺（空気の供給源またはふいごとして働く）、喉頭（リードまたは振動器として働く）、胸部、頭蓋腔および骨格（管楽器の管のような増幅器として働く）、舌（口蓋、歯および唇とともに子音と母音を発音し、増幅された音に付加する）の使い方に依存する。これら4つのメカニズムは独立して機能するが、それでも発声テクニックを確立する上で調整されており、互いに作用するようにできている。[ 14 ]受動呼吸の間、空気は横隔膜で吸い込まれ、吐き出しはいかなる努力もなしに起こる。吐き出しは腹筋、内肋間筋および下部骨盤筋によって補助される場合がある。吸気は外肋間筋、斜角筋、胸鎖乳突筋によって補助されます。音程は声帯によって変化します。唇を閉じた状態では、ハミングと呼ばれます。

各人の歌声は、声帯の実際の形や大きさだけでなく、その人の体の他の部分の大きさや形によっても完全にユニークです。人間には声帯があり、緩んだり、締めたり、厚さを変えたりすることができ、息をさまざまな圧力で声帯に伝えることができます。胸や首の形、舌の位置、関係のない筋肉の緊張も変えることができます。これらのいずれかの動作によって、生成される音のピッチ、音量、音色、またはトーンが変わります。音は体のさまざまな部分で共鳴し、個人のサイズと骨格は、個人が発する音に影響を与える可能性があります。

2025年、コペンハーゲンのベラセンターで一緒に歌う人々

歌手は、声道内で音をよりよく共鳴させる特定の方法で音を投射することを学ぶこともできます。これは声の共鳴として知られています。声の音色と発声に大きく影響するもう1つの要素は喉頭の機能で、人々は喉頭をさまざまな方法で操作することでさまざまな音を出すことができます。これらの異なる種類の喉頭機能は、異なる種類の声域として説明されています。[ 15 ]歌手がこれを実現するための主な方法は、歌手のフォルマントを使用することです。フォルマントは、耳の周波数範囲の中で最も敏感な部分に特によく一致することが示されています。 [ 16 ] [ 17 ]

また、より力強い声は、より太く液体のような声帯粘膜で実現できることも示されています。[ 18 ] [ 19 ]粘膜が柔軟であればあるほど、気流から声帯へのエネルギーの伝達がより効率的になります。[ 20 ]

声楽の分類

ヨーロッパのクラシック音楽とオペラでは、声は楽器のように扱われます。声楽作品を書く作曲家は、歌手の技能、才能、そして声質を理解していなければなりません。声の分類とは、人間の歌声を評価し、それによって声の種類に分類するプロセスです。これらの特性には、声域、声の重さ、声域の音程、声質、声の遷移点（声のブレイクやリフトなど）が含まれますが、これらに限定されません。その他の考慮事項としては、身体的特徴、発声レベル、科学的テスト、そして声のレジストレーションがあります。[ 21 ]ヨーロッパのクラシック音楽で開発された声の分類の科学は、より現代的な歌唱形式への適応が遅れています。声の分類は、オペラにおいて、可能性のある役割と潜在的な声を関連付けるためによく使用されます。現在、クラシック音楽では、ドイツのファッハシステムや合唱音楽システムなど、いくつかの異なるシステムが使用されています。普遍的に適用または受け入れられているシステムはありません。[ 22 ]

しかし、ほとんどのクラシック音楽システムでは、7つの異なる主要な声域が認められています。女性は通常、ソプラノ、メゾソプラノ、コントラルトの3つのグループに分けられます。男性は通常、カウンターテナー、テナー、バリトン、バスの4つのグループに分けられます。思春期前の子供の声に関しては、8番目の用語であるトレブルが適用できます。これらの主要カテゴリーのそれぞれには、コロラトゥーラの容易さや声の重さなど、特定の声質を識別するいくつかのサブカテゴリーがあり、声域を区別しています。[ 23 ]

合唱音楽では、歌手の声域は音域のみに基づいて分けられています。合唱音楽では、男女ともにパートを高音と低音（SATB、つまりソプラノ、アルト、テナー、バス）に分けるのが一般的です。その結果、典型的な合唱の状況では誤分類が発生する機会が多くなります。[ 23 ]ほとんどの人が中程度の声量を持っているため、高すぎるか低すぎるパートに割り当てられる必要があります。メゾソプラノはソプラノまたはアルトを歌わなければならず、バリトンはテナーまたはバスを歌わなければなりません。どちらの選択肢も歌手にとって問題を引き起こす可能性がありますが、ほとんどの歌手にとって、低すぎる声で歌うよりも高すぎる声で歌う方が危険は少ないです。[ 24 ]

現代音楽（現代商業音楽と呼ばれることもある）では、歌手は歌う音楽のスタイルによって分類される。ジャズ、ポップス、ブルース、ソウル、カントリー、フォーク、ロックなどである。現在、非クラシック音楽には権威ある声の分類システムはない。他の歌唱形式に古典的な声質の用語を採用する試みがなされてきたが、そのような試みは論争を招いてきた。[ 25 ]声の分類の開発は、歌手が特定の音域内で増幅されない（マイクを使用しない）発声法を用いて古典的な発声技法を使用するという理解のもとに行われた。現代のミュージシャンはさまざまな発声技法とマイクを使用し、特定のボーカルの役割に当てはめることを強制されていないため、ソプラノ、テナー、バリトンなどの用語を適用すると誤解を招いたり、不正確になったりする可能性がある。[ 26 ]

ボーカルレジスター

声帯（vocal registry）とは、声帯における声域のシステムを指します。声帯とは、声帯の同じ振動パターンで生成され、同じ音質を持つ特定の音列のことです。声域は喉頭機能に由来します。声帯は複数の異なる振動パターンを生成できるため、声帯は存在します。[ 27 ]これらの振動パターンはそれぞれ特定の音高範囲内で発生し、特定の特徴的な音を生み出します。[ 28 ]声域の発生は、声帯の振動と声道との間の音響的相互作用の影響にも起因するとも考えられています。[ 29 ]「声域」という用語は、声の様々な側面を包含するため、やや混乱を招く可能性があります。「声域」という用語は、以下のいずれかを指すために使用できます。[ 23 ]

  • 高音域、中音域、低音域など、声域の特定の部分。
  • 胸声や頭声などの共鳴領域。
  • 発声プロセス（発声とは、声帯の振動によって声帯の共鳴が変化することで発声音を生成するプロセスです）
  • 特定の声の音色または声の「色」
  • 声の中断によって定義または区切られる音声の領域。

言語学において、レジスター言語とは、声調と母音の発声を単一の音韻体系に統合した言語である。言語病理学において、声帯レジスターという用語は、声帯の特定の振動パターン、特定の音高系列、そして特定の音の種類という3つの構成要素から構成される。言語病理学者は、喉頭機能の生理学に基づき、ボーカル・フライレジスター、モーダルレジスター、ファルセットレジスター、ホイッスルレジスターの4つの声帯レジスターを特定している。この見解は、多くの声楽教育者にも採用されている。[ 23 ]

声の共鳴

頭部と首の断面

声の共鳴とは、発声によって得られる基本的な音が、空気で満たされた空洞を通過して外気へと伝わることで、音色や強度が高められる過程である。共鳴過程に関連する用語には、増幅、豊かさ、拡大、改善、強め、延長などがあるが、厳密に科学的な用法では、音響の専門家はそれらのほとんどに疑問を呈するだろう。歌手や話し手がこれらの用語から導き出す主なポイントは、共鳴の結果として、あるいは共鳴の結果として、より良い音を発することである、あるいはそうあるべきである、ということである。[ 23 ]声の共鳴体として挙げられる部位は7つある。体内で下から上への順に、胸部、気管支、喉頭、咽頭、口腔、鼻腔、副鼻腔である。[ 30 ]

胸声と頭声

チェストボイスとヘッドボイスは、声楽で使用される用語です。これらの用語の使用法は声楽教育界において大きく異なり、現在のところ声楽専門家の間でも一貫した見解はありません。チェストボイスは、特定の音域、声域の種類、声の共鳴領域、または特定の音色に関連して使用されることがあります。[ 23 ]ヘッドボイスは、特定の音域、声域の種類、または声の共鳴領域に関連して使用されることがあります。[ 23 ]男性の場合、ヘッドボイスは一般的にファルセットと呼ばれます。歌手のパフォーマンスにおいて、チェストボイスとヘッドボイスの移行や組み合わせは、ボーカルミックスまたはボーカルミキシングと呼ばれます。[ 31 ]ボーカルミキシングは、チェストボイスとヘッドボイス間のスムーズな移行に重点を置くアーティストや、芸術的な理由やボーカルパフォーマンスの向上のために、チェストボイスからヘッドボイスへの突然の移行を「フリップ」[ 32 ]と呼ぶアーティストなど、特定の様式で活用される場合があります。

歴史と発展

チェストボイスとヘッドボイスという用語が初めて記録に残るのは13世紀頃で、ヨハネス・デ・ガルランディアとジェローム・ド・モラヴィアによって「喉声」（ペクトリス、グットリス、カピティス。当時、ヘッドボイスはファルセットレジスターを指していた可能性が高い）と区別されました。[ 33 ]これらの用語は後にイタリアのオペラ歌唱法であるベルカントに採用され、チェストレジスター、パッサッジョレジスター、ヘッドレジスターの3つの声域のうち、チェストボイスが最も低く、ヘッドボイスが最も高いとされました。[ 22 ]このアプローチは、今日でも一部の声楽教育者によって教えられています。ベルカントモデルに基づく現在人気の高いもう1つのアプローチは、男性と女性の声を3つのレジスターに分けるというものです。男性の声は「チェストレジスター」、「ヘッドレジスター」、「ファルセットレジスター」に、女性の声は「チェストレジスター」、「ミドルレジスター」、「ヘッドレジスター」に分けられます。このような教育者は、ヘッドレジスターは歌手の頭の中で感じられる共鳴を表現するために歌唱時に使用される発声技術であると教えています。 [ 34 ]

しかし、過去 200 年間で生理学の知識が増えるにつれて、歌唱と発声の物理的プロセスに関する理解も深まりました。その結果、インディアナ大学の Ralph Appelmanや南カリフォルニア大学のWilliam Vennardなど多くの声楽教育者が、胸声と頭声という用語の定義を再定義したり、使用をやめたりしました。[ 22 ]特に、胸音域と頭音域という用語の使用は物議を醸しています。これは、声域は現在では、胸部、肺、頭部の生理とは関係のない喉頭機能の産物であると考えられることがより一般的だからです。このため、多くの声楽教育者は、胸部や頭の中でレジスターが生成されていると話すのは無意味だと主張しています。彼らは、これらの領域で感じられる振動感覚は共鳴現象であり、レジスターではなく声の共鳴に関連する用語で説明されるべきだと主張しています。これらの声楽教育者は、レジスターという用語よりも胸声と頭声という用語を好みます。この見解は、人々がレジスターの問題と認識している問題は、実際には共鳴調整の問題であると考えています。この見解は、音声病理学、音声学、言語学など、発声レジスターを研究する他の学問分野の見解とも一致しています。どちらの方法も現在も用いら​​れていますが、現在の発声教育の実践では、より新しい、より科学的な見解が採用される傾向があります。また、発声教育者の中には、両方の観点からの考えを取り入れている人もいます。[ 23 ]

現代における「チェストボイス」という用語は、特定の種類の声色、あるいは声質を指すことが多い。古典歌唱においては、その使用はモーダルレジスターの低音域、すなわち通常の声域に限定されている。他の歌唱法では、チェストボイスはモーダルレジスター全体にわたって用いられることが多い。チェストボイスの音色は、歌手の声楽表現の幅に素晴らしい音の配列を加えることができる。[ 35 ] しかし、高音域で胸声を過度に強く使い、胸で高音を出そうとすることは、無理やり声を出すことにつながる可能性がある。無理やり声を出すことは、結果として声質の劣化につながる可能性がある。[ 36 ]

声域：遷移に関する一般的な議論

パッサッジョ（イタリア語の発音：[pasˈsaddʒo] ）は、古典歌唱において声域間の移行領域を表すために使用される用語です。声のパッサッジョ（複数形）は、どの歌手でも力強い音を出せる胸声、中声、そして鋭い音を出せるものの通常は発声訓練によってのみ可能となる頭声など、異なる声域の間にあります。歴史的なイタリア歌曲学校では、男性の声ではプリモ・パッサッジョとセコンド・パッサッジョがゾナ・ディ・パッサッジョでつながっており、女性の声ではプリモ・パッサッジョとセコンド・パッサッジョがつながっていると表現しています。古典様式における古典的発声訓練の主な目標は、パッサッジョ全体で均一な音色を維持することです。適切な訓練を行えば、響きが良く力強い音を出すことができます。

声域と移行

様々な声域の基礎的な理解なしに、声のパッサッジョについて適切に議論することはできません。インゴ・ティッツェは著書『発声原理』の中で、「声域（レジスター）という用語は、特定の音程と音量の範囲にわたって維持できる、知覚的に明確な声質の領域を表すために使われてきた」と述べています。[ 37 ]教師と歌手、研究者、臨床医など、声楽研究の分野によって用語の相違が存在します。マリリー・デイビッドが指摘するように、「声の科学者は、レジストレーションを主に音響現象として捉えています。」[ 38 ]歌手にとっては、レジストレーション現象を歌唱時に感じる身体感覚に基づいて説明するのが一般的です。ティッツェはまた、言語聴覚士と歌唱教師の間で、声のレジストレーションについて話す際に使用される用語に相違があることを説明しています。[ 39 ]本稿では、クラシック歌手が用いる用語であるパッサッジョについて論じるため、レジスターについては、言語聴覚療法や科学ではなく、歌唱の分野における用語として論じます。

頭声、中声（ミックス）、胸声と呼ばれる3つの主要な音域は、人体の共鳴による倍音のため、豊かな音色を持つと言われています。これらの名前は、歌手が体内でこれらの共鳴振動を感じる部位に由来しています。胸声域は、一般的にチェストボイスと呼ばれ、最も低い音域です。胸声で歌うとき、歌手は胸に共鳴振動を感じます。これは、人々が話すときに最も一般的に使用する音域です。中声は、胸声と頭声の中間に位置します。頭声域、またはヘッドボイスは、主要な声域の中で最も高い音域です。頭声で歌うとき、歌手は顔や頭の他の部分に生じる共鳴振動を感じることがあります。これらの音域が声のどこに位置しているかは、性別と、それぞれの性別における声型によって異なります。[ 40 ]

頭声域の上には、ファルセットとフラジオレットと呼ばれる2つの音域がある。 [ 41 ] [ 42 ]これらの音域の音程を出すには、しばしば訓練が必要となる。低い声の男性や女性は、これらの音域で歌うことは稀である。特に低い声の女性は、フラジオレット音域の訓練をほとんど受けていない。男性には、胸声の下にあるストローバスと呼ばれるもう1つの音域がある。この音域で歌うことは声帯に負担がかかるため、ほとんど使われない。[ 43 ]

発声教育学

エルコレ・デ・ロベルティ：協奏曲、 1490年頃

声楽教育学は、歌唱指導に関する研究です。声楽教育学の芸術と科学は、古代ギリシャ[ 44 ]に始まる長い歴史を持ち、今日でも発展と変化を続けています。声楽教育学の芸術と科学を実践する専門職には、声楽コーチ、合唱指揮者、声楽教育者、オペラ監督、その他の声楽指導者などがいます。

発声教育学の概念は、適切な発声技術の発達に関わるものです。代表的な研究分野には以下のものがあります。[ 45 ] [ 46 ]

発声テクニック

歌唱中の声道のリアルタイムMRI

適切な発声テクニックを用いて歌を歌うことは、歌唱の身体プロセスを効果的に調整する、統合的かつ協調的な行為です。発声には、呼吸、発声、共鳴、そして調音という4つの身体プロセスが関与しています。これらのプロセスは以下の順序で進行します。

  1. 息を吸う
  2. 音は喉頭で始まる
  3. 発声器官が音を受け取り、影響を与える
  4. 調音器官は音を認識可能な単位に形作る

これら4つのプロセスは、研究においては別々に考察されることが多いものの、実際には一つの協調した機能として融合しています。優れた歌手や話し手の場合、心身が非常に協調しているため、結果として生じる統一された機能のみを認識するため、これらのプロセスを意識することはほとんどないでしょう。多くの発声障害は、このプロセスの協調性の欠如に起因しています。[ 26 ]

歌唱は協調的な行為であるため、個々の技術領域やプロセスを他のものと関連付けずに議論することは困難です。たとえば、発声は呼吸と関連付けて初めて理解できます。調音器官は共鳴に影響を及ぼし、共鳴器官は声帯に影響を及ぼし、声帯は呼吸のコントロールに影響を及ぼします。などなど。発声の問題は、多くの場合、この協調的なプロセスの一部に不具合が生じたことが原因であり、そのため声楽教師は、その問題が解決されるまで、生徒とプロセスの特定の領域に集中的に取り組みます。しかし、歌唱技術のいくつかの領域は、協調的な機能の結果であるため、発声、共鳴、調音、呼吸といった従来の見出しで議論することが困難です。

発声を学ぶ生徒が、歌唱行為を構成する身体的プロセスとその機能を理解すると、それらを調整しようと試み始めます。必然的に、生徒と教師は、ある技術領域に他の領域よりも重点を置くようになります。様々なプロセスが異なる速度で進行し、結果として不均衡や調整不足が生じる可能性があります。発声技術において、生徒の様々な機能を調整する能力に最も強く依存していると思われる領域は以下のとおりです。[ 23 ]

  1. 声域を最大限に広げる
  2. 一貫した音質で一貫した発声を開発する
  3. 柔軟性と敏捷性を養う
  4. バランスの取れたビブラートを実現する
  5. 音域のあらゆる音符で胸声と頭声をブレンドする[ 47 ]

歌声を磨く

歌唱は高度に発達した筋反射を必要とする技能です。歌唱にはそれほど筋力は必要ありませんが、高度な筋肉協調性が求められます。歌と発声練習の両方を注意深く体系的に練習することで、声をさらに発達させることができます。発声練習にはいくつかの目的があり、[ 23 ]声のウォーミングアップ、音域の拡張、声を水平方向と垂直方向に整えること、レガート、スタッカート、強弱のコントロール、素早いフィギュレーション、広い音程での快適な歌い方、トリル、メリスマ、発声の欠点の矯正などの発声技術の習得などが含まれます。

声楽教育者は、生徒に声を賢く使うよう指導します。歌手は、歌っている間、自分がどのような音を出しているのか、どのような感覚を感じているのかを常に意識するべきです。[ 26 ]

歌を学ぶことは、指導者の関与が大きなメリットとなる活動です。歌手は頭の中で、他の人が外で聞いている音と同じ音を聞いているわけではありません。そのため、生徒がどのような音を出しているかを教えてくれる指導者がいることで、歌手は、自分が再現しようとしている歌唱スタイルに必要な音と、頭の中で出ている音のどれが一致するかを理解することができます。

音域の拡張

発声発達の重要な目標は、声質やテクニックを著しく変化させたり、気を散らしたりすることなく、自分の声域の自然な限界[ 48 ]まで歌えるようになることです。声楽教育者は、歌手がこの目標を達成するには、歌唱に関わるすべての身体的プロセス（喉頭の動き、呼吸の補助、共鳴の調整、調音運動など）が効果的に連携して機能している必要があると教えています。ほとんどの声楽教育者は、これらのプロセスを（1）声の最も快適な音域で良好な発声習慣を確立し、次に（2）ゆっくりと音域を広げることで調整するべきだと考えています。[ 15 ]

高く歌うか低く歌うかという能力に大きく影響する要因は 3 つあります。

  1. エネルギーという要素、つまり「エネルギー」にはいくつかの意味合いがあります。それは、音を出すことに対する身体全体の反応、息を吸う筋肉と吐く筋肉の間の動的な関係（ブレスサポートメカニズム）、声帯にかかる息圧の量とその圧力に対する声帯の抵抗、そして音の強弱レベルを指します。
  2. 空間要因 - 「空間」とは、口の中の広さと、口蓋と喉頭の位置を指します。一般的に、歌手は高音域で歌うほど口を大きく開ける必要があります。喉をリラックスさせることで、軟口蓋と喉頭の内部空間、つまり位置を広げることができます。声楽教育者は、この感覚を「あくびの始まり」のような感覚と表現します。
  3. 深みの要素 – 「深み」には2つの意味合いがあります。それは、身体や発声器官における実際の物理的な深みの感覚と、音質に関連する深みの精神的な概念を指します。

マッキニーは、「これらの3つの要素は、3つの基本的なルールで表現できます。(1)高い音で歌うときは、より多くのエネルギーを使う必要があり、低い音で歌うときは、より少ないエネルギーを使う必要があります。(2)高い音で歌うときは、より多くの空間を使う必要があり、低い音で歌うときは、より少ない空間を使う必要があります。(3)高い音で歌うときは、より深みを使う必要があり、低い音で歌うときは、より少ない空間を使う必要があります。」と述べています。[ 23 ]

姿勢

歌唱は、身体の特定の物理的条件が整っているときに最も効果的に機能します。体内の空気を自由に出し入れし、必要な量の空気を得る能力は、呼吸機構の様々な部分の姿勢によって大きく左右されます。胸が沈むと肺の容積が制限され、腹壁が緊張すると横隔膜の下降が阻害されます。良い姿勢は、呼吸機構が過度のエネルギーを消費することなく、基本的な機能を効率的に発揮することを可能にします。また、良い姿勢は発声の開始を容易にし、共鳴器官の調整を容易にします。なぜなら、適切な位置関係は身体の不必要な緊張を防ぐからです。声楽教育者もまた、歌手が良い姿勢をとると、演奏中に自信と落ち着きが増すことが多いと指摘しています。聴衆もまた、良い姿勢の歌手に良い反応を示す傾向があります。習慣的な良い姿勢は、血行を良くし、疲労やストレスを防ぐことで、最終的には身体全体の健康状態を改善します。[ 15 ]

良い歌唱姿勢とは、背骨をまっすぐにし、肩をリラックスさせ、バランスの取れた姿勢で呼吸を最適に保ち、共鳴を促す姿勢です。理想的な歌唱姿勢には、以下の8つの要素があります。

  1. 足を少し広げる
  2. 脚はまっすぐ伸ばし、膝を少し曲げる
  3. 腰はまっすぐ前を向く
  4. 背骨をまっすぐにする
  5. 腹部を平らにする
  6. 胸を楽に前に出す
  7. 肩を下げて後ろに引く
  8. 頭をまっすぐ前を向いている

呼吸と呼吸サポート

自然な呼吸には、吸気期、呼気期、そして休息期または回復期という3つの段階があります。これらの段階は通常、意識的に制御されることはありません。歌唱においては、呼吸には4つの段階があります。吸気期（吸入）、制御の準備期（停止）、制御された呼気期（発声）、そして回復期です。

これらの段階は、条件反射になるまで歌手の意識的な制御下に置かれなければなりません。多くの歌手は、反射が完全に条件反射される前に意識的な制御を放棄してしまい、最終的には慢性的な発声障害につながります。[ 49 ]

ビブラート

ビブラートは、持続する音を高い音と低い音の間を非常に速く一定に揺らし、音にわずかな震えを与える技法である。ビブラートは持続する音における脈動または波である。ビブラートは自然に発生し、適切な呼吸の補助とリラックスした発声器官の結果として生じる。[ 50 ]いくつかの研究では、ビブラートは声帯の神経筋震えの結果であると示されている。1922年、マックス・シェーンは、振幅の変化、自動制御の欠如、および正常な筋肉放電の半分の速度による震えとビブラートを比較した最初の人物である。[ 51 ]ビブラートは、表現手段としてクラシック、ジャズ、ポピュラーの歌唱スタイルで一般的に使用されており、より豊かな音質に貢献することが多い。

拡張ボーカルテクニック

拡張ボーカルテクニックには、ラップ、スクリーム、グロウル、倍音、スライド、ファルセット、ヨーデル、ベルティング、ボーカルフライレジスターの使用、音響強化システムの使用などがあります。音響強化システムは、マイク、信号処理装置、アンプ、スピーカーを組み合わせたものです。これらのユニットの組み合わせには、リバーブ、エコーチャンバー、オートチューンなどの機器 も使用される場合があります

声楽

声楽は、1人または複数の歌手によって演奏される音楽で、通常は歌曲と呼ばれ、器楽伴奏の有無にかかわらず演奏され、歌が曲の中心となります。声楽は、声以外に楽器や機材を必要としないため、おそらく最も古い形式の音楽です。すべての音楽文化には何らかの形の声楽があり、世界中の文化には多くの長い歌唱の伝統があります。歌を用いるものの、それを目立たせない音楽は、一般的に器楽音楽と見なされます。例えば、ブルースロックの曲の中には、短くシンプルなコールアンドレスポンスのコーラスがあるものもありますが、曲の重点は器楽のメロディーと即興にあります。声楽は通常、歌詞と呼ばれる歌い言葉が特徴ですが、非言語的な音節やノイズ、時には音楽的な擬音語を用いて演奏される声楽の顕著な例もあります。歌詞のある短い声楽は、広く歌曲と呼ばれますが、クラシック音楽では、アリアなどの用語が一般的に使用されます

声楽のジャンル

2016年にバーワルドホールで演奏する女性歌手3人組

声楽は様々な形式やスタイルで書かれ、多くの場合、特定の音楽ジャンルに分類されます。これらのジャンルには、ポピュラー音楽、芸術音楽、宗教音楽、世俗音楽、そしてこれらのジャンルの融合が含まれます。これらの大きなジャンルの中には、多くのサブジャンルが存在します。例えば、ポピュラー音楽には、ブルース、ジャズ、カントリーミュージック、イージーリスニング、ヒップホップ、ロックミュージックなど、様々なジャンルが含まれます。また、ジャズにおける ボーカリーズやスキャットのように、サブジャンルの中にさらにサブジャンルが存在する場合もあります。

多くの現代のポップミュージックグループでは、リードシンガーが曲の主要なボーカルやメロディーを担当し、バックボーカルや曲のハーモニーを歌うバックシンガーとは対照的です。バックボーカルは曲の一部を歌いますが、通常は全部を歌うわけではなく、曲のリフレイン部分のみを歌ったり、バックグラウンドでハミングしたりすることが多いです。例外は5部ゴスペルのアカペラ音楽で、リードは5つの声の中で最も高い声で、メロディーではなくデスキャントを歌います。アーティストによっては、録音されたボーカルトラックを重ね合わせることで、オーディオ録音でリードボーカルとバックボーカルの両方を歌う場合があります。

ポピュラー音楽には様々なボーカルスタイルがあります。ヒップホップでは、リズムに合わせて、あるいは伴奏なしで、リズミカルなスピーチで韻を踏むラップが用いられます。ジャマイカの「トースティング」のように、ラップの中には、ほとんど、あるいは完全にスピーチとチャントで構成されているものもあります。また、短い歌唱部分や途中まで歌った部分を挟むラップもあります。ブルースでは、ブルーノート（長調よりわずかに低い音程で歌われる音）を用いて表現力豊かに歌われます。ヘビーメタルやハードコアパンクのサブジャンルでは、スクリームやシャウト、デス・グロウルなどの独特なサウンドといったテクニックがボーカルスタイルに取り入れられることがあります。

ポピュラーとクラシックのライブパフォーマンスの違いの一つは、クラシックの演奏家は小中規模のホールでアンプなしで歌うことが多いのに対し、ポピュラー音楽では、小さなコーヒーハウスでさえ、ほとんどすべての演奏会場でマイクとPAシステム（アンプとスピーカー）が使用されることです。マイクの使用はポピュラー音楽に様々な影響を与えてきました。例えば、「クルーニング」のような親密で表現力豊かな歌唱スタイルの発展を促しました。マイクなしでは十分な音程と音量が得られなかったからです。また、マイクを使うポップシンガーは、ささやくような声、ハミング、歌いかけ声と歌いかけ声のミックスなど、アンプなしでは表現できない様々なボーカルスタイルを表現できます。さらに、マイクのレスポンスパターンを利用して効果音を作る演奏家もいます。例えば、マイクを口元に非常に近づけて低音域を強調したり、ヒップホップのビートボクサーのように「p」や「b」の破裂音をマイクに当ててパーカッシブな効果音を作ったりします。 2000年代には、録音されたポピュラーミュージックのボーカルやライブボーカルに、電子ピッチ補正装置「オートチューン」が広く使用されていることをめぐり、論争が巻き起こりました。また、ポップシンガーが事前に録音された自身のボーカルに合わせてリップシンクしていたり​​、物議を醸したミリ・ヴァニリのように、クレジットされていない他のシンガーが録音した楽曲に合わせてリップシンクしていたり​​するケースも、論争を巻き起こしました。

バンドによっては、ステージ上でのみ歌うバックシンガーを起用する場合もありますが、ポピュラー音楽ではバックシンガーが他の役割を担うことが一般的です。多くのロックバンドやメタルバンドでは、バックボーカルを担当するミュージシャンがリズムギター、エレキベース、ドラムなどの楽器も演奏します。ラテン系やアフロキューバン系のグループでは、バックシンガーが歌いながら打楽器やシェイカーを演奏することもあります。ポップやヒップホップのグループ、ミュージカルでは、バックシンガーがヘッドセットマイクを通して歌いながら、精巧に振り付けられたダンスを披露することが求められる場合もあります。

キャリア

ボーカリストの給与と労働条件は大きく異なります。音楽教育や合唱団の指揮者など、他の音楽分野の仕事はフルタイムの給与制である傾向がありますが、歌手の仕事は、個々のショーや公演、または一連のショーごとの契約に基づく傾向があります

歌手やボーカリストを目指す人は、音楽的なスキル、優れた声、人との協調性、そしてショーマンシップとドラマ性を備えていなければなりません。さらに、歌手には継続的な学習と向上への意欲と意欲も必要です。[ 52 ]

プロの歌手は、スキルを磨き、音域を広げ、新しいスタイルを学ぶために、ボーカルコーチングを受け続けています。また、歌手を目指す人は、歌を解釈するための専門的な発声技術を習得し、自分が選んだ音楽スタイルの声楽文献を学び、合唱技術、視唱と暗唱、発声練習などのスキルを身につける必要があります。

歌手の中には、作曲、音楽プロデュース、作詞作曲など、音楽に関連した他の仕事を学ぶ人もいます。YouTubeやストリーミングアプリに動画を投稿する歌手もいます。音楽監督の前でオーディションを受けることで、歌手はボーカルの才能を求める買い手に自分を売り込みます。その人が訓練してきたボーカル音楽のスタイルに応じて、彼らが求める「才能の買い手」は、レコード会社、A&R担当者、音楽監督、合唱団の指揮者、ナイトクラブのマネージャー、コンサートプロモーターなどです。ボーカルパフォーマンスの抜粋を収録したCDやDVDは、歌手のスキルを実証するために使用されます。有料の仕事やその他のパフォーマンスの機会を探すのを手伝ってもらうために、エージェントやマネージャーを雇う歌手もいます。エージェントやマネージャーには、歌手がステージでパフォーマンスすることで得る料金の一定割合が支払われることがよくあります。

歌唱コンテスト

1928年スイス連邦歌唱祭のポスター

歌を披露するテレビ番組はいくつかある。1990年代以降、サ・レ・ガ・マ・パ（インド）、アメリカン・アイドル（米国）、ザ・ヴォイス（国際フランチャイズ）などのテレビで放映される歌のコンテストは、歌の才能を発掘し、宣伝するための人気の形式になった。アメリカン・アイドルは2002年に開始された。最初の歌のリアリティ番組は、1995年にジーTVが開始したサ・レ・ガ・マ・パだった。 [ 53 ]アメリカン・アイドルでは、出場者はハリウッドで次のラウンドに進むことができるかどうか審査員団の前でオーディションを受け、そこから競争が始まる。出場者は、勝者が選ばれるまで毎週絞り込まれていく。次のラウンドに進むには、出場者の運命は視聴者の投票によって決定される。ザ・ヴォイスは別の歌のコンテスト番組である。アメリカン・アイドルと同様に、出場者は審査員団の前でオーディションを受けるが、パフォーマンス中、審査員の椅子は観客の方を向いている。コーチがアーティストに興味を持った場合、コーチは指導したいことを示すボタンを押します。オーディションが終了すると、コーチはアーティストチームを編成し、コンテストが始まります。その後、コーチはアーティストを指導し、最高の歌い手を決めるために競い合います。その他の有名な歌唱コンテストには、Xファクター、アメリカズ・ゴット・タレント、ライジング・スター、ザ・シングオフなどがあります。

歌唱コンテストの別の例としては、「Don't Forget the Lyrics!」があります。この番組では、出場者が様々なジャンルの歌詞を正しく暗唱することで賞金を競います。この番組は、芸術的な才能（例えば、美しく歌ったり踊ったりする能力）が出場者の優勝の可能性とは無関係であるという点で、他の多くの音楽系ゲーム番組とは対照的です。初回放送前のCMには、「上手に歌う必要はありません。正しく歌えばいいのです」というセリフがありました。同様に、「The Singing Bee」はカラオケとスペリングビー形式のコンテストを組み合わせた番組で、出場者は人気曲の歌詞を暗唱しようと競います。

歌唱と言語

自然言語、非自然言語を問わず、すべての話し言葉には独自の音楽性があり、それは音程、フレージング、アクセントを通して歌唱に影響を与えます

アメリカ手話：芸術的な歌の手話

芸術的手話通訳者、つまり歌詞をアメリカ手話（ASL）に翻訳する手話通訳者は、既存の手話を修正したり、手話の3つの基本パラメータから新しい手話を作成したり、典型的な手話空間を操作したりすることで、「リズム、ピッチ、フレージング、音色」を意図的に表現することができます。[ 54 ]さらに、芸術的手話通訳者は、2023年のスーパーボウルハーフタイムショーでリアーナのパフォーマンスをASLで通訳した聴覚障害者のパフォーマー、ジャスティーナ・マイルズや、YouTubeで手話の歌を作成した健聴者のスティーブン・トーレンスのように、「聴覚障害者、健聴者、難聴者」である場合もあります。[ 54 ] [ 55 ]

神経学的側面

最近、音楽と言語、特に歌唱の関連性について多くの研究が行われています。これら2つのプロセスは非常によく似ていると同時に、異なる点もあることがますます明らかになっています。レビティンは、鼓膜から音波が音高、つまり音調地図に変換され、その後まもなく「音声と音楽はおそらく別々の処理回路に分岐する」と説明しています(130)。[ 56 ]音楽と言語に使用される神経回路は、乳児では未分化な状態で始まる可能性があるという証拠があります。脳には、言語と音楽の両方に使用される領域がいくつかあります。例えば、ブロードマンの47野は、口頭言語や手話の統語処理、音楽の統語処理、言語の意味的側面に関与していることが示唆されています。レビティンは、特定の研究において、言語の統語処理と同様に「音楽を聴き、その統語的特徴に注意を払う」ことで、脳のこの部分が活性化されたことを説明していますさらに、「音楽的統語論は、ブローカ野などの言語統語論を処理する領域に隣接し、重複する領域に局在している」ことや、「音楽的意味論に関与する領域は、ウェルニッケ野の近くに局在しているように見える」ことが示されています。ブローカ野とウェルニッケ野はどちらも言語の処理と生成において重要な段階です。

歌うことは、脳卒中患者の言語能力の回復を助けることが示されています。神経科医ゴットフリート・シュラウグ氏によると、言語能力に対応する領域が脳の右半球、左半球に存在するとのことです。[ 57 ]これは通称「歌唱中枢」と呼ばれています。脳卒中患者に歌詞を歌うように指導することで、この脳領域の言語能力を訓練することができます。この理論を支持するレヴィティン氏は、言語能力のような「領域特異性」は「外傷や脳損傷の後、重要な精神機能の処理中枢が他の領域に移動するため、一時的なものである可能性がある」と主張しています。[ 56 ]したがって、脳の右半球では、「歌唱中枢」が再訓練され、言語能力が回復する可能性があります。[ 58 ]

アクセントと歌唱

ある人が話す方言やアクセントは、歌うときに使う一般的な歌唱アクセントとは大きく異なる場合があります。歌うときは、一般的に地域のアクセントや方言ではなく、歌っている音楽のスタイルで使われるアクセントまたはニュートラルアクセントを使用します。つまり、出身地よりも、音楽のスタイルとそのスタイルが普及している中心地/地域の方が、人の歌唱アクセントに大きな影響を与えます。例えば、英語では、イギリスのロックやポピュラー音楽の歌手は、イギリスのアクセントではなく、アメリカ風のアクセントまたはニュートラルアクセントで歌うことが多いです。[ 59 ] [ 60 ]

イランでは女性は歌うことが許されていません。[ 61 ]

参照

芸術音楽

その他の音楽

生理学

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ウィキクォートには「歌」に関する引用があります
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ウィキブックスには歌唱に関する詳細があります
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