笑いトラック
2009年に録音された笑い声の例

ラフトラック（または笑いトラック）は、笑い声（およびその他の観客の反応）を収録した音声録音で、通常はコメディ作品の別個のサウンドトラックとして使用されます。ラフトラックには、観客の生の反応、番組に挿入するために作られた人工的な笑い声（録音された笑い声または偽の笑い声）、あるいはその両方が含まれる場合があります。録音された笑い声を使用してラフトラックを「魅力的」にする手法は、アメリカの音響技師チャールズ・ダグラスによって初めて考案されました。

Audacityで偽の笑​​い声と、その直後に続く本物のスタジオ観客の拍手がミックスされたオーディオトラックの波形

ダグラスの笑い声は、アメリカの主流テレビのスタンダードとなり、1950年代後半から1970年代後半にかけて、ゴールデンタイムのシットコムやスケッチコメディのほとんどで使用されました。1980年代にはステレオ音声による笑い声が開発され、ダグラスの笑い声の使用は減少しました。さらに、シングルカメラのシットコムでは観客が全くいなくなりました。そのため、視聴者に笑いを促すために、録音された笑い声が使用されるようになりました。

アメリカの歴史

無線

ラジオやテレビが登場する以前、観客は他の観客がいる中で、生のコメディパフォーマンスを体験していました。ラジオや初期のテレビプロデューサーは生番組の録音を使用し、後にスタジオのみの番組では、笑い声やその他の観客の反応をサウンドトラックに取り入れることで、この雰囲気を再現しようとしました。

フロリダ州のWWJBの元オーナー、ジャック・ダズウェルが最初の「笑いレコード」を制作した。[ 1 ]

1946年、ジャック・マリンはラジオ・フランクフルトからマグネトフォン磁気テープレコーダーを50リールのテープとともに持ち帰った。このレコーダーはBASFとAEGが1935年からドイツで製造していた磁気テープレコーダーの1つだった。6.5mmテープは1リールあたり20分の高品質アナログ音声を録音できた。その後アレクサンダー・M・ポニアトフは彼のアンペックス社にラジオ制作用にマグネトフォンの改良型を製造するよう指示した。[ 2 ]ビング・クロスビーは最終的にこの技術を採用し、毎週決まった時間に放送されるラジオ番組を事前に録音しておき、生放送で番組を放送したり、西海岸の聴衆のために2度目に放送したりするのを回避した。

この録音方法の導入により、ポストプロダクションで音声を追加することが可能になりました。長年のエンジニアであり、レコーディングのパイオニアであるジャック・マリンは、クロスビーの番組で笑い声がどのように発明されたかを次のように説明しています。

田舎者のコメディアン、ボブ・バーンズがかつてこの番組に出演し、当時としては極めて際どく、下品で素朴な農場ネタをいくつか披露しました。それを生録音したところ、皆大爆笑し、笑いが延々と続きましたが、そのジョークは使えませんでした。今ならそれらのネタは比較的穏やかに聞こえるかもしれませんが、当時のラジオ事情は今とは違っていました。そこで脚本家のビル・モローは、笑いのネタを取っておいてほしいと頼んできました。数週間後、彼の番組はあまり面白くなかったので、残った笑いのネタを入れるよう強く勧められました。こうして笑い声のトラックが誕生したのです。[ 3 ]

初期のアメリカのテレビ、映画、"sweetening"

初期のテレビでは、生放送でない番組のほとんどはシングルカメラの撮影技術を用いており、各シーンを異なるカメラアングルから複数回撮影することで番組が作られていた。[ 3 ]俳優やスタッフの演技はコントロールできたものの、生放送の観客が「正しい」瞬間に笑うとは期待できなかった。観客の笑い声が大きすぎたり、笑いが長すぎたりすると判断されたこともあった。[ 3 ]

CBSの音響技師チャーリー・ダグラスはこうした矛盾に気づき、自ら改善に着手した。[ 4 ]ジョークで期待通りの笑いが生まれなかった場合、ダグラスは笑い声を追加した。また、生放送の観客が長々と笑い続けると、ダグラスは徐々に笑い声を抑えていった。この編集手法は「スウィーティング」として知られるようになり、スタジオの観客が期待したほどの反応を示さなかった場合、録音された笑い声を使ってその反応を増幅させる。[ 4 ]逆に、この手法は観客の反応を「デスウィーティング」するためにも用いられる。つまり、不要な大きな笑い声を抑えたり、不適切な拍手喝采を取り除いたりすることで、プロデューサーが好むストーリー展開方法に沿った笑い声を作り出すのである。[ 5 ]

CBSで働いていた頃、ダグラスは直径28インチの大きな木製の車輪と、その外側の縁に接着されたテープのリールからなる試作型の笑いマシンを製作した。このマシンはキーで操作し、ホイールの別の戻り止めに当たるまでキーを回し続けることで、完全な笑い声を再生する。このマシンは会社の勤務時間中に製作されたため、ダグラスがCBSを辞めると決めた時、CBSはマシンの返還を要求した。この試作マシンは使用開始から数ヶ月で壊れてしまった。[ 6 ]ダグラスは1953年に自身の技術を拡張し、録音されたライブのサウンドトラック（主に『レッド・スケルトン・ショー』のパントマイム部分）から笑い声や拍手を抽出し、録音した音を巨大なテープレコーダーに取り込むようになった。

録音された笑い声は、シングルカメラで撮影された番組に追加することが可能でした。笑い声トラックを取り入れた最初のアメリカのテレビ番組は、 1950年のシットコム『ハンク・マッキューン・ショー』でした。その後すぐに『プライド・オブ・ザ・ファミリー』（ABC、1953～54年）などのシングルカメラで撮影された番組も続きました。 [ 7 ]しかし、『ザ・トラブル・ウィズ・ファーザー』 （ABC、1950～55年）、『ザ・ビューラー・ショー』（ABC、1950～52年） 、 『ザ・ゴールドバーグ家』 （複数のネットワーク、1949～56年）など、観客や笑い声トラックを取り入れていない番組もいくつかありました。アンソロジーシリーズの『フォー・スター・プレイハウス』では、時折放送されるコメディエピソードで笑い声トラックや観客は使用されませんでした。共同プロデューサーのデヴィッド・ニーヴンは、笑い声トラックを「乱暴で無差別な笑い」と呼び、「もし話題に上ったら、私はその考えを却下するだろう。まあ、そんなことは起こらないだろうが。機械的なトリックは使わずにやっていく」と述べています。[ 8 ]

マルチカメラショー

ラフトラックが普及して間もなく、ルシル・ボールとデジ・アーナズは複数の映画カメラを設置して生観客を入れながら撮影する方法を考案した。この方法はもともと、生のスタジオ観客を入れ、ラフトラックは使わなかったシットコム『アイ・ラブ・ルーシー』で採用された。 [ 4 ]生観客を入れたマルチカメラ番組では、反応を補足するために録画した笑い声を使うこともあった。スケッチ・コメディやバラエティ番組は最終的に生放送からビデオテープに移行し、番組を放送する前に編集できるようになった。電子ダビングが登場する前に録画された観客番組を物理的に編集すると（当時は4重ビデオテープを使用）、サウンドトラックに凹凸や途切れが生じてしまった。[ 9 ]そこでダグラスがこれらのギャップを埋めるよう求められた。

出演者もプロデューサーも、徐々に録音済みの笑い声の力に気づき始めた。[ 5 ]初期のポストプロダクション編集セッションを見ていたコメディアンのミルトン・バールは、あるジョークを指摘し、「我々がここでこれをやっている限り、そのジョークは我々が期待していた反応を得られなかった」と言ったことがある。ダグラスがその失敗したジョークの後に力強い笑いを挿入した後、バールは「ほら？面白いって言ったでしょ」とコメントしたと伝えられている。[ 3 ]コメディアンのボブ・ホープは、テレビスペシャルの制作中に、ダグラスの手を自分の手で取り、ダグラスの指を柔らかくする効果を生み出すためにこすり始め、「よし、さあ、笑わせてくれ」と言った。[ 10 ]

1960年代

メディアの進化に伴い、生放送に伴う制作費は膨れ上がった。『アイ・ラブ・ルーシー』や『エド・サリバン・ショー』のように、観客を入れたスタジオ撮影にも限界があった。観客の半数は、自分が座っている場所から番組を見ることができないのだ。そこでダグラスは、番組全体を通して、観客の反応をゼロからシミュレートするために起用された。[ 10 ]プロデューサーたちはすぐに、観客なしで番組を撮影し、ポストプロダクションで反応を調整する方がはるかに簡単であることに気づいた。当初、監督たちは反応を挿入する余地を与えなかったため、観客の反応を盛り込むのが難しく、台詞がかき消されてしまった。観客の反応カードには、笑いが無理やりで不自然だと何度も書かれていた。[ 10 ]脚本家たちは徐々に笑い声を入れるための時間的余裕を意識するようになり、脚本のタイミングをそれに合わせて調整するようになった。監督たちは徐々に、それまで聞かれていなかった観客の反応を入れる余地を残すようになり、プロデューサーたちはダグラスがより容易に編集できるよう、ポストプロダクションの予算を組んだ。[ 5 ]

1950年代から1960年代にかけて制作されたテレビのコメディのほとんどは、シングルカメラ技術と、不在の観客をシミュレートする笑いトラックを使用していました。[ 7 ]プロデューサーはマルチカメラ形式に幻滅しました。当時の共通認識は、ライブの観客は緊張し、神経質になり、合図で笑うことはめったにないということでした。[ 11 ]

ホーガンズ・ヒーローズ

シットコムが笑いトラックなしで生き残れるかどうかのテストは、ホーガンズ・ヒーローズのパイロット版で行われた。

ネットワーク調査によると、シングルカメラ番組をコメディとして分類するには、笑いトラックの挿入が不可欠と考えられていた。この仮説は1965年にCBSが新しいシングルカメラ・シットコム『ホーガンズ・ヒーローズ』（1965-71年）の実験を行った際に検証された。パイロット版の2つのバージョン、笑いトラックありとなしを視聴者に提示したのである。笑いトラックなしのバージョンは、番組の知的なユーモアもあってあまり好評ではなかったが、笑いトラックありのバージョンはより好評を得た。その結果、『ホーガンズ・ヒーローズ』は笑いトラック付きで放送され、CBSはその後すべてのコメディ番組に笑いトラックを取り入れるようになった。[ 3 ]

シットコムの笑い声トラックは、番組のスタイルによって異なっていた。番組が奇抜であればあるほど、笑い声トラックはより侵入的であった。『奥さまは魔女』『モンスターズ』『ジニーの願い』『ビバリーヒルズ高校白書』などの番組は笑い声トラックに大きく依存していたが、『アンディ・グリフィス・ショー』『ゆかいなブレディー家』『三人の息子』などのより控えめな番組では、笑い声はより抑制されていた。『Get Smart』などの一部の番組では、シリーズが進むにつれてより侵入的になる笑い声トラックが使用されていたが、『M*A*S*H』のような番組では、シリーズがよりドラマチックになるにつれて笑い声がトーンダウンし、手術室のシーンでは笑い声はまったく見られなかった。[ 10 ]

1960年代半ばまでに、アメリカのシットコムはほぼすべてシングルカメラで撮影され、笑い声用のトラックが挿入されるようになりました。『ジョーイ・ビショップ・ショー』、『ディック・ヴァン・ダイク・ショー』、『ルーシー・ショー』など、スタジオの観客を起用しながらも、実際の笑い声に「スウィートニング」という手法を用いていた番組はごくわずかでした。[ 5 ]

チャーリー・ダグラスと謎の「ラフボックス」

1950年代後半から1970年代初頭にかけて、ダグラスは高額で骨の折れる笑いを生み出すビジネスを独占していた。[ 12 ] 1960年までに、アメリカのほぼすべてのゴールデンタイムの番組はダグラスによって彩られていた。「笑いを盛り込む」段階になると、プロデューサーはダグラスに、要求された笑いの種類をいつ、どこに挿入するかを指示した。[ 13 ]ダグラスとプロデューサーの間には必然的に意見の相違が生じたものの、最終決定権はプロデューサーにあった。[ 13 ]指示を受けたダグラスは、プロデューサーやスタジオにいる他の誰にも見えないところで、観客を作り上げることに取り組んだ。[ 13 ]

評論家のディック・ホブソンは1966年7月のTVガイドの記事で、ダグラス一家は「街で唯一の笑いのネタ」だと評した。[ 13 ]ダグラスは自分の仕事について秘密主義で有名だったため、テレビ業界で彼が発明品を使っているところを目撃した人はほとんどいなかった。 [ 14 ]そしてテレビ業界で最も話題になる人物の一人だった。[ 11 ]

ダグラスは1960年8月にノースリッジ・エレクトロニクスを設立した。これは、ダグラス一家が住み、南京錠をかけたガレージで事業を営んでいたロサンゼルス郊外のサンフェルナンド・バレーにちなんで名付けられた。 [ 13 ]サービスが必要になると、彼らは機器を編集室に運び込み、電源につないで作業に取りかかった。[ 13 ]制作スタジオは、ダグラスがポストプロダクション中に作り物の笑いをミックスするためにスタジオからスタジオへと行き来するのを見ることに慣れていった。[ 12 ]

ダグラスが開拓した技術的進歩は、チェンバレン・ミュージック・マスターやメロトロンといった楽器に見られるものと非常によく似ていました。[ 15 ]彼の洗練された独自の装置は、業界では「ラフ・ボックス」という愛称で親しまれており、南京錠でしっかりと施錠され、高さ2フィート（約60センチ）以上、オルガンのように作動しました。[ 13 ]ダグラスはタイプライターに似たキーボードを使って、笑いのスタイル、性別、年齢を選択し、ペダルで反応の長さを計りました。この装置の中には、くすくす笑い、ひょうきん笑い、腹を抱えて笑うといった様々な笑い声が録音されていました。32のテープループに320の笑い声が収録されており、1ループにつき10個ずつです。各ループには、最大10個の観客の笑い声が端から端まで繋ぎ合わされ、同時に回転しながらキューを待っていました。[ 13 ]テープはループされていたため、笑い声は同じ順序で繰り返し再生されました。音響技師はシットコムを見れば、たとえ初めて見るエピソードであっても、次に繰り返される大笑いがどれなのか正確に把握できた。ダグラスは、長さの長いものも短いものも含め、様々な笑い声を頻繁に組み合わせていた。注意深い視聴者は、彼がより多様な観客の反応を得るために笑い声を混ぜ合わせようとしていることに気付くことができた。[ 11 ]ダグラスの笑い声は、単に笑う観客を録音したものではなく、注意深く生成され、ミックスされており、「ジョークを早く理解する男性」、「主婦のくすくす笑い」、「ジョークは理解していないがとにかく笑っている人」など、いくつかの笑い声に詳細な特徴が与えられ、これらがすべてブレンドされ、重ね合わされて、問題の番組に実際に観客が反応しているかのような錯覚を作り出していた。男性の深い笑い声が新しい女性の笑い声に入れ替わったり、甲高い女性のくすくす笑いが男性のくすくす笑いに置き換えられたりした。[ 11 ]あるプロデューサーは、甲高い叫び声から「ジャングル・レディ」と呼んでいた女性の笑い声が繰り返し聞こえることに気づいた。ダグラスに何度も苦情を申し立てた結果、その笑い声はレギュラーラインナップから外された。[ 13 ]

ループには30秒間の「ティッター」トラックも含まれており、これは個々の人が静かに笑う音で構成されていました。この「ティッター」トラックは笑いを静めるために使用され、常にバックグラウンドで再生されていました。ダグラスが大きな笑い声を挿入する際は、最終ミックスをスムーズにするためにティッタートラックの音量を上げました。このティッタートラックは1967年に45秒に、その後1970年には60秒に延長され、1964年、1967年、1970年、そして1976年に全面的に改訂されました。ダグラスは視聴者が時間とともに進化すると信じ、数ヶ月ごとに小さな変更を加えて録音を新鮮に保ちました。[ 13 ]ダグラスはまた、観客の拍手、「おおー」、「あー」という歓声、そして観客が席を移動する音（多くのプロデューサーは、常に聞こえるようにすることを主張しました）を多用しました。[ 13 ]

装置の中身がどのようなものかを知っていたのは、家族の近しい者だけだった[ 13 ]（かつて「ラフボックス」は「世界で最も人気のある、しかし巧みに隠された箱」と呼ばれていた）。[ 11 ]ダグラス家の複数のメンバーが編集作業に関わっており、それぞれがジョークに対して異なった反応を示した。チャーリー・ダグラスは最も保守的だったため、プロデューサーはしばしば、笑い声の選択にもっと寛容なチャーリーの息子ボブに候補を挙がらせた。[ 13 ]微妙な質感の変化が、笑い声トラックが示唆する倫理的状況に甚大な影響を及ぼす可能性があった。[ 16 ] ダグラスは自分で素材を編集していたため、ネタをよく知っていた。彼には数十通りの反応があり、それぞれがどこにあるかを知っていた。ダグラスは効果を高めるために、定期的に笑いのスピードを少しだけ上げていた。彼の仕事はテレビ業界の多くの人々から高く評価された。[ 14 ]ダグラスは長年にわたり、新しい録音を追加し、廃止されていた古い録音を復活させ、その後新しいトラックを廃止しました。1960年代初期のシットコムで聞かれた笑い声は、数年後の1970年代後半に再び浮上しました。特に1970年代から、ダグラスは更新された笑い声トラックと古い笑い声トラックを交互に使用し始め、時には2つを組み合わせることさえありました。[ 14 ]最大40の異なる笑い声クリップを一度に組み合わせてレイヤー化することができ、実際には同じ笑い声が後で個別に聞こえても、より大きく大きな反応があるという効果を生み出しました。[ 17 ]公民権運動が勢いを増すにつれて、ダグラスは笑い声トラックをより多様なものにし始め、白人アメリカ人とは明らかに異なる声を持つ他の文化の人々の笑い声の例も含めました。[ 17 ]

ダグラスの「ラフボックス」は、2010年にオークションで、所有者が保管庫の賃料を滞納したため、未公開のまま購入された。その後、2010年6月にカリフォルニア州サンディエゴで放送された「アンティークス・ロードショー」で取り上げられ、実演された。その価値は1万ドルと評価された。[ 18 ]

漫画や子供向け番組

笑い声の導入は、実写番組のみならず、20世紀半ばにはゴールデンタイムのアニメ番組にも広がりました。この傾向は、特に『ロッキー＆ブルウィンクル・ショー』（ABC、1959～61年、NBC、1961～64年）で顕著に表れましたが、当初は最初の4話のみに限られていました。この先駆的な試みの後、ハンナ・バーベラも同様のアプローチを採用し、1970年頃までゴールデンタイムのアニメ番組に包括的な笑い声を組み込んでいました。

ハンナ・バーベラによる笑い声トラックの活用例としては、高く評価されたシリーズ『原始家族フリントストーン』（ABC、1960～66年）、『トップ・キャット』（ABC、1961～62年）、 『宇宙家族ジェットソン』（ABC、1962～63年）が挙げられます。さらに、ハンナ・バーベラが制作した真夏のシットコム『Where's Huddles?』 （CBS、1970年）や、クレイヨ・クレストンとMCAの『カルビンと大佐』（ABC、1961～62年）といった補助的な番組でも、同様に笑い声が使用されていました。笑い声トラックの活用は昼間の番組にも広がり、『バナナ・スプリッツ・アドベンチャー・アワー』（NBC、1968～70年）に代表されるように、徐々に業界の慣習に沿うようになっていきました。

1960年代後半から1980年代初頭にかけて、土曜朝のジャンル向けに作られたコメディ漫画のかなりの割合で、笑い声を挿入するようになりました。この傾向は、 1968年にフィルメーション社が『アーチー・ショー』を放送開始したことで始まり、その後、ランキン・バス社、デパティー・フレレング・エンタープライズ（DFE）、ハンナ・バーベラ社などの業界の大手企業が追随しました。しかし、笑い声の急増により目新しさと効果が薄れていくと、アニメーションスタジオは1980年代初頭までに徐々にこの聴覚的装飾への依存をやめていきました。この時代の終焉は、フィルメーション社の『ギリガン君の惑星』（CBS、1982～83年）の終了で示され、この作品は笑い声を組み込んだ土曜朝のアニメシリーズの集大成となっています。

昼間の時間帯であったことから、『バナナ・スプリット』は、ハンナ・バーベラが土曜朝のアニメ番組にチャールズ・ダグラスの笑いトラック技術を採用する先駆けとなりました。この移行は、 1969年の『スクービー・ドゥー、どこだ?』 (CBS、1969-70年)の放送開始とともに始まり、ダグラスの笑いトラックがハンナ・バーベラの土曜朝の番組ラインナップに初めて組み込まれたことを記念しました。この革新が好評だったことに後押しされ、ハンナ・バーベラは1970-71年シーズンの自社作品の大半に笑いトラックを組み込みました。笑いトラックの使用範囲はこのように広がり、ハンナ・バーベラのアニメ作品の幅広い範囲に広がり、その中には『ハーレム・グローブトロッターズ』(CBS、1970-71年)や『ジョシーとプッシーキャッツ』 (CBS、1970-71年)などのシリーズも含まれました。ダグラスの技術をこのように戦略的に導入したことは、重要な土曜朝の番組枠でアニメコンテンツのコメディの魅力と視聴者のエンゲージメントを高めるというハンナ・バーベラの取り組みを反映したものでした。

ピンク・パンサー・ショー（NBC、1969年 - 1978年、ABC、1978年 - 1980年）は、同業番組の中では異例の存在だった。過去に劇場公開された作品をまとめたこの番組は、30分のショーケースという形式を採用し、『インスペクター』、『アリとツチブタ』、『ティファナ・ヒキガエル』 （文化的な感受性を考慮し、テレビ放送では『テキサス・ヒキガエル』 に改名）といったDFEの様々な劇場用短編作品を融合させたものだった。特筆すべきは、これらの短編のオリジナルの劇場版には笑い声が収録されていなかったことである。しかし、NBCはテレビ放送にはそのような音声要素を含めることを義務付けた。その結果、放送局の好みや視聴者の期待を考慮し、笑い声が追加された。その後、1982年にDFEの劇場版がシンジケート化された際、原作の芸術的完全性を保ちつつ、サウンドトラックを元の状態に復元する取り組みが行われました。時を経て、これらの短編映画の再パッケージ化により、劇場版とテレビ版の両方が提供されるようになり、それぞれのバージョンに付随する多様な聴覚体験が保存されています。この傾向の例外として、『ミスタージョー』と『クレイジーレッグス・クレーン』が挙げられます。これらはテレビ版のみで制作され、劇場公開されることはなく、笑い声トラックのみを特徴とするバージョンとなっています。 [ 19 ]

フィルメーション社の先例に倣い、プロデューサーのシドとマーティ・クロフトは、ダグラスの笑いトラック技術をテレビ番組に採用しました。転機となったのは、 1969年に『HR Pufnstuf』の制作が開始された時でした。エグゼクティブ・プロデューサーのサイ・ローズは、笑いトラックの挿入を主張しました。笑いトラックのないコメディは本質的に不利だと考えたからです。この説得により、ダグラスの笑いトラックは『HR Pufnstuf』に採用され、その後クロフトが土曜朝のテレビ番組向けに制作する作品にも取り入れられるようになりました。

その後、クロフト兄弟は、ドラマチックな「ランド・オブ・ザ・ロスト」シリーズを除く、土曜朝のテレビ番組のすべてにダグラスの協力を得た。この共同作業は、「ザ・バガルース」、 「リズヴィル」 、「ジークムントと海の怪物」、「ザ・ロスト・ソーサー」、 「ファー・アウト・スペース・ナッツ」など、さまざまな作品に広がった。クロフト兄弟は、ハイコンセプトの子供向け番組から生放送のバラエティ番組へと移行しながら、音声補正のためにダグラスとの共同作業を続けた。ダグラスの専門知識の恩恵を受けた有名なバラエティ番組には、「ドニーとマリー」、「ゆかいなブレディー家バラエティ・アワー」、「クロフト・スーパーショー」 、「クロフト・スーパースター・アワー」、「ピンク・レディーとジェフ」、「バーバラ・マンドレルとマンドレル・シスターズ」、「プライアーズ・プレイス」、および1987年のシンジケート・シットコム「DCフォリーズ」がある。

土曜朝のテレビ番組に笑い声トラックを取り入れるという慣習が広まるにつれ、ダグラスは様々な子供の笑い声を収録するレパートリーを広げていった。「キディ・ラフ」と呼ばれるこれらの音声ライブラリは、1973年のシンジケートテレビスペシャル『ハリウッド・ボウルのシドとマーティ・クロフトの世界』の音声強化に初めて使用されたが、1974年までに『アンクル・クロックス・ブロック』 『ジークムントと海の怪物』『ピンク・パンサー・ショー』『ロスト・ソーサー』『ファー・アウト・スペース・ナッツ』など、ほとんどの土曜朝の子供番組で聞かれるようになった。[ 3 ]

現在ディズニーチャンネルが制作しているシットコムやスタジオ制作の笑いトラックは、主に生観客の前で録音されている。[ 20 ]ディズニーの最大のライバルであるニコロデオンは、生観客席が設置されていた元のスタジオ設備を閉鎖して以来、 『iCarly』や『ビクトリアス』などの番組で笑いトラックを利用している。

自分たちで作る

1970年初頭までに、チャールズ・ダグラスの笑い番組制作事業は収益性を高め、サービスの価格体系を見直す決断に至った。しかし、テレビアニメの経済状況は、予算制約が厳しいシットコムとは大きく異なっていた。[ 21 ]コスト削減の必要性から、ハンナ・バーベラやランキン・バスといったアニメーションスタジオは、1971年以降、ダグラスのサービスから徐々に撤退し始めた。

これらのスタジオは、制作に笑い声トラックを取り入れる必要性を認識しながらも、笑いを生み出すための代替手段を模索し、様々な戦略を用いて独自にカスタム笑い声トラックを制作しました。こうした独自の笑い声トラックの採用は、当時の言説や歴史評論家の間で大きな論争を巻き起こし、その信憑性と美的整合性について疑問が投げかけられました。[ 11 ]

しかし、この変化する状況の中で、フィルメーション、デパティ・フレレング・エンタープライズ、シド＆マーティ・クロフト・テレビジョン・プロダクションズなどの企業はダグラスとの協力関係を維持し、土曜の朝のアニメコンテンツに笑いを増やすために彼の専門知識を活用し続けました。[ 11 ]

ハンナ・バーベラ

アメリカのアニメ制作のパイオニアであるハンナ・バーベラは、ダグラスのサービス利用から大きく転換しました。スタジオはラフトラック現象を積極的に取り入れ、当初は『原始家族フリントストーン』、『トップ・キャット』、『宇宙家族ジェットソン』といった人気番組を含むゴールデンタイムのラインナップに取り入れました。その後、この手法は昼間の番組にも広がり、特に1968年にはフィルメーションの『アーチーズ』にインスピレーションを得た『バナナ・スプリット』を導入しました。1971年以前は、『スクービー・ドゥー、どこだ！』、『ハーレム・グローブトロッターズ』、『ジョージーとプッシーキャッツ』といった人気シリーズは、包括的なラフトラックが広く使用されているのが特徴でした。

1971-72年シーズンの初めに、ハンナ・バーベラがマッケンジー・リピーターを用いた限定的な笑い声トラック機構を導入するという微妙なアプローチを採用したことで、極めて重要な転換が起こった。最大5つの効果音を周期的に再生できるこの装置は、ダグラス独特の笑い声を繰り返し再生することを容易にした。聴覚構成は、軽い含み笑いと心の底からの笑い声が混ざり合い、時折目立つ女性の笑い声が加わり、すべてが金属的な共鳴音によって強調されていた。[ 22 ] [ 23 ]ハンナ・バーベラ・ハッピー・アワーに代表される折衷的なバラエティ番組（一時的にダグラスに戻って強化された）を除けば、ハンナ・バーベラはその後10年間、土曜朝の番組の大半でこの修正された笑い声トラックの使用を標準化した。[ 14 ]

ハンナ・バーベラの笑い声トラックの影響は、エピソードコンテンツにとどまらず、様々なテレビスペシャルにも及んだ。特に『ABCサタデー・スーパースター・ムービー』（ABC、1972～74年）は、将来のコメディアニメシリーズを紹介するプラットフォームとして機能した。スタジオは時折、笑い声トラックの速度を遅くするなどの手法を用いて、コメディ効果を高めた。これは『新スクービー・ドゥー・ムービー』第2シーズンによく見られる。[ 11 ]

1972年、ハンナ・バーベラは『お父さんが家に帰るまで待って』で、笑い声トラックのダイナミクスに関する実験を続けました。特筆すべきは、この作品では通常とは異なる、腹の底から笑うような笑い声を追加した、改良された笑い声トラックが使用されていたことです。さらに、この作品の笑い声トラックは制作過程で意図的に速度を落とされており、ハンナ・バーベラのテレビ番組の中でも特異な存在でした。[ 11 ]

ハンナ・バーベラの笑いトラックをフィーチャーした土曜朝の番組:

ゴールデンタイムスペシャル/テレビ映画:

ハンナ・バーベラの笑いトラックは1981年から1982年のテレビシーズン後に廃止されました。

1994年、ラフトラックの歴史研究家で再録音ミキサーのポール・アイバーソンは、ハンナ・バーベラのトラックの遺産について次のようにコメントしました。

ハンナ・バーベラの笑い声トラックは、ダグラスの作品以上に笑い声トラックの評判を落とした。同じ笑い声トラックを5つほど10年間繰り返し使用することは、視聴者がどんなに若くても、気づかずにはいられない。

アイバーソンはこう付け加えた。

「ジョージーとプッシーキャッツ」と「ジョージーとプッシーキャッツ・イン・アウタースペース」を並べて観れば、その痛ましい事実が明らかになる。ハンナ・バーベラのような強力な会社――最盛期には土曜の朝の番組をほぼ独占していた――が、これほど劣悪な笑い声を長年吹き替えることで、視聴者を軽視していたとは、実に残念だ。[ 11 ]

ランキン/バス

クリスマスをテーマにした特別番組で特に有名なアニメーションスタジオ、ランキン・バスは、1971年に土曜日の朝のアニメシリーズ「ジャクソン5ive」に笑い声のトラックを取り入れるという分野に進出しました。ハンナ・バーベラに似たモデルに倣い、ランキン・バスはチャールズ・ダグラスの膨大なライブラリから笑い声のサンプルを抽出し、それを番組のオーディオトラックにシームレスに統合する方法を採用しました。

当初、笑いの部分は音の連続で、音の響き方がやや不調和でした。控えめなユーモアが過剰なまでに激しい反応を引き起こし、物語の自然な流れを乱すことがよくありました。さらに、会話の途中で自然と笑いがこみ上げてくる場面もあり、コメディ効果をさらに損なっていました。

しかし、スタジオはアプローチを洗練させようと尽力しており、それは第2シーズンの取り組みにも如実に表れていた。ダグラスが更新した1971～72年のライブラリーから綿密に選曲することで、ランキン／バスはより繊細で文脈に即した笑いの断片を導入した。特に、改善されたセレクションはより高度な変調を特徴としており、番組全体の笑いのタイミングとの調和がより保たれている。ランキン／バスが行った音響エンジニアリングの強化は、笑いの断片とアニメーションのシーケンスの同期をさらに最適化することにも貢献した。

この改良された手法は、ジャクソン5だけにとどまらず、ランキン/バス制作の別の作品『オズモンズ』（ABC、1972年）にも適用されました。ハンナ・バーベラの笑い声によく見られる金属的な音色とは異なり、ランキン/バスはより多様な笑い声のサンプルを提供することで、視聴者の聴覚体験を豊かにしようと努めました。[ 11 ]

最終的に、ランキン／バスによる笑い声トラックの使用は一時的に制限され、前述のシリーズの制作終了とともに中止されました。この決定は、スタジオがテレビ番組制作におけるこの特定の音響強化技術の実験の集大成となりました。[ 11 ]

ジム・ヘンソン＆アソシエイツ：マペット・ショー

マペット・ショーの「サイレント」パイロット版から公式シリーズへの移行は、コメディの表現方法に大きな転換をもたらしました。笑い声を番組の枠組みに取り入れた独自の手法は、前作とは一線を画すものでした。バラエティ番組に内在するヴォードヴィリアン的なエッセンスを取り入れることで、視聴者はマペットたちのおどけたパフォーマンスだけでなく、劇場の観客の様子やその反応を垣間見ることもできました。[ 24 ]

イギリスのATVエルストリー・スタジオを拠点とする制作チームは、ジム・ヘンソンの指揮の下、独特の聴覚体験を実現するための対策を講じました。以前の作品では、事前に収録された笑い声ばかりが使われていましたが、最初のエピソードでは、新鮮な笑い声や拍手が綿密に選別され、多くの場合、キャストやスタッフがデイリーに実際に反応した様子が収録されました。この斬新なアプローチは、リアリティあふれる雰囲気を醸し出すだけでなく、視聴者にまるで生の観客の前で公演されているかのような印象を与えました。しかし、ヘンソンは制作の複雑さを考えると、生の観客の前での演出は現実的ではないことを認め、他のテレビ番組が直面する同様の課題を例に挙げました。ヘンソンは、このシリーズがヴォードヴィルからインスピレーションを得ているため、笑い声を入れることは必須だったと述べているが、それは簡単な作業ではなかったと認めている。「初期のショーを見ると、本当に恥ずかしくなります。後になって笑い声は良くなりましたが、うまくやり、観客が笑っているという現実を作り出すのは常に難しいことです。」[ 24 ]

笑いトラックの導入には懐疑的な意見もあった。ヘンソンは当初、マペットシリーズとの相性に疑問を抱いており、パイロット版では、笑いのないバージョンと笑いを強調したバージョンの両方を試した結果、コメディのインパクトを高める効果を認めた。笑いトラックの活用は『マペット・ショー』の特徴的な要素となり、物語の中で登場人物が第四の壁を破る場面で時折その効果を認めている。シリーズの第4話では、ゲストのルース・バジから、カエルのカーミットがギャグやルーティンで番組にふさわしいと思うかと尋ねられると、カメラに向かって「それは笑いトラック次第だ」と答えた。シーズン2のゲスト、スティーブ・マーティンが出演したエピソードでは、番組がその夜キャンセルされ、新しい出演者のオーディションが行われたという設定を裏付けるため、笑いトラックが一切使用されなかった。聞こえる笑い声は、マペットの出演者自身のものだけだった。[ 25 ]

1981年の『マペット・ショー』終了後、その後のマペット作品は制作場所をアメリカ合衆国に移した。この移転は、イギリスにおけるATVフランチャイズの商業化の終了と、番組の出資者であるルー・グレード卿がテレビ事業から撤退したことがきっかけとなった。ヘンソンのオリジナルの笑い声がなくなったため、その後の作品では観客の反応をダグラスの専門知識に頼るようになり、この伝統は息子のロバート・ダグラスによって引き継がれ、その後のマペット作品にも引き継がれた。『ファンタスティック・ミス・ピギー・ショー』や『マペット30周年記念』といった単発作品、そしてディズニー傘下の 『マペット・トゥナイト』などが含まれる。

1970年代; ライブ観客の復活

録音された笑い声の使用は1960年代にピークを迎えた。しかし、一部のプロデューサーは、生の観客の前で撮影されることを想定していないシットコムの運営に不安を感じていた。その一例が、テレビドラマ「ルーシー」のベテランでルシル・ボールの元夫でもあるデジ・アーナズだ。彼は以前「アイ・ラブ・ルーシー」の共同プロデューサーを務めていたため、生のシットコムには慣れていた。ボールが「ルーシー・ショー」と「ディック・ヴァン・ダイク・ショー」で成功したカムバック劇に倣い、アーナズは「ザ・マザーズ・イン・ロー」（NBC、1967-69年）をプロデュースした。これはデシル・スタジオで生の観客の前で録音されたが、ポストプロダクションで音声を調整するためにダグラスを雇った。[ 26 ] 1年後、「ザ・グッド・ガイズ」（CBS、1968-70年）が同じフォーマットを踏襲しようとした。最初の数エピソードは生撮影でしたが、制作とロケ地の変更により、シーズン1の残りの期間は複数カメラの使用を中止し、ラフトラックのみを使用することになりました。この状況はシーズン2まで続きましたが、視聴率の低迷により1970年に打ち切りとなりました。[ 27 ]

部分的に生の観客の前で収録されるようになったもう一つの番組は、ジョージ・シュラッターのスケッチ・コメディ『ローワン&マーティンのラフ・イン』（NBC、1968年–1973年）とそのライバルである『ヒーホー』（CBS、1969年–1971年、シンジケーション、1971年–1993年）である。『ラフ・イン』はその制作手法の点で、当時の他のコメディ番組の中でも謎めいたものとなった。1967年のパイロット版と最初のシーズンの最初の数エピソードでは、スタジオの観客が舞台上のアンサンブルのコメディ・ルーティンに反応する様子が映し出され、事前に収録されたショットでは主にダグラスの笑い声が使われていた。最終的に、番組の長時間収録の費用がかさむにつれ、シュラッターは収録に観客の立ち会いを求めなくなった。代わりに、出演者の親族、スタッフ、それでも参加を希望する人々、そして出演者自身でスタジオの観客を構成し、番組はダグラスの笑い声に大きく依存するようになった。ダグラスは観客の反応を模倣し、曲によって笑いのバリエーションを増やした。彼はこの効果を1973年の番組終了まで、そして『ヒーホー』の初期シーズンでも使い続けた。[ 28 ]

シングルカメラ方式への反抗的な姿勢を貫いた他の番組としては、『ルシールの舞踏会』を彷彿とさせるシットコム『Here's Lucy』（CBS、1968-74年）が挙げられる[ 29 ] 。同時代の他のシットコムとは異なり、『Here's Lucy』は1960年代後半の社会的・文化的時代精神を積極的に取り入れたシットコムの先駆けとなり、ハリウッドのベテランからポップスやロックのミュージシャン、アスリートまで幅広いゲストスターを起用した（ジョー・ネイマス、ドニー・オズモンド、ペトゥラ・クラークなど）。より都会的な設定のエピソードに重点を置いたこの作品は、CBSが1970年代初頭に目指していた方向性を先導した。[ 30 ]

1970年代は、地方を舞台にした番組（ 『ビバリーヒルズ青春白書』、『グリーン・エーカーズ』、『メイベリーRFD』など）の衰退と、社会問題をテーマにした番組（ 『オール・イン・ザ・ファミリー』、『マッシュ』、『モード』など）の台頭で幕を開けました。CBSがイメージ刷新を決意したきっかけは、シットコム『Here's Lucy』の成功と、そのヒット作『メアリー・タイラー・ムーア・ショー』（CBS、1970～77年）でした。このシリーズのパイロット版「Love is All Around」は、当初シングルカメラ方式で撮影されました。その結果はムーアやプロデューサー陣の満足のいくものではなく、彼らはマルチカメラ方式への移行を決定しました。最初の数エピソードは晩夏に収録されたため、パイロット版の最初の収録は、断熱材の不足と音響の悪さから不評でした。しかし、2回目の収録では、空調設備が改善され、ステージの音響システムも向上しました。こうして批評家の評価は向上し、番組はその後マルチカメラ形式を採用し、7年間の放送期間中に大成功を収めた。[ 31 ]

生の観客の復活が徐々に定着し始めた。多くのシットコムが、シングルカメラの映画のような形式から離れ、マルチカメラ形式に戻り始め、生のスタジオ観客が本物の笑いを提供するようになった。プロデューサーは、コメディのリズムが良くなり、より良いジョークが書けるため、この方が喜ばしいと考えた。クリエーターのノーマン・リアの『オール・イン・ザ・ファミリー』（CBS、1971-1979）も、1971年にこの流れに倣った。生で録画されたリアの演出は、より自然なものだった。リアは、スタジオの観客に演者のように振る舞ってもらい、観客と演者の間に信頼関係が生まれることを期待した。リアは、事前に録画された観客のファンではなかったため、笑い声のトラックは使用されず、失敗したジョークを盛り上げる余裕があったポストプロダクションの段階でも使用されなかった（リアは後のシーズンでいくぶん容認し、ダグラスが時折笑い声を挿入することを許可した）。[ 11 ]リアの決断により、番組は大成功を収め、アメリカのシットコム界に生観客が再び登場するきっかけとなった。リアの主張を明確にするため、毎週エンドクレジットで「『オール・イン・ザ・ファミリー』は生観客の前でテープに収録されました」とアナウンスが流れ、生観客が収録に来なくなった最終シーズンには「『オール・イン・ザ・ファミリー』はスタジオの観客に生で反応してもらうために再生されました」とアナウンスされた。[ 11 ]

ジャック・クラグマンとトニー・ランドールは、観客なしでラフトラックを使用した『おかしな二人』 （ABC、1970～75年）の第1シーズンに不満を表明した。共同制作者兼エグゼクティブ・プロデューサーのギャリー・マーシャルもラフトラックの使用を嫌っており、特に舞台経験の豊富なランドールは、ラフトラックを挿入するためにパンチラインの間に数秒待たなければならないというプロセスに不満を抱いていた。制作チームは「オスカーの新生活」のエピソードでラフトラックを完全に省略する実験を行ったが、このエピソードはラフトラックなしで放送された（その後、連続性を保つためにシンジケーションで笑い声が追加される）。ABCは第2シーズンまでに態度を軟化させ、『おかしな二人』は3台のカメラ（前シーズンは1台のカメラ）で撮影され、スタジオの観客の前で舞台劇のように上演された。この変更により、劇場内に新たに大規模なセットを建設する必要が生じた。[ 32 ]ランドールとクルーグマンは、観客がいることで生じる自然発生的な演技を楽しんだ。台詞を間違えたり、台詞が台詞を台無しにしたりしても、そのまま流れていった（ポストプロダクションでいつでも再撮影できた）。さらに、最小限のスタッフしかいない静かなスタジオとは対照的に、より大きなサウンドステージにいたため、俳優たちはより大きな声で台詞を言わなければならなかったが、それは第1シーズンには欠けていると思われていたある種のエッジを番組にもたらした。[ 33 ]クルーグマンは後に、「番組のリハーサルに3日間を費やした。初日はテーブルを囲んで座り、台本を徹底的に分析した。ジョークを全部取り除き、登場人物に当てはめた。ジョークを残す唯一の理由は、陳腐な録音された笑い声のためだ。私はそれが嫌いだった。家で番組を見ていると、オスカーが入ってきて『やあ』と言うと笑い声が聞こえる。『おい』と私は思う。『俺は一体何をしたんだ？』私はそれが嫌いです。それは観客を侮辱するものです。」[ 34 ]

シットコム『ハッピーデイズ』（ABC、1974～1984年）も『おかしな二人』のシナリオを模倣した。最初の2シーズンは笑い声のみを使用していたが、第3シーズンでは生の観客に切り替えた。[ 11 ]

しかし、番組は完全に生放送というわけではなかった。『オール・イン・ザ・ファミリー』を除いて、観客の反応のギャップを埋めるために、ポストプロダクション段階での加筆修正は依然として必要不可欠だった。テレビ／笑い声トラックの歴史家であるベン・グレン2世は、シットコム『アリス』（CBS、1976～1985年）の収録を観察し、加筆修正の必要性を指摘した。「俳優たちはセリフを何度も間違えた。当然のことながら、3テイク目か4テイク目になると、ジョークはもはや面白くなくなっていた。そこで、最終放送版ではダグラス風の笑い声が挿入され、その修正が行われた。」[ 14 ]

しかし、ジェームズ・コマックなど一部のプロデューサーはリアの手法を踏襲した。ジャッキー・クーパー主演の短命なシットコム『ヘネシー』に関わったコマックはダグラスの笑い声トラックを長年批判しており、笑い声があまりにも予測可能でシットコムのユーモアの効果を阻害すると考えていた。[ 35 ]コマックは代わりに音楽を使って、甘美な笑い声を打ち消した。彼はこの手法を、控えめな笑い声トラックを特徴とする『エディの父の求愛』（ABC、1969年 - 1972年）で実験した。コマックがプロデュースしたマルチカメラ番組、『チコ・アンド・ザ・マン』（NBC、1974年 - 1978年）や『ウェルカム・バック、コッター』（ABC、1975年 - 1979年）では、シーンの転換期（笑い声を盛り上げるための明らかな箇所）にBGMを使用し、ポストプロダクションではダグラスの笑い声がまれにしか使用されないようにした。コマックは後にこうコメントしている。「笑いトラックなしで番組をやろうとしたら、大きな違いが分かるだろう…（笑いが）平坦になってしまう。笑いトラックを避ける唯一の方法は、何かが面白い時にそれを表現できる音楽を使うことだ。」笑いトラックを加えることについては、「それはプロデューサーの好み、つまりプロデューサーの倫理観によって決まる…（笑いトラックが）しばらくすると、それが無価値だと分かる。極端な場合、人々はそれを聞いて『なぜ笑っているんだ？』と言って、番組を見なくなるだろう。」[ 35 ]

『おかしな二人』、『メアリー・タイラー・ムーア・ショー』、『ハッピー・デイズ』の他に、ダグラスによって魅力が増した（その多くも 1970 年代末までにプラットによって魅力が増した）他のライブ シットコムとしては、『ポール・リンド・ショー』（ABC、1972 ～ 1973 年）、『ボブ・ニューハート・ショー』（CBS、1972 ～ 1978 年）、『モード』（CBS、1972 ～ 1978 年）、 『ローダ』 （CBS、1974 ～ 1978 年）、 『バーニー・ミラー』（ABC、1975 ～ 1982 年）、『ラバーン & シャーリー』（ABC、1976 ～ 1983 年）、『ソープ』（ABC、1977 ～ 1981 年）、『コメディー ショップ』（シンジケーション、1978 ～ 1981 年）、『モーク & ミンディ』（ABC、1978 ～ 1982 年）、『タクシー』（ABC、1978 ～ 1982 年、NBC、1982 ～ 1983 年）、『チアーズ（NBC、1982–93年）とそのスピンオフであるフレイジャー（NBC、1993–2004年）[ 11 ]

1970年代に人気を博した「キャロル・バーネット・ショー」、「フリップ・ウィルソン・ショー」、「ディーン・マーティン・ショー」 （その後成功した「ディーン・マーティン・セレブリティ・ロースト」も含む）などのバラエティ番組でも、スケッチ中に披露されるあまり魅力的でないジョークにダグラスの甘言を使い続けた。[ 36 ]

1970年代から1980年代初頭にかけて、ゲーム番組は加味される傾向にあり、出場者や司会者が面白いとされる発言をしたにもかかわらず、観客の反応がほとんどない時によく使われていた。ダグラスの笑い声は、チャック・バリスのゲーム番組（例えば『ザ・ゴング・ショー』や『ザ・ニューリーウェッド・ゲーム』[ 37 ]）で特によく使われていた。これらの番組は主に観客を楽しませるために作られており、「賞品」は簡素なものや嘲笑的なものが多かった。[ 38 ] CBSテレビジョンシティやNBCバーバンクスタジオで制作されたゲーム番組も加味され、観客の反応を刺激することが多かった。例えば『プレス・ユア・ラック』（「ワミー」コーナーで使用）のような番組もその一つである。典型的なゲーム番組のエンドクレジットでは、エンドクレジット中に視聴者が聞き取れない生放送のスタジオ観客の拍手を盛り上げるために、録音された歓声や拍手が使われていた。これは、CBSやNBCの昼間のゲーム番組や、1970年代から1990年代にかけて放送された一部のシンジケートゲーム番組でよく見られました。NBCバーバンクスタジオで収録されたゲーム番組では、スイートニングとして3種類の拍手トラックが使用されていました。観客が少ない場合、中程度の場合、そして背景に陽気な男性観客がいる場合です。しかし、多くの子供向けゲーム番組、ほとんどのABCゲーム番組、そしてマーク・グッドソンとビル・トッドマンが制作した『ザ・プライス・イズ・ライト』『マッチ・ゲーム』『ファミリー・フュード』などのほとんどの番組では、スイートニングが使用されることは稀でしたが、観客がいる状態で収録されていました。

プロデューサーの中には、生の観客を信用しない、観客が同席するには複雑すぎる番組を制作する、シングルカメラ方式を好む、あるいは観客に生で見て反応を伺う余裕がないといった状況が依然として存在した。こうした場合、ダグラスは笑い声トラックを一から作り直した。『ゆかいなブレディ家』『パートリッジ・ファミリー』『M*A*S*H』といったシットコムは、放送期間全体を通してシングルカメラ方式を採用した。[ 11 ]『ラブ・ボート』や『エイト・イズ・イナフ』といった1時間コメディドラマのいくつかは、笑い声トラックのみを使用した。[ 11 ]

ライブフィルムから始まり、ビデオテープ、そして観客なしでのスタジオ撮影作品、そして再びライブテープに戻るまでの数年間で、ダグラスは単にサウンドトラックを強化したり調整したりするだけから、文字通り各パフォーマンスに対する観客の反応全体をカスタマイズし、そして再びライブの観客で録音されたパフォーマンスを強化したり調整したりするようになりました。[ 11 ]

競争と衰退

1970年代のアメリカテレビの絶頂期、チャールズ・ダグラスは笑い声トラック提供の分野で優位に立っていましたが、1977年までに大きな試練に直面しました。新興の競合企業が、ダグラスの代名詞である笑い声トラックに代わる手法を提供し始めたのです。こうした挑戦者の中でも特に目立ったのが、ダグラスの弟子であり、自身も優れた音響エンジニアであったキャロル・プラットでした。彼は自身のベンチャー企業、サウンド・ワンを設立しました。 [ 39 ]

1960年代初頭からダグラスに師事していたプラットと弟は、ダグラスの手法が技術の進歩に遅れをとっており、ダグラスの笑い声の録音の質が著しく低下していることに気づいた。プラットは、ダグラスの録音テープの劣化による音質の劣化に気づき、さらにシットコムのユーモアに対する視聴者の感性の変化も重なり、笑い声の増幅にはより繊細で控えめなアプローチが必要になったと指摘した。[ 6 ]

こうした変化の潮流を認識したプラットは、ダグラスのパラダイムから逸脱し、カセットテープ技術を活用した、より使いやすく技術的に進歩した「ラフボックス」を考案した。これは、ダグラスのやや時代遅れのオープンリール式装置とは対照的である。さらに、プラットがステレオ録音を先駆的に導入したことは、ステレオテレビ放送の出現と同期しており、特にダグラスがモノラル録音をステレオ形式に改造しようとした努力と比較して、音質の忠実度が著しく向上した。[ 6 ]

プラットの笑い声トラックの革新は、ダグラス独特の笑い声シーケンスから脱却し、より多様で自然な音響パレットを提供した。プラットの楽曲は、認識しやすい笑い声の要素を維持しながらも、より繊細で抑制された表現を示し、ダグラスのありふれた笑い声トラックに付きまとう露骨な親しみやすさを避けていた。この変化は、『M*A*S*H』や『ラブ・ボート』といったシットコム作品に共鳴し、特にドラマチックな物語との音色の相性の良さから、プラットの作品に惹きつけられた。[ 6 ] [ 14 ] [ 39 ]

10 年が終わる頃には、プラットの優位性がダグラスの覇権に取って代わり、プラットの笑い声がライブやシングル カメラのシットコム ( 『ラバーン & シャーリー』、『ハッピーデイズ』 、『エイト・イズ・イナフ』、MTM エンタープライズ制作 ( 『WKRP in Cincinnati (CBS、1978–82)』、『ニューハート(CBS、1982–90)』) で広く採用されたことがその証拠だった。変化する状況に適応する必要に迫られたダグラスは、再活性化に乗り出し、トレードマークである大笑いの面影を残しつつ、より新鮮な楽曲を盛り込むように笑い声トラック ライブラリを改良した。しかし、ダグラスの刷新された作品に対する反応はまちまちで、競争が激化する市場におけるプラットの覇権を浮き彫りにした。[ 14 ]

笑いトラックの提供におけるこの画期的な変化は、テレビ業界におけるより広範な変革と一致しており、特にHBOなどの企業が推進したシングルカメラコメディの出現によって特徴づけられ、より自然な視聴覚美学を優先して従来の笑いトラックを避けました。ドリーム・オンやラリー・サンダース・ショーなどのシングルカメラコメディは、笑いトラックなしでの放送が許可され、批評家から称賛されました。[ 40 ]同時に、アニメ番組もこれに倣い、時折のパロディを除いて、笑いトラックを完全に放棄しました。スクービー・ドゥーなど、笑いトラックを使用していたアニメ番組は、 1990年代までには笑いトラックを完全に廃止しました。ただし、ザッツ・ソー・レイヴンなど、イッツ・ア・ラフ・プロダクションズが制作したシットコムは、笑いトラックを使用しています。[ 41 ]

生放送とのシームレスな統合を確保するために技術的な改良が行われているにもかかわらず、生放送の授賞式を盛り上げる慣行は存続した。[ 14 ]

現代社会においては、フィアネットなどのプラットフォームで放送されている『ホリストン』のようなマルチカメラ・シットコムの復活により、笑い声トラックの活用が再び注目を集め、この由緒あるテレビの伝統が持つ揺るぎない魅力とノスタルジックな響きが強調されています。しかしながら、シングルカメラ制作へのトレンドの広がりと視聴者の嗜好の変化は、テレビ業界における視聴覚的ストーリーテリング手法の多様化が進むことを予感させます。[ 42 ]

論争、トレンドに逆らう

観客の反応を模倣するという手法は、当初から物議を醸した。[ 43 ]プロデューサーの中には、事前に録画された観客の反応というアイデアを軽蔑する声も少なからずあった。[ 11 ]ダグラスは、彼の「笑いボックス」が批評家や俳優から中傷されていることを認識していたが、同時に笑い声の録音が標準的な手法になることも知っていた。[ 43 ]業界の専門家たちは、ゴールデンタイムのテレビ番組において笑い声の録音は必要悪だと論じた。録音された笑い声がなければ、番組は失敗する運命にあったのだ。[ 11 ]観客の反応が全くなければ、アメリカの視聴者はコメディかドラマか区別がつかないと信じられていた。[ 5 ]しかし、笑い声の録音を完全にやめてしまったプロデューサーもいた。

  • 元子役スターのジャッキー・クーパーは、笑い声が偽物だと信じていた。クーパーのコメディ・ドラマ『ヘネシー』（CBS、1959～62年）は、1962年に3シーズンで打ち切られた。最初の2シーズンは軽い笑い声が使われていただけだったが、最終シーズンとなる第3シーズンでは笑い声は完全に削除された。クーパーは後に「自分たちが作ったものに対する反応をでっち上げているのに、周りの人が本当に笑っているかどうかは分からない」とコメントし、最後に「いつも演技だ」と締めくくった。[ 5 ]
  • 1964年9月、デニス・ウィーバー主演のコメディ・ドラマ『ケンタッキー・ジョーンズ』（NBC、1964～65年）は、作り笑いや生笑いを排除しようと試みた。わずか5話で視聴率も低迷したため、ダグラスが笑い声の追加を担当することとなった。『ケンタッキー・ジョーンズ』は翌年4月に打ち切られた。[ 44 ]
  • 『アルビンとチップマンクス』シリーズの製作者ロス・バグダサリアン・シニアは、1961年に『アルビン・ショー』 （CBS、1961～62年）の制作が始まった際、笑い声を入れることを断固として拒否した。バグダサリアンの考えは、番組が面白ければ視聴者は誘導されなくても笑うだろうというものだった。『アルビン・ショー』は1シーズンで打ち切られた。[ 45 ]
  • ピーナッツの制作者チャールズ・M・シュルツは、クリスマスに人気の『チャーリー・ブラウンのクリスマス』（CBS、1965年）の制作中に笑いトラックの使用を拒否した。 [ 46 ]バグダサリアン同様、シュルツも、視聴者は笑うタイミングを指示されることなく、自分のペースで番組を楽しめるべきだと主張した。CBSの幹部は最終版を見て愕然とし、この特別番組は失敗するだろうと思った（CBSはシュルツの考えが変わった場合に備えて、笑いトラックを追加したバージョンを制作したが、このバージョンは現在も入手できない）。この特別番組が1965年12月9日に初めて放送されると、予想外に批評的にも商業的にもヒットした。この成功の結果、これ以降のピーナッツ特別番組はすべて笑いトラックなしで放送された。 [ 47 ]
  • 『ロッキーとその仲間たち』（ABC、1959年～1961年、NBC、1961年～64年、『ブルウィンクル・ショー』として放送）は当初、ラフトラック付きで放送されたが、制作者のジェイ・ワードとビル・スコットの意向に反し、ABCはラフトラックの使用について異議を唱えた。番組のユーモアのテンポが速いため、ラフトラックによってタイミングが遅くなり、時にはセリフが中断されるという問題があった。スポンサーのゼネラル・ミルズの支援を得たワードとスコットはABCを説得し、ラフトラックは第4話で終了した。現在、これらのエピソードのシンジケート版にはラフトラックが残っているが、DVD版からは削除されている。
  • ミュージカル・シットコム『ザ・モンキーズ』（NBC、1966-68年）は、シーズン1とシーズン2のいくつかのエピソードでラフトラックを使用しました。シーズン2の途中で、モンキーズのバンドメンバーは、視聴者はジョークがどこにあるかわかるほど賢いと考え、番組にラフトラックの削除を要求しました。ロックバンドが番組を過度にコントロールしようとすることにすでに不満を抱いていたNBCは、シーズン2の終了後にラフトラックの削除を大きな要因として挙げ、番組を打ち切りました。 [ 11 ]ピーター・トークは2013年に「最初からそれを望んでいませんでしたが、NBCが強く主張しました。シーズン2でそれが削除されたのは天才的なひらめきだと思いました」とコメントしました。[ 48 ]
  • 2003年、シットコム『ゲット スマート』 （NBC、1965～69年、CBS、1969～70年）の制作について話し合っていた際、テレビプロデューサー兼脚本家のレナード・B・スターンは当初、このシットコムのやや暴力的な内容から「不快」だとして、ラフトラックの使用に反対した。スターンとメル・ブルックスは最終的に折れ、初期のシーズンでは多少の調整が加えられたラフトラックが使用されるようになった。しかし、後期シーズンで番組がキャンプ調になるにつれ、ラフトラックは徐々に侵入的になっていった。『ゲット スマート』でマックスウェル・スマートを演じたコメディアンのドン・アダムスは、このラフトラックが大嫌いだったと伝えられており、再放送を見ない理由として挙げている。2003年に行われた同番組を記念した同窓会セミナーで、アダムスは「パイロット版のラフトラックには不快感を覚えました。部屋に入ってきて『こんにちは、99番さん！』と言ったものです」と述べた。 「そして男はくそったれのボタンを押したんだ！『こんにちは！』の何が面白いんだ？」[ 49 ] 1995年のエンターテインメント・ウィークリーのインタビューで、番組の遺産について議論した際、アダムスは笑いトラックは不要だと断言した。対照的に、同じインタビューで、エージェント99を演じた女優バーバラ・フェルドンはより寛容で、「笑いトラックは必要よ。笑いは笑いを呼ぶのよ」と述べた[ 50 ] 。
  • ビル・コスビーの最初のシットコム『ビル・コスビー・ショー』（NBC、1969～71年）は、コスビーの強い要望により、ラフトラックなしで制作されました。コスビーは、NBCがラフトラックを追加することを希望したことに反対したことが、2シーズンで番組が打ち切られた原因だと述べています。[ 11 ]
  • アンディ・グリフィスは当初、 『アンディ・グリフィス・ショー』に笑いトラックを入れることに反対していた。共演者のドン・ノッツは以前、『スティーブ・アレン・ショー』のアンサンブルキャストの一員として、シーズン4で生観客から笑いトラックへと移行した際に出演していた。ノッツは、人工的な観客の反応が番組の終焉の一因だと感じており、この考えがグリフィスの意見にも影響を与えた。グリフィスは笑いトラックの代わりに、完成したエピソードを観客の前で上映し、その反応を録音して番組のサウ​​ンドトラックに挿入することを主張した（この手法はその後、テレビのコメディではより一般的になった）。初期のエピソードには、こうした観客の反応がカスタムで収録されているが、グリフィスの試みは費用がかかりすぎたため、放送局はダグラスの笑いトラックを主張した。グリフィスは最終的に、笑いトラックは控えめに使うという理由で妥協した。[ 51 ]
  • 『マッシュ』 （CBS、1972-83年）の共同制作者ラリー・ゲルバートは、当初、番組に笑い声を入れずに放送することを望んでいた（「まるで実際の朝鮮戦争みたいだ」と彼は冷たく言った）。CBSは当初この案を拒否したが、妥協案が成立し、ゲルバートと共同制作者のジーン・レイノルズが希望すれば手術室のシーンで笑い声を省略できることになった。「ネットワークには、医師が手術をしている手術室のシーンでは、いかなる状況下でも笑い声を入れることはできないと伝えました」とゲルバートは1998年に語っている。「300人もの観客が、誰かの内臓を縫合されるのを見て笑っているなんて、想像もできませんから」[ 52 ]シーズン1から5までは、ダグラスのより大胆な笑い声が使用されていた。シーズン6から11までは、ゲルバートとレイノルズの降板に伴い、シリーズがシットコムからコメディドラマへと移行した際に、キャロル・プラットの静かな笑い声が使用された。いくつかのエピソード（「OR」「ザ・バス」「クォ・ヴァディス、チャンドラー大尉？」「インタビュー」「視点」「ドリームス」など）では笑い声が省略されており、シーズン11のほぼ全エピソード（135分のシリーズ最終話「さよなら、別れ、そしてアーメン」を含む）でも省略されている。[ 11 ]笑い声は、一部の国際放送やシンジケート放送でも省略されている。ある時、イギリスでの放送中に笑い声が誤ってオンのままになってしまい、視聴者が不快感を表明したため、後に放送局は「技術的な問題」について謝罪した。一方、 DVD版では、視聴者は笑い声の有無を全エピソードで選択できる（ただし、フランス語版とスペイン語版にはこのオプションはない）。イギリスのDVD評論家は笑い声を酷評し、「録音された笑い声はどんな時でも邪魔になるが、M*A*S*Hのような番組では、まったく耐えられない。」[ 53 ]「彼らは嘘をついている」とゲルバートは1992年のインタビューで語った。「存在しない人たちを笑わせるために、いつボタンを押すかをエンジニアに指示しているようなものだ。まったく不誠実だ。私たちが放送されていたときの最大の番組は『オール・イン・ザ・ファミリー』と『メアリー・タイラー・ムーア・ショー』で、どちらも笑いが意味を持つ生のスタジオ観客の前で収録されていた」とゲルバートは続けた。「しかし、私たちの番組は映画番組で、朝鮮半島の真ん中で撮影されたはずだった。だから私がいつもネットワークに尋ねていたのは、『この笑っている人たちは誰だ？どこから来たんだ？』だった。」ゲルバートはCBSを説得し、笑いトラックの有無で番組をプライベート試写会でテストさせた。その結果、観客の満足度に目立った差は見られなかった。「それで、彼らが何と言ったか分かりますか？」とゲルバートは言った。「『違いがないなら、そのままにしておきましょう！』笑いトラックを擁護する人たちはユーモアのセンスがないんです。」[ 54 ]ゲルバートは状況を次のように要約した。「私はいつも、笑いトラックは番組の価値を下げていると思っていました。放送局は自分たちの思い通りにやっていました。彼らは夕食代を払っていたのです。」[ 55 ]
  • 警察手続きドラマのパロディであるシットコム『ポリス・スクワッド！』は、全6話のどのエピソードでも笑い声トラックを使用しませんでした。笑い声トラックを使用しないという決定は、制作者であるザッカー、エイブラハムズ、ザッカーの3人組の強い要望によるものでした。番組のユーモアの大部分は、様々なシーンの前景または背景で起こる出来事から生まれていたからです。[ 56 ] [ 57 ]
  • もう一つの風刺的な警察コメディ『スレッジ・ハンマー!』（ABC、1986～88年）は、シーズン1の最初の13話で笑い声を挿入したが、制作者のアラン・スペンサーはこれを認めなかった。ABCとの数ヶ月にわたる交渉の末、スペンサーは第14話「スレッジの現状」から笑い声を挿入するのをやめることができた。[ 58 ]
  • シットコム『ダイナソー』（ABC、1991～94年）には当初、笑い声のトラックが含まれていました。共同プロデューサーのブライアン・ヘンソンとマイケル・ジェイコブスの強い要望により、番組の人気が高まるにつれて、笑い声のトラックは最終的に削除されました。
  • 『スポーツ・ナイト』 （ABC、1998-2000年）は、番組制作者のアーロン・ソーキンの意向に反して、初回はラフトラックが挿入されていたが、シーズンが進むにつれてラフトラックは目立たなくなり、第2シーズンの開始時には完全に削除された。各エピソードの一部は観客の前で撮影され、残りの部分は観客なしで撮影されたため、連続性を保つためにラフトラックが必要となったケースもあった。
  • 2020年に復活した『セイヴド・バイ・ザ・ベル』は、ライブの観客や笑い声のトラックを完全に削除したシングルカメラのシットコムであり、これがオリジナルシリーズとの大きな違いです。

現代のシットコムにおける持続性

有名コメディの制作者やドキュメンタリー風のシットコムのファンの中には、笑い声トラックを批判する人もいます。しかし、笑い声トラックはテレビでは依然として標準的な存在です。多くのシットコムで使用されており、放送されているマルチカメラシットコムでは7番組で笑い声トラックが使用されているのに対し、シングルカメラシットコムでは5番組で使用されていません。笑い声トラックは、生のスタジオの観客、ラフボックス（1950年代に録音された320種類の笑い声を収録）、またはデジタル音声ファイルから録音できます。笑い声トラックは、観客の笑いを誘う方法で訴えかけるため、依然として人気があります。[ 59 ]

米国以外

イギリス

20世紀後半、イギリスのシットコムのほとんどは、自然な笑い声を捉えるために、生の観客の前で収録されていました。伝統的にスタジオでの作業に先立って屋外で収録されたシーンは、スタジオの観客に再生され、その笑い声が放送エピソードに収録されます（時折、番組全体がこのように収録されることもありました。例えば、『ラスト・オブ・ザ・サマー・ワイン』の後期シリーズや『キーピング・アップ・アピアランス』などです）。

生観客を起用しなかった注目すべき例外の一つは、テムズ・テレビジョンの『ケニー・エヴェレット・ビデオ・ショー』である。この番組の笑い声は、スタジオ制作スタッフによるスケッチに対する即興の反応で構成されていた。この手法は、番組がより大きなスタジオ設備に移転し、音楽からコメディへと重点が移った後も、4年間の放送期間を通して維持された。エヴェレットがBBCで後に制作したシリーズ（『ケニー・エヴェレット・テレビジョン・ショー』）は、生のスタジオ観客の前で収録された。

1980年代初頭、BBCではコメディ番組に笑いトラックを入れる方針だったが、プロデューサーたちは必ずしも自分の番組にそれが適しているとは考えていなかった。[ 60 ]その結果、『銀河ヒッチハイク・ガイド』の笑いトラックは第1話で録音されたが、放送前に削除された。[ 60 ]『リーグ・オブ・ジェントルメン』は当初笑いトラック付きで放送されたが、番組第2シリーズの後に削除された。[ 61 ]

風刺番組『スピッティング・イメージ』のパイロット版も、中央テレビの強い要望により、笑い声トラック付きで放送された。しかし、番組プロデューサーは笑い声トラックがない方が番組の完成度が高いと判断し、この案は却下された。その後、1992年（選挙特集）と1993年（2エピソード）には、スタジオの観客の前で生放送された笑い声トラックが使用され、パロディーの「クエスチョン・タイム」も含まれていた。[ 62 ]

「オンリー・フールズ・アンド・ホーシズ」のほとんどのエピソードにはスタジオの観客が出演している。例外的に笑い声が全くなかったのは、クリスマススペシャルの「トゥ・ハル・アンド・バック」、「ア・ロイヤル・フラッシュ」、そして「マイアミ・トワイス」の後半部分である。DVDリリース時には、「ア・ロイヤル・フラッシュ」（20分以上の映像を削除して編集された）に笑い声のトラックが追加され、「マイアミ・トワイス」の後半部分（前半部分と統合されて「マイアミ・トワイス：ザ・ムービー」となった）にも笑い声のトラックが追加されている。

1990年代後半から、『ザ・ロイル・ファミリー』や『ジ・オフィス』といったコメディ作品が、観客の笑い声を伴わないシネマ・ヴェリテの先駆けとなりました。このスタイルは21世紀のシットコムにも広く引き継がれました。 『グリーン・ウィング』は、そのシュールな性質もあって観客の笑い声は見られませんが、ジョークの直後にそのエピソードの映像をスローダウンさせるという、珍しいラズィ技法が用いられています。 『ミセス・ブラウンズ・ボーイズ』や『スティル・オープン・オール・アワーズ』は、スタジオの観客を起用した旧来の形式への回帰として注目に値します。

カナダ

現代のカナダのテレビコメディでは、ラフトラックの挿入は避けるのが一般的です。しかし、注目すべき例外も存在します。シットコム『マニアック・マンション』（1990～1993年）や子供向け番組『ヒラリアス・ハウス・オブ・フライテンシュタイン』（1971年）などは、カナダ発祥でラフトラックがなかったにもかかわらず、アメリカでの放送ではラフトラックが挿入されました。

カナダのテレビにおける笑いトラック活用の進化は、子供向けスケッチコメディシリーズ『You Can't Do That on Television』（1979～1990年）の軌跡によってさらに実証されている。地元テレビで放映された最初のシーズンには笑いトラックはなかったが、カナダのネットワーク放送に移行し、『Whatever Turns You On』というタイトルで放送されるようになったのと時を同じくして導入された。主に子供たちの笑い声で構成され、時折大人の反応も織り交ぜられたこの笑いトラックは、この番組の独自性を強調していた。しかしながら、笑いトラックの一貫性と効果はシーズンによって変化が見られた。

笑い声トラックの導入と品質には、シリーズを通して顕著な変動が見られます。1981年のエピソードは、多様な笑い声サンプルが特徴で、リアルな聴覚体験に貢献しています。対照的に、米国のケーブルテレビ局ニコロデオンでのシリーズ初放送と重なった1982年シーズンでは、笑い声の種類が減少しました。さらに、 「ハッピーデイズ」や「ホワッツ・ハプニング!!」といった人気シットコムで使用されていた笑い声トラックを彷彿とさせるキャロル・プラットの笑い声トラックが導入されたことで、明確なトーンの変化がもたらされました。

その後、笑い声トラックの構成は、繰り返しの問題を軽減し、聴覚の多様性を高めることを目的として調整されました。特に1982年シーズン後半には、異なる笑い声サンプルがブレンドされ、ティッタートラックも組み込まれました。しかし、笑い声トラックの品質は変動し、1983年のトラックは明らかに抑制され、編集が不十分でした。

これらの欠点を是正するための努力は、1984年までに改善に至り、笑い声トラックは1982年シーズンに使用されたものと似たものになりましたが、ティッタートラックは含まれていませんでした。特に注目すべきは、1986年に導入された新しい子供向け笑い声トラックです。これは、明らかに若い世代の笑い声サンプルを特徴としており、このシリーズのターゲット層の共感を得ることを目的としていました。

1989 年に復活したこのシリーズでは、1981 年版と 1986 年版の両方の笑いトラックを使用するハイブリッド アプローチを採用し、カナダのテレビ番組制作における笑いトラックの美学の継続的な進化と適応を強調しました。

中国

中国本土初のマルチカメラ・シットコム『愛愛我家』は、スタジオの生観客を起用した。 『iPartment』のようなシングルカメラ・コメディの中には、笑い声を録音したものもあった。

笑い声トラックは、バラエティ番組でコメディ効果を出すためによく使われます。例としては、 『スーパーサンデー』、『康熙来楽』、『バラエティ・ビッグ・ブラザー』、『ホームラン』などがあります。

ラテンアメリカ

アルゼンチンなどのラテンアメリカの国では、笑いトラックの代わりに、笑いが必要な場面で指示に従って笑うためだけに雇われたオフスクリーンのスタッフを配置する。レイドーレス（笑い者）と呼ばれる年長の笑い者は、他の全員に笑うタイミングを合図する。メキシコなどでは、観客の反応がないコメディには観客への敬意から笑いトラックがないことが公言されており、最も有名なのはチェスピリト・チェスピリト監督の番組『エル・チャプリン・コロラド』や 『エル・チャボ・デル・オチョ』で、開始クレジットでアナウンサーが「観客への敬意を表し、この番組には笑いの録音はありません」とアナウンスしている。[ 63 ]

フランス

フランスのテレビコメディの世界では、笑い声を入れないのが一般的な慣例となっている。しかし、ジャン＝リュック・アズレーが監督を務めるAB Productionsの作品では、この傾向から大きく逸脱し、代表例として「エレーヌとギャルソン」やその後のスピンオフシリーズが挙げられる。これらの相互に関連したシリーズは、約20分の放送時間と主に1台のカメラを使用するなど、シットコムの慣例を順守しており、スタジオの観客を入れないことが特徴である。観客が生で参加できないのは、編集スケジュールが厳しく、主要撮影セッションが短縮されるなど、制作上の緊急性から生じたもので、観客の生の笑い声を取り入れることは不可能であった。

これらの作品に対する批判は、演出や演技の欠陥から、非プロの俳優の起用に至るまで、多岐にわたりました。さらに、シットコム、メロドラマ、ティーンドラマの要素を組み合わせたアメリカのテレビシリーズのフォーマットを模倣しようとする試みは、多くの批判を招き、特に、作り笑いへの過度の依存が指摘されました。こうした模倣は、フランスのテレビコメディの真正性と文化的独自性を薄め、むしろ大西洋横断の規範に大きく影響された定型的なアプローチを助長するものとして捉えられました。

効果

ダグラスの笑いトラックの継続的な重要性を測るため、1974年に『パーソナリティと社会心理学ジャーナル』に研究が発表され、人々はジョークの後に録音された笑い声が続くと笑いやすくなるという結論が出ました。[ 64 ]映画『ザット・ガール』の共同制作者であるサム・デノフは1978年に「笑いは社交的なものです。人と一緒にいると笑いやすくなります」とコメントしました。デノフはさらに「映画館では笑いトラックは必要ありませんが、家でテレビを見ているときは、おそらく一人でいるか、数人と一緒にいるだけです」と付け加えました。[ 4 ]

ダートマス大学の心理学教授ビル・ケリーは、特にアメリカのシットコムにおける笑いトラックの必要性について論じた。「他人がいると、面白いことに笑う可能性がはるかに高くなる」と彼は述べた。ケリーの研究では、笑いトラックを使った『となりのサインフェルド』のエピソードと、笑いトラックを使っていない『ザ・シンプソンズ』のエピソードを見た学生の反応を比較した。脳スキャンの結果、他人の笑い声を聞いても聞いていなくても、視聴者は同じものを面白いと感じ、脳の同じ領域が活性化することが示された。それでもケリーは笑いトラックに価値を見出していた。「うまく使えば、笑いトラックは視聴者に何が面白いのかを示唆し、視聴者の理解を助けることができます。しかし、うまく使えなければ、笑いトラックが目に入ると、不自然で場違いに感じてしまいます」とケリーは述べた。[ 64 ]

マインツ大学のアンドレアス・M・バラノフスキー氏らによる2017年の研究では、笑いトラックの効果をさらに調査し、録音された絶叫トラックなどの他の観客の反応も研究対象に加えました。研究者らは合計110人の参加者を対象に3つの実験を行い、笑いトラック、絶叫トラック、観客の音なしが、コメディ、ホラー、中立的な映画シーンの認識に与える影響を比較しました。その結果は先行研究を裏付けるもので、笑いトラックは特に少し面白いだけの素材に対して、面白さを増すことを示しました。しかし、笑いトラックとは異なり、録音された絶叫トラックは恐怖反応を有意に高めませんでした。実際の共演者が観客の反応を示した場合、その効果はさらに強くなり、生放送か録音かにかかわらず、社会的手がかりがメディアに対する感情的な反応の形成に重要な役割を果たしていることが示されました。この研究ではまた、一致した観客の反応が視聴者の没入感を高め、コメディは笑いを伴う場合に最も魅力的になり、ホラー映画は絶叫と組み合わせると最も没入感が高まることもわかりました。これらの結果は、観客の反応が、たとえ人工的なものであっても、視聴者のメディアコンテンツに対する認識や感情的な関わり方を変える可能性があることを示唆している。[ 65 ]

遺産と支援

事前に録音された笑い声というアイデアは、誕生以来、支持者と反対者がいた。

シド＆マーティ・クロフト兄弟のエグゼクティブ・プロデューサー、サイ・ローズは、クロフト兄弟に『HRパフンスタフ』『ザ・ブガルーズ』『ジークムントと海の怪物』といった人形劇で笑い声を録音するよう説得しました。ローズは次のように述べています。

笑いトラックについては大きな議論があり、彼ら[クロフト夫妻]はそれをやりたくないと言っていましたが、ナイトタイムの番組での経験から、ナイトタイムは笑いトラックを使い始め、それが定番となりました。なぜなら、視聴者は番組を見て、笑いトラックのおかげで毎回大笑いするからです。そして、面白い番組なのに笑いトラックがないせいで笑いが起こらないと、それはハンディキャップになります。そこで私は彼らを説得しました。良くも悪くも。[ 66 ]

2000年にシド・クロフトは「我々は笑い声トラックに反対していたが、シットコムに出演していたサイ・ローズは、番組が組まれたら子供たちはいつ笑えばいいのか分からなくなると感じた」とコメントした。 [ 67 ]マーティ・クロフトは次のように付け加えた。

結局のところ、悲しいことですが、面白いときはそれを伝えなければなりません。そして、笑い声トラックについては、[ローズ]は正しかった。私たちは常に本物の笑い声トラック、本物の観客を求めていたため、それは必要不可欠でした。コメディでは、笑い声トラックがないと大変なことになります。なぜなら、笑い声が聞こえなければ面白くないからです。そして、それが[家庭の]観客がこれらの番組を見るようにプログラムされていたのです。[ 68 ]

2006年に『ザ・バグアルーズ』のDVDコメンタリートラックの制作技術について話し合った際、イギリスのシリーズスター、キャロライン・エリスとジョン・フィルポットは、当時イギリスでは珍しく、しばしば軽蔑されていた笑い声トラックについて言及しました。「私はアメリカの録音された笑い声が好きではありませんでした。時々、やりすぎてしまうからです」とエリスは語りました。しかし、それは「反応を生む雰囲気」を作り出すのに役立っていると付け加えました。フィルポットは、イギリスの視聴者とは異なり、当時のアメリカの視聴者は笑い声を聞くことに慣れていたと付け加え、「録音された笑い声に合わせて笑うように促されると、より心から笑えるようになると思います」と述べました。[ 69 ]クロフト兄弟のHR Pufnstufを初めて見た時、ゆかいなブレディ・バンチのスター、スーザン・オルセンは笑い声のトラックを「威圧的」と表現し、「8歳の時、ただ『あのひどい録音された笑い声はなくなるの?! 』と考えていたのを覚えている」と語った。またオルセンは、この番組の滑稽さを楽しむためには娯楽目的の薬物使用が必要だったと付け加え、「私は向精神薬とクロフトの娯楽を組み合わせたことは一度もない。笑い声が私を悪い旅に連れ出すのが怖い」と語った。[ 70 ]

2007年のインタビューで、フィルメーションのプロデューサー兼創設者であるルー・シャイマーは、 『アーチー・ショー』でのラフトラックの使用を称賛した。「なぜラフトラックを使ったのか？」とシャイマーは尋ねた。「視聴者が（自宅で）見ている他の視聴者と一緒に笑いたくなるからです。そして、視聴者は単なる傍観者ではなく、番組の一部になったような気分になります。」シャイマーは、『アーチー・ショー』がラフトラックを使用した最初の土曜朝のアニメであることを認めた。 [ 71 ]

テレビと笑い声トラックの歴史研究家ベン・グレン2世は、現在使用されている笑い声トラックは、過去の「気楽な」笑い声とは根本的に異なるとコメントしています。

今日のシットコムは、ウィットに富んだセリフ回しが主流で、『ミスター・エド』『モンスターズ』 『奥さまは魔女』のような突飛なシチュエーションや視覚的なギャグに頼ることはなくなりました。そして、最近の控えめな笑い声はそれを反映しています。一般的に、笑い声は以前ほど攻撃的ではなく、控えめになっています。抑えきれない腹を抱えて笑ったり、ゲラゲラ笑ったりすることはもうありません。それは「知的な」笑い声であり、より上品で洗練されたものです。しかし、以前ほど面白くはありません。昔の笑い声には、楽観的で気楽な雰囲気がありました。今日では、リアクションは、その響きからして、ほとんどが「滑稽」です。昔は、観客が本当に楽しんでいるなら、それが伝わってきました。観客は以前ほど自意識過剰ではなく、好きなだけ大声で笑うことができました。もしかしたら、これは現代文化の反映なのかもしれません。 1950年代の笑い声は、概して明るく騒々しいものでしたが、ダグラスがまだ体系的な笑いのテクニックを洗練させていなかったため、やや凡庸な印象もありました。しかし60年代になると、男性も女性も、より個性的な反応、くすくす笑いやケタケタ笑いが聞こえるようになりました。反応ははるかに整然としていて、組織的でした。私は実際に、笑い声のトラックを聴くだけで、その番組が制作された正確な年がわかるほどです。[ 14 ]

2003年にダグラスが亡くなって数か月後、息子のボブは父の発明の長所と短所について次のようにコメントしました。

いくつかの番組では、笑い声を乱用していました。笑い声をどんどん増やしたくて、やり過ぎてしまうことがありました。笑い声を増やせばもっと面白くなると思っていたのに、そうはならなかったのです。多くのプロデューサーは、笑い声をセリフよりも大きくしてしまい、番組を台無しにしていました。笑い声はツールなのです。音楽や効果音、セリフと同じように。番組の流れを作り、心地よいペースにするために、すべてが組み合わさっているのです。すべてはタイミングです。技術と少しの幸運があれば、うまく作られた笑い声は芸術作品となり、より大きな芸術作品に貢献することができます。私たちは長年この業界に携わっており、笑い声は業界のニーズを満たしています。番組の主役になることは期待していません。それは、素晴らしいテレビ番組を作り上げるためのパズルの一部に過ぎません。[ 72 ]

キャロル・プラットは2002年6月にアメリカテレビジョンアーカイブとのインタビューでダグラスのコメントを認め、プロデューサーはより大きく、より長い笑い声を常に求めていたと述べている。

最初はひどいものでした！笑えば笑うほど、笑い声が大きくなるほど、ジョークが面白くなるという段階になってしまったのです。ところが、そうはいきませんでした。だからこそ、マスコミやメディア、そして一般大衆は、笑いを一切許さなくなったのです。笑いが多すぎると。今でも笑いを求める番組はありますが、今は笑いが少ない方が良いのです。熱狂度は低くても、音量は小さくないと思います。一部のプロデューサーや番組は、ささやき声程度まで音量を下げようと試みましたが、音量が大きすぎるよりも、かえってイライラさせられるようになりました。ジョークはジョークですが、今の視聴者はより洗練されていることに気づきました。初期の頃のように、無理やりジョークを教え込まれるようなことはなくなりました。今では、観客の反応でジョークを印象づけるという点では、軽いアプローチを取っています。特に生放送の観客がいる番組では、少し控えめでも良いと思っています。番組の流れに身を任せ、観客に語ってもらいましょう。[ 6 ]

リレコーディング・ミキサーで「ラフボックス」の伝統を受け継ぐ者はほとんどいない。ボブ・ダグラスに加え、ロサンゼルスを拠点とするミキサー、ボブ・ラ・マスニー、そしてサウンド・ワンのジャック・ドナートとジョン・ビッケルハウプトが、現在、観客の笑いを巧みに取り込むことに特化している。現代のデジタル機器はダグラスのオリジナルの機器ほど扱いにくいものではないが、ビッケルハウプトは「ラベルのないノブやボタンが並んでいて、かなり目立たない。私たちは、いわば舞台裏の人間のようなミステリアスな存在でありたい。あまりこのことについて語りたくないんだ」と認めている。[ 73 ]ビッケルハウプトはさらに、「ほとんどの場合、私たちがやっているのはスタジオの観客を再現することではない。観客の笑い声は既に存在している。しかし編集において、番組の一部がカットされたり、番組を時間枠に合わせるためにセリフがカットされたりする場合、笑い声と笑い声の間のつなぎ目を、笑いマシンを使って補わなければならない」と付け加えた。[ 54 ]『ママと恋に落ちるまで』で使用された静かな笑い声について、ビッケルハウプトは、プロデューサーはますます「70年代、80年代、90年代に一般的だった、大勢の観客による騒々しい笑い声を避けるようになっている。彼らはもっと控えめな笑い声を求めている」とコメントした。[ 73 ]ビッケルハウプトは最後に、「私は素晴らしい仕事をしている。一日中座ってコメディに取り組んでいれば、落ち込むことなどあり得ない。職業は何かと聞かれたら、『笑うこと』と答える」と締めくくった。 [ 54 ]

「Just Shoot Me!」（マルチカメラシリーズで、観客の反応を生中継と録画で撮影）のクリエイターであり、「モダン・ファミリー」（シングルカメラシリーズでは生中継や録画された観客の笑い声は使用していない）の共同クリエイターでもあるスティーブン・レヴィタンは、「適切に使われた場合、笑い担当の役割はサウンドトラックを滑らかにすることであり、それ以上のものではない」とコメントした。フィル・ローゼンタールは、「 Everybody Loves Raymond 」で「笑いを操作したことはほとんどなかった」と認めた。「過去に、甘味料を多用した番組に携わったことがあるが、それは主に生身の人間がほとんど笑わなかったからだ。製作総指揮者は『心配するな。このジョークを気に入るのは誰だ？ スウィートマンだ』と言っていた」。ビッケルハウプトもこの見解を認め、観客の反応をすべて自分で作り上げた例が数多くあることを認めた。[ 73 ]逆に、『ブレイディ・バンチ』の製作者シャーウッド・シュワルツの息子ロイド・J・シュワルツは著書『ブレイディ・ブレイディ・ブレイディ』の中で、監督デビュー作『ブレイディ・バンチ』（シーズン4第23話「Room at the Top」）の笑い声が「他の『ブレイディ・バンチ』のどのエピソードよりもかなり大きかった」と認めている。シュワルツは「今では少し恥ずかしいが、作り出した観客に自分が演出したジョークを全て理解してもらいたかった」と付け加えた。[ 74 ]

ミネソタ大学のアメリカ研究と美術史の教授であるカラル・アン・マーリング氏は、ダグラスの発明について懸念を表明した。

ほとんどの批評家は、笑いトラックはメディア史上最悪の産物だと考えています。なぜなら、観客をまるで何か面白いことがあればそれを教えてもらわなければならない羊のように扱うからです。たとえ実際にはそれほど面白くなくても。笑いトラックはコメディ、特にシチュエーション・コメディを変えたと言えるでしょう。つまり、少なくとも最初の2、3回は、背後で狂ったように笑っている人がいれば、どんなものでもとんでもなく面白いものとして受け取られてしまうのです。まるでドラマ番組の途中で、突然背後から「うわ、これは怖い！」とか「ああ、彼は罪悪感があるみたい！」という声が聞こえるようなものです。笑いトラックを使うなら、これは当然の流れと言えるでしょう。笑いトラックのない番組の知的な力を証明するには、『ザ・シンプソンズ』を見れば十分でしょう。脚本は素晴らしく、彼らは笑いのために努力しています。そして観客はただ座って、おしっこを漏らします。これは、笑いトラックを入れてはいけない理由を示す好例です。笑いのトラックを私に任せてください。」[ 72 ]

マーリング氏は、録音された笑い声は、政治的メッセージだけでなく商業的なメッセージも含め、物事を無批判に受け入れるという社会全体の傾向の表れだと懸念を表明した。「これは、アメリカ人の闘志と自分で考える能力の衰退と言えるでしょう」と彼女は述べた。「確かに根付いてはいますが、だからといって良いことではありません。私たちが毎日行っていることで、良くないことはたくさんあります。そして、これもその一つです。」[ 72 ]

参照

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