彫刻

『瀕死のガリア人』または『カピトリーノのガリア人』[ 1 ]は、紀元前3世紀後半のヘレニズム時代の作品のローマ時代の大理石の複製でありローマのカピトリーノ美術館に所蔵されている。
ホルサバードの門番、紀元前800 年頃～721年頃のアッシリアのラマッス
ミケランジェロのモーゼ像（ 1513年頃 - 1515年）、ローマのサン・ピエトロ・イン・ヴィンコリ教会、教皇ユリウス2世の墓のために制作
雌トラと二頭の子トラの根付、19世紀半ばの日本、象牙に貝殻象嵌
アントニー・ゴームリー著『北の天使』（1998年）

彫刻は視覚芸術の一分野であり、三次元で表現されます。彫刻は、高さ、幅、奥行きの次元で物理的に表現される三次元の芸術作品です。造形芸術の一つです。耐久性のある彫刻の技法は、もともと石、金属、陶磁器、木材などの素材を彫刻（素材の除去）とモデリング（粘土などの素材の追加）によって作られていましたが、モダニズム以降、素材と技法はほぼ完全に自由になりました。彫刻などの除去、溶接やモデリングによる組み立て、あるいは成型や鋳造など、多種多様な素材が加工されます。

石彫刻は、腐りやすい素材で作られた芸術作品よりもはるかに保存状態が良く、古代文化から現存する作品（陶器を除く）の大部分を占めることが多い。一方、木彫の伝統はほぼ完全に消滅した可能性がある。さらに、古代彫刻のほとんどは彩色されていたが、現在では失われている。[ 2 ]

多くの文化において、彫刻は宗教的信仰の中心であり、近年まで、個人が制作するには費用がかかりすぎる大型彫刻は、宗教や政治の表現として用いられてきました。彫刻が大量に現存する文化としては、古代地中海、インド、中国の文化、そして中南米やアフリカの多くの文化が挙げられます。

西洋彫刻の伝統は古代ギリシャに始まり、ギリシャは古典期に傑作を生み出した国として広く知られています。中世には、ゴシック彫刻がキリスト教信仰の苦悩と情熱を表現しました。ルネサンス期には古典彫刻の復興が起こり、ミケランジェロのダビデ像のような有名な彫刻が生まれました。モダニズム彫刻は、伝統的な制作過程や人体の描写に重点を置くことから脱却し、構築彫刻の制作や、拾い物を完成品として 提示するようになりました。

種類

中国、龍門石窟の屋外仏教岩窟レリーフ

円形彫刻には、彫像などのように台座部分以外は他の表面に固定されていない自立型彫刻と、少なくとも部分的に背景面に固定されている様々な種類のレリーフとの間に区別があります。レリーフは、壁からの突出度合いによって、浅浮彫、高浮彫、そして時には中間の中間浮彫に分類されることが多いです。沈み彫りは、古代エジプトに限られた技法です。レリーフは、円形では実現が難しい大きな人物像や物語の主題を描く際によく用いられる彫刻素材であり、建物に取り付けられる建築彫刻だけでなく、陶器、金属細工、宝飾品など、他の物体を装飾する小規模彫刻にも用いられる代表的な技法です。レリーフ彫刻は、通常は石でできた直立した板状の石碑の装飾にも用いられ、碑文が刻まれていることも少なくありません。

もう一つの基本的な区別は、既存のブロックや塊（例えば石や木）から材料を削り取る減法彫刻技法と、材料から作品を形作ったり構築したりするモデリング技法との区別です。鋳造、スタンピング、モールディングといった技法では、デザインを含んだ中間母型を用いて作品を制作します。これらの技法の多くは、複数の複製品の製作が可能です。

「彫刻」という用語は、主に大型作品を指すために使われることが多く、記念碑的彫刻と呼ばれることもあります。記念碑的彫刻とは、大型の彫刻、あるいは建物に付属する彫刻のどちらか、あるいは両方を意味します。しかし、この用語は、コインやメダル、ハードストーン彫刻（精緻な作業を要する石の小さな彫刻を指す用語）など、同じ技法を用いて三次元で制作された様々な種類の小型作品も正確に含みます。

非常に大きい、あるいは「巨大」な像は、古代から変わらぬ人気を誇っています。記録上最大のものは、2018年に建てられたインド統一の像で、高さは182メートル（597フィート）あります。肖像彫刻のもう1つの壮大な形態は、馬に乗った騎手像ですが、これはここ数十年で珍しくなりました。等身大の肖像画彫刻の最小形態は、頭部のみを描いた「頭部」と、胸から上の人物を描いた「胸像」です。小型の彫刻には、通常は高さが18インチ（46センチメートル）以下の像であるフィギュリンや、レリーフ用のプラケット、メダル、コインなどがあります。

近代美術と現代美術は、音響彫刻、光彫刻、環境芸術、環境彫刻、ストリートアート彫刻、キネティック彫刻（物理的な動きを伴う）、ランドアート、サイトスペシフィックアートなど、非伝統的な彫刻形態を数多く生み出してきました。彫刻はパブリックアートの重要な形態です。庭園に置かれた彫刻群は、彫刻庭園と呼ばれることもあります。また、コンスタンティン・ブランクーシの言葉を借りれば、「建築とは居住された彫刻である」というように、建物も彫刻の一種であるという見方もあります。[ 3 ] [ 4 ]

目的と主題

イースター島のモアイ像。大型彫刻への資源の集中が深刻な政治的影響を及ぼした可能性がある。
ヨハネス8世パレオロゴスのメダル、 1435年頃、ピサネッロ作。肖像画をモチーフにした最初のメダルであり、基本的には収集のために作られた媒体である。
ジュゼッペ・サンマルティーノによる1753年頃の「ヴェールをかぶったキリスト」は、錬金術によって作られたと広く信じられていました。

彫刻の最も一般的な目的の 1 つは、何らかの形で宗教と関連していることです。宗教的イメージは多くの文化で一般的ですが、オリンピアのゼウス像のような古代ギリシャ美術の特徴である巨大な神々の像ではないことがよくあります。エジプトの寺院の最も奥の聖域にあった実際の宗教的イメージは、現存するものはありませんが、最大の寺院でさえかなり小さかったようです。同じことはヒンズー教にも当てはまり、非常にシンプルで古代の形のリンガムが最も一般的です。仏教は東アジアに宗教的人物の彫刻をもたらしましたが、それ以前には同等の伝統はなかったようですが、この場合も、ビやコングのような単純な形状には宗教的な意味があったと考えられます。

個人の所有物としての小型彫刻は、先史時代の美術にまで遡り、特に支配者の権力を鑑賞者に印象づけるために公共芸術として非常に大きな彫刻が用いられるようになったのは、少なくとも約4500年前の大スフィンクスにまで遡る。考古学と美術史において、ある文化における大型彫刻や記念碑的彫刻の出現、そして時には消失は、非常に重要な意味を持つとされている。しかし、木材やその他の腐りやすい素材で作られた彫刻の存在が推定されているにもかかわらず、記録が残っていないため、その出現の追跡はしばしば複雑になる。[ 5 ]

トーテムポールは、考古学的に痕跡を残さない木製の記念碑的彫刻の伝統の一例です。通常は非常に重い材料を輸送し、専属彫刻家とみなされる人々に報酬を支払うことで、記念碑的彫刻を制作するための資源を調達する能力は、社会組織という観点から比較的高度な文化の証と考えられています。最近、三星堆で古代中国青銅器時代の像が予想外に発見されました。中には人間の2倍以上の大きさのものもあり、これまではるかに小型の青銅像しか知られていなかったため、初期中国文明に関する多くの考えを覆しました。[ 6 ]

インダス文明のように、明らかに高度な文化の中には、非常に洗練された小像や印章を制作していたにもかかわらず、記念碑的な彫刻を全く持たなかったものもあるようです。ミシシッピ文化は、崩壊した時点で、小型の石像を用いて記念碑的な彫刻の制作に着手していたようです。古代エジプトやイースター島文化のような他の文化では、非常に初期の段階から、非常に大規模な記念碑的な彫刻に莫大な資源を投入していたようです。

彫刻の収集は、初期のものも含め、ギリシャ、中国、メソアメリカにおいて約2000年前に遡り、近代美術館が発明されるずっと以前から、多くのコレクションが半公開展示されていました。20世紀以降、大型彫刻に見られる比較的限定的な主題の範囲は大きく広がり、抽象的な主題や、あらゆる種類の主題の使用や表現が一般的になりました。今日、多くの彫刻はギャラリーや美術館で断続的に展示されることを前提に制作されており、ますます大型化する作品を輸送・保管できることが、彫刻の製作において重要な要素となっています。

小さな装飾人形は、ほとんどの場合陶器で作られ、ロココ時代、あるいはタナグラの人形が主要産業であった古代ギリシャ、あるいは東アジアや先コロンブス期の美術と同様に、今日でも（近代美術や現代美術では奇妙なことに無視されているものの）人気を博しています。家具やその他の物品に用いられる小さな彫刻は、ニムルドの象牙、ベグラムの象牙、ツタンカーメンの墓から発見された遺物のように、はるか古代にまで遡ります。

肖像彫刻はエジプトで始まり、ナルメル・パレットには紀元前32世紀の統治者が描かれている。またメソポタミアでは、紀元前2144年から2124年頃にラガシュを統治したグデアの像が27体現されている。古代ギリシャ・ローマでは、公共の場所に肖像像を建てることは、ほとんど最高の栄誉の印であり、エリート層の野望でもあった。彼らは硬貨にも描かれることがあった。[ 7 ]

エジプトや近東などの他の文化では、公共の彫像はほぼ専ら君主の所有物であり、他の裕福な人々は墓にのみ描かれていました。約3,000年前のオルメカ巨像に始まる先コロンブス文化では、典型的には君主のみが肖像画を飾られました。東アジアの肖像画彫刻は完全に宗教的なもので、主要な聖職者、特に修道院の創設者は彫像で記念されましたが、君主や祖先は彫像で記念されませんでした。地中海の伝統は中世に復活しましたが、当初は墓の彫像や貨幣のみでしたが、ルネサンス期には大きく発展し、個人の肖像画メダルなどの新しい形態が発明されました。

動物は、人体と並んで、彫刻の最も古い主題であり、常に人気があり、時には写実的なもの、しかししばしば想像上の怪物として描かれてきました。中国では、動物と怪物は、墓や寺院以外の石彫刻のほぼ唯一の伝統的な主題です。植物界は宝飾品や装飾レリーフにおいてのみ重要ですが、ビザンチン美術とイスラム美術の大型彫刻のほぼすべては植物で構成されており、パルメットや蔓草の渦巻きなどのモチーフが2000年以上もの間東西に伝わってきた ユーラシアの伝統のほとんどにおいて非常に重要な意味を持っています。

世界中の多くの先史文化に見られる彫刻の一形態は、儀式や展示、あるいは供物として、実用的ではない貴重な素材で作られた、通常の道具、武器、または容器を特別に拡大したものだ。翡翠やその他の緑色の石は、中国、オルメカ時代のメキシコ、新石器時代のヨーロッパで使用され、初期メソポタミアでは石で大型の陶器が作られた。青銅は、ヨーロッパと中国で、オックスボロー・ダークのような大型の斧や刃物に使用されていた。

材料と技術

シュメールの男性崇拝者、貝殻の目を持つアラバスター、紀元前2750～2600年

彫刻に使用される材料は多様であり、歴史を通じて変化してきました。耐久性に優れた古典的な材料は、金属、特に青銅、石、陶器で、木材、骨、鹿の角は耐久性に劣るものの、安価な選択肢です。金、銀、翡翠、象牙などの貴重な材料は、小規模な贅沢な作品によく使用され、時にはクリセロファンティネ像などの大型の作品にも使用されます。より一般的で安価な材料は、より広い消費のための彫刻に使用されました。これには、堅材(オーク、ツゲ/ツゲ材、菩提樹/シナノキなど)、テラコッタおよびその他のセラミック、ワックス (鋳造用のモデルとして非常に一般的な素材であり、円筒印章や彫刻された宝石の印象を受ける)、ピューターや亜鉛(スペルター)などの鋳造金属が含まれます。しかし、民族誌的作品や古代の作品でも、現代の作品でも、他の膨大な数の材料が彫刻の一部として使用されてきました。

彫刻はしばしば彩色されますが、時間の経過や修復によって彩色は剥がれてしまうことがよくあります。彫刻の制作には、テンペラ、油絵、金箔、住宅用塗料、エアゾール、エナメル、サンドブラストなど、様々な技法が用いられてきました。[ 2 ] [ 8 ]

多くの彫刻家は、芸術作品を作るための新しい方法や材料を模索しています。パブロ・ピカソの最も有名な彫刻の一つに、自転車の部品がありました。アレクサンダー・カルダーや他のモダニストたちは、塗装された鋼鉄を華麗に使用しました。1960年代以降、アクリルや他のプラスチックも使用されるようになりました。アンディ・ゴールズワーシーは、自然環境の中で、ほぼ完全に自然素材から、非常にはかない彫刻を制作しています。氷の彫刻、砂の彫刻、ガスの彫刻など、一部の彫刻は、意図的に短命です。最近の彫刻家は、ステンドグラス、工具、機械部品、金物、消費者向けパッケージを使用して作品を作り上げています。彫刻家は、拾った物を使用することがあり、中国の学者の石は何世紀にもわたって高く評価されてきました。

石

アフェア神殿出土の後期アルカイック期ギリシャ大理石像の、顔料痕跡の分析に基づく現代の石膏による再現。紀元前 500年頃[ 9 ] 。 「色彩の神々」展より。

石の彫刻は、自然の粗い石を制御された方法で削り取ることによって形を作る古代の作業です。材料の永続性のため、最古の社会でさえ何らかの形の石細工を行っていたという証拠が見つかります。ただし、エジプト、ギリシャ、インド、ヨーロッパのほとんどの地域のように、世界のすべての地域に彫刻に適した良質の石が豊富にあるわけではありません。ペトログリフ（岩面彫刻とも呼ばれる）は、おそらく最も古い形式で、刻み込み、つつき、彫り込み、研磨によって、元の位置に残る岩の表面の一部を除去することによって作成された画像です。記念碑的な彫刻には、大規模な作品と、建物に取り付けられた建築彫刻が含まれます。ハードストーン彫刻は、翡翠、瑪瑙、オニキス、水晶、​​サード、カーネリアンなどの半貴石を芸術的な目的で彫刻したもので、この方法で作られた物体の総称です。アラバスター、または鉱物石膏は、小さな作品の彫刻が容易で、比較的耐久性のある柔らかい鉱物です。彫刻宝石とは、カメオを含む小さな彫刻宝石のことで、元々は印章指輪として使われていました。

古代ギリシャの彫像のほとんどが複製によって知られていることから、石像の複製は非常に重要であった。これは伝統的に「ポインティング」と呼ばれる手法と、よりフリーハンド的な手法によって行われていた。ポインティングとは、オリジナルの彫像を囲む木枠に正方形の紐で格子を作り、格子上の位置と、格子と彫像間の距離を測定する手法である。そして、この情報を用いて複製の元となる木版に彫刻を施す。[ 10 ]

金属

ルートヴィヒ・ギース、鋳鉄板、8 x 9.8 cm、難民、1915年

青銅および関連する銅合金は、鋳造金属彫刻に用いられる金属の中で最も古く、現在でも最も人気のあるものです。鋳造された青銅彫刻は、しばしば単に「ブロンズ」と呼ばれます。一般的な青銅合金は、固まる直前にわずかに膨張するという、珍しく望ましい特性を持ち、そのため型の細部まで埋めることができます。その強度と脆さのなさ（延性）は、特に様々な陶器や石材（大理石彫刻や花崗岩など）と比較して、動きのある像を制作する際に大きな利点となります。金は最も柔らかく、最も貴重な金属であり、宝飾品において非常に重要な役割を果たします。銀は鋳造だけでなく、ハンマーなどの道具で加工できるほど柔らかいため、打ち出しや彫金は金銀細工に用いられる技法の一つです。

鋳造とは、液体材料（青銅、銅、ガラス、アルミニウム、鉄など）を（通常は）所定の形状の空洞を持つ鋳型に流し込み、固化させる一連の製造工程です。その後、固化した鋳物を取り出したり、割ったりすることで工程が完了します。[ 11 ]ただし、完成した鋳物には「冷間加工」という最終段階が続く場合もあります。鋳造は、高温の液体金属や、エポキシ樹脂、コンクリート、石膏、粘土などの成分を混合した後に冷間硬化する様々な材料を成形するために用いられます。鋳造は、他の方法では製造が困難または不経済な複雑な形状を作るために最もよく用いられます。現存する最古の鋳造品は、紀元前3200年のメソポタミアの銅製カエルです。[ 12 ]具体的な鋳造技術としては、ロストワックス鋳造、石膏鋳型鋳造、砂型鋳造などがあります。

溶接は、異なる金属片を融合して様々な形やデザインを作り出すプロセスです。溶接には、酸素燃料溶接、スティック溶接、MIG溶接、TIG溶接など、さまざまな形態があります。酸素燃料溶接は、鋼の成形に最も簡単で、接合部が目立たないため、鉄の彫刻を作成する際におそらく最も一般的な溶接方法です。酸素燃料溶接の鍵は、接合する各金属片を、すべてが赤くなって光沢が出るまで均一に加熱することです。各金属片に光沢が出ると、その光沢はすぐに金属が溶けた「プール」になり、溶接工はプールを結合させて金属を融合させる必要があります。冷却されると、プールが結合した場所は1つの連続した金属片になります。酸素燃料彫刻の作成では、鍛造も頻繁に使用されます。鍛造は、金属を一定の温度まで加熱して柔らかくし、さまざまな形に成形できるようにするプロセスです。非常に一般的な例としては、鋼棒の先端を加熱し、金床の上でハンマーで叩いて尖端を形成するというものがあります。ハンマーを振る合間に、鍛冶屋は鋼棒を回転させ、鈍い先端から徐々に鋭い尖端を形成していきます。

ガラス

デイル・チフーリ、2006年、（吹きガラス）
中国の宋代（960～1279年）の木彫り菩薩像、上海博物館

ガラスは様々な加工技術を用いて彫刻に用いることができるが、大型作品への利用は近年の進歩である。ガラスは彫刻可能であるが、かなりの難度を要し、ローマのリュクルゴスの杯は他に類を見ないものである。[ 13 ]ガラスの成形 には様々な方法がある。熱間鋳造は、砂、彫刻された黒鉛、または精巧な石膏/シリカの型に型を押し付けて作った型に、溶けたガラスを流し込むことで行われる。窯鋳造は、ガラスの塊を窯で加熱し、液状になるまで加熱して、窯内でその下にある型に流し込む方法である。また、高温のガラスは、固体の塊として、あるいは吹きガラス作品の一部として、手工具を用いて吹きガラスや高温彫刻を施すこともできる。より最近の技術としては、板ガラスをノミで削り、ポリマーシリケートと紫外線で接着する方法がある。[ 14 ]

陶器

陶器は彫刻に用いられる最も古い素材の一つであり、金属で鋳造される多くの彫刻作品の型取りに粘土が用いられたのもこの粘土と同様である。彫刻家はしばしば、焼石膏、蝋、未焼成粘土、プラスチシンといった一時的な素材でマケットと呼ばれる小さな下絵を制作する。[ 15 ] 多くの文化で、器としての機能と彫刻的なフォルムを兼ね備えた陶器が作られており、小さな置物は現代西洋文化と同様に人気を博してきた。古代ローマ、メソポタミアから中国に至るまで、ほとんどの古代文明では印章や鋳型が使用されていた。[ 16 ]

木彫り

イエス・キリストの磔刑の詳細、スペイン製、木版画、多色刷り、1793年

木彫は非常に広く行われてきましたが、他の主要な素材に比べて保存状態がはるかに悪く、腐敗、虫害、火災に弱いです。そのため、多くの文化の美術史において、隠れた重要な要素となっています。[ 5 ] 屋外の木彫は世界のほとんどの地域で長く残っていないため、トーテムポールの伝統がどのように発展したのかはほとんど分かっていません。特に中国と日本の重要な彫刻の多くは木彫であり、アフリカやオセアニアなどの地域の彫刻の大部分も木彫です。

木は軽いため、持ち運びを目的とした仮面などの彫刻に適しており、非常に精巧なディテールを表現できます。また、石材よりも加工がはるかに容易です。彫刻後に塗装が施されることは非常に多くありますが、塗料は木材自体よりも劣化が早く、現存する作品では塗料が失われていることがよくあります。塗装された木材は、専門用語で「木材と多色」と呼ばれることがよくあります。通常、木材にジェッソまたは石膏を塗布し、その上に塗料を塗ります。

柔らかい素材

布、毛皮、プラスチック、ゴム、ナイロンなどの非伝統的な素材を使用し、詰め物をしたり、縫ったり、吊るしたり、ドレープさせたり、織ったりできる立体作品は、ソフトスカルプチャーとして知られています。ソフトスカルプチャーの著名なクリエイターには、クレス・オルデンバーグ、草間彌生、エヴァ・ヘッセ、サラ・ルーカス、マグダレーナ・アバカノヴィッチなどがいます。[ 17 ]ソフトスカルプチャーは、流動性と動きの感覚を生み出す、柔軟でしばしば一時的な素材を導入することで、彫刻の伝統的な硬直性に挑戦します。これらの作品は、使用する素材や形状に応じて、遊び心のものから脆弱なものまで、幅広い感情を呼び起こすことができます。布地、発泡体、その他の柔らかい要素を使用することで、アーティストは石や金属などの伝統的な素材ではできない方法でスケールやテクスチャを操作できます。さらに、ソフトスカルプチャーは、身体、家庭生活、消費文化というテーマを扱い、美術、工芸、デザインの境界を曖昧にすることがよくあります。この多用途性により、ソフト スカルプチャーは、三次元アートの物質性と意味の新しい側面を探求する現代アーティストにとって重要な媒体となっています。

彫刻家の社会的地位

ニュルンベルクの彫刻家アダム・クラフト、聖ローレンツ教会の自画像、1490年代

世界中で、彫刻家は通常、作品に署名のない職人であった。一部の伝統、例えば中国では、彫刻は文人画ほどの権威を持たず、これは彫刻自体の地位に影響を与えた。[ 18 ]ペイディアスなどの彫刻家が有名になった古代ギリシャでも、彼らは他の職人とほぼ同じ社会的地位を保っていたようで、作品に署名をする者もいたが、金銭的な報酬はそれほど大きくなかったと思われる。[ 19 ] 中世では、 12世紀のギスレベルトゥスなどの芸術家が作品に署名することがあり、様々な都市、特にトレチェント以降のイタリアでは、アルノルフォ・ディ・カンビオやニコラ・ピサーノとその息子ジョヴァンニなどが求められた。貴重な材料を扱い、しばしば銀行家を兼任していた金細工師や宝石商は、強力なギルドに属してかなりの地位を持ち、しばしば公職に就いていた。多くの彫刻家は他の芸術にも携わっていました。アンドレア・デル・ヴェロッキオは画家としても活動し、ジョヴァンニ・ピサーノ、ミケランジェロ、ヤコポ・サンソヴィーノは建築家でもありました。彫刻家の中には大規模な工房を構えていた人もいました。ルネサンス期においてさえ、レオナルド・ダ・ヴィンチをはじめとする彫刻家たちは、作品の物理的な性質が芸術における彫刻の地位を低下させると考えていましたが、ミケランジェロの名声によって、この長年信じられてきた考えは払拭されたと言えるでしょう。

盛期ルネサンス以降、ミケランジェロ、レオーネ・レオーニ、ジャンボローニャといった芸術家たちは、彫刻と絵画の相対的な地位をめぐる激しい論争の時代を経て、富を築き、貴族に列せられ、君主の仲間入りを果たすことができた。[ 20 ] 建物の装飾彫刻の多くは依然として職業として残っていたが、個々の作品を制作する彫刻家は画家と同等に認められていた。18世紀以前から、彫刻もまた中流階級の学生を惹きつけるようになったが、絵画ほど普及は遅かった。女性彫刻家は女性画家よりも登場に時間がかかり、20世紀まであまり目立っていなかった。

反彫刻運動

無偶像主義はユダヤ教に端を発するが、ユダヤ教は19世紀まで具象彫刻を受け入れなかったが[ 21 ] 、キリスト教に広がり、キリスト教は当初は大型彫刻を受け入れた。キリスト教と仏教において、彫刻は非常に重要な意味を持つようになった。キリスト教東方正教会は記念碑的彫刻を決して受け入れず、イスラム教はレリーフの極小人物像やアルハンブラ宮殿の噴水を支える有名なライオンのような有用な機能を果たす一部の動物像を除き、ほぼすべての具象彫刻を一貫して拒絶してきた。プロテスタントの多くの形態もまた、宗教的彫刻を認めていない。初期キリスト教徒や宗教改革のベールデンストームから2001年のタリバンによるバーミヤンの大仏破壊まで、宗教的動機による彫刻の偶像破壊は数多く行われてきた。

歴史

ヴィレンドルフのヴィーナス、約 24,000～26,  000年前

先史時代

ヨーロッパ

最も古い彫刻作品として疑いの余地がないのは、ヨーロッパと南西アジアに位置し、後期旧石器時代初頭に活動していたオーリニャック文化に属する。この文化の人々は、最古の洞窟壁画を制作しただけでなく、精巧に作られた石器を開発し、ペンダント、ブレスレット、象牙のビーズ、骨製のフルート、そして立体的な小像を製作した。[ 22 ] [ 23 ]

ドイツのホーレンシュタイン・シュターデル地域で発見された高さ30cmのライオン像は、マンモスの牙で彫られた擬人化されたライオン像です。約3万5000年前から4万年前のものと推定されており、ホーレ・フェルスのヴィーナス像と並んで、他に類を見ない最古の彫刻作品として知られています。[ 24 ] 

現存する先史時代の美術作品の多くは小型の持ち運び可能な彫刻で、ヴィレンドルフのヴィーナス（24,000–26, 000年前）などのヴィーナス女性の像も少数ながら中央ヨーロッパ各地で発見されている。[ 25 ]約13,000年前の 「泳ぐトナカイ」は、後期旧石器時代の美術における動物の骨や角のマドレーヌ彫刻の中でも最も優れたものの1つだが、彫刻作品の数は彫刻作品の方が多い。彫刻作品は彫刻として分類されることもある。[ 26 ]最大級の先史時代の彫刻のうち2体はフランスのトゥク・ドードベール洞窟で発見されている。そこでは、約12–17,000年前、熟練した彫刻家がヘラのような石器と指を使って、石灰岩の上に粘土で一対の大きなバイソンの形を作った。[ 27 ] 

ヨーロッパでは中石器時代が始まると具象彫刻は大幅に減少し、 [ 28 ]ヨーロッパ鉄器時代のグンデストルップの大釜や青銅器時代のトゥルンドホルムの太陽戦車などの作品があるにもかかわらず、ローマ時代まで実用品のレリーフ装飾よりも芸術においてあまり一般的ではなかった。[ 29 ]

古代近東

古代近東からは、現代トルコの等身大の石造ウルファマン（紀元前9000年頃）、そしてアイン・ガザル像（紀元前7200年頃と6500年頃）が発見されています。これらは現代ヨルダンから出土したもので、石灰漆喰と葦で作られ、等身大の約半分の大きさです。15体の像（中には左右に頭が並んだものも）と15体の胸像があります。先土器時代（新石器時代）以降、近東各地の多くの遺跡で、人や動物を象った小さな粘土像が発見されており、この地域における多かれ少なかれ継続的な伝統の始まりを象徴しています。

古代近東

粘土に刻印された円筒印章、セルポパルドと鷲、ウルク時代、紀元前4100～3000年

メソポタミアの原文字文化時代はウルクが支配的で、ワルカの壺や円筒印章のような洗練された作品が作られました。グエンノルの雌ライオンは紀元前3000年から2800年頃のエラムで発見された、半人半ライオンの傑出した小型石灰岩像です。 [ 30 ]少し後には、主に雪花石膏で作られた高さ30センチほどの大きな目の司祭や崇拝者の像が数多く発見されており、彼らは神殿の神像に仕えていましたが、現存するものはごくわずかです。[ 31 ]シュメールおよびアッカド時代 の彫刻は、一般的に男性は大きく見つめる目と長いあごひげを生やしていました。ウルの王家の墓地（紀元前2650年頃）でも多くの傑作が発見されており、その中には茂みの中の雄羊の像2体、銅の雄牛、ウルの竪琴の1つにある雄牛の頭などがあります。[ 32 ]

紀元前10世紀に新アッシリア帝国が台頭するまでの多くの時代を経て、メソポタミア美術は様々な形で現存している。円筒印章、比較的小型の円形像、様々な大きさのレリーフ（宗教的なものもあればそうでないものもあると思われる家庭用の安価な成型陶器の額を含む）などである。[ 33 ]バーニー・レリーフは、猛禽類の足を持ち、フクロウとライオンを従えた裸の有翼の女神を描いた、非常に精巧で比較的大型（20×15インチ、50×37cm）のテラコッタ額である。紀元前18世紀または19世紀のもので、成型によるものと考えられる。[ 34 ]石碑、奉納物、あるいはおそらく勝利を記念し祝宴を描いたものも寺院から発見されているが、より公式なものとは異なり、それらを説明する碑文はない。[ 35 ]断片的なハゲタカの石碑は碑文のあるタイプの初期の例であり、[ 36 ]シャルマネセル3世のアッシリアの黒いオベリスクは大きくて頑丈な後期の例である。[ 37 ]

アッシリア人はメソポタミア全域と周辺地域の大半を征服し、それ以前にはなかったほど大きく豊かな国家を築き、宮殿や公共の場には非常に壮大な芸術を生み出した。これは、隣国エジプト帝国の芸術の壮麗さに匹敵することを部分的に意図していたことは間違いない。以前の国家とは異なり、アッシリア人はイラク北部産の彫刻しやすい石材を使用でき、しかも大量に使用した。アッシリア人は、宮殿用に、戦争や狩猟を描いた非常に精緻で物語性のある低浮彫の石造りの極めて大規模な計画を開発した。大英博物館には、アッシュールバニパルの獅子狩りや、遠征を描いたラキシの浮彫など、優れたコレクションがある。彼らは、長方形のブロックの両面に高浮彫で彫られた、人間の頭を持つ巨大な守護神ラマッスの像を除いて、円形彫刻をほとんど制作しなかった。この像は、頭部が実質的に円形であり（両図とも完全な形に見えるよう、5本の脚も備えている）、長方形のブロックの両面に高浮彫で彫られた。彼らはこの地域を支配する前から、円筒印章の伝統を継承しており、そのデザインはしばしば非常に精力的で洗練されていました。[ 38 ]

古代エジプト

トトメス、ネフェルティティの胸像、紀元前1345年、ベルリン・エジプト博物館

古代エジプトの巨大な彫刻は世界的に有名ですが、洗練され繊細な小作品ははるかに多く存在します。エジプト人は、非常に明るい太陽光線によく合う独特の沈み彫り技法を用いていました。レリーフの主要人物は、絵画と同じ人物像の作法に従っています。着席していない箇所では足が開き、頭部は横から描かれ、胴体は正面から描かれています。また、人物像を構成する標準的な比率は、地面から額の生え際まで18個の「拳」で表されています。[ 39 ]これは、第1王朝のナルメル・パレットに早くも見られます。しかし、他の作品と同様に、捕虜や死体など、何らかの活動を行っている脇役にはこの作法は用いられていません。[ 40 ] 他の作法では、男性像は女性像よりも暗く描かれています。非常に慣習化された肖像彫像は、紀元前2780年以前の第2王朝の頃から現れており[ 41 ]、アフケナテンのアマルナ時代の美術[ 42 ]や第12王朝などの他のいくつかの時代を除いて、統治者の理想的な特徴は、他のエジプトの芸術的慣習と同様に、ギリシャの征服までほとんど変化しませんでした[ 43 ] 。

エジプトのファラオは常に神々として扱われてきたが、他の神々が大きな彫像に描かれることは、ファラオが別の神として表されている場合を除いて、あまり一般的ではない。しかし、他の神々は絵画やレリーフで頻繁に描かれている。アブ・シンベル神殿の外にある有名な4体の巨大像はそれぞれラムセス2世を表しており、典型的な構成だが、この神々は例外的に大きい。[ 44 ] 神々の小さな像や動物の擬人化は非常に一般的で、陶器などの一般的な素材で作られている。大型の彫刻のほとんどはエジプトの寺院や墓から残されており、遅くとも第4王朝（紀元前2680-2565年）までには、カー像の概念がしっかりと確立されていた。これらは魂のカー部分を安息の地として墓に安置されたため、裕福な行政官とその妻たちの、あまり一般的ではない像が数多く残されています。エジプトは木材が数千年もの間保存できる気候を持つ世界でも数少ない場所の一つであるため、その多くは木造です。いわゆる予備頭部、つまり毛のない簡素な頭部は、特に写実的です。初期の墓には、死者があの世で生活を続けるために必要な奴隷、動物、建物、船などの小さな模型、そして後にはウシャブティ像も含まれていました。[ 45 ]

ヨーロッパ

古代ギリシャ

デルフィの戦車兵、古代ギリシャの青銅彫刻、紀元前5世紀、頭部のクローズアップ詳細

古代ギリシャ彫刻の最初の特徴的な様式は、青銅器時代初期のキクラデス諸島（紀元前3千年紀）に発達した。大理石像（通常は女性で小柄）は、優雅に簡略化された幾何学的様式で表現されている。最も典型的なのは、腕を前に組んだ立像だが、椅子に座るハープ奏者の複雑な姿など、様々なポーズで描かれた像もある。[ 46 ]

その後のミノア文明とミケーネ文明は、シリアなどの影響を受けて彫刻をさらに発展させましたが、紀元前650年頃の後期アルカイック期には、クーロスが発展しました。クーロスは、寺院や墓で発見される裸の若者の巨大な立像で、コレーは服を着た女性像であり、髪は凝った髪型をしています。どちらも「アルカイック・スマイル」をしています。クーロスは様々な機能を果たしていたようで、時には神々を、時にはクロイソス・クーロスのように墓に埋葬された人物を表していたと考えられます。クーロスは明らかにエジプトやシリアの様式の影響を受けていますが、ギリシャの芸術家たちは、この様式の中でより積極的に実験を行っていました。

6 世紀の間、ギリシャ彫刻は急速に発展し、より自然主義的になり、物語の場面での人物のポーズはより活動的で変化に富んだものとなったが、それでもなお理想化された慣習の範囲内であった。アテネのパルテノン神殿を含む寺院には彫刻されたペディメントが追加され、そこではおよそ 520 体の円形人物を使ったペディメントの残骸が、紀元前 480 年のペルシア人の略奪後に新しい建物の充填材として幸運にも使用され、1880 年代以降に風化していない新鮮な状態で復元された。その他の重要な建築彫刻の残骸は、イタリアのパエストゥム、コルフ島、デルフィ、アイギナ島のアファイア神殿(現在では大部分がミュンヘンにある) から発見されている。[ 47 ] ほとんどのギリシャ彫刻には元々、少なくともいくらかの色彩が含まれていた。デンマークのコペンハーゲンにあるニー・カールスベア・グリプトテク美術館は、オリジナルの色彩について広範囲にわたる調査と再現を行った。[ 48 ] [ 49 ]

クラシック
紀元前447～433年頃、パルテノン神殿を飾っていたエルギン・マーブルズの高浮き彫り（古典様式）

古典期第一期はしばしば厳格様式と呼ばれ、オリジナルの遺物は少なくなっています。自立型の彫像は主に青銅で作られるようになり、青銅は常にスクラップとしての価値がありました。厳格様式は、レリーフでは500年頃、彫像ではそのすぐ後に480年、そして450年頃まで続きました。人物の比較的硬直したポーズは緩和され、非対称な向き直りの姿勢や斜めの視点が一般的になり、意図的に追求されました。これは、解剖学や彫刻された人物の調和のとれた構造への理解の深まりと、以前には見られなかった自然主義的な表現の追求と相まって起こりました。 1829年以来、オリンピアのゼウス神殿で行われた発掘調査では、約460点に及ぶ最大規模の遺物群が発見され、その多くがルーブル美術館に所蔵されています。[ 50 ]

「盛期古典期」は、450 年頃から 400 年頃までのわずか数十年しか続かなかったが、美術に重大な影響を与え、現存するオリジナル作品が極めて限られているにもかかわらず、特別な威信を保っている。最も有名な作品はパルテノン神殿マーブルで、伝統的に (プルタルコス以来) 465 年から 425 年頃に活動した最も有名な古代ギリシャの彫刻家ペイディアスが率いるチームによって制作されたとされている。ペイディアスは当時、古代世界の七不思議の 1 つであるオリンピアのゼウスの巨大な金象嵌 像(432 年頃) や、パルテノン神殿の崇拝像であるアテナ パルテノス (438 年)、パルテノン神殿の隣に立っていた巨大な青銅像のアテナ プロマコスで有名であった。これらはすべて失われているが、多くの表現から知られている。彼はまた、ルドヴィージ・ヘルメスを含む、後世の複製のみが知られ、その正体が議論の的となっている等身大のブロンズ像の作者としても知られている。[ 51 ]

盛期古典様式では、人物描写の写実性と洗練性がさらに発展し、衣服の描写も向上しました。衣服は、動きのあるポーズの迫力を増すために用いられました。顔の表情は、戦闘場面でさえ、通常は非常に控えめでした。レリーフやペディメントに描かれた人物群の構成は、複雑さと調和を兼ね備えており、西洋美術に永続的な影響を与えました。レリーフは非常に高く作られることがあり、例えば下記のパルテノン神殿の図では、戦士の脚の大部分が背景から完全に切り離されており、欠落した部分も同様です。このように高いレリーフは、彫刻をより損傷しやすくしました。[ 52 ]後期古典様式では、プラクシテレスの発明とされる自立型の裸婦像が発展し、様々な角度から見ても興味深い、より複雑で繊細なポーズと、より表情豊かな顔が生み出されました。これらの傾向は、ヘレニズム時代にさらに発展しました。[ 53 ]

ヘレニズム時代
ヘレニズム時代のペルガモン様式。2世紀初頭のペルガモン祭壇より。
小さなギリシャのテラコッタの置物は、家庭の装飾品として非常に人気がありました。

ヘレニズム時代は、慣例的にアレクサンドロス大王の死後、紀元前323年に始まり、紀元前146年にローマがギリシャ中心地を最終的に征服した時点、または紀元前31年のアクティウムの海戦でアレクサンドロス大王の帝国の最後の後継国が最終的に敗北した時点（共和政ローマの終焉でもある）で終わるとされている。[ 54 ] したがって、ヘレニズム時代はそれ以前の時代よりもはるかに長く、少なくとも2つの主要な段階が含まれる。「ペルガモン」スタイルの実験、熱狂、そしていくらかの感傷と俗悪さ、そして紀元前2世紀のより厳格な簡素さと優雅さへの古典主義的な回帰である。このような一般化を超えると、特によくあるように後世の写本しか知られていない場合、年代測定は通常非常に不確実である。初期のペルガモン様式は、その名の由来となったペルガモンと特に関連があるわけではなかったが、その国の裕福な王たちは、古典彫刻を収集し、模写した最初の人々の一人であり、また、多くの新しい作品を依頼した。その中には、現在では大部分がベルリンにある有名なペルガモン祭壇像があり、新しい様式の好例である。また 、ハリカルナッソスのマウソロス霊廟（もう一つの七不思議）、バチカン美術館にある有名なラオコーンとその息子たち（後期の例）、そしてブロンズ製の『瀕死のガリア人』（上に図示）のオリジナルは、紀元前228年頃にペルガモンのために実際に依頼されたグループの一部であることがわかっており、ルドヴィージのガリア人もそのコピーである。ファルネーゼの雄牛と呼ばれるグループは、おそらく2世紀の大理石のオリジナルであり、さらに大きく複雑である。[ 55 ]

ヘレニズム彫刻は、その表現対象範囲を大幅に拡大しました。これは、一般大衆の繁栄と、彫刻で飾られた大邸宅を有する非常に裕福な階級の出現によるところが大きいですが、子供と動物など、家庭に最も適していると思われる主題のいくつかは、実際には寺院やその他の公共の場に置かれていたことが分かっています。家庭装飾としてより人気のあるものとしては、タナグラの小像や、宗教的なものから動物や優雅な衣装をまとった女性を描いたものまで、小型陶器の小像が工業規模で生産されていた他の中心地の小像がありました。彫刻家たちは、多様な感情を表す表情や人物の肖像、そして年齢や人種の異なる表現において、より高度な技術を持つようになりました。マウソロス廟のレリーフはその点でかなり異例です。ほとんどの作品は独立した形で、以前は稀であったラオコーンやガリア人に対する勝利を祝うペルガモンの集団像のように、複数の人物像を円形に並べた集団構成が人気を博しました。バルベリーニの牧神像は、おそらく酒を飲んだ後、寝そべって眠るサテュロスを描いており、当時の道徳的緩和と、英雄的表現には及ばない題材で大きく高価な彫刻を制作する意欲を示す例である。[ 56 ]

アレクサンドロス大王の征服後、ヘレニズム文化は近東の大部分と中央アジアの一部の宮廷で優勢となり、ヨーロッパのエリート層、とりわけギリシャ植民地が当初南部の大部分を支配していたイタリアで、ますます取り入れられていった。ヘレニズム美術と芸術家たちは広く普及し、拡大するローマ共和国や、ヘレニズム地域の最東端で仏教と遭遇したときに特に影響力を及ぼした。現在のレバノン共和国シドンで発見された、いわゆるアレクサンドロスの巨大な石棺は、おそらくこの時代の初めに、ギリシャ化したペルシャの総督のために国外在住のギリシャ人芸術家によって作られたものと思われる。[ 57 ] この時代の富により、彫刻された宝石やカメオ、ジュエリー、金銀製品など、小型の贅沢な彫刻の生産が大幅に増加した。

ギリシャ後のヨーロッパ

ローマ彫刻
トラヤヌスの記念柱の一部、紀元113年、ダキア戦争の場面が描かれている
紀元前13年、アラ・パキスにあるギリシャ・ローマ様式のアウグストゥス国家

初期ローマ美術は、ギリシャ美術と、近隣のエトルリア人の美術の影響を受けており、エトルリア人自身もギリシャの貿易相手国から多大な影響を受けていた。エトルリア人の特産品は、ほぼ等身大のテラコッタ製の墓の彫像で、通常は当時の食事客の姿勢で片肘を立てて石棺の蓋の上に横たわっていた。拡大するローマ共和国が最初は南イタリア、次いでパルティア極東を除くヘレニズム世界全域とギリシャ領を征服し始めると、公式彫刻や貴族彫刻は主にヘレニズム様式の延長となったが、特にギリシャ彫刻の多くがローマ時代の複製でしか残っていないことから、ヘレニズム様式からローマ特有の要素を切り離すのは困難である。[ 58 ]紀元前2世紀までに、「ローマで働いていた彫刻家のほとんど」はギリシャ人であり、[ 59 ]コリントス（紀元前146年）などの征服で奴隷にされることが多かった。彫刻家もその後も大部分がギリシャ人であり、その多くは奴隷であったが、その名前が記録されることは極めて稀である。戦利品として、あるいは強奪や商業の結果として、膨大な数のギリシャ彫像がローマに輸入され、寺院はしばしば再利用されたギリシャの作品で装飾された。[ 60 ]

裕福な中流階級のローマ人の墓碑には、しばしば肖像胸像が飾られており、ローマ彫刻の最大の強みは肖像画にあると言っても過言ではない。大家の葬儀の行列で着用されたり、家庭に飾られた先祖の仮面の伝統は現存していないが、現存する胸像の多くは、スキピオの墓のような大家族の墓、あるいは都市郊外の後期の霊廟から出土した先祖の人物を表したものであると考えられる。ルキウス・ユニウス・ブルートゥスを象ったとされる有名な青銅製の頭部像は、年代が様々であるが、共和政ローマ時代に好まれた青銅を用いたイタリア様式が現存する非常に稀な例と考えられている。[ 61 ]同様に厳格で力強い頭部像は共和政末期の貨幣にも見られ、帝政時代には、帝国各地に送られて地方都市のバシリカに設置された貨幣や胸像が、帝国のプロパガンダの主な視覚的表現であった。ロンディニウムにもネロのほぼ巨大な像があったが、現在は失われているローマの30メートルの高さのネロの巨像よりはるかに小さかった。[ 62 ]

ローマ人は一般に、歴史や神話に登場する英雄的行為を描いたギリシャの独立した作品と競おうとはしなかったが、早くから歴史的な作品をレリーフで制作し、その頂点を成したのは、周囲を物語のレリーフが渦巻く巨大なローマ凱旋柱であった。そのうち、トラヤヌス帝（紀元前113年）とマルクス・アウレリウス帝（紀元前193年まで）を記念するレリーフはローマに現存しており、アラ・パキス（平和の祭壇、紀元前13年）は公式のグレコ・ローマ様式の最も古典的で洗練された代表作である。その他の主な例としては、コンスタンティヌス帝の凱旋門やアントニヌス・ピウス記念柱（紀元前161年）の台座に以前再利用されたレリーフが挙げられる。 [ 63 ]カンパーナレリーフは大理石のレリーフを陶器で安価にしたもので、レリーフの好みは帝政時代から石棺にも広がった。あらゆる種類の高級小型彫刻は引き続き愛好され、銀製のウォーレンカップ、ガラス製のリュクルゴスカップ、ジェンマ・アウグステア、ゴンザーガ・カメオ、「フランスの大カメオ」などの大型カメオなど、その品質は非常に高いものでした。 [ 64 ] より幅広い層の人々のために、陶器の容器や小型の置物などの型押しレリーフ装飾が大量に生産され、その品質も非常に高いものが多くありました。[ 65 ]

2世紀後半の「バロック」期を経て[ 66 ]、3世紀にはローマ美術は古典派の彫刻をほぼ放棄、あるいは制作できなくなった。この変化の原因については、いまだに盛んに議論されている。帝国の最も重要な記念碑でさえ、ずんぐりとして大きな目をした人物像を、厳しい正面からのスタイルで描くようになり、シンプルな構成で力強さを強調し、優美さを犠牲にしていた。この対比は、 315年にローマで建てられたコンスタンティヌスの凱旋門によく表れている。この凱旋門は、新しいスタイルの部分と、他の場所から持ち込まれた初期の完全なグレコ・ローマン様式の円形彫刻を組み合わせている。また、現在のヴェネツィアにある、新しい首都コンスタンティノープルの四帝立像（ 305年頃）にも見られる。エルンスト・キッツィンガーは、両方の建造物に共通する「ずんぐりとしたプロポーション、角張った動き、対称性と反復による部分の配置、そしてモデリングではなく切り込みによる特徴と衣服のひだの表現…そのスタイルの特徴は、強調された硬さ、重厚さ、そして角張った感じで、つまり古典的な伝統をほぼ完全に拒絶していること」を発見した。[ 67 ]

この様式の革命は、キリスト教がローマ国家と大多数の民衆に受け入れられる直前に起こり、大規模な宗教彫刻の終焉を招き、巨大な彫像は皇帝のためにのみ用いられるようになった。しかし、裕福なキリスト教徒は、ユニウス・バッススの石棺に見られるように、石棺用のレリーフの制作を依頼し続け、特に象牙を用いた非常に小さな彫刻は、執政官用ディプティクの様式を基盤として、キリスト教徒によって制作され続けた。[ 68 ]

初期中世とビザンチン
スコットランドまたはアングロサクソンの石棺に乗った銀の怪物、聖ニニアンズ島の宝物、 800年頃
ゲロ十字架、 965～970年頃、ケルン、ドイツ。大型彫刻復興の最初の偉大な例である。

初期キリスト教徒は巨大な宗教彫刻に反対していたが、ローマの伝統は肖像胸像や石棺のレリーフ、さらには執政官用ディプティクなどの小型の作品に受け継がれていた。こうした作品は、しばしば貴重な素材で作られており、（知られている限りでは）大移動時代の文明の主要な彫刻の伝統でもあった。これは、サットン・フーで発見された6世紀の副葬品や、スキタイ美術の宝飾品、島嶼美術のキリスト教と動物の様式が融合した作品に見られる。継続していたビザンチンの伝統に倣って、カロリング朝美術は西洋で象牙彫刻を復活させ、壮大な彩飾写本の宝飾装丁用のパネルや、司祭杖の頭やその他の小型装飾品に多く用いられた。

ビザンチン美術は、象牙のレリーフや建築装飾彫刻を数多く生み出したが、記念碑的彫刻はおろか、円形の小型彫刻さえもほとんど生み出さなかった。[ 69 ] しかし、西洋ではカロリング朝およびオットー朝時代に、宮廷や主要な教会で記念碑的彫像の制作が始まった。これは徐々に広がり、10世紀後半から11世紀までには、エッセンの黄金の聖母のように、木枠の周りに貴金属製と思われる、アングロサクソンの教会で明らかに等身大の彫刻がいくつか記録されている。アングロサクソンの例は現存しておらず、[ 70 ] 1000年以前の建築以外の大型彫刻の現存は非常にまれである。最も優れたものは965～970年のゲロ十字架で、これは十字架で、明らかに最も一般的な彫刻形式であった。カール大帝は800年頃、アーヘンのパラティーナ礼拝堂に十字架を設置しました。これらはその後も人気を博し、特にドイツとイタリアで人気が高まりました。北欧のルーン石碑、スコットランドのピクト石碑、そしておそらくキリスト教国であったイギリスの高十字架レリーフは、キリスト教化の時代を繋ぐ北方彫刻の伝統でした。

ロマネスク様式
ブランズウィックのライオン、1166年、古代以来最初の大きな中空鋳造像、高さ1.78メートル、長さ2.79メートル
ケルン大聖堂の三王の聖堂

西暦1000年頃から、生産と商業の全般的な経済成長に牽引されてヨーロッパ全土で芸術作品の復活が起こり、ロマネスク美術という新しい様式が西ヨーロッパ全体で初めて用いられた中世様式となった。新しい大聖堂や巡礼教会はますます建築石のレリーフで装飾されるようになり、12世紀の教会の扉の上のティンパヌムや、人物やしばしば物語の場面が描かれた居住地の首都など、彫刻の新たな焦点が生まれた。彫刻が施された傑出した修道院教会には、フランスのヴェズレーとモワサック、スペインのシロスなどがある。[ 71 ]

ロマネスク美術は、彫刻と絵画の両方において、非常に力強いスタイルを特徴としていた。柱頭は、この時代ほど刺激的なものはなく、しばしば複数の人物を描いた完全な場面が彫られていた。[ 72 ] 大きな木製の十字架像は、玉座に座る聖母の自立型像と同じく、この時代初頭のドイツの発明であったが、高浮き彫りは、何よりもこの時代の彫刻の様式であった。構図は通常奥行きが薄く、柱頭や教会のティパヌムの形に収まるように柔軟である必要があった。構図が時としてそこから逃れてしまう、しっかりと囲む枠との間の緊張感は、ロマネスク美術に繰り返し現れるテーマである。人物は、その重要性に応じて大きさが変わることが多かったため、肖像画はほとんど存在しなかった。

象牙や金属などの貴重な素材で作られた品々は、この時代には非常に高い地位を占めており、記念碑的な彫刻よりもはるかに高い地位を占めていました。画家や装飾画家、石工よりも、これらの製作者の名前の方が多く知られています。エナメルでの装飾を含む金属細工は非常に洗練され、聖遺物を納めるために作られた壮麗な聖堂が数多く現存しており、その中で最も有名なのは、ニコラ・ド・ヴェルダンによるケルン大聖堂の三王の聖堂です。現在リエージュにあるブロンズ製のグロスターの燭台と1108年から1117年までの真鍮製の洗礼盤は、金属鋳造の優れた例ですが、様式が大きく異なります。前者は写本画に基づいて非常に複雑で精力的であり、洗礼盤はモザン様式の最も古典的で荘厳な様子を示しています。ヒルデスハイム大聖堂のブロンズの扉、凱旋柱、その他の装飾品、グニェズノの扉、ヴェローナのサン・ゼーノ聖堂の扉も、現存する重要な遺物です。洗面用の水を入れる容器であるアクアマニレは、11世紀にヨーロッパに伝わったとみられ、しばしば幻想的な動物を模した形をしていた。現存する例はほとんどが真鍮製である。勅許状や文書には、印章の蝋印が数多く残っているが、ロマネスク様式の貨幣は一般的に美的価値がそれほど高くない。[ 73 ]

クロイスターズ・クロスは、非常に大きな象牙製の十字架で、預言者などの像を含む複雑な彫刻が施されています。これは、写本の装飾画​​も手掛けた、比較的数少ない名匠ユーゴー・マスターの作品とされています。多くの作品と同様に、元々は部分的に彩色されていました。ルイスのチェス駒は、小型象牙の保存状態の良い例で、杖、飾り板、胸当て、その他類似の作品から多くの破片や断片が残っています。

ゴシック
フランス象牙の聖母子像、13世紀末、高さ25センチ、象牙の牙の形に合わせて湾曲している

ゴシック時代は、本質的にゴシック建築によって定義され、彫刻の様式の発展とは、その始まりと終わりのどちらにおいても完全には一致しない。大きな教会のファサード、特に扉の周りには、大きなティパヌムが置かれ続けたが、その周囲に彫刻された人物像の列も広がっていた。シャルトル大聖堂の西（王）門（ 1145年頃）の彫像は、優雅だが誇張された円柱状の延長を示しているが、1215年から1220年にかけての南翼廊門の彫像は、より自然主義的なスタイルと、背後の壁からの分離の増加、そして古典主義の伝統への意識を示している。これらの傾向は、数年後のランス大聖堂の西門にも引き継がれ、そこでは人物像がほぼ円形になっており、これはゴシックがヨーロッパ中に広まるにつれて一般的になった。[ 74 ]

イタリアでは、ニコラ・ピサーノ（1258-1278）と息子のジョヴァンニが、ローマの石棺の影響をはっきりと受け、ヌードの共感的な扱いを含む洗練された密集した構成を持つ、プロト・ルネサンスと呼ばれるスタイルを開発しました。シエナ大聖堂の説教壇（1265-68）、ピサ洗礼堂の説教壇（1260）、ペルージャのマッジョーレの噴水、ピストイアのジョヴァンニの説教壇（1301年）のレリーフパネルにそれが見られます。 [ 75 ]古典様式のもう一つの復興は、 1400年頃にブルゴーニュとフランドルでクラウス・スルターとその追随者たちが行った国際ゴシック作品 に見られます。[ 76 ] 後期ゴシック彫刻は北方でも続き、ますます名人芸的な彫刻と多数の激しい表現力のある木製の祭壇画が流行しました。人物像。現存する作品のほとんどは、他の地域で多くの偶像破壊運動が起こった後、ドイツにあります。ティルマン・リーメンシュナイダー、ファイト・シュトースらは、16世紀までこの様式を継承し、徐々にイタリア・ルネサンスの影響を吸収しました。[ 77 ]

富裕層の間では、石や雪花石膏で作られた等身大の墓像が人気となり、壮大な多層式の墓が作られるようになった。ヴェローナのスカリゲル石膏の墓は大きかったため、教会の外に移設しなければならなかった。15世紀までには、石の祭壇画を買う余裕のない経済的な教区のために、ノッティンガムの雪花石膏の祭壇レリーフをパネルのグループにしてヨーロッパ各地に輸出する産業があった。 [ 78 ] パリやその他の都市では、主に一般信徒や女性を市場とする小さな彫刻が重要な産業になった。象牙製品の種類には、小さな宗教的な多翼祭壇画、特に聖母マリアを描いた単独の像、鏡箱、櫛、ロマンスの場面を描いた精巧な小箱などがあり、婚約の贈り物として使われた。[ 79 ] 非常に裕福な人々は、ベリー公爵の聖なる茨の聖遺物箱のような、贅沢に精巧な宝石やエナメルをちりばめた金属細工を、世俗的なものも宗教的なものも収集していましたが、お金が足りなくなると、現金を得るために再び溶かされました。[ 80 ]

ルネッサンス

ミケランジェロ『ピエタ』 1499年
ミケランジェロ、教皇ユリウス2世の墓、 1545年頃、モーセの左右にラケルとレアの像がある

ルネサンス彫刻本来の歴史は、1403年に行われたフィレンツェ洗礼堂の扉を競う有名なコンペから始まったとされることが多く、このコンペでは優勝者のロレンツォ・ギベルティとフィリッポ・ブルネレスキが提出した試作品が現存している。ギベルティの扉は今も残っているが、彼が1425年から1452年にかけて制作したもう一つの入口、いわゆる「天国の門」のために制作した2組目の扉のほうが明らかに影を潜めている。この2組の扉は、背景を広く見せるためにレリーフの深さを変えた、目もくらむほど自信に満ちた古典主義的な構成となっている。[ 81 ]この間、ギベルティの初期の助手であったドナテッロは、大理石のダビデ像（1408～1409年）とブロンズ像（1440年代）やガッタメラータの騎馬像、レリーフなど、影響力の大きい彫像を制作していた。 [ 82 ]後期を代表する彫刻家としては、ヴェネツィアのバルトロメオ・コッレオーニ騎馬像で知られるアンドレア・デル・ヴェロッキオがいます。[ 83 ]彼の弟子であるレオナルド・ダ・ヴィンチは1482年に『ミラノの馬』という馬の彫刻をデザインしましたが、完成したのは高さ24フィート（7.3メートル）の粘土原型だけで、1499年にフランスの弓兵によって破壊され、彼の他の野心的な彫刻の計画は完成しませんでした。[ 84 ]

この時代は、国家による公共芸術および富裕層による自宅のための彫刻の支援が大幅に増加したことで特徴づけられる。特にイタリアでは、公共彫刻は歴史的な都市中心部の外観において重要な要素であり続けている。教会の彫刻は、屋外の公共記念碑が一般的になるのとちょうど同じように、主に屋内に移動した。肖像彫刻、通常は胸像は1450年頃にイタリアで人気となり、ナポリのフランチェスコ・ラウラーナは瞑想のポーズをとる若い女性を専門とし、一方アントニオ・ロッセリーノなどは、より頻繁にこぶのある顔の実業家や幼い子供を描いた。[ 85 ]ピサネロが発明した 肖像メダルも女性を描いたものが多かった。レリーフのプラケットは、鋳造金属による彫刻のもう一つの新しい小型形式であった。

ミケランジェロは1500年から1520年頃まで活躍した彫刻家で、ダビデ像、ピエタ像、モーゼ像、そして教皇ユリウス2世の墓やメディチ家礼拝堂のための作品など、彼の傑作は後世の彫刻家たちにとって無視できないものであった。彼の象徴的な作品であるダビデ像（1504年）は、古典彫刻から借用したコントラポストのポーズをとっている。この像は、巨人ゴリアテとの戦いの前に描かれている点で、この主題に関する以前の表現と異なっている。ドナテッロやヴェロッキオのように勝利の姿で描かれるのではなく、ダビデ像は緊張感に満ち、戦闘態勢を整えているように見える。[ 86 ]

マニエリスム

アドリアン・デ・フリース作「メルクリウスとプシュケ」北方マニエリスムの等身大ブロンズ像。1593年に神聖ローマ皇帝ルドルフ2世のために制作。

絵画と同様、初期イタリアのマニエリスム彫刻は、盛期ルネサンスの業績（彫刻においてはミケランジェロを意味する）を超える独自の様式を見つけようとする試みが大部分を占め、その試みの多くは、フィレンツェのシニョリーア広場にあるミケランジェロのダビデ像の隣にある他の場所を埋めるための制作依頼の中で展開された。バッチョ・バンディネッリは巨匠から『ヘラクレスとカークス』のプロジェクトを引き継いだが、現在ほど人気が​​出ることはなく、ベンヴェヌート・チェッリーニからは悪意を持って「メロンの袋」と例えられた。しかし、この作品は彫像の台座に初めてレリーフパネルを導入したという点で、後世に残る影響を与えた。彼や他のマニエリスム彫刻家たちの作品と同様に、この作品もミケランジェロが行ったであろうよりもはるかに多くのオリジナルのブロックを削ぎ落としている。[ 87 ] チェリーニのブロンズ像「メドゥーサの首を持つペルセウス」は確かに傑作であり、8つの視点でデザインされているというマニエリスムの特徴もあるが、ミケランジェロやドナテッロのダビデ像と比べると確かにマナーが悪い。[ 88 ] 元々金細工師だったチェリーニにとって、有名な金とエナメルの「塩入れ」（1543年）は彼の最初の彫刻であり、彼の才能が最もよく表れている。[ 89 ] これらの例が示すように、この時代は肖像画を超えて世俗的な主題の範囲を大きな作品に広げ、神話の人物が特に好まれた。それ以前はこれらは主に小さな作品で見られた。

収集家のキャビネットに飾られる小さなブロンズ像は、しばしば神話的主題の裸体像で、ルネサンス期に人気のあった作品の一つであった。ジャンボローニャは、フランドル出身でフィレンツェを拠点とし、18世紀後半に傑出した作品を残した。彼は等身大の彫刻も制作し、そのうち2点はシニョリーア広場のコレクションに加わった。彼とその弟子たちは、しばしば絡み合った2体の人物像を描いた、どの角度から見ても興味深い、優雅で細長い蛇のような彫像を考案した。 [ 90 ]

バロックとロココ

ジャン・ロレンツォ・ベルニーニ、ボルゲーゼ美術館のアポロとダフネ、1622–1625

バロック彫刻では、人物の集団が新たな重要性を帯び、人物の姿には躍動感とエネルギーが宿っていました。人物は中央の渦巻き状の空虚な部分を螺旋状に取り囲んだり、周囲の空間へと伸びていきました。バロック彫刻は、多くの場合、複数の鑑賞角度から鑑賞でき、ルネサンス期のレリーフ彫刻から円形彫刻への移行を反映し、広い空間の中央に配置されるようデザインされました。ベルニーニの「四大噴水」（ローマ、1651年）やヴェルサイユ宮殿の庭園にあるような精巧な噴水は、バロックの特徴でした。バロック様式は彫刻に非常に適しており、ジャン・ロレンツォ・ベルニーニは「聖テレジアの法悦」 （1647年 - 1652年）などの作品で、この時代を代表する彫刻家となりました。[ 91 ]バロック彫刻の多くは、彫刻以外の要素、例えば隠された照明や噴水、あるいは彫刻と建築の融合などを加えて、鑑賞者に変容的な体験をもたらした。芸術家たちは自らを古典派の伝統に属していると認識していたが、今日見られるような「古典派」時代の彫刻よりも、ヘレニズム時代や後期ローマ時代の彫刻を賞賛していた。[ 92 ]

宗教改革により、北欧の多くの地域で宗教彫刻がほぼ完全に停止した。世俗彫刻、特に肖像胸像や墓碑などは続いたものの、オランダ黄金時代には金細工以外に目立った彫刻の要素はなかった。[ 93 ] 部分的には直接的な反応として、彫刻は中世後期と同様にローマカトリック教会でも目立った存在であった。統治者や貴族の像がますます人気となった。18世紀には多くの彫刻がバロック様式を踏襲したが、トレヴィの泉が完成したのは1762年のことである。ロココ様式は小規模な作品に適しており、初期のヨーロッパの磁器や、フランスの家庭内装やオーストリアやバイエルンの巡礼教会に見られるような木や石膏の室内装飾計画に理想的な彫刻形態を見出したと言えるだろう。[ 94 ]

新古典主義

アントニオ・カノーヴァ：愛の接吻によって蘇るプシュケ、1787年

18世紀後半に到来した新古典主義様式は、彫刻に大きな重点を置いた。ジャン＝アントワーヌ・ウードンは、この様式が生み出す鋭い肖像彫刻の好例であり、アントニオ・カノーヴァの裸婦像は、この運動の理想主義的な側面を体現している。新古典主義時代は公共彫刻の黄金時代の一つであったが、その「古典的」な原型は、ヘレニズム彫刻のローマ時代の模写である可能性が高かった。彫刻において最もよく知られている代表例は、イタリアのアントニオ・カノーヴァ、イギリスのジョン・フラックスマン、デンマークのベルテル・トルヴァルセンである。ヨーロッパの新古典主義様式はアメリカ合衆国にも定着し、その頂点はやや遅れて訪れ、ハイラム・パワーズの彫刻に代表される。

アジア

ギリシャ仏教彫刻とアジア

仏陀の最初の表現の一つ、紀元1～2世紀、ガンダーラ

グレコ仏教美術は、古典ギリシャ文化と仏教の文化的融合であるグレコ仏教の芸術的表現であり、紀元前4世紀のアレキサンダー大王の征服から紀元7世紀のイスラムの征服までの間、中央アジアで約1000年にわたって発展しました。グレコ仏教美術は、ヘレニズム美術の強い理想主義的リアリズムと、人間の形での仏陀の最初の表現によって特徴付けられ、現在までアジア大陸全体の仏教美術の芸術的（特に彫刻）規範を定義するのに役立っています。年代は定かではありませんが、ヘレニズム様式は地中海周辺で衰退した後も、西暦5世紀まで東に数世紀にわたって残っていたようです。ギリシャ美術の一部の側面は取り入れられましたが、他の側面はグレコ仏教地域を超えて広まりませんでした。特に、リラックスした姿勢で片足を曲げた立像や、空を飛ぶキューピッドや勝利の女神像は、アジア全域でアプサラスとして人気を博しました。ギリシャの葉の装飾もまた影響を与え、インド版のコリント式柱頭が登場しました。[ 95 ]

ギリシャ仏教美術の起源は、今日のアフガニスタンに位置していたヘレニズム時代のグレコ・バクトリア王国（紀元前250年-130年）に見出すことができ、この王国からインド亜大陸にヘレニズム文化が広がり、小さなインド・ギリシア王国（紀元前180年-10年）が建国された。インド・ギリシア人、そしてクシャーナ朝の治世下、ギリシャ文化と仏教文化の交流がガンダーラ地方（今日のパキスタン北部）で栄え、さらにインドへと広がり、マトゥラの美術に影響を与え、さらに東南アジアの他の地域にも広がるグプタ朝のヒンドゥー教美術に影響を与えた。ギリシャ仏教美術の影響は北方の中央アジアにも広がり、タリム盆地や敦煌石窟の美術、そして最終的には中国、韓国、日本の彫像に大きな影響を与えた。[ 96 ]

中国

観音菩薩坐像、木と顔料、11世紀、北宋時代

中国の商王朝と西周王朝の儀式用の青銅器は、紀元前 1500年頃から1000年以上の期間に作られ、中国美術に継続的な影響を与えている。複雑な模様や動物を模した装飾が施されているが、三星堆で最近発見された巨大な像とは異なり、人間の姿は避けられている。[ 97 ] 壮麗な兵馬俑は、紀元前221年から210年に統一された中国の最初の皇帝である秦の始皇帝の墓のために組み立てられたもので、非常に初期の時代の実際の供儀に代えて、死者が来世でも生前と同じ生活を楽しめるようにと昔から墓に置かれてきた像の壮大な皇帝バージョンであった。陶器や木で作られたより小さな像は、その後何世紀にもわたって墓に置かれ、唐代の墓の像で品質のピークに達した。[ 98 ] 唐の三彩墓像から、等身大に近い宜県の釉薬をかけた陶器の羅漢像などの後世の仏像、そして寺院や墓に飾られた像に至るまで、異常に巨大な陶像の伝統は中国で存続した。これらは、それ以前の木製の同等の像に取って代わるようになった。

中国固有の宗教では、神々の祭祀的な像を用いることはほとんどなく、ましてや神々を描写することさえほとんどない。大型の宗教彫刻はほぼ全て仏教的なもので、主に4世紀から14世紀にかけてのもので、当初はシルクロードを経由してもたらされたギリシャ仏教のモデルを用いていた。仏教はまた、全ての大型肖像彫刻の文脈でもある。他の地域とは全く対照的に、中世中国では皇帝の肖像画でさえ私的なものとみなされていた。皇帝の墓には、エジプトに匹敵するスケールの実物大および神話上の動物が並ぶ壮観な参道があり、寺院や宮殿には小型のものが飾られている。[ 99 ]

小型の仏像や仏群像は、様々な素材で非常に高品質に制作され、[ 100 ]あらゆる種類の物品のレリーフ装飾、特に金属細工や翡翠で制作されました。[ 101 ]初期の時代には、巡礼の洞窟群や屋外の岩のレリーフ として、生きた岩から大量の彫刻が切り出されました。これらのほとんどは元々彩色されていました。文人画家とは顕著な対照をなしており、あらゆる種類の彫刻家は職人とみなされ、名前が記録されているものはほとんどありません。[ 102 ]明朝 以降、宗教的および世俗的な人物の小像が中国の磁器やその他の素材で制作され、重要な輸出品となりました。

日本

奈良 大仏、c.奈良県 752​​

長きに渡る新石器時代、縄文時代末期には、縁に彫刻的としか言いようのない大胆な装飾が施された「火焔縁」の土器がいくつか製作され[ 105 ]、特徴的な「雪眼鏡」の目をした非常に様式化された土偶が数多く製作されました。3世紀から6世紀の古墳時代には、簡素な様式で作られた埴輪（はにわ）と呼ばれる人や動物の像が、重要な古墳の外に建てられました。6世紀に仏教が伝来すると、朝鮮半島を経由して中国の様式が伝わった洗練された彫刻の伝統がもたらされました。 7世紀の法隆寺とその内容物は、東アジアの同時代の仏教寺院の中で最も無傷で現存しており、その中には623体の青銅製釈迦三尊像（両脇に二体の菩薩と四方の守護王が座する歴史的な仏陀を表現）が含まれる。[ 106 ]

定朝は平安時代のみならず、日本の仏像史においても最も偉大な仏師の一人と称される。定朝は複数の木材を組み合わせる「寄木造り」の技法を完成させ、仏像の体型を一新した。彼が制作した仏像の穏やかな表情と優美な姿は、「定朝様」（じょうちょうよう）と呼ばれる日本の仏像彫刻様式を完成させ、後世の日本の仏像の様式を決定づけた。彼の功績は、日本における仏師の社会的地位を飛躍的に向上させた。 [ 107 ]

鎌倉時代になると、源氏が鎌倉幕府を開き 、武士階級が初めて事実上日本を統治するようになりました。定朝の後継者である慶派の仏師たちは、武士の嗜好に合った写実的で躍動感あふれる仏像を制作し、日本の仏像彫刻は最盛期を迎えました。運慶、快慶、湛慶などが有名で、戦火や火災で多くの仏像が失われた興福寺など多くの寺院に、新たな仏像を数多く制作しました。[ 108 ]

その後の日本の重要な大型彫刻のほとんどは仏教彫刻であり、一部には神道の彫刻もあったが、15世紀に日本で仏教が衰退すると、記念碑的な彫刻は主に建築装飾となり、重要性は低下した。[ 109 ] しかし、装飾芸術における彫刻作品は、様々な素材で作られた印籠や根付、金属製の刀装具や日本刀の表装など、小型の物体において、驚くべき技術的達成と洗練のレベルにまで発展した。19世紀には、極めて巧妙なブロンズ製の小型彫刻、象牙や磁器の置物、その他の小型彫刻の輸出産業があり、ますます技術的な達成が重視されるようになった。

インド亜大陸

ヒンドゥー教グプタ朝のテラコッタレリーフ、5世紀、馬の悪魔ケシを殺すクリシュナ

インド亜大陸で最初に発見された彫刻は、インダス文明（紀元前3300～1700年）のもので、現在のパキスタンにあるモヘンジョダロとハラッパーの遺跡で発見されています。これらには、有名な小さな青銅製の女性踊り子像や、いわゆる僧侶王像が含まれています。しかし、青銅や石で作られたこのような像は珍しく、動物や神々を非常に精巧に描いた陶器の像や石の印章に比べてはるかに数が少ないです。インダス文明の崩壊後、仏教時代まで彫刻の記録はほとんど残っておらず、ダイマバードで発見された紀元前 1500年頃の銅像（やや議論の余地あり）の宝庫が残っています。[ 110 ] このように、インドの石造記念碑的彫刻の偉大な伝統は、他の文化やインド文明の発展に比べると比較的遅く、紀元前270年から232年のアショーカ王の治世と、彼がインド各地に建てたアショーカ王の柱に始まったようだ。柱には彼の勅令が刻まれ、頂上にはライオンを中心とする有名な動物の彫刻が飾られており、現存するのは6体。[ 111 ]初期仏教の巡礼用ストゥーパ、とりわけサンチー からは、浮き彫りを主体とした大量の人物彫刻が現存している。これらはおそらく、ヒンドゥー教も取り入れた木造の伝統から発展したものと思われる。[ 112 ]

西暦1世紀から3世紀にかけてのマトゥラのピンク色の砂岩で作られたヒンドゥー教、ジャイナ教、仏教の彫刻は、インド固有の伝統と、ガンダーラのギリシャ仏教美術を通して受けた西洋の影響の両方を反映しており、その後のインド宗教彫刻の基礎を効果的に確立しました。 [ 112 ]この様式は、グプタ朝（約 320年～550年）の時代 にインドの大部分で発展し、普及しました。この時代はインド彫刻の「古典期」として今も語り継がれており、初期のエローラ石窟群もその一部を占めています。 [ 113 ]ただし、エレファンタ石窟群はおそらくそれより少し後の時代です。[ 114 ] その後の大型彫刻はほぼ宗教的なものに限定され、一般的に保守的であり、神々は単純な正面向きの立像に戻ることが多いものの、アプサラスやヤクシなどの随伴する精霊は、官能的な曲線を描くポーズをとることが多い。彫刻はしばしば非常に精緻で、主要人物の背後には高浮き彫りの複雑な背景が施されています。南インドのチョーラ朝（ 850年頃- 1250年）の有名な青銅像には、多くが行列で運ばれるようにデザインされており、ナタラジャを模したシヴァの象徴的な姿[ 115 ]や、その前のパッラヴァ朝に遡るマハーバリプラムの巨大な花崗岩の彫刻などがある[ 116 ]。

東南アジア

9世紀のクメールのまぐさ

この地域の彫刻は、アンコールワットなどにあるヒンドゥー教と仏教のクメール彫刻（9世紀から13世紀）の偉大な建造物、ジャワ島ボロブドゥールの巨大な9世紀の仏教遺跡、バリ島のヒンドゥー教の建造物に見られるように、高度な装飾を特徴とする傾向があります。[ 117 ]これらは両方とも、円形の像だけでなく多くのレリーフが含まれています。ボロブドゥールには2,672枚のレリーフパネル、504体の仏像（多くは透かし彫りの仏塔に半分隠れている）、および多くの大きな守護像があります。

ワット・トライミットの黄金仏– 世界最大の純金彫刻、バンコク、タイ

タイとラオスでは、彫刻は主に仏像で、金箔が施されたものが多く、寺院や僧院用の大型のものから個人宅用の小型の仏像まで様々でした。ミャンマーの伝統的な彫刻はバガン時代以前に出現しました。この地域の他の地域と同様に、バガン時代とアヴァ時代の木彫のほとんどは失われています。

フィリピンの伝統的なアニスム彫刻は、使用された素材や文化を反映したアニスム的なデザインが主流であり、彫刻が置かれる環境によって際立っています。フィリピンのキリスト教およびイスラム教の彫刻は、他の地域のキリスト教およびイスラム教の彫刻とは異なるモチーフを持っています。後期には、ベトナム、ラオス、カンボジアで中国の影響が顕著になり、この地域ではより多くの木彫彫刻が残っています。

イスラム教

絵の具の痕跡のある象牙、11～12世紀、エジプト

イスラム教は無神論的であることで有名であり、彫刻の大部分は植物をモチーフとしたアラベスク模様の浮き彫りまたは透かし彫りで、幾何学的な抽象形態を帯びている。現在、大部分がベルリンに所蔵されている最初期のムシャッタ・ファサード（740年代）には、高浮き彫りの密集したアラベスク模様の中に動物が描かれており、主に低浮き彫りの動物や人物像は、金属細工、象牙、陶器など様々な素材で作られた後期の多くの作品の装飾と併せて見られる。[ 118 ]

円形の動物像は、明らかに実用的なものであれば、私的な場面で使用される作品として容認されることが多かったため、中世イスラム美術には、アクアマニレ、香炉、噴水の支持台などとして金属製の動物が多く見られ、アルハンブラ宮殿の有名なライオンを支える石造のライオンはその頂点に君臨し、中世イスラム最大の動物像として知られるピサのグリフィン像に至っている。同様に、特にムガル美術では、短剣の柄や杯など豪華な硬石彫刻が動物として作られることもある。このような厳格なイスラムの規則の緩和の容認度は時代や地域によって異なり、イスラム教国であったスペイン、ペルシャ、インドでは緩和が顕著であり、典型的には宮廷場面で最も容認度が高い。[ 119 ]

アフリカ

ガボンのマスク
19世紀後半から20世紀初頭にかけての2枚の茅藁像、シカゴ美術館所蔵。女性像（左）と男性像（縦長）

歴史的に、エジプトの巨大な彫刻を除けば、アフリカの彫刻のほとんどは木材やその他の有機素材で作られており、数世紀前より前のものは現存していません。より古い陶器の像は多くの地域から発見されています。仮面は、しばしば高度に様式化された人物像とともに、多くの民族の芸術において重要な要素となっています。そのスタイルは多種多様で、同じ起源を持つ文脈の中でも、作品の用途によって変化することがよくありますが、地域的な傾向は広く見られます。彫刻は、西アフリカの「ニジェール川とコンゴ川の流域に定住した農民集団」の間で最も一般的です。 [ 120 ] 神々を直接描いた像は比較的少ないですが、特に仮面は宗教儀式のために作られることが多く、今日では多くの仮面が「空港アート」として観光客向けに作られています。[ 121 ]アフリカの仮面は、自然主義的な描写への関心の低さからインスピレーションを得た ヨーロッパのモダニズム美術 に影響を与えました。

現在のスーダンにあったヌビアのクシュ王国は、エジプトと緊密な関係にあり、しばしば敵対関係にあったため、主に北方の様式に倣った記念碑的な彫刻を制作した。西アフリカで知られている最古の彫刻は、紀元前500年から紀元後500年の間に現在のナイジェリアで栄えたノク文化のもので、細長い体と角張った形状の粘土像が典型的である。その後、西アフリカ文化では、有名なベニン青銅器のような宮殿を飾るレリーフ用の青銅鋳造が発達し、12世紀から14世紀にかけては、ヨルバ族の町イフェ周辺でテラコッタと金属で作られた非常に精巧な写実的な王家の頭部が制作された。アカン族の金錘は、1400年から1900年にかけて制作された小型の金属彫刻の一種で、アフリカの彫刻では珍しい物語的要素を持つ諺を描いたものもあるようで、王室の衣装には印象的な金の彫刻が施されていた。[ 122 ]

西アフリカの多くの像は宗教儀式に用いられ、儀式の供物として供え物で覆われることが多い。同地域のマンデ語族は、幅広で平らな表面を持つ木片を作り、腕と脚は円筒形である。しかし、中央アフリカでは、ハート型の顔が内側に湾曲し、円と点の模様が見られることが主な特徴である。

アフリカ大湖地域の人々は彫刻で知られているわけではない。[ 120 ]しかし、この地域の1つのスタイルは柱の彫刻であり、人の形に彫られ、幾何学的な形で装飾され、上部には動物、人々、さまざまな物体の像が彫られている。これらの柱はその後、墓の隣に置かれ、死と祖先の世界に関連付けられている。グレート・ジンバブエで知られている文化は、彫刻よりも印象的な建物を残したが、8つの石鹸石のジンバブエ鳥は特別な意味を持っていたようで、一枚岩に設置された。現代のジンバブエの石鹸石彫刻家は、かなりの国際的成功を収めている。南アフリカで知られている最も古い土偶は、西暦400年から600年のものであり、人間と動物の特徴が混在した円筒形の頭部をしている。

エチオピアとエリトリア

エチオピアとエリトリアにおける彫刻の創作は、ドムト王国とアクスム王国の古代にまで遡ることができる。キリスト教美術は、アクスムのエザナ王の治世下、西暦4世紀の異教からキリスト教への改宗とともにエチオピアで確立された。[ 123 ]アクスム王朝時代以降の時代には、キリスト教の肖像が教会を飾った。[ 124 ]例えば、ラリベラでは、ベト・ゴルゴタ教会に等身大の聖人が彫られている。伝統的には、これらは12世紀のザグウェの統治者ゲブレ・メスケル・ラリベラの治世中に作られたものだが、15世紀のソロモン王朝時代に作られた可能性が高い。[ 125 ]しかし、ラリベラの聖ジョージ教会は、複雑な彫刻が施されたラリベラの岩窟建築の例の1つであり、考古学的に10世紀から13世紀にかけて建てられたことが証明されています。[ 126 ]

スーダン

古代スーダンでは、彫刻の発展は紀元前2500年頃に始まったケルマ文化の簡素な陶器から、クシュ王国の記念碑的な彫像や建築にまで及び、その最終段階であるメロエ朝時代は紀元後350年頃にエチオピアのアクスムに征服されて終了した。[ 127 ] [ 128 ]陶器の他に、ケルマ文化では、ベッドの脚に金の牛の蹄を使うなど、彫刻をあしらった家具も作られていた。[ 127 ]クシュ王国の彫刻には、等身大の彫像（特に王と女王）、小型の像（最も一般的には王室の使用人を描いたもの）、石のレリーフなどがあり、これらは同時代の古代エジプトの彫刻の伝統の影響を受けていた。[ 129 ] [ 130 ]

アメリカ大陸

今日のラテンアメリカにおける彫刻は、北のメソアメリカと南のペルーという二つの異なる地域で発展しました。どちらの地域でも、彫刻は当初は石材でしたが、後にこれらの地域の文明が技術的に成熟するにつれて、テラコッタや金属が用いられるようになりました。 [ 131 ]メソアメリカ地域では、オルメカ文化やトルテカ文化の巨大なブロック状の作品から、マヤ文化やアステカ文化を特徴付ける見事な低浮彫まで、より記念碑的な彫刻が数多く制作されました。アンデス地域の彫刻は典型的には小型でしたが、しばしば卓越した技術が発揮されていました。

プレコロンブス時代

北米

聖ヤコブのパネル、ニューメキシコ州サンタフェのクリスト・レイ教会の祭壇壁画より、 1760年頃
エドガー・ドガ「十四歳の小さな踊り子」、 1879年から1880年頃に制作された複合メディア彫刻から1922年に鋳造、ブロンズ、一部着色、綿

北米では、トーテムポール、仮面、調理器具、戦闘用カヌーなど、様々な用途に木彫りが用いられ、文化や地域によって明確な違いが見られます。最も発達した様式は太平洋岸北西海岸のもので、精巧で高度に様式化された一連の形式様式が発達し、今日まで続く伝統の基礎を形成しています。有名なトーテムポールに加え、彩色・彫刻が施された家の正面には、内外の柱や墓石の像などの彫刻が施されています。極北のイヌイットの間では、象牙や石鹸石を使った伝統的な彫刻様式が今も受け継がれています。 [ 132 ]

ヨーロッパのカトリック文化の到来により、地元の技術は当時広まっていたバロック様式に容易に適応され、非常に精巧なレタブロやその他の主に教会の彫刻が様々なハイブリッド様式で制作されました。[ 133 ]カナダで最も有名な例は、ケベック州モントリオールのノートルダム大聖堂の祭壇部分で、地元の農民労働者によって彫刻されました。その後、西洋のアカデミックな伝統で訓練を受けた芸術家たちはヨーロッパのスタイルに従いましたが、19世紀後半には、特にチュリゲレスクとして知られるメキシコのバロックグロテスク様式に見られる先住民族の影響を再び取り入れ始めました。先住民族の人々も教会の彫刻をカーペンターゴシックのバリエーションで採用しました。有名な例として、ブリティッシュコロンビア州スクーカムチャックホットスプリングスのホーリークロス教会があります。

ヨーロッパ人到来後のアメリカ合衆国における彫刻の歴史は、18世紀におけるローマ共和制の市民的価値観とプロテスタント系キリスト教というこの国の基盤を反映している。スペイン植民地と比べると、イギリス植民地における彫刻の発展は非常に遅く、教会に彫刻が置かれることもほとんどなく、独立後に国籍を主張する必要が生じたことでようやく弾みがついた。19世紀中期から後期にかけてのアメリカの彫刻は、古典的、ロマンティックなものが多かったが、劇的で物語性があり、ジャーナリスティックとも言えるリアリズムへの傾向が見られた。19世紀最後の25年間から20世紀前半にかけての公共建築は、彫刻、特にレリーフ彫刻のための建築的背景を提供することが多かった。1930年代までには、ポール・マンシップやリー・ローリーらの作品に特徴づけられるインターナショナル・スタイルの建築とデザイン、そしてアール・デコが人気を博した。1950年代までには、伝統的な彫刻教育はバウハウスの影響を受けた抽象デザインへの関心にほぼ完全に取って代わられた。ミニマリズム彫刻が公共空間における人物像に取って代わり、建築家はデザインに彫刻をほとんど使用しなくなりました。21世紀の現代彫刻家は、古典的なデザインと抽象的なデザインの両方を用いています。1980年代以降、公共彫刻は人物像へと回帰し、2000年までにアメリカ合衆国における新しい公共彫刻の多くは人物像のデザインとなりました。

現代美術への移行

19世紀から20世紀初頭、初期モダニズムと継続的なリアリズム

近代古典主義は、自然主義 (アントワーヌ＝ルイ・バリー)、メロドラマ的 (フランソワ・リュード)、感傷主義 (ジャン＝バティスト・カルポー)、あるいはある種の堂々とした壮大さ (レイトン卿) への傾倒を特徴とする19世紀の古典彫刻とは多くの点で対照的であった。世紀が変わるにつれて古典の伝統はいくつかの異なる方向に進んだが、生きたモデルの研究とルネサンス後の伝統は依然としてそれらの基礎にあった。 オーギュスト・ロダンは、20世紀初頭の最も有名なヨーロッパの彫刻家であった。[ 134 ] [ 135 ]彼は彫刻の印象派とみなされることが多く、彼の弟子であるカミーユ・クローデルやユーゴー・ラインホルトなど、日常生活のつかの間の瞬間をモデル化しようとした人々もそうである。近代古典主義は自然主義への関心が低く、形式的な様式化への関心が高かった。ボリュームと空間のリズム、そして表面のコントラスト（開放、閉鎖、平面、破綻など）により大きな注意が払われ、物語性や解剖学や衣装の細部への説得力のある描写はより軽視されました。物理的なリアリズムよりも心理的な効果に重点が置かれ、世界中の初期の様式からの影響が見受けられました。

近代古典主義の初期の巨匠には、アリスティード・マイヨール、アレクサンダー・マトヴェーエフ、ジョゼフ・ベルナール、アントワーヌ・ブールデル、ゲオルク・コルベ、リベロ・アンドレオッティ、グスタフ・ヴィーゲラン、ヤン・シュトゥルサ、コンスタンティン・ブランクーシなどがいた。世紀が進むにつれて、近代古典主義は、ナチスドイツとソビエトロシアという2つのヨーロッパの全体主義帝国の国民的スタイルとして採用され、ドイツではコルベやヴィルヘルム・レームブルック[ 136 ] 、ロシアではマトヴェーエフなど、初期の芸術家の作品が取り入れられた。ソ連の70年間以上、新世代の彫刻家が彼らのシステムの中で訓練され、選ばれ、独特のスタイルである社会主義リアリズムが発達し、19世紀のメロドラマと自然主義に重点を置いたスタイルに戻った。

西ヨーロッパ（およびアメリカ大陸）では、1970年までに古典主義教育は美術教育から根絶され、20世紀の古典主義的変種はモダニズムの歴史の中で周縁化されました。しかし、古典主義は1990年までソビエト美術アカデミーの美術教育の基盤として存続し、東ヨーロッパ全域および中東の一部における表現力豊かな具象芸術の基盤となりました。2000年までに、ヨーロッパの古典主義の伝統は依然として広く一般の人々から支持されていますが、現代におけるその発展を復活させる教育的伝統が待たれています。

近代古典派の中には、より装飾的/アールデコ的になったもの（ポール・マンシップ、ホセ・デ・クリーフ、カール・ミレス）、より抽象的に様式化されたもの、より表現力豊かになったもの（ゴシック調）（アントン・ハナク、ヴィルヘルム・レームブルック、エルンスト・バルラッハ、アルトゥーロ・マルティーニ）、あるいはよりルネッサンス風になったもの（ジャコモ・マンズー、ヴェナンツォ・クロチェッティ）、あるいは同じままのもの（シャルル・デスピオー、マルセル・ジモンド）もありました。

モダニズム

ガストン・ラシェーズ作「浮かぶ人物」 1927年、ブロンズ、エディション7のうち5作目、オーストラリア国立美術館
ヘンリー・ムーア「大きな横たわる像」 1984年（1938年の小型模型に基づく）、ケンブリッジのフィッツウィリアム美術館
デビッド・スミス、CUBI VI、 (1963)、イスラエル博物館、エルサレム

モダニズム彫刻運動には、キュビズム、幾何学抽象、デ・スティル、シュプレマティズム、構成主義、ダダイズム、シュルレアリスム、未来派、形式主義、抽象表現主義、ポップアート、ミニマリズム、ランドアート、インスタレーションアートなどがあります。

20世紀初頭、パブロ・ピカソは、異質な物体や素材を一つの彫刻作品へと組み合わせる作品を作り始め、彫刻芸術に革命をもたらしました。これは、二次元美術におけるコラージュに相当する彫刻です。シュルレアリスムの到来により、以前は「彫刻」とは呼ばれなかったものが、時折「彫刻」と呼ばれるようになりました。例えば、クーラージュ（coulage）を含む様々な意味での「無意識の彫刻」などです。後年、ピカソは多作な陶芸家となり、世界中の歴史的な陶器への関心から、ジョージ・E・オー、そして後にピーター・ヴォルコス、ケネス・プライス、ロバート・アーネソンといった陶芸家による陶芸復興を牽引しました。マルセル・デュシャンは、 「ファウンド・オブジェクト」（仏語：オブジェ・トゥルーヴェ）またはレディメイドという表現を、例えば「泉」 （1917年）などの作品で初めて用いました。

同様に、 19世紀初頭のコンスタンティン・ブランクーシの作品は、後の抽象彫刻への道を開いた。ロダンや19世紀後半の同時代人たちの自然主義に反抗し、ブランクーシは主題をその本質にまで凝縮した。それは「宇宙の鳥」（1924年）の優雅で洗練された形態によく表れている。[ 137 ]

ブランクーシの影響は、その縮小と抽象化の語彙によって、1930年代から1940年代にかけて見られ、ガストン・ラシェーズ、サー・ジェイコブ・エプスタイン、ヘンリー・ムーア、アルベルト・ジャコメッティ、ジョアン・ミロ、フリオ・ゴンザレス、パブロ・セラーノ、ジャック・リプシッツ[ 138 ]などの芸術家に例えられ、1940年代までには、抽象彫刻は、キネティック・アートの先駆者であるアレクサンダー・カルダー、レン・ライ、ジャン・ティンゲリー、フレデリック・キースラーによって影響を受け、拡大されました。

モダニズム彫刻家たちは、二度の世界大戦の戦没者慰霊碑の需要によって生じたパブリックアートの大ブームをほとんど経験しませんでしたが、1950年代以降、一般の人々や制作委託団体はモダニズム彫刻に寛容になり、抽象的・具象的を問わず、大規模な公共彫刻の委託が一般的になりました。ピカソは、高さ50フィート（15メートル）の巨大な公共彫刻、いわゆる「シカゴ・ピカソ」 （1967年）の模型の制作を依頼されました。彼のデザインは曖昧で、やや物議を醸し、その人物像が何を表しているのかは明確ではありません。鳥、馬、女性、あるいは完全に抽象的な形かもしれません。

1950年代後半から1960年代にかけて、抽象彫刻家たちは様々な新素材や作品制作へのアプローチを試し始めました。シュルレアリスム的なイメージ、擬人化された抽象表現、新素材、そして新たなエネルギー源と多様な表面や物体の組み合わせは、多くの新しいモダニズム彫刻の特徴となりました。ランドスケープデザイナー、建築家、ランドスケープアーキテクトとの共同プロジェクトは、屋外での展示場所と文脈的統合を拡大しました。イサム・ノグチ、デイヴィッド・スミス、アレクサンダー・カルダー、ジャン・ティンゲリー、リチャード・リップルド、ジョージ・リッキー、ルイーズ・ブルジョワ、フィリップ・パヴィア、ルイーズ・ネヴェルソンといったアーティストが、近代彫刻のスタイルを特徴づけるようになりました。

1960年代までには、彫刻を最も本質的で基本的な特徴にまで削ぎ落とす抽象表現主義、幾何学的抽象、ミニマリズムが主流となった。この時期の作品としては、デイヴィッド・スミスのキュービィ作品、サー・アンソニー・カロの溶接鋼作品、様々な彫刻家による溶接彫刻、ジョン・チェンバレンの大型作品、マーク・ディ・スヴェロの環境インスタレーション作品などがある。その他のミニマリストには、線の純粋さというテーマに動きや記念碑性を加えたトニー・スミス、ドナルド・ジャッド、ロバート・モリス、アン・トゥルイット、ジャコモ・ベネヴェッリ、アルナルド・ポモドーロ、リチャード・セラ、ダン・フレイヴィン、カール・アンドレ、ジョン・セイファーなどがいた。[ 139 ]

1960 年代から 1970 年代にかけて、レオナルド・バスキン、アーネスト・トロヴァ、ジョージ・シーガル、マリソル・エスコバー、ポール・テク、ロバート・グラハムなどの近代主義アーティストによる様式化された形の具象彫刻が制作され、フェルナンド・ボテロは絵画の「特大の人物」を記念碑的な彫刻に取り入れました。

現代の動き

クリストとジャンヌ＝クロード『傘』 1991年、日本[ 140 ]
悪を根絶する装置(1997 年)パルマ デ マヨルカ、サンタ カタリナ門広場にあるデニス オッペンハイムによる彫刻

サイトスペシフィックアートや環境アートの作品を代表するアーティストとしては、アンディ・ゴールズワーシー、ウォルター・デ・マリア[ 141 ] 、リチャード・ロング、リチャード・セラ、ロバート・アーウィン[ 142 ] 、ジョージ・リッキー、クリスト、ジャンヌ＝クロードなどがおり、これらは現代抽象彫刻を新たな方向に導いた。アーティストたちは「アメリカ西部のランドアート」プロジェクト群の中で、広大な敷地に環境彫刻を制作した。こうしたランドアートや「アースアート」と呼ばれる環境規模の彫刻作品の代表例として、ロバート・スミスソン、マイケル・ハイザー、ジェームズ・タレル（ローデン・クレーター）などがあげられる。エヴァ・ヘッセ、ソル・ルウィット、ジャッキー・ウィンザー、キース・ソニエ、ブルース・ナウマン、デニス・オッペンハイムなどは、ポストミニマリスト彫刻の先駆者であった。

また、1960 年代から 1970 年代にかけて、エドゥアルド・パオロッツィ、クリッサ、クレス・オルデンバーグ、ジョージ・シーガル、エドワード・キーンホルツ、ナム・ジュン・パイク、ウルフ・フォステル、デュアン・ハンソン、ジョン・デアンドレアなど、多様なアーティストがビデオ アート、環境、光の彫刻、インスタレーション アートを通じて抽象、イメージ、具象を新しい方法で探求しました。

コンセプチュアル・アートとは、作品に含まれる概念やアイデアが、伝統的な美的・物質的な関心よりも優先される芸術です。作品には、ジョセフ・コスースの1965年の「One and Three Chairs （一脚の椅子と三脚の椅子）」、マイケル・クレイグ＝マーティンの「An Oak Tree（樫の木） 」、そしてジョセフ・ボイス、ジェームズ・タレル、ヤツェク・ティリツキの作品などがあります。

ミニマリズム

ポストミニマリズム

現代ジャンル

スパイラル・ジェッティ、ロバート・スミスソン作、2005年

現代彫刻の一部は、環境アートや環境彫刻として屋外で制作され、観客の目の前で行われることがよくあります。光の彫刻、ストリートアート彫刻、サイトスペシフィックアートも、多くの場合、環境を活用します。氷の彫刻は、氷を原料とする一時的な彫刻の一種です。中国、日本、カナダ、スウェーデン、ロシアで人気があります。氷の彫刻は、特にアジアでは、一部の料理の装飾として使われています。キネティック彫刻は、動くように設計された彫刻で、モビールも含まれます。雪の彫刻は通常、各辺が約6〜15フィート（1.8〜4.6メートル）、重さ約20〜30トンの単一の雪の塊から彫られます。雪は、人工的に生成されたか、降雪後に地面から収集された後、密集して形成されます。音響彫刻は、屋内のサウンドインスタレーション、エオリアンハープ、オートマトンなどの屋外インスタレーション、または多かれ少なかれ従来の楽器に近い形をとります。音響彫刻は、多くの場合、サイトスペシフィックです。1990年代後半以降、アートトイは現代アーティストにとって新たな表現形式となり、村上隆やキッドロボットが制作したもの、マイケル・ラウがデザインしたもの、マイケル・リーヴィット（アーティスト）が手作りしたものなどがその例である。[ 143 ]

保全

酸性雨による彫刻の目に見える損傷

彫刻は、温度、湿度、光、紫外線などの環境条件に敏感です。酸性雨も、特定の建築材料や歴史的建造物に損傷を与える可能性があります。これは、雨中の硫酸が石材（石灰岩、砂岩、大理石、花崗岩）に含まれるカルシウム化合物と化学反応を起こして石膏を生成し、それが剥がれ落ちることで発生します。深刻な大気汚染も歴史的建造物に損傷を与えます。[ 144 ]

現代彫刻はいつの時代も公共の場で展示されることが多く、作品はすぐに認識できるため盗難の問題はなかった。しかし21世紀初頭、金属の価値が急騰したため、金属の価値を狙った巨大なブロンズ彫刻の盗難が問題となった。数百万ドル相当の彫刻が、作品価値のごく一部に過ぎない比較的低い金属の価値のために盗まれ、溶かされたのである。[ 145 ]

形状

文化的な

方法

応用

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  • スミス、W・スティーブンソン、シンプソン、ウィリアム・ケリー著『古代エジプトの美術と建築』第3版、1998年、イェール大学出版局（ペンギン/イェール美術史）、ISBN 0-300-07747-5
  • スナイダー、ジェームズ『北方ルネサンス美術』、1985年、ハリー・N・エイブラムス、ISBN 0-13-623596-4
  • ソバニア、ニール W. (2012)、「ラリベラ」、エマニュエルのアキヤンポンにて。 Gates、Henry Louis Jr.、『アフリカ人伝辞典』、オックスフォード：オックスフォード大学出版局、p. 462、ISBN 978-0-19-538207-5。
  • ソバニア、ニール W. (2012)。 「ラリベラ」、エマヌエル州アクヤンポンにある。ゲイツ、ヘンリー・ルイス・ジュニア、アフリカ人伝辞典。オックスフォード: オックスフォード大学出版局。ISBN 978-0-19-538207-5。
  • ストロング、ドナルド他著『ローマ美術』1995年（第2版）、エール大学出版局（ペンギン/エール美術史）、ISBN 0-300-05293-6
  • ウィリアムズ、ディフリ著『古典美術の傑作集』、2009年、大英博物館出版、ISBN 978-0-7141-2254-0
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