クラシック音楽

演奏後に立ち上がって拍手に応えるユースオーケストラのメンバー。

クラシック音楽は一般に西洋世界の芸術音楽を指し、西洋の民俗音楽やポピュラー音楽の伝統とは異なるものと考えられています。「クラシック音楽」という用語は西洋以外の芸術音楽にも適用されるため、西洋クラシック音楽として区別されることもあります。クラシック音楽は、音楽形式や和声構成における形式性と複雑さを特徴とすることが多く、[ 1 ]特にポリフォニーの使用が顕著です。[ 2 ]少なくとも9世紀以降、主に記録された伝統であり、[ 2 ]洗練された記譜法が生み出され、分析、批評、歴史学、音楽学、哲学の実践に関する文献も生まれました。

ヨーロッパの教会と王宮の庇護に根ざした[ 1 ]中世初期に現存する音楽は、主に宗教音楽、単旋律音楽、声楽であり、古代ギリシャ・ローマ音楽の思想と理論の影響を受けている。現存する最古の楽譜はカロリング朝（800-887年）のもので、[ 3 ]西洋の聖歌が徐々にグレゴリオ聖歌と呼ばれるものに統合されていった頃である。[ 4 ]音楽の中心地はザンクト・ガレン修道院、サン・マルティアル修道院、そしてサン・エメラム修道院にあり、11世紀には五線譜が発達し、中世音楽理論家による作品の発表が増加した。 12世紀半ばまでに、フランスはヨーロッパの音楽の中心地となった。[ 3 ]宗教的なノートルダム楽派が初めて組織的なリズムとポリフォニーを本格的に探求し、一方世俗音楽は、詩人であり音楽家でもある貴族が率いるトルバドゥールとトゥルヴェールの伝統によって栄えた。 [ 5 ]これは、宮廷が後援したフランスのアルス・ノヴァとイタリアのトレチェントに発展し、これらはアルス・スブティリオールという極めて多様なリズム様式の運動へと発展した。 [ 5 ] 15世紀初頭から、ルネサンス期の作曲家たち、特に影響力のあったフランコ・フランドル楽派が、イギリスのコンテンナンス・アングロワーズの和声原理を基にして、ミサ曲とモテットを中心に合唱音楽を新たな基準へと引き上げた。[ 6 ]北イタリアはすぐに音楽の中心地として台頭し、ローマ楽派はマドリガーレなどのジャンルで非常に洗練されたポリフォニーの手法を採用し、[ 6 ]これは短期間でイギリスのマドリガーレ楽派に影響を与えました。

バロック時代（1580-1750年）には、慣習的な調性が比較的標準化され、[ 7 ]楽器の重要性が高まり、大規模なアンサンブルが誕生しました。イタリアはオペラ、ソリスト中心の協奏曲、体系的なソナタ形式、そして大規模な声楽中心のオラトリオやカンタータの発祥地であり、依然として優位な地位を維持しました。ヨハン・セバスチャン・バッハが提唱したフーガ技法は、バロックの複雑さを象徴するものであり、それに対する反動として、より単純で歌曲のようなガラント音楽やエンプフィンズザムカイト様式が発展しました。古典派音楽時代（1730～1820年）は比較的短期間であったものの、極めて重要な時代でした。ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト、ヨーゼフ・ハイドン、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンといった作曲家たちは、交響曲、弦楽四重奏曲、協奏曲など、広く称賛される絶対音楽の代表作を生み出しました。 [ 8 ] [ 9 ]これに続くロマン派音楽時代（1800～1910年）は、標題音楽に重点が置かれ、芸術歌曲、交響詩、そして様々なピアノ音楽が重要な担い手となりました。この時代、技巧が称えられ、壮大なスケールが奨励される一方で、哲学とナショナリズムが深く根付いていました。これらすべての側面は、リヒャルト・ワーグナーのオペラに集約されています。

20世紀になると、様式の統一は徐々に薄れ、ポピュラー音楽の重要性が大幅に高まりました。多くの作曲家は、モダニズムのレンズの中で過去の技法やジャンルを積極的に避け、中には調性を捨ててセリー主義を採用した者もいれば、民謡や印象派の感情に新たなインスピレーションを見出した者もいました。第二次世界大戦後、聴衆は初めて現代作品よりも古い音楽を評価するようになり、この嗜好は、商業録音の出現と広範な入手しやすさによって満たされました。[ 10 ] 20世紀半ばから現在までの傾向には、ニュー・シンプリシティ、ニュー・コンプレクシティ、ミニマリズム、スペクトル音楽、そして最近ではポストモダン音楽とポストミニマリズムがあります。ますますグローバル化しており、南北アメリカ、アフリカ、アジアの演奏家が重要な役割を担っており、[ 3 ]交響楽団やオペラハウスが世界中に登場しています。

用語と定義

イデオロギーの起源

（左から）ハイドン、モーツァルト、ベートーヴェン。1904年のベートーヴェン・ハイドン・モーツァルト記念館所蔵。3人はウィーン第一楽派に属し、「古典派」と呼ばれる最初の作曲家の一人です。

英語のclassicalとドイツ語のKlassik はどちらもフランス語のclassiqueから派生したもので、フランス語自体はラテン語のclassicusに由来し、元々は古代ローマ市民の最高級品を指していました。[ 11 ] [ n 1 ]ローマでの使用では、この用語は後に尊敬される文学上の人物を区別する手段となりました。[ 11 ]ローマの作家アウルス・ゲッリウスはデモステネスやウェルギリウスなどの作家をclassicusと称賛しました。[ 13 ]ルネサンスまでに、この形容詞はより一般的な意味を獲得しました。ランドル・コットグレイブの 1611 年のA Dictionarie of the French and English Tongues の項目は現存する最も古い定義の 1 つで、classique を「古典的な、正式な、整然とした、適切な順位の、また、承認された、本物の、首長の、主要な」と訳しています。[ 11 ] [ 14 ]音楽学者ダニエル・ハーツは、これを2つの定義に要約している。1)「正式な規律」と2)「卓越性の模範」である。[ 11 ]ゲッリウスと同様に、後期ルネサンス期のラテン語学者たちは、古典古代の作家を指して「classicus」を用いた。[ 12 ] [ n 2 ]しかし、この意味は徐々に発展し、しばらくの間、より広範な古典的理想である形式性と卓越性に従属していた。[ 15 ]古代ギリシャ・ローマの文学や視覚芸術には、かなりの数の古代ギリシャ・ローマの例が存在したが、最終的には「classical」という用語が古典古代を指すものとして採用されたが、当時の音楽はルネサンス期の音楽家にとって事実上入手不可能であったため、古典音楽とギリシャ・ローマ世界とのつながりは限られていた。[ 15 ] [ n 3 ]

18世紀のイギリスで、「クラシック」という言葉が「演奏される作品の特定の規範を表すようになったのは初めて」でした。[ 15 ]ロンドンでは、他のヨーロッパの都市では前例がなく、並ぶもののない、著名な公開コンサート音楽シーンが発展していました。[ 11 ]王室は、イングランド共和国の解体と名誉革命が宮廷音楽家に与えた不安定さから、徐々に音楽の独占権を失っていきました。 [ 11 ] [ n 4 ] 1672年、元宮廷音楽家ジョン・バニスターがロンドンの酒場で大衆向けの公開コンサートを開始しました。[ n 5 ]彼の人気により、ロンドンでの公開コンサートが急速に注目を集めるようになりました。[ 19 ]「クラシック」、あるいはより一般的には「古代音楽」という概念が生まれたが、それは依然として形式性と卓越性の原則に基づいており、ハーツによれば「市民の儀式、宗教、道徳的活動が、この新しい音楽的嗜好の構築に重要な役割を果たした」。[ 15 ]こうした音楽の演奏は、古代音楽アカデミーによって専門化され、後に古代音楽コンサート・シリーズで演奏され、そこでは選りすぐりの16世紀と17世紀の作曲家、[ 20 ]特にゲオルク・フリードリヒ・ヘンデルの作品が取り上げられた。[ 15 ] [注 6 ]フランスでは、ルイ14世（在位 1638-1715 ）の治世に文化的ルネサンスが起こり、その終わりまでにモリエール、ジャン・ド・ラ・フォンテーヌ、ジャン・ラシーヌなどの作家が古典古代の業績を超えたと考えられていた。[ 21 ]こうして、ジャン＝バティスト・リュリ（後にクリストフ・ヴィリバルト・グルック）の音楽と同様に、それらは「古典派」と特徴づけられ、「フランス古典オペラ」と称された。 [ 21 ]ヨーロッパ大陸の他の地域では、「古典派」をギリシャ・ローマ世界と類似したものとして定義する考え方の放棄はより緩やかであった。これは主に、規範的なレパートリーの形成がごくわずかであったか、上流階級に限定されていたためである。[ 15 ]

19世紀初頭の多くのヨーロッパの評論家たちは、古典音楽の定義に新たな統一を見出しました。それは、古い時代の作曲家であるヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト、ヨーゼフ・ハイドン、そして（後期の作品の一部は除くが）ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンを「古典的」なものとして、台頭しつつあったロマン派音楽のスタイルと対比させるものでした。[ 22 ] [ 23 ] [ 24 ]特にこの3人の作曲家は第一ウィーン楽派に分類され、「ウィーン古典派」と呼ばれることもありますが、[注 7 ]この組み合わせは、3人ともウィーンで生まれておらず、ハイドンとモーツァルトがウィーンで過ごした時間がわずかであるため、依然として問題となっています。[ 25 ]これはよく使われる特徴づけですが、厳密なものではありませんでした。 1879年、作曲家チャールズ・ケンジントン・サラマンは、バッハ、ヘンデル、ハイドン、モーツァルト、ベートーベン、ウェーバー、シュポーア、メンデルスゾーンを古典派の作曲家と定義しました。[ 26 ]より広い意味では、一部の著述家は「古典派」という用語を、様々な作曲家、特に確立されたジャンルで多くの作品を生み出した作曲家による高く評価されている作品を一般的に称賛するために使用しました。[ 11 ] [注8 ]

現代の理解

「クラシック音楽」という用語に対する現代の理解は、依然として曖昧で多面的です。[ 30 ] [ 31 ]「芸術音楽」「正典音楽」「教養音楽」「シリアス音楽」といった用語は、ほぼ同義です。[ 32 ]「クラシック音楽」という用語は、しばしば西洋世界のみに関係するものと示唆または暗示され、[ 33 ]逆に、多くの学術史において「西洋音楽」という用語は非古典的な西洋音楽を除外しています。[ 34 ] [注9 ]もう一つの複雑な点は、「クラシック音楽」が、同様に長期にわたる複雑な特徴を示す非西洋の芸術音楽を指すために使用されることがあることです。例としては、インド古典音楽、ガムラン音楽、中国宮廷の様々な様式（例えば雅楽を参照）などが挙げられます。 [ 1 ]そのため、20世紀後半には、「西洋古典音楽」や「西洋芸術音楽」といった用語が、この問題に対処するために使われるようになりました。[ 33 ]音楽学者ラルフ・P・ロックは、どちらの用語も理想的ではないと指摘し、「非西洋文化圏出身の西洋芸術音楽ジャンルの演奏家」を考慮すると「興味深い複雑さ」を生み出すとしている。[ 36 ] [注10 ]

音楽形式と和声構成の複雑さは、クラシック音楽の典型的な特徴である。[ 1 ]オックスフォード英語辞典（OED ）は、音楽に関して「クラシック」という言葉に3つの定義を与えている。[ 27 ]

  1. 「認められた優秀さ」
  2. 「ポピュラー音楽やフォークミュージックとは区別される、正式な音楽の伝統に関連する、またはその特徴を持つ」
  3. より具体的には、「調和、バランス、確立された作曲形式への準拠を特徴とする、18 世紀後半から 19 世紀初頭の正式なヨーロッパ音楽の、またはそれに関連する」という意味です。

最後の定義は、現在古典派音楽時代と呼ばれている、18世紀後半から19世紀初頭にかけてのヨーロッパ音楽の特定の様式の時代に関するものです。[ 37 ]

歴史

ルーツ

西洋古典音楽の伝統は、正式には初期キリスト教会によって、また教会のために創作された音楽から始まる。[ 38 ]初期教会は、古代ギリシャ・ローマで支配的だった音楽との関係を断ち切りたいと考えていた可能性が高い。それは、その音楽が、教会が迫害し、また教会が迫害された異教を思い起こさせるものだったからである。[ 38 ]そのため、キリスト教会の音楽、ひいては西洋古典音楽全体が、先行する古代音楽からどの程度影響を受けたのかは不明である。[ 39 ]音楽に対する一般的な姿勢は、古代ギリシャ・ローマの音楽理論家や評論家から受け継がれたものである。[ 40 ] [注 11 ]ギリシャ・ローマ社会と同様に、音楽は教育の中心と考えられており、中世の標準的な教養教育の上級課程の 4 科目である四分学に、算術、幾何学、天文学とともに音楽が含まれていた。[ 42 ]音楽を高く評価する考え方は、カッシオドルス、セビリアのイシドロス [ 43 ] そして特にボエティウス [ 44 ]ら学者によって最初に推進され、ピタゴラス、アリストテレス、プラトンの音楽観の伝達と拡張は中世の音楽思想の発展に極めて重要であった。[ 45 ]しかし、学者、中世の音楽理論家、作曲家は、ギリシャやローマの先人たちの著作を頻繁に誤解していた。[ 46 ]これは中世の音楽家が利用できるギリシャ・ローマ音楽作品が全く現存していなかったためであり、[ 46 ] [注12 ]セビリアのイシドロス ( c. 559 - 636 ) は「音は人間に記憶されなければ消滅する。なぜなら、書き留めることができないからである」と述べており、何世紀も前の古代ギリシャの体系的な記譜法を知らないのである。 [ 47 ] [ n 13 ]音楽学者しかし、グスタフ・リースは、中世の音楽家たちが、正しく読んでいたかどうかに関わらず、ギリシャ・ローマ時代のテキストを定期的に読んでいたため、多くのギリシャ・ローマ時代のテキストが西洋クラシック音楽に影響を与えたと今でも言えると指摘している。[ 46 ]

しかし、古代世界から音楽が確実に受け継がれていることもいくつかある。[ 48 ]モノフォニー、即興、音楽設定におけるテキストの優位性などの基本的な側面は、中世初期とほぼすべての古代文明の音楽の両方で顕著である。[ 49 ]特にギリシャの影響には、教会旋法（アリストクセノスとピタゴラスによる発展の子孫）、 [ 50 ]ピタゴラス音律による基本的な音響理論、[ 39 ]テトラコルドの中心的な機能などがある。[ 51 ]アウロス（リード楽器）やリラ（小型のハープに似た弦楽器）などの古代ギリシャの楽器は、最終的に交響楽団のいくつかの現代の楽器につながった。[ 52 ]しかし、ドナルド・ジェイ・グラウトは、古代音楽から中世初期に直接的な進化のつながりを作り出そうとする試みは根拠がないと指摘している。なぜなら、古代音楽は演奏や実践ではなく、ギリシャ・ローマ音楽理論の影響をほぼ受けていたからである。[ 53 ]

古楽

中世

ヴィエルを演奏する音楽家（14 世紀の中世写本）

中世音楽には、西ローマ帝国が476年に滅亡した後から1400年頃までの西ヨーロッパの音楽が含まれます。単旋律聖歌は平歌あるいはグレゴリオ聖歌とも呼ばれ、1100年頃まで主流でした。[ 54 ]キリスト教の修道士は、教会全体で典礼を標準化するために、ヨーロッパ初の音楽記譜法を開発しました。[ 55 ] [ 56 ]多声音楽（多声部）は、中世後期からルネサンスにかけて単旋律聖歌から発展し、モテットのより複雑な声部構成も含まれています。中世初期には、典礼ジャンルの声楽、主にグレゴリオ聖歌は単旋律であり、単一の無伴奏の声楽旋律線を使用していました。[ 57 ]複数の独立した声楽旋律を用いるポリフォニックな声楽ジャンルは、中世盛期に発展し始め、13世紀後半から14世紀初頭にかけて普及しました。著名な中世の作曲家には、ヒルデガルト・フォン・ビンゲン、レオナン、ペロタン、フィリップ・ド・ヴィトリー、ギヨーム・ド・マショー、フランチェスコ・ランディーニ、ヨハネス・チコニアなどがいます。

多くの中世の楽器が今も存在していますが、形は異なっています。中世の楽器には、フルート、リコーダー、リュートのような撥弦楽器などがあります。また、オルガンやフィドル（またはヴィエル）の初期のバージョンも存在しました。ヨーロッパの中世の楽器は、ほとんどの場合単独で使用され、ドローン音で伴奏されることが多かったですが、時にはパート譜として使用されることもありました。少なくとも13世紀から15世紀にかけては、楽器はオー（大きく甲高い屋外用の楽器）とバス（より静かで親密な楽器）に分けられました。[ 58 ]多くの楽器は、中世イスラム世界から取り入れられた東洋の先祖にルーツを持っています。[ 59 ]例えば、アラビアのレバブは、リラ、レベック、バイオリンを含むすべてのヨーロッパの擦弦楽器の祖先です。[ 60 ] [ 61 ]

ルネッサンス

音楽ルネサンス時代は1400年から1600年まで続いた。この時代は、楽器のより広範な使用、複数の絡み合った旋律線、そして初期の低音楽器の使用が特徴であった。社交ダンスがより普及し、ダンスの伴奏に適した音楽形式が標準化され始めた。五線譜への記譜法やその他の記譜法の要素が形になり始めたのはこの時代である。[ 62 ]この発明により、楽曲の作曲とその伝達を切り離すことが可能になった。楽譜がなければ、伝達は口頭で行われ、伝達されるたびに変更される可能性があった。楽譜があれば、作曲家が立ち会わなくても楽曲を演奏することができた。[ 63 ] 15世紀の活版印刷機の発明は、音楽の保存と伝達に広範囲にわたる影響を及ぼした。[ 64 ]

オケゲムのキリエをフィーチャーしたキージ コーデックスの照明付きオープニング

多くの楽器はルネッサンス時代に生まれましたが、それ以前に存在した楽器のバリエーションや改良版もあります。現在まで残っているものもあれば、姿を消したものの、当時の楽器で音楽を演奏するために再製作されたものもあります。現代と同様に、楽器は金管楽器、弦楽器、打楽器、木管楽器に分類できます。ルネッサンス時代の金管楽器は伝統的にギルドのメンバーである専門家によって演奏され、スライド トランペット、木製コルネット、バルブのないトランペット、サックバットなどがありました。弦楽器には、ヴィオール、レベック、ハープのようなリラ、ハーディガーディ、リュート、ギター、シターン、バンドーラ、オルファリオンがありました。弦楽器には、チェンバロとクラヴィコードがありました。打楽器には、トライアングル、口琴、タンバリン、ベル、ランブルポット、そして様々な種類の太鼓などがある。木管楽器には、ダブルリードのショーム（オーボエ属の初期の種類）、リードパイプ、バグパイプ、横笛、リコーダー、ダルシアン、クルムホルンなどがある。簡素なパイプオルガンも存在したが、持ち運び可能なものもあったものの、主に教会でのみ使用されていた。[ 65 ]印刷術によって、楽器の説明や仕様、そして使用方法の指導が標準化された。[ 66 ]

ルネサンス期の声楽は、ますます精緻化するポリフォニー様式の隆盛で知られる。ルネサンス期全体を通じて存続した主要な典礼形式はミサ曲とモテットであり、特に宗教音楽の作曲家たちが自身の作品に世俗的な形式（マドリガーレなど）を取り入れ始めたことで、後期にはいくつかの発展が見られた。この時代の終わりには、モノディ、マドリガーレ・コメディ、インテルメディオといった、オペラの初期の劇的前身となるものが見られる。1597年頃、イタリアの作曲家ヤコポ・ペリは、今日オペラと呼ばれる最初の作品である『ダフネ』を作曲した。彼はまた、現代まで残る最初のオペラである 『エウリディーチェ』も作曲した。

ルネサンス期の著名な作曲家には、ジョヴァンニ・ピエルルイジ・ダ・パレストリーナ、ジョン・ダンスタプル、ヨハネス・オケゲム、オルランド・ド・ラッスス、ギョーム・デュ・フェイ、ジル・バンショワ、トーマス・タリス、ウィリアム・バード、ジョヴァンニ・ガブリエリ、カルロ・ジェズアルド、ジョン・ダウランド、ジェイコブが含まれる。オブレヒト、エイドリアン・ウィラールト、ジャック・アルカデル、シプリアーノ・デ・ローレ、フランチェスコ・ダ・ミラノ。

慣習期間

慣習期とは、一般的に慣習的な調性の形成から消滅までの期間と定義されます。この用語は通常、バロック時代、古典派時代、ロマン派時代を含む約2世紀半にわたります。

バロック

ハーディガーディ、チェンバロ、バス・ヴィオル、リュート、ヴァイオリン、バロック・ギターなどのバロック楽器

バロック音楽は、複雑な対位法と通奏低音（バッソ・コンティヌオ）の使用を特徴としています。音楽は、それ以前のあらゆる時代の単純な歌曲と比較して、より複雑になりました。[ 67 ]ソナタ形式の始まりはカンツォーナで形作られ、主題と変奏の概念がより形式化されました。音楽における不協和音と半音階を扱う手段として、長調と短調の調性が完成しました。[ 68 ]

バロック時代には、チェンバロやパイプオルガンで演奏される鍵盤楽器の人気が高まり、ヴァイオリン系の弦楽器は今日一般的に見られる形態をとった。舞台音楽としてのオペラは、それ以前の音楽・劇形式とは一線を画し始め、カンタータやオラトリオといった声楽形式がより一般的になった。[ 69 ]声楽家が初めて音楽に装飾音を加えるようになった。[ 67 ]

平均律理論は、調律が難しい鍵盤楽器において、より幅広い半音階表現を可能にしたため、広く実践されるようになりました。J.S .バッハは平均律を使用しませんでしたが、当時一般的だったミーントーンから、あらゆる調性間の転調が音楽的に許容される様々な音律へと変化させたことで、彼の平均律クラヴィーア曲集は完成しました。[ 70 ]

バロック楽器には、初期の楽器（ハーディガーディやリコーダーなど）と多くの新しい楽器（オーボエ、ファゴット、チェロ、コントラバス、フォルテピアノなど）が含まれていました。ショーム、シターン、ラケット、木製コルネットなど、以前の時代の楽器の中には使われなくなったものもあります。バロック時代の重要な弦楽器には、バイオリン、ヴィオール、ビオラ、ヴィオラ・ダモーレ、チェロ、コントラバス、リュート、テオルボ（通奏低音のパートをよく演奏した）、マンドリン、バロック・ギター、ハープ、ハーディガーディがありました。木管楽器には、バロック・フルート、バロック・オーボエ、リコーダー、ファゴットがありました。金管楽器には、コルネット、ナチュラル・ホルン、ナチュラル・トランペット、セルパン、トロンボーンがありました。鍵盤楽器には、クラヴィコード、タンジェントピアノ、ハープシコード、パイプオルガン、そして後期にはフォルテピアノ（ピアノの初期型）がありました。打楽器には、ティンパニ、スネアドラム、タンバリン、カスタネットがありました。

バロック音楽とその後の古典派音楽の大きな違いの一つは、バロック時代のアンサンブルで使用される楽器の種類がそれほど標準化されていなかったことです。バロック時代のアンサンブルには、数種類の鍵盤楽器（例：パイプオルガン、チェンバロ）[ 71 ]、その他の弦楽器（例：リュート）、擦弦楽器、木管楽器、金管楽器、そして通奏低音を演奏する不特定多数の低音楽器（例：チェロ、コントラバス、ビオラ、ファゴット、セルパントなど）が含まれていました。

バロック時代の声楽作品には、オラトリオやカンタータといった組曲が含まれていた。[ 72 ] [ 73 ]世俗音楽はそれほど一般的ではなく、典型的には器楽のみで構成されている。バロック芸術と同様に、[ 74 ]主題は一般的に宗教的なもので、カトリック的な雰囲気を醸し出すことを目的としていた。

バロック時代の著名な作曲家には、ヨハン・セバスティアン・バッハ、アントニオ・ヴィヴァルディ、ゲオルク・フリデリック・ヘンデル、ヨハン・パッヘルベル、ヘンリー・パーセル、クラウディオ・モンテヴェルディ、バルバラ・ストロッツィ、ドメニコ・スカルラッティ、ゲオルク・フィリップ・テレマン、アルカンジェロ・コレッリ、アレッサンドロ・スカルラッティ、ジャン＝フィリップ・ラモーなどが含まれる。ジャン＝バティスト・リュリとハインリヒ・シュッツ。

クラシック

トーマス・ハーディによるヨーゼフ・ハイドン（1732–1809）、 1791年

「クラシック音楽」という用語には中世から21世紀までの西洋芸術音楽すべてが含まれますが、古典派音楽時代は1750年代から1820年代初頭[ 75 ]までの西洋芸術音楽の時代、つまりヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト、ヨーゼフ・ハイドン、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンの時代を指します。

古典派時代には、作曲、演奏、スタイルの多くの規範が確立され、ピアノが鍵盤楽器として主流となった。オーケストラに必要な基本的な編成は、ある程度標準化された（ただし、より幅広い楽器の可能性が開発されるにつれて、編成も拡大していった）。室内楽は、セレナーデでは8人から10人ほどの演奏者によるアンサンブルまで含まれるようになった。オペラは、イタリア、フランス、ドイツ語圏で地域的なスタイルが生まれながらに発展していった。喜劇オペラの一種であるオペラ・ブッファの人気が高まった。交響曲は音楽形式として独自の地位を確立し、協奏曲は名人技の演奏を披露する手段として発展した。オーケストラはもはやチェンバロを必要とせず、リード・ヴァイオリニスト（現在はコンサートマスターと呼ばれる）が指揮することが多かった。[ 76 ]

古典派時代の音楽家は、チェロ、コントラバス、リコーダー、トロンボーン、ティンパニ、フォルテピアノ（現代のピアノの前身）、オルガンなど、バロック時代の楽器の多くを使い続けました。テオルボやラケットなど一部のバロック楽器は使われなくなりましたが、多くのバロック楽器は、バロックバイオリン（後のバイオリン）、バロックオーボエ（後のオーボエ）、バロックトランペット（通常のバルブ付きトランペットに移行）など、現在でも使用されているバージョンに変更されました。古典派時代には、オーケストラや弦楽四重奏などの室内楽で使用される弦楽器は、オーケストラの弦楽セクションを構成する4つの楽器、すなわちバイオリン、ビオラ、チェロ、コントラバスに標準化されました。フレット付きの弓で弾くヴィオラなどのバロック時代の弦楽器は段階的に廃止されました。木管楽器には、バセットクラリネット、バセットホルン、クラリネット・ダムール、クラシック・クラリネット、シャリュモー、フルート、オーボエ、ファゴットなどがありました。鍵盤楽器には、クラヴィコードとフォルテピアノなどがありました。チェンバロは1750年代と1760年代には通奏低音の伴奏に使われていましたが、18世紀末には使われなくなりました。金管楽器には、ブッチン、オフィクレイド（チューバの前身であるバス・セルパントに代わる楽器）、ナチュラルホルンなどがありました。

管楽器は古典派時代にさらに洗練されました。オーボエやファゴットのようなダブルリード楽器はバロック時代にある程度標準化されましたが、シングルリードのクラリネットは、モーツァルトがオーケストラ、室内楽、協奏曲といった分野でその役割を拡大するまで、広く使用されることはありませんでした。[ 77 ]

古典派時代の著名な作曲家には、ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト、ヨーゼフ・ハイドン、フランツ・シューベルト、カール・フィリップ・エマヌエル・バッハ、ルイジ・ボッケリーニ、アントニオ・サリエリ、カール・ツェルニー、ピエール・ローデなどがいます。ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンは、後期古典派と初期ロマン派の両方の要素を融合させた音楽を生み出した、過渡期の作曲家として広く知られています。

ロマンチック

ヨーゼフ・ダンハウザーの1840年の絵画「ピアノを弾くリスト」には、ピアノを弾くフランツ・リストが描かれており、その周りを（左から右へ）アレクサンドル・デュマ、エクトル・ベルリオーズ、ジョルジュ・サンド、ニコロ・パガニーニ、ジョアキーノ・ロッシーニ、マリー・ダグーが囲み、ピアノを弾くルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンの胸像が描かれている。

およそ19世紀の最初の10年から20世紀初頭にかけてのロマン派時代の音楽は、他の芸術形態におけるロマン主義と同様に、拡張された旋律線や表現力、感情的な要素への関心の高まりが特徴であった。音楽形態は古典派時代の形式（それらが体系化されていたにもかかわらず）から脱却し始め、夜想曲、幻想曲、前奏曲などの自由形式の作品が書かれるようになり、主題の提示や展開に関する従来の考え方は無視または最小限に抑えられた。[ 78 ]音楽はより半音階的で不協和で、調性が豊かになり、調号に関する緊張が（古い形式の受け入れられた規範に関して）高まった。[ 79 ]芸術歌曲（またはリート）はこの時代に成熟し、グランドオペラの壮大なスケールも成熟したが、最終的にはリヒャルト・ワーグナーのニーベルングの指環によって超越された。[ 80 ]

19世紀には、作曲家や音楽家が貴族から独立した生活を送ることができるようになったため、音楽機関は裕福なパトロンの支配から脱却した。西ヨーロッパ全域で中産階級が拡大し、音楽への関心が高まったことで、音楽の指導、演奏、保存のための団体が設立された。この時代に近代的な構造を実現したピアノ（冶金学の産業的進歩も一因）は中産階級の間で広く普及し、ピアノを求める声に押されて多くのピアノ製作者が生まれた。多くの交響楽団の創設はこの時代である。[ 79 ]音楽家や作曲家の中には当時のスターがいたが、フランツ・リストやニッコロ・パガニーニのように両方の役割を果たした者もいた。[ 81 ]

ヨーロッパの文化的思想や制度は、植民地拡大に伴い世界の他の地域へと広がり始めました。また、特に時代末期には、音楽におけるナショナリズム（場合によっては当時の政治的感情を反映したもの）の高まりも見られ、エドヴァルド・グリーグ、ニコライ・リムスキー＝コルサコフ、アントニーン・ドヴォルザークといった作曲家が、故郷の伝統音楽を作品に反映させました。[ 82 ]

ロマン派時代には、より力強く持続的な音色と広い音域を持つモダンピアノが、繊細な響きを持つフォルテピアノに取って代わりました。オーケストラでは、既存の古典派楽器とセクション（弦楽器、木管楽器、金管楽器、打楽器）は維持されましたが、これらのセクションは通常、より豊かで大きな音を出すために拡張されました。例えば、バロック時代のオーケストラではコントラバス奏者が2人だったのに対し、ロマン派のオーケストラでは10人ものコントラバス奏者がいました。「音楽がより表現豊かになるにつれて、標準的なオーケストラの音色は多くのロマン派の作曲家にとって十分な豊かさではなくなりました。」[ 83 ]

特にオーケストラで使用される楽器の種類は拡大し、20世紀初頭には後期ロマン派やモダニズムの作曲家たちが大規模なオーケストラを編成したことで、その発展は頂点に達しました。打楽器の種類も多様化し、ロータリーバルブの導入によって金管楽器はより広い音域を演奏できるようになり、より大きな役割を担うようになりました。オーケストラの規模（古典派時代には通常40人程度）は100人以上にまで拡大した。[ 79 ] 例えば、グスタフ・マーラーの1906年の交響曲第8番は、150人以上の楽器奏者と400人以上の合唱団によって演奏されてきた。 [ 84 ]コントラファゴット、バスクラリネット、ピッコロなどの新しい木管楽器が追加され、木琴、スネアドラム、チェレスタ（鐘のような鍵盤楽器）、ベル、トライアングルなどの新しい打楽器、[ 83 ]大型のオーケストラハープ、さらには音響効果用のウィンドマシンまでもが追加されている。サクソフォンは19世紀後半以降のいくつかの楽譜に登場し、通常はオーケストラの不可欠な部分としてではなく、ソロ楽器として取り上げられている。

ワーグナー・チューバはホルン属の改良型楽器で、リヒャルト・ワーグナーの交響曲集『ニーベルングの指環』に登場します。また、アントン・ブルックナーの交響曲第7番ホ長調でも重要な役割を果たし、リヒャルト・シュトラウス、ベーラ・バルトークらの後期ロマン派および近代音楽の作品にも使用されています。 [ 85 ]コルネットは、少なくとも19世紀末までは、機敏性に劣ると考えられていたトランペットと並んで、19世紀の楽譜に頻繁に登場します。

ロマン派時代の著名な作曲家には、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン、ピョートル・イリイチ・チャイコフスキー、フレデリック・ショパン、エクトル・ベルリオーズ、フランツ・シューベルト、ロベルト・シューマン、クララ・シューマン、フェリックス・メンデルスゾーン、ファニー・マンデルスゾーン、フランツ・リスト、ジュゼッペ・ヴェルディ、リヒャルト・ワーグナー、ヨハネス・ブラームス、アレクサンダー・スクリャービン、ニコライ・メトネル、エドヴァルド・グリーグ、ヨハン・シュトラウス2世などがいます。グスタフ・マーラーとリヒャルト・シュトラウスは、後期ロマン派と初期モダニズムの要素を融合させた音楽を生み出した過渡期の作曲家として一般的に知られています。

20世紀と21世紀

1913年上演のストラヴィンスキー作曲『春の祭典』のコンセプトアート。マーラー、シベリウス、ヴォーン・ウィリアムズといった20世紀初頭の多くの作曲家は、自然の力に深く影響を受けました。

世紀の変わり目、音楽は表現力豊かな旋律、複雑な和声、そして壮大な形式を特徴とする後期ロマン派のスタイルを特徴としていた。この時代は、ポスト・ロマン派の交響曲作曲を推進した多くの作曲家の作品によって特徴づけられた。グスタフ・マーラーやリヒャルト・シュトラウスといった作曲家は、壮大な交響曲やオペラで西洋古典派の伝統を発展させ続け、一方ジャン・シベリウスやヴォーン・ウィリアムズといった作曲家は、作品に民族主義的な要素や民謡の影響を吹き込んだ。セルゲイ・プロコフィエフはこの伝統から出発したが、すぐに近代主義の領域へと進出した。同時に、クロード・ドビュッシーに先導された印象派運動がフランスで発展し、モーリス・ラヴェルも著名な先駆者であった。[ 86 ]

モダニスト

モダニズム音楽は、ポスト・ロマン派、印象派、表現主義、新古典主義といった様々な作曲様式を包含しています。モダニズムは、多くの作曲家が伝統的な調性、旋律、楽器編成、構成といった当時の一般的な慣習における特定の価値観を拒絶した時代を象徴しています。[ 87 ]音楽史家の中には、音楽のモダニズムを1890年から1930年頃までの時代と考える人もいます。[ 88 ] [ 89 ]モダニズムは二度の世界大戦のいずれかで終焉を迎えたと考える人もいます。[ 90 ]さらに、モダニズムは特定の歴史的時代と関連しているのではなく、「作曲家の姿勢であり、時代とともに進化する生きた概念である」と主張する権威者もいます。[ 91 ] 20世紀後半の衰退にもかかわらず、ピエール・ブーレーズ、ポーリン・オリヴェロス、武満徹、ジョージ・ベンジャミン、ジェイコブ・ドラックマン、ブライアン・ファーニホウ、ジョージ・パール、ヴォルフガング・リーム、リチャード・ワーニック、リチャード・ウィルソン、ラルフ・シャピーなど、モダニズムの思想と形式を発展させ続けた作曲家の中核は世紀末にも残っていた。[ 92 ]

この時期に支配的な二つの音楽運動は、1890年頃に始まった印象派と、1908年頃に始まった表現主義でした。この時代は、古い音楽のカテゴリーに挑戦し、再解釈する多様な反応、音楽の和声、旋律、音響、リズムの側面を体系化し、アプローチする新しい方法につながる革新、そして当時の芸術におけるモダニズムのより大きな時代と密接に関連した美的世界観の変化の時代でした。この時代を最もよく表す言葉は「革新」です。[ 93 ]その主な特徴は「言語的多様性」であり、つまり、単一の音楽ジャンルが支配的な地位を占めることはなかったということです。[ 94 ]

オーケストラは近代主義初期に成長を続け、20世紀の最初の20年間にピークを迎えた。19世紀にはほとんど登場しなかったサクソフォンは補助楽器としてより一般的に使われるようになったが、オーケストラのコアメンバーになることはなかった。サクソフォンは、例えばモーリス・ラヴェルによるモデスト・ムソルグスキーの『展覧会の絵』やセルゲイ・ラフマニノフの『交響的舞曲』のオーケストラ編曲のように、一部の作品ではソロ楽器としてのみ登場するが、セルゲイ・プロコフィエフの『ロメオとジ​​ュリエット』第1組曲と第2組曲など、その他多くの作品ではオーケストラアンサンブルのメンバーとして使用されている。ラヴェルの『ボレロ』などの一部の作品では、オーケストラの他のセクションと同様に、異なるサイズのサクソフォンを2本以上使用してセクション全体を形成している。ユーフォニアムは、グスタフ・ホルストの『惑星』やリヒャルト・シュトラウスの『英雄の生涯』など、後期ロマン派および20 世紀の作品のいくつかに登場し、通常は「テナーチューバ」と記されたパートを演奏します。

同様に、20世紀には、アコーディオンとその親戚であるフリー・ベース・アコーディオンは、交響楽団や室内楽アンサンブルのクラシック音楽作品の中で、尊敬される「正統な楽器」として時折楽譜に記されました。[ 95 ]アコーディオンのための重要な作品には、ポール・クレストンのアコーディオンと管弦楽のための協奏曲 作品75 [ 96 ]、ロバート・デイヴィンのフルート、クラリネット、ファゴット、アコーディオンのためのディヴェルティメント[ 97 ] [ 98 ]、アンソニー・ガラ＝リーニのアコーディオン協奏曲 ト短調第1番[ 99 ] 、ジョン・セリーのフリー・ベース・アコーディオン協奏曲[ 100 ] [ 101 ]などがあります。

20 世紀初頭の著名な作曲家には、イーゴリ・ストラヴィンスキー、クロード・ドビュッシー、セルゲイ・ラフマニノフ、セルゲイ・プロコフィエフ、アルノルド・シェーンベルク、ニコス・スカルコッタス、エイトル・ヴィラ＝ロボス、カロル・シマノフスキ、アントン・ウェーベルン、アルバン・ベルク、セシル・シャミナード、パウル・ヒンデミット、アラム・ハチャトゥリアン、ジョージ・ガーシュイン、エイミー・ビーチ、ベーラ・バルトーク、ドミトリ・ショスタコーヴィチなどがおり、さらに前述のマーラーやシュトラウスも 19 世紀から引き継がれた過渡期の作曲家として挙げられます。

ポストモダン/コンテンポラリー

ポストモダン音楽は、ある権威者によれば1930年頃に始まった音楽の時代である。[ 88 ] [ 89 ]それはポストモダニズム芸術、つまりモダニズムの後にやって来てそれに反発する芸術と特徴を共有している。

他の権威の中には、ポストモダン音楽を、1930年以降、20世紀後半から21世紀初頭にかけて作曲された「現代音楽」とほぼ同一視している者もいる。[ 102 ] [ 103 ]ポストモダン/現代音楽時代の多様な運動には、新ロマン主義、新中世、ミニマリスト、ポスト・ミニマリストなどがある。

21世紀初頭の現代クラシック音楽は、 1945年以降のあらゆる音楽形式を含むと考えられていました。 [ 104 ]それから1世代後、この用語は、現在も存命の作曲家によって書かれた、1970年代半ばに台頭してきた現代の音楽を指すようになりました。これには、モダニズム音楽、ポストモダン音楽、新ロマン主義音楽、そして多元主義音楽の様々な変種が含まれます。[ 92 ]

パフォーマンス

ウィーンでモーツァルト年2006に演奏する弦楽四重奏団

クラシック音楽を幅広く学んだ演奏家は、「クラシック音楽の訓練を受けている」と言われています。この訓練は、楽器や声楽の教師からの個人レッスン、あるいは音楽学校、大学、または専門学校が提供する音楽学士号や音楽修士号（教授による個人レッスンを含む）などの正式なプログラムを修了することで得られる場合があります。クラシック音楽においては、「…多くの場合、大学院（修士号）レベルまでの、広範囲にわたる正式な音楽教育と訓練」が求められます。[ 105 ]

クラシック音楽のレパートリーを演奏するには、初見演奏とアンサンブル演奏、和声の原理、強力な聴力訓練（耳で音程を修正および調整する）、演奏実践に関する知識（例：バロックの装飾）、特定の作曲家または音楽作品（例：ブラームスの交響曲やモーツァルトの協奏曲）に期待されるスタイル/音楽的表現法に関する知識が必要です。

ヨーロッパのクラシック音楽が、ポピュラー音楽、民族音楽、インド古典音楽などの他のクラシック音楽の伝統と異なる主な特徴は、レパートリーが音楽記譜法で書き留められ、音楽パートまたはスコアが作成される傾向があることです。このスコアは通常、リズム、ピッチ、および 2 人以上のミュージシャン (歌手または楽器奏者) が関与する場合は、さまざまなパートの調整方法の詳細を決定します。音楽が記譜された性質により、高度な複雑さが可能になりました。たとえばフーガでは、大胆で独特の旋律線が対位法で織り交ぜられながらも首尾一貫した和声のロジックが生み出され、見事に融合しています。記譜法の使用によって作品の記録も保存され、クラシック音楽家が何世紀も前の音楽を演奏することもできます。

2000年代のクラシック音楽はバロック時代からロマン派時代にかけての音楽即興演奏の伝統のほとんどを失ってしまったが、その時代のスタイルで即興演奏をする演奏家の例は存在する。バロック時代には、オルガン奏者は前奏曲を即興で演奏し、チェンバロを演奏するキーボード奏者は通奏低音のベース音の下の数字付き低音記号から和音を即興で演奏し、声楽と器楽の演奏者はともに音楽の装飾音を即興で演奏した。[ 106 ]ヨハン・セバスチャン・バッハは特に複雑な即興演奏で知られた。[ 107 ]古典派時代には、作曲家で演奏家のヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトが様々なスタイルでメロディーを即興で演奏する能力で知られた。[ 108 ]古典派時代には、一部の名ソリストが協奏曲のカデンツァ部分を即興で演奏することもあった。ロマン派時代には、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンはピアノで即興演奏をしていた。[ 109 ]

他の音楽伝統との関係

クラシック音楽は、作曲家の時代のポピュラー音楽の要素や素材をしばしば取り入れてきました。例えば、ブラームスの『大学祝典序曲』における学生の飲酒歌の使用といった臨時音楽、クルト・ヴァイルの『三文オペラ』に代表されるジャンル、そしてモーリス・ラヴェルのヴァイオリンとピアノのためのソナタにおける「ブルース」と題された楽章に代表される、 20世紀初頭から中期の作曲家へのジャズの影響などが挙げられます。 [ 110 ]ポストモダン、ミニマリスト、ポストミニマリストのクラシック音楽作曲家の中には、ポピュラー音楽への恩恵を認める人もいます。[ 111 ]

ジョージ・ガーシュウィンが1924年に作曲した管弦楽曲『ラプソディ・イン・ブルー』は、オーケストラ・ジャズ、あるいはシンフォニック・ジャズと評されることがあります。この作品は、クラシック音楽の要素とジャズの影響を受けた効果を融合させています。

反対方向への影響を示す例は数多くあり、クラシック音楽をベースにしたポピュラーソング、1970年代からパッヘルベルのカノンが活用されていること、クラシック音楽のミュージシャンがポピュラー音楽の分野で成功を収めている音楽のクロスオーバー現象などが挙げられる。 [ 112 ]ヘビーメタルでは、リッチー・ブラックモアやランディ・ローズなど、多くのリードギタリスト（エレキギターを演奏）が[ 113 ]、バロック音楽や古典派時代の器楽音楽をモデルに演奏している。[ 114 ]

フォークミュージック

クラシック音楽の作曲家は、しばしば民俗音楽（一般的にクラシック音楽の訓練を受けていない音楽家によって創作され、しばしば純粋に口承のみで伝えられる伝統に基づく音楽）を活用してきた。ドヴォルザークやスメタナ[ 115 ]のような作曲家は、作品に民族主義的な色合いを与えるために民俗音楽の主題を用いたが、バルトークのように、民俗音楽の起源から完全に持ち出された特定の主題を用いた作曲家もいる。[ 116 ]ハチャトゥリアンは、故郷アルメニアの民俗音楽だけでなく、中東や東ヨーロッパの他の民族の民俗音楽も広く作品に取り入れた。 [ 117 ] [ 118 ]

商業化

ラジオ放送やレコード店の出現により、クラシック音楽のライブ演奏がコンピレーション CD にまとめられるようになりました (タワーレコードのWQXR、1986 年)。

クラシック音楽の定番曲の中には、商業的に（広告や映画のサウンドトラックなど）頻繁に使用されるものがあります。テレビCMでは、リヒャルト・シュトラウスの「ツァラトゥストラはかく語りき」（映画『2001年宇宙の旅』で有名になった）の冒頭や、カール・オルフの「カルミナ・ブラーナ」の冒頭部分「おお、運命の女神よ」など、いくつかのフレーズが決まり文句になっています。他の例としては、ヴェルディのレクイエムより「怒りの日」 、エドヴァルド・グリーグのペール・ギュントより「山の魔王の宮殿で」 [ 119 ]、ベートーヴェンの交響曲第5番の冒頭、アラム・ハチャトゥリアンの「剣の舞」、ワーグナーのワルキューレより「ワルキューレの騎行」 、リムスキー＝コルサコフの「熊蜂の飛行」、アーロン・コープランドの「ロデオ」の抜粋などがある。アニメーションの黄金時代には、クラシック音楽に合わせてアクションを演出した作品がいくつかあった。注目すべき例としては、ウォルト・ディズニーの「ファンタジア」 [ 120 ]、トムとジェリーの「ヨハン・マウス」、ワーナー・ブラザースの「セビリアのウサギ」と「オペラ座の怪人」[ 121 ]などがある。

同様に、映画やテレビでは、洗練さや豪華さを表現するために、クラシック音楽の定型的で決まりきった抜粋がしばしば用いられます。このカテゴリーで最もよく聞かれる曲としては、バッハの無伴奏チェロ組曲第1番、モーツァルトのアイネ・クライネ・ナハトムジーク、ヴィヴァルディの四季、ムソルグスキーの禿山の一夜（リムスキー＝コルサコフ編曲）、ロッシーニの「ウィリアム・テル序曲」などが挙げられます。ショーン・ヴァンクールは、1920年代のクラシック音楽の商業化が音楽産業に悪影響を及ぼした可能性があると主張しています。[ 122 ]

教育

1990年代には、後に「モーツァルト効果」と呼ばれるようになった現象について、いくつかの研究論文や書籍で論じられました。これは、モーツァルトの音楽を聴いた結果、空間推論テストのスコアが一時的にわずかに上昇するという現象です。このアプローチはドン・キャンベルの著書で広く知られるようになり、ネイチャー誌に掲載された実験に基づいています。その実験では、モーツァルトを聴くことで生徒のIQが一時的に8～9ポイント向上したと示唆されています。[ 123 ]この理論の普及版は、ニューヨーク・タイムズの音楽コラムニスト、アレックス・ロスによって簡潔に表現されています。「研究者たちは…モーツァルトを聴くと実際に賢くなることを明らかにした。」[ 124 ]プロモーターは、この効果を誘発すると主張するCDを販売しました。フロリダ州では、州立学校の幼児に毎日クラシック音楽を聴くことを義務付ける法律が可決され、1998年にはジョージア州知事が、ジョージア州で生まれたすべての子供にクラシック音楽のテープまたはCDを提供するために、年間10万5000ドルの予算を計上しました。モーツァルト効果に関する最初の研究の共著者の一人は、「害になるとは思いません。子供たちに素晴らしい文化体験をさせることは大賛成です。しかし、その資金は音楽教育プログラムにもっと有効に活用できると思います」とコメントしています。[ 125 ]

参照

参考文献

注記

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  3. ^これが、18世紀半ばの新古典主義運動が建築や絵画などの分野では広まったが、音楽では広まらなかった理由である。 [ 16 ]
  4. ^ 18世紀初頭、ステュアート王政復古後、宮廷音楽が短期間ながら開花した。 [ 11 ]マシュー・ロックやヘンリー・パーセルなどの作曲家は、特に人気の宮廷仮面劇でかなりの成功を収めた。 [ 17 ]
  5. ^ジョン・バニスターのコンサートはすぐに人気を博し、後に彼は会場をリンカーンズ・イン・フィールズ、そしてエセックス・ストリートに移しました。最盛期には彼のアンサンブルは50人近くのミュージシャンで構成されていました。 [ 19 ]
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  7. ^ 19世紀から21世紀にかけて、ウィーン第一楽派を様々な観点から定義した批評家もいた。ヨハン・ヴォルフガング・フォン・ゲーテや、後にルートヴィヒ・フィンシャーといった評論家はベートーヴェンをこの楽派から完全に除外したが、音楽学者フリードリヒ・ブルーメはフランツ・シューベルトに加え、3人全員を含めた[ 22 ] 。チャールズ・ローゼンはハイドン、モーツァルト、ベートーヴェンをこの楽派に含めたが、器楽作品のみとした[ 22 ] 。
  8. ^オックスフォード英語辞典（ OED ）によると、英語文献で「クラシック音楽」という用語が初めて使用されたのは、1829年のイギリス人音楽家ヴィンセント・ノヴェロの日記で、彼は「ここは毎週日曜日にクラシック音楽を正しく、思慮深く演奏された演奏を聴きたいと思ったら、ここに来るべきだ」と述べている。 [ 27 ]しかし、これはイギリス人作家ジョン・フェルサム・ダネリーの1820年の著書『徹底したベースとクラシック音楽の基本原理入門』のタイトルより少なくとも9年前のことである。 [ 28 ] [ 29 ]
  9. ^ Taruskin 2005のタイトルに加え、 Grout 1973、 Hanning 2002、 Stolba 1998のタイトルも参照のこと。いずれも「西洋音楽」という用語を含んでいるものの、西洋世界の非クラシック音楽は基本的に除外されている。Grout 1973は1960年に初版が出版され、ジャズやポピュラー音楽に関する情報が収録されたのは1996年にClaude V. Paliscaが作成した第5版になってからである。 [ 35 ]
  10. ^音楽学者ラルフ・P・ロックは作曲家タン・ドゥンを例に挙げ、2004年の著書『西洋芸術音楽における東アジアの位置づけ』のタイトルに言及している。 [ 36 ]また、ジョシュア・バローネ（2021年7月23日）のタイトルも参照のこと。 「アジアの作曲家が西洋クラシック音楽でのキャリアを振り返る」。ニューヨーク・タイムズ。2021年12月28日時点のオリジナルよりアーカイブ。Burkholder、Grout、Palisca（2014年）、1009ページには、「西洋文化が世界中に広まり、最も実践的な演奏家や興味深い新進作曲家の一部が中国、日本、韓国から輩出されている今、『西洋（クラシック）音楽』という用語が依然として適切であるかどうか疑問に思うのも無理はない。世界的な広がりを考えると、この伝統の名称を変更する時期が来ているのかもしれないが、折衷的で多様化しているとはいえ、そのルーツは依然として西洋文化にあり、ヨーロッパを経て古代ギリシャにまで遡る」と記されている。
  11. ^入手可能な証拠から判断すると、古代ローマでは古代ギリシャの先人たちの慣習をほぼそのまま取り入れたため、音楽の重要な発展はほとんど、あるいは全くなかったように思われる。 [ 41 ]
  12. ^音楽学者ドナルド・ジェイ・グラウトは、20世紀になってもギリシャ・ローマ音楽の断片と、それよりかなり大きな作品が残っているだけだったと指摘している。 [ 38 ]
  13. ^中世初期のヨーロッパ全体に音楽の概念的な体系がなかったわけではないかもしれない。セビリアのイシドロスの発言の伝統的な結論に反論するガンペル（2012年）を参照。

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出典

本

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