フォークミュージック

フォークミュージック
ハンガリー王国ゾボルダラシュ（現スロバキアのニトラ）で農民歌手を録音するベーラ・バルトーク、1907年
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フォークミュージックは、伝統的なフォークミュージックと、20世紀のフォークリバイバルで伝統的なフォークミュージックから発展した現代的なジャンルを含む音楽ジャンルです。フォークミュージックの中には、ワールドミュージックと呼ばれるものもあります。伝統的なフォークミュージックは、口承で伝えられる音楽、作曲家が不明の音楽、伝統的な楽器で演奏される音楽、文化的または国民的アイデンティティに関する音楽、世代間で変化する音楽（フォークプロセス）、人々の民間伝承に関連する音楽、または長期間にわたって習慣的に演奏される音楽など、いくつかの方法で定義されてきました。商業的なスタイルやクラシックスタイルと対比されてきました。この用語は19世紀に生まれましたが、フォークミュージックはそれを超えています。

20世紀半ばから、伝統的なフォークミュージックから新しい形式のポピュラーフォークミュージックが生まれました。このプロセスと期間は（第二次）フォークリバイバルと呼ばれ、1960年代に頂点に達しました。この形式の音楽は、以前のフォークミュージックと区別するために、現代フォークミュージックまたはフォークリバイバルミュージックと呼ばれることもあります。 [ 1 ]世界中の他の場所で、他の時期にも小規模で同様のリバイバルが起こりましたが、それらのリバイバルで作られた新しい音楽に「フォークミュージック」という言葉が使われることは通常ありませんでした。このタイプのフォークミュージックには、フォークロック、フォークメタルなどのフュージョンジャンルも含まれます。現代フォークミュージックは、一般的に伝統的なフォークミュージックとは異なるジャンルですが、アメリカ英語では同じ名前が使われ、伝統的なフォークミュージックと同じ演奏者や会場が使われることも多いです。

伝統的な民俗音楽

伝統的な民俗音楽
文体の起源伝統音楽
文化的起源個々の国または地域
派生形
サブジャンル
現代フォークミュージック（西洋）現代フォークミュージック（非西洋）（全リスト）
フュージョンジャンル
その他のトピック

意味

フォーク ミュージックは、誰もがそれが何であるか、またそれが何ではないかについて意見を持っているという点で、魅力的です。

ゴールドマイン（2019年9月19日） [ 2 ]

フォークミュージック、フォークソング、フォークダンスという用語は比較的最近の表現である。これらは、1846年にイギリスの古物研究家ウィリアム・トムズが「未開階級の伝統、慣習、迷信」を説明するために作った「フォークロア」という用語の延長である。 [ 3 ]この用語はさらに、半世紀以上前にヨハン・ゴットフリート・ヘルダーとドイツ・ロマン派がポピュラー音楽や国民音楽に適用した「全体としての人民」という意味のドイツ語「Volk 」に由来する。[ 4 ]フォークミュージックは民衆の音楽であることは理解されているものの、より正確な定義は難しいと専門家は考えている。[ 5 ] [ 6 ]フォークミュージックという用語を使うべきではないという意見もある。[ 5 ]フォークミュージックには特定の特徴があるかもしれないが[ 3 ]、純粋に音楽的な用語で明確に区別することはできない。よく使われる意味の一つは「作曲家が知られていない古い歌」 [ 7 ]であり、もう一つは「口承による伝承の進化の過程を経て、コミュニティによって音楽が作り直され、民俗的な性格を帯びてきた」音楽[ 8 ]である。

このような定義は、「抽象的な音楽のタイプではなく、（文化的）プロセス」、つまり「継続性と口承による伝達」に依存しており、文化的な二分法の一方の側面を特徴づけるものとして捉えられており、そのもう一方の側面は、封建社会、資本主義社会、一部の東洋社会の下層だけでなく、「原始的」社会や「大衆文化」の一部にも見られる」[ 9 ] 。広く使われている定義の一つは、「民俗音楽とは、人々が歌うものである」というものである[ 10 ]。

スコールズ[ 3 ] 、そしてセシル・シャープやベーラ・バルトーク[ 11 ]にとって、田舎の音楽は都会の音楽とは異なるという意識があった。フォークミュージックは既に「…今はもう過ぎ去った、あるいは消滅しようとしている（あるいは場合によっては保存されるか、何らかの形で復活する）生活様式の真の表現と見なされていた」[ 12 ] 。特に「芸術音楽の影響を受けていないコミュニティ」[ 8 ]や商業音楽や印刷された歌曲の影響を受けていないコミュニティにおいてはそうだった。ロイドはこれを否定し、単純に経済階級を区別することを支持した[ 11 ]。しかし彼にとって、真のフォークミュージックは、チャールズ・シーガーの言葉を借りれば、文化的・社会的に階層化された社会において「下層階級と結びついていた」 [ 13 ] 。このような観点から、フォークミュージックは「『原始的』または『部族的』、『エリート的』または『芸術的』、『フォーク』、そして『ポピュラー』という4つの音楽タイプから成る枠組み」の一部とみなすことができます。[ 14 ]

このジャンルの音楽は「伝統音楽」とも呼ばれます。この用語は通常、説明的な意味合いで使用されますが、ジャンル名として使用される場合もあります。例えば、グラミー賞は以前、現代フォークミュージックではないフォークミュージックに対して「伝統音楽」と「伝統フォーク」という用語を使用していました。[ 15 ]フォークミュージックには、ほとんどの先住民族の音楽が含まれる可能性があります。[ 5 ]

特徴

エストニアのヴィリャンディ城跡で毎年開催されるヴィリャンディ民族音楽祭

歴史的な観点から見ると、伝統的な民俗音楽には次のような特徴があります。[ 13 ]

  • 歌は口承によって伝承されました。20世紀以前は、一般の人々は通常読み書きができず、歌を暗記していました。これは主に、書籍や録音・伝送媒体を介したものではありません。歌手たちは、大判の新聞や歌集を用いてレパートリーを広げたかもしれませんが、こうした二次的な付加物は、生で体験する原初的な歌と同じ性質を持っています。
  • 音楽はしばしば国民文化と結びついていました。それは文化的に特有であり、特定の地域や文化に由来するものでした。移民集団という文脈において、民俗音楽は社会的な結束に新たな側面をもたらします。これは特に移民社会において顕著で、ギリシャ系オーストラリア人、ソマリア系アメリカ人、パンジャブ系カナダ人などが自らの文化的アイデンティティを強調しようと努めています。彼らは祖父母の出身国に由来する歌や踊りを学びます。
  • 歴史的、あるいは個人的な出来事を記念するものです。クリスマス、イースター、メーデーといった祝日を含む、一年の特定の日には、特別な歌が一年のサイクルを祝います。誕生日、結婚式、葬儀なども、歌や踊り、特別な衣装で祝われることがあります。宗教的な祭りには、しばしば民俗音楽の要素が見られます。こうした行事での合唱は、子供やアマチュアの歌手を公の場に招き、音楽の美的価値とは無関係な感情的な絆を生み出します。
  • これらの歌は、通常数世代にわたって、長い期間にわたって習慣的に演奏されてきました。

副作用として、次のような特徴が現れることがあります。

  • 楽曲には著作権はありません。19世紀の民謡は数百曲あり、作者は明らかですが、口承によって継承されてきたため、音楽出版においては伝統音楽とみなされるに至っています。しかし、1940年代以降、こうした傾向は著しく低下しました。今日では、録音されるほぼすべての民謡に編曲者のクレジットが付けられています。
  • 文化の融合：文化は時間とともに相互作用し、変化するため、時とともに進化する伝統歌曲は、異なる文化の影響を取り入れ、反映することがあります。関連する要素には、楽器編成、調律、声楽、フレージング、主題、さらには制作方法などが含まれます。
  • 歌曲の伴奏となるコードとハーモニーは即興で演奏されました。ブロードシートや歌集には、特定の曲のメロディーとハーモニーに関する詳細な情報はほとんど記載されておらず（記載されていたとしてもごくわずかでした）、演奏者は自ら選択し、即興でアレンジを作り上げました。これは、当時のクラシック音楽作品を採譜するために用いられていた、詳細かつ規範的な楽譜とは対照的です。

チューニング

フォークミュージックにおいて、チューンとは短い器楽作品、メロディーであり、しばしば繰り返しのセクションを持ち、通常は何度も演奏されます。[ 16 ]構造的に類似したチューンの集まりはチューンファミリーと呼ばれます。アメリカの音楽ランドスケープ[ 17 ]によると、「フォークミュージックにおけるチューンの最も一般的な形式はAABBであり、これはバイナリ形式としても知られています。」[ 18 ]

いくつかの伝統では、曲はメドレーやセットで繋がれることがあります。 [ 19 ]研究によると、ヨーロッパの音楽遺産に由来する特定の伝統音楽のパターンは数学的な順序に従っており、それが世代間でメロディーが口承されることによって伝統的な歌が生き残るのに役立っていることが実証されています。[ 20 ]

起源

インド人は常に古典音楽と民族音楽を区別していましたが、過去にはインドの古典音楽でさえも、レパートリーの暗黙の伝承に依存していました。
インド・ネパールの民族音楽家ナヴニート・アディティヤ・ワイバ

人類の歴史のほとんどの期間、録音された音楽を聴くことは不可能でした。[ 21 ] [ 22 ]音楽は一般の人々によって仕事中や余暇、また宗教活動の際に作られました。経済生産の仕事は多くの場合肉体労働で共同作業でした。[ 23 ]肉体労働には労働者による歌が含まれることが多く、いくつかの実用的な目的がありました。[ 24 ]歌は反復作業の退屈さを軽減し、同期した押し引きのリズムを維持し、植え付け、除草、刈り取り、脱穀、機織り、製粉などの多くの活動のペースを設定しました。余暇には、歌ったり楽器を演奏したりすることが娯楽や歴史を語る一般的な形態でした。これは、電子化された技術と広範な識字率によって他の形態の娯楽や情報共有が競合する今日よりもさらに一般的です。[ 25 ]

民俗音楽は芸術音楽として始まり、口承によって変化し、おそらくは堕落したと考えられています。その一方で、その文化圏の特質を反映しています。[ 3 ]多くの社会、特に文字を持たない社会では、民俗音楽の文化的伝達には耳による学習が必要でしたが、一部の文化では記譜法が発達しました。[ 26 ]文化によって、「民俗」音楽と「芸術」音楽および「宮廷」音楽の区分に関する概念は異なります。ポピュラー音楽のジャンルが急増するにつれ、伝統的な民俗音楽の中には「ワールドミュージック」や「ルーツミュージック」と呼ばれるようになったものもあります。[ 27 ]

英語の「フォークロア」は、伝統的な民俗音楽や舞踊を表す用語として、多くの大陸ヨーロッパ諸国で用いられ、それぞれの国に民謡収集家や復興主義者がいました。[ 3 ]一般的に「本物の」民謡と国民的・ポピュラーソングとの区別は、特にアメリカやドイツでは常に曖昧でした。[ 3 ]例えば、スティーブン・フォスターのようなポピュラーソングライターは、アメリカでは「フォーク」と呼ばれることもありました。[ 3 ] [ 28 ]国際フォークミュージック評議会の定義では、この用語は「…個々の作曲家によって創作され、その後、あるコミュニティの暗黙の、生きた伝統に吸収された音楽」にも適用できるとされています。しかし、既成概念にとらわれず、変化のない歌、踊り、旋律は、この用語には含まれません。」[ 29 ]

第二次世界大戦後のアメリカとイギリスにおけるフォーク・リバイバルは、現代フォーク音楽という新しいジャンルを生み出し、「フォーク音楽」という言葉に新たな意味をもたらした。それは、伝統音楽の形態を模倣し、形式が固定され、著名な作曲家によって新たに作曲された楽曲である。「現代フォーク」録音の人気により、1959年のグラミー賞に「フォーク」という部門が設けられた。 [ 30 ] 1970年にはこの用語は廃止され、「最優秀民族・伝統録音（伝統ブルースを含む）」に置き換えられた。[ 31 ]また、1987年には「最優秀伝統フォーク録音」と「最優秀現代フォーク録音」が区別されるようになった。[ 32 ]その後、「伝統音楽」という部門が設けられ、その後、他の部門へと発展していった。 21世紀初頭には、「フォーク」という言葉は、スコットランド出身のドノヴァン[ 33 ]や、1960年代に登場したアメリカのボブ・ディラン[ 34 ]といったシンガーソングライターを含むようになり、その他にも多くのアーティストを包含するようになりました。こうして、「フォークミュージック」がもはや伝統的なフォークミュージックだけを意味するものではなくなったのです[ 7 ] 。

主題

トルコの伝統的な民俗歌手アフメット・カヤ
アッシリアの民俗音楽
アッシリア人が、アッシリアの民俗音楽や舞踏によく使われる楽器であるズルナとダヴルを演奏している。

伝統的な民俗音楽には歌詞が含まれることが多いが、民俗楽器による音楽はダンス音楽の伝統でよく見られる。多くの文化の伝統的な民俗音楽では、物語詩が大きな役割を果たしている。 [ 35 ] [ 36 ]これには、もともと口頭で演奏されることを意図した伝統的な叙事詩などの形式が含まれる。楽器の伴奏が付けられることもあった。 [ 37 ] [ 38 ]様々な文化の多くの叙事詩は、伝統的な物語詩の短い断片から組み立てられており、それがエピソード構造、反復要素、頻繁な中途半端な展開を説明しています。他の形式の伝統的な物語詩は、戦いの結果を語ったり、悲劇や自然災害を嘆いたりする。[ 39 ]

時には、聖書の士師記にあるデボラの勝利の歌[ 40 ]のように、これらの歌は勝利を祝うこともあります。多くの伝統において、敗北した戦いや戦争、そしてそこで失われた命を嘆く歌も同様に目立っており、これらの嘆きは戦いが行われた大義を生き生きと保ちます。[ 41 ] [ 42 ]伝統的な歌の物語には、ジョン・ヘンリー[ 43 ] [ 44 ]やロビン・フッド[ 45 ]などの民衆の英雄が偲ばれることもよくあります。伝統的な歌の物語の中には、超自然的な出来事や謎の死を想起させるものもあります。[ 46 ]

賛美歌やその他の宗教音楽は、伝統的であり起源が不明な場合が多い。[ 47 ]西洋の記譜法はもともとグレゴリオ聖歌の歌詞を保存するために作られたもので、グレゴリオ聖歌は発明される前は修道院で口承として教えられていた。[ 48 ] [ 49 ]「Green grow the rushes, O present religion」などの伝統的な歌は、西洋のクリスマスキャロルや同様の伝統的な歌と同様に、宗教的な伝承を記憶術の形で提示している。[ 50 ]

労働歌はコール・アンド・レスポンスの形式をとることが多く、労働者が歌のリズムに合わせて作業を調整できるように設計されています。[ 51 ]アメリカ軍では、兵士が行進しているときに歌うジョディコール（「ダックワース・チャント」）が活発な口承で残っています。 [ 52 ]プロの船員も同様に、多くの船乗りの歌を使用していました。[ 53 ] [ 54 ]多くの場合、悲劇的または後悔的な性質の愛の詩は、多くの民俗伝統で重要な役割を果たしています。[ 55 ]童謡、子供の歌、子供たちを楽しませたり落ち着かせたりするために使用されるナンセンス詩も、伝統的な歌の主題としてよく使用されています。[ 56 ]

民謡の変遷とバリエーション

韓国の伝統音楽家

口伝えでコミュニティを通じて伝承される音楽は、時とともに多くのバリエーションを生み出します。なぜなら、この方法では言葉一つ一つ、音符一つ一つまで正確に伝えることができないからです。さらに、フォークシンガーは、耳にした歌にアレンジを加えることもあります。

例えば、1970年頃、「ムッラー・モハメッド・ジャーン」という歌はヘラートからアフガニスタン全土、そしてイランで録音された。この歌は、反復的なリフレインと各節の後半部分の予測可能性により、広く普及しただけでなく、各歌手がメロディーや制約のある詩的リズムを過度に気にすることなく、独自のバージョンを創作することができた。[ 57 ]

歌には様々なバリエーションが自然に生まれるため、一般的に「正統な」版というものは存在しません。伝統歌曲の研究者たちは、英語圏全体でバーバラ・アレンのバラードの無数の版に遭遇してきましたが、これらの版はしばしば大きく異なっています。原典は不明ですが、多くの版が同等に正統性を主張しています。

著名な民俗学者セシル・シャープは、伝統歌曲のこうした競合する変種は、生物学的な自然淘汰に似た改良過程を経ると考えていた。つまり、一般の歌い手にとって最も魅力的な新しい変種だけが他の人々に受け入れられ、時を経て伝承されていくのである。したがって、時間の経過とともに、それぞれの伝統歌曲は、共同体の漸進的な改善によって、より美的に魅力的になると考えられる。

民衆バラードという形式への文学的な関心は、少なくともトーマス・パーシーとウィリアム・ワーズワースにまで遡る。エリザベス朝とステュアート朝のイギリスの作曲家たちは、しばしば民俗的主題から音楽を発展させ、古典派組曲は様式化された民俗舞曲に基づいており、ヨーゼフ・ハイドンが民謡を用いたことは特筆に値する。しかし、「フォーク」という用語の出現は、「ヨーロッパ全土における国民感情の爆発」と時を同じくしており、それは特に国民的アイデンティティが最も強く主張されていたヨーロッパの辺境で顕著であった。中央ヨーロッパ、ロシア、スカンジナビア、スペイン、イギリスでは民族主義的な作曲家が登場し、ドヴォルザーク、スメタナ、グリーグ、リムスキー＝コルサコフ、ブラームス、リスト、デ・ファリャ、ワーグナー、シベリウス、ヴォーン・ウィリアムズ、バルトークなど、多くの作曲家が民謡を取り入れた。

地域形式

ナシ族の伝統音楽家
シュタイネッガー兄弟、シュタイアーマルク州グルントルゼーの伝統的な竪琴奏者、1880年

ポピュラー音楽の台頭による伝統的な民俗音楽の喪失は世界的な現象であるが[ 58 ] 、世界中で均一な速度で起こっているわけではない[ 59 ] 。このプロセスは「文化の産業化と商業化が最も進んでいる場所」[ 60 ]で最も進んでいるが、技術進歩が遅れている地域でも徐々に進行している。しかし、伝統的な民俗音楽が文化的または国民的アイデンティティの象徴となっている国や地域では、伝統音楽の喪失は緩やかである。民族音楽学者は、ユネスコが主催する無形文化遺産プログラムは、地域音楽の伝統が消滅するのを防ぐために政府が実施する主要な対策の一つであると指摘している[ 61 ] 。

初期の民俗音楽、フィールドワーク、そして学問

19世紀に録音技術が発達する以前の民俗音楽について知られていることの多くは、研究者、収集家、支持者による現地調査や著作から得られたものである。[ 62 ]

19世紀のヨーロッパ

19世紀以降、学者やアマチュア研究者たちは、音楽の伝統が失われつつあることに着目し、民衆の音楽を保存するための様々な取り組みを始めた。[ 63 ]そのような取り組みの一つは、19世紀後半にフランシス・ジェームズ・チャイルドが、イングランドとスコットランドの伝統に基づく300以上のバラード（チャイルド・バラードと呼ばれる）のテキストを収集したことである。その一部は16世紀以前のものであった。[ 10 ]

チャイルドと同時期に、サビーヌ・ベアリング＝グールド牧師、そして後にセシル・シャープも、イングランドの田舎の伝統的な歌、音楽、踊りの膨大なコレクションの保存に努め、現在も続くイングランド・フォークダンス・ソング協会（EFDSS）の傘下となった。[ 64 ]シャープは、イングランドの伝統的な歌（彼自身によって大幅に編集・削除されたバージョン）を学校で教えることで、それらの歌の人気の復活と持続を期待し、ある程度の成功を収めた。[ 65 ] [ 66 ] 1960年代から1970年代前半にかけて、アメリカの学者バートランド・ハリス・ブロンソンは、後にチャイルド・カノンとして知られるようになった歌に関連する歌詞と旋律の、当時知られていたバリエーションを網羅した4巻本を出版した。[ 67 ]彼はまた、口承・聴覚伝承の仕組みに関する重要な理論も提唱した。[ 68 ]

同様の活動は他の国々でも進められていた。最も大規模なものの一つは、おそらくリガのクリシュヤニス・バロンズによるもので、彼は1894年から1915年にかけて6巻本を出版し、217,996曲のラトビア民謡（ラトヴィユ・ダイナス）の歌詞を収録し、民謡コレクションに収蔵した。[ 69 ]ノルウェーでは、ルドヴィク・マティアス・リンデマンなどの収集家の作品が、エドヴァルド・グリーグのピアノのための抒情小品集やその他の作品に広く用いられ、絶大な人気を博した。 [ 70 ]

この頃、クラシック音楽の作曲家たちは伝統歌曲の収集に強い関心を抱き、多くの作曲家が独自の伝統音楽調査を行いました。イギリスのパーシー・グレインジャー[ 71 ]やレイフ・ヴォーン・ウィリアムズ[ 72 ] 、ハンガリーのベーラ・バルトーク[ 73 ]などがその例です。これらの作曲家は、多くの先人たちと同様に、民謡を編曲したり、伝統的な素材をオリジナルのクラシック音楽作品に取り入れたりしました。[ 74 ] [ 75 ]

北米

イギリスの民俗学者セシル・シャープが1916年（青）、1917年（緑）、1918年（赤）に訪れた南部アパラチア地方と中央アパラチア地方の地名。シャープは、この地域の住民にイギリス人の祖先から伝わる「旧世界」のイングランドとスコットランドのバラッドを探し求めました。彼は数百ものバラッドを収集しましたが、最も豊富な地域はノースカロライナ州のブルーリッジ山脈とケンタッキー州のカンバーランド山脈でした。

オーディオ録音技術の出現は、民俗学者に、消えゆく音楽形式を保存するための革新的なツールを提供した。[ 76 ]最も初期のアメリカの民俗音楽研究者は、1800年代後半に設立されたアメリカ民俗協会（AFS）に所属していた。 [ 77 ]彼らの研究は、ネイティブアメリカンの音楽にまで広がりましたが、依然として民俗音楽は孤立した社会に保存されている歴史的アイテムとしても扱われていた。[ 78 ]北米では、1930年代から1940年代にかけて、議会図書館が伝統音楽収集家のロバート・ウィンスロー・ゴードン[ 79 ] やアラン・ロマックス[ 80 ] [ 81 ] [ 82 ]などの事務所を通じて、できるだけ多くの北米のフィールド資料を収集した。[ 83 ]ジョン・ロマックス（アラン・ロマックスの父）は、カウボーイや南部の黒人などのアメリカ特有の民俗音楽を研究した最初の著名な学者であった。彼の最初の主要な出版作品は1911年の「カウボーイ・ソングスとその他のフロンティア・バラッド」である。[ 84 ]ジョン・ロマックスは、1930年代から1940年代初頭のフォークミュージック復興の初期において特に著名なアメリカのフォークミュージック研究者であったと言える。セシル・シャープもアメリカで活動し、1916年から1918年にかけてモード・カルプレスやオリーブ・デイム・キャンベルと共同でアパラチア山脈の伝統的な歌を録音しており、アメリカのフォークミュージックを研究した最初の主要な研究者と考えられている。[ 85 ]キャンベルとシャープは、現代の映画「ソングキャッチャー」で俳優によって別名で紹介されている。[ 86 ]

20世紀初頭の民俗学者の間での強いテーマの一つは地域主義であった。[ 87 ]これは、特定の歌の歴史的ルーツではなく、米国の地域に基づいた民俗音楽（および関連文化）の多様性の分析であった。[ 88 ] [ 89 ]後に、これに階級と状況の力学が加わった。[ 90 ]最も著名な地域主義者は、民俗学に特別な関心を持つ文学者であった。[ 91 ] [ 92 ]カール・サンドバーグは作家および詩人として米国を頻繁に旅した。[ 93 ]彼はまた、旅の途中で歌を集め、1927年に「The American Songbag」という本に出版した。[ 94 ]ヴァンダービルト大学で働いていた歴史家レイチェル・ドナルドソンは、後に『アメリカン・ソングバッグ』の中でフォークミュージック復興の分析の中で次のように述べています。「サンドバーグはフォークソング集の中で、アメリカのフォークミュージックに対する一般大衆の理解に階級的な力学を加えた。これは、初期のフォークミュージック復興主義者たちが独自のアメリカ主義観を構築した基盤の最終的な要素であった。サンドバーグの労働者階級のアメリカ人は、他の学者、知識人、民俗学者が称賛した、民族的、人種的、地域的に多様な市民と結びつき、フォークミュージック復興主義者たちは、アメリカのフォークミュージックに対する独自の理解、そして包括的なアメリカのアイデンティティを構築するためにこれらの定義を用いた。」[ 95 ]

1930年代以前は、フォークミュージックの研究は主に学者や収集家の領域でした。1930年代には、大恐慌に関連して、大衆や実践者の間でフォークミュージックにおけるより大規模なテーマ、共通性、つながりが生まれ始めました。[ 96 ]地域主義と文化的多元主義が影響とテーマとして成長しました。この時期に、フォークミュージックは政治的、社会的な活動のテーマや運動と絡み合うようになりました。[ 96 ]関連する2つの展開は、アメリカ共産党がアメリカ人に働きかけ、影響を与える手段としてフォークミュージックに興味を持ったこと、[ 97 ]そして、政治的に活動的な著名なフォークミュージシャンや学者が、大恐慌というレンズを通して共産主義をより良いシステムと見なしたことです。[ 98 ]ウディ・ガスリーは、そのような視点を持つ作詞家やアーティストの典型です。[ 99 ]

1930年代にはフォークミュージックフェスティバルが急増した。[ 100 ]フランクリン・ルーズベルト大統領はフォークミュージックのファンであり、ホワイトハウスでフォークコンサートを主催し、しばしばフォークフェスティバルを後援した。[ 101 ]有名なフェスティバルの一つは、1934年にミズーリ州セントルイスで設立されたサラ・ガートルード・ノットの全国フォークフェスティバルである。 [ 102 ]ワシントンポスト紙のスポンサーの下、このフェスティバルは1937年から1942年までワシントンD.C.のコンスティチューションホールで開催された。 [ 103 ]フォークミュージックの運動、フェスティバル、および戦時中の取り組みは、民主主義、文化的多元主義、文化や人種に基づく障壁の除去などの社会的利益を推進する力と見なされた。[ 104 ]

1930年代のアメリカのフォークミュージック復興主義者たちは、フォークミュージックに様々なアプローチをとった。[ 105 ] 3つの主要な学派が出現した。「伝統主義者」（サラ・ガートルード・ノットやジョン・ロマックスなど）は、歌を消滅した文化の遺物として保存することを強調した。「機能主義的」民俗学者（ボトキンやアラン・ロマックスなど）は、歌は、その歌を生み出した伝統を保持する文化によってのみ、その重要性を維持すると主張した。「左翼的」フォークミュージック復興主義者（チャールズ・シーガーやローレンス・ゲラートなど）は、音楽が「『人々の』社会的・政治的権利のための闘争」において果たす役割を強調した。[ 105 ] 1930年代末までに、これらの人々をはじめとする人々が、アメリカのフォークミュージックを社会運動へと変貌させた。[ 105 ]

フォークミュージシャン自身が学者や擁護者になることもあり、例えば、ジーン・リッチー（1922–2015）はケンタッキー州ヴァイパー出身の大家族の末っ子で、アパラチア地方の古い伝統歌を数多く保存してきた。[ 106 ]アパラチア地方が外部の影響に開かれていた時代に生きたリッチーは、大学教育を受け、最終的にニューヨーク市に移り住み、そこで家族のレパートリーから数々の名曲を録音し、これらの歌を集めた重要なコンピレーションを出版した。[ 107 ]

2012年1月、アメリカ議会図書館のアメリカ民俗センターは文化平等協会と共同で、1946年以降のローマックスの膨大な録音アーカイブをデジタル形式で公開すると発表した。ローマックスは晩年の20年間を、自身が「グローバル・ジュークボックス」と名付けたインタラクティブなマルチメディア教育用コンピュータ・プロジェクトに費やした。このプロジェクトには、5,000時間分の音声録音、40万フィートのフィルム、3,000本のビデオテープ、5,000枚の写真が含まれていた。[ 108 ] 2012年3月現在、このプロジェクトは完了している。1946年以降のローマックスの録音約17,400件がオンラインで無料公開されている。[ 109 ] [ 110 ] 1946年に始まったアラン・ロマックスの独立アーカイブからのこの資料は、文化平等協会によってデジタル化され提供されており、「議会図書館の後援の下で1933年から1942年にかけて彼が作成したアセテートおよびアルミニウムディスクの数千の以前の録音とは異なる。この初期のコレクションには有名なジェリー・ロール・モートン、ウディ・ガスリー、リード・ベリー、マディ・ウォーターズとのセッション、およびロマックスがハイチと東ケンタッキー（1937年）で作成した膨大なコレクションが含まれており、議会図書館の アメリカン・フォークライフ・センターの所蔵である」[ 109 ] 。

全国および地域のフォーム

アフリカ

アフリカのラメロフォン、親指ピアノ、またはムビラ

アフリカは広大な大陸であり[ 111 ]、その地域や国にはそれぞれ独自の音楽的伝統があります。[ 112 ] [ 113 ]北アフリカの音楽は、サハラ以南のアフリカの音楽の伝統とは大部分が異なる歴史を持っています。[ 114 ]

アフリカ系アメリカ人の音楽やソカ、カリプソ、ズークなどのカリブ海の音楽、サンバ、キューバのルンバ、サルサなどのラテンアメリカの音楽、その他のクラーベ（リズム）ベースのジャンルなど、アフリカ系移民の音楽やダンスの形態は、程度の差はあれ、奴隷にされたアフリカ人の音楽に基づいており、それが今度はアフリカのポピュラー音楽に影響を与えている。[ 115 ] [ 116 ]

アジア

パバン・ダス・バウル、ナイン・ライブズ・コンサートのバウル歌手、2009年

多くのアジア文明では、芸術/宮廷/古典様式と「民俗」音楽を区別しています。[ 117 ] [ 118 ]例えば、故アラム・ロハールは、民俗歌手に分類された南アジアの歌手の一例です。[ 119 ]

クヌン・エシェイ/クランド・エシェイは、アジアの国インド、マニプール州のメイテイ族の古代民謡であり、アジアの民謡の一例であり、彼らがそれをどのように独自のジャンルに位置付けたかを示している。[ 120 ]

中国の民俗音楽

考古学的発見によると、中国の民俗音楽は7000年前に遡ります。[ 121 ]それは主にペンタトニックスケールに基づいています。[ 122 ]

漢民族の伝統的な結婚式や葬儀では通常、スオナと呼ばれるオーボエの一種と、チュイグショウと呼ばれる打楽器のアンサンブルが演奏される。[ 124 ] 口琴（ 笙 ）、ショーム（ スオナ ）、笛（ 管楽器 ）、打楽器（特に 雲洛銅鑼 ）からなるアンサンブルは北部の村々で人気があり、[ 125 ]彼らの音楽は、北京、西安、五台山、天津の皇帝寺院の音楽から派生している。管楽器と打楽器からなる西安の太鼓音楽は[ 126 ]西安周辺で人気があり、中国国外でも商業的に人気がある。[ 127 ]もう一つの重要な楽器は笙で、これは中国の笛の一種で、アコーディオンなどすべての西洋のフリーリード楽器の祖先にあたる古代の楽器である。[ 128 ]西洋式のブラスバンドが先導するパレードは一般的であり、しばしばショーム/チュイグショウバンドと音量で競い合います。

福建省南部と台湾では、南音あるいは南管は伝統的な民謡の一種である。[ 129 ]女性が笙や琵琶などの伝統的な楽器の伴奏で歌う。 [ 130 ]この音楽は一般に悲痛なもので、典型的には失恋した人々を扱っている。[ 131 ] [ 132 ]さらに南の汕頭、客家、潮州では、筝アンサンブルが人気がある。[ 133 ]四竹アンサンブルはフルートと擦弦楽器または撥弦楽器を使用し、西洋の一部の聴衆の間で人気となっている調和のとれた旋律の美しい音楽を作る。[ 134 ]これらは南京や杭州、および南揚子江沿いの他の地域で人気がある。[ 135 ]江南四竹音楽（江南地方の絹と竹の音楽）は器楽の一種で、上海の茶室でアマチュア音楽家によってよく演奏されます。[ 136 ]広東音楽または広東音楽は、広州とその周辺地域の器楽です。[ 137 ]この地域の音楽は、粤音楽（広東オペラ）に影響を与え、[ 138 ]後に中華人民共和国統治下の中国のいわゆる「黄金時代」に人気を博しました。[ 139 ]

中国では古代から民謡が記録されてきた。「月歌」という語は、バラード、哀歌、民謡、恋歌、宮廷歌など、幅広い歌を指して使われてきた。[ 140 ]中国は広大な国土を持ち、多様な言語・地理的地域にまたがっている。民謡は、地理的地域、言語の種類、民族、社会的機能（労働歌、儀式歌、求愛歌など）、そして音楽の種類によって分類される。中国の民俗学者が収集した現代のアンソロジーでは、伝統的な歌、革命歌、そして新しく創作された歌が区別されている。[ 141 ]中国北西部の歌は「花歌」（華児）として知られ、美しい女性を歌い表すが、かつてはその性的な内容で悪名高かった。[ 142 ]江蘇省の村落歌（山歌）もまた、その恋愛的なテーマでよく知られていた。[ 143 ] [ 144 ]その他の地域の歌の伝統としては、揚子江デルタ下流の「かき鳴らしの歌詞」（タンツィ）、広東の木魚の伝統（ムユまたはムクユ）、中国北部の太鼓の歌（グチ）などがあります。[ 145 ]

21世紀には、多くの貴重な中国民謡がユネスコの無形文化遺産の代表的な一覧表に登録されました。[ 146 ]その過程で、かつては俗悪と見なされていた歌が、ロマンチックな求愛の歌として再構築されつつあります。[ 147 ]多くの地域で人気のある地域の歌のコンテストは、プロの民謡歌手を職業として奨励し、一部の民謡歌手は全国的に有名になりました。[ 148 ]

スリランカの伝統的な民俗音楽

スリランカの芸術、音楽、舞踊は自然の要素に由来し、仏教の環境の中で楽しまれ、発展してきました。[ 149 ]音楽には様々な種類があり、少数の楽器のみが使用されています。[ 150 ]民謡や詩は社交の場で協力するために使われていました。インドの影響を受けた古典音楽は独特なものに成長しました。[ 151 ] [ 152 ] [ 153 ] [ 154 ]シンハラ軽音楽の伝統的な演劇、音楽、歌は典型的なスリランカのものです。[ 155 ] 寺院の壁画や彫刻には鳥、象、野生動物、花、木が描かれており、伝統的な18の舞踊では鳥や動物の踊りが表現されています。[ 156 ]例えば：

  • マユラ・ワナマ –孔雀の踊り[ 157 ] [ 158 ]
  • ハヌマ・ワナマ – 猿の踊り[ 159 ]
  • ガジャガ・ワナマ – 象の踊り ミュージカルの種類には以下のものがあります:
  • 地方演劇音楽には、コーラム[ 160 ]やナダガム[ 161 ]などの種類があります。コーラム音楽は、主に悪魔払いの儀式における仮面舞踏の伴奏として、低地地方の曲に基づいています。[ 162 ] [ 163 ]コーラム音楽は、あまり発展・進化していないと考えられていますが、民俗伝統に忠実で、より古代の芸術形式を保存していると考えられています。[ 164 ]コーラム音楽は3～4音符程度に限られており、一般の人々が楽しみや娯楽のために使用しています。[ 165 ]
  • ナダガム音楽は、南インドの街頭演劇の影響を受けた、より発展した演劇形式であり、南インドの芸術家によって紹介されました。1824年、ネゴンボ出身のフィリップ・シンホーは、テリング語で書かれた「ハリシュチャンドラ・ナダガマ」をフングランケータで上演しました。その後、「マナメ」[ 166 ] 、 「サンダ・キンドゥル」[ 167 ]などが紹介されました。デヒワラ出身のドン・バスティアンがインドの演劇を参考にしてヌールシーを最初に紹介し、その後、ジョン・デ・シルバが1886年にラーマーヤナヤのように発展させました[ 168 ] 。
  • シンハラの軽音楽は現在スリランカで最も人気のある音楽であり、民俗音楽、コラム音楽、ナダガム音楽、ヌールシー音楽、映画音楽、クラシック音楽、西洋音楽などの影響を受けています。[ 169 ]一部の芸術家は音楽を学ぶためにインドを訪れ、後に軽音楽を紹介し始めました。アナンダ・サマラコーンはその先駆者であり[ 170 ] [ 171 ]、国歌も作曲しました。[ 172 ]

シンハラ古典音楽のオーケストラは5つのカテゴリーの楽器で構成されていますが、打楽器の中でも太鼓はダンスに欠かせません。[ 173 ] 太鼓のリズムの鮮やかなビートがダンスの基本です。[ 174 ]ダンサーの足は床から跳ね上がり、太鼓のビートの複雑なリズムを反映したパターンで飛び跳ねたり、回転したりします。この太鼓のビートは初めて聞いたときは単純に聞こえるかもしれませんが、複雑なリズムとバリエーションを習得するには長い時間がかかり、ドラマーは時にそれを激しさのクレッシェンドにまで高めます。太鼓には一般的に6つの種類があり、3つのスタイル（片面、両面、平面）に分類されます。[ 175 ] [ 176 ]

  • 典型的なシンハラダンスはキャンディアンダンスと呼ばれ、ガタベーラドラムはこのダンスに欠かせないものです。[ 177 ]
  • ヤク・ベラは悪魔の太鼓、または低地の踊りで使用される太鼓であり、踊り手は仮面をつけて悪魔の踊りを披露し、高度に発達した芸術形式となっている。[ 178 ]
  • ダウラは樽型の太鼓で、昔はタマタマと厳密に拍子を合わせるために、伴奏太鼓として使われていました。[ 179 ]
  • タンマッタマは平らな両面太鼓です。他の太鼓のように側面を叩くのではなく、打者はスティックを使って上部の両面を叩きます。これは前述のダウラと似た太鼓です。[ 180 ]
  • 歌の伴奏には、小さな両面鼓が用いられます。主にヴァンナムなどの詩舞で聞かれます。
  • ラバナは平面の円形太鼓で、いくつかのサイズがある。[ 181 ]大きなラバナはバンク・ラバナと呼ばれ、円形の短い脚のテーブルのように床に置かれ、数人（伝統的には女性）がその周りに座り、両手で叩くことができる。[ 182 ]これは、シンハラ人の新年などの祭りや結婚式などの儀式で使用される。[ 183 ]​​ ラバナの響き渡る音は、その場の喜びの気分を象徴する。小さなラバナは、演奏者がどこへ行くにも持ち運べるため、移動可能な太鼓の一種である。[ 184 ]

その他の楽器には以下のものがあります:

  • タランパタ – 弦で繋がれた2つの小さなシンバル。[ 185 ]
  • 管楽器セクションは、クラリネットに似た楽器が支配的です。これは通常、ダンスには使用されません。シンハラ人のダンスは西洋で知られているような音楽に合わせて演奏されるのではなく、リズムが重要視されるため、この点は重要です。
  • 銀や真鍮などの金属製のフルートは、カンディアン・ダンスの伴奏として甲高い音色を奏で、葦笛の哀愁を帯びた旋律は悪魔の踊りで空気を切り裂く。法螺貝（ハッケディヤ）もまた自然楽器の一種で、演奏者はこれを吹いて盛大な儀式の開会を告げる。[ 186 ]
  • ラーヴァナハタ（ravanhatta、rawanhattha、ravanastron、ravana hasta veena）は、かつて西インドで人気があった弓奏楽器である。[ 187 ] [ 188 ]ラーヴァナ王の時代にスリランカのヘラ文明で生まれたと考えられている。[ 189 ]ボウルはココナッツの殻を切って作られ、口はヤギの皮で覆われている。この殻には竹製のダンディが取り付けられている。[ 189 ]主弦は2本で、1本は鋼鉄製、もう1本は馬毛製である。長弓にはジングルベルが付いている。[ 190 ] [ 191 ]

オーストラリア

オーストラリア先住民の音楽には、総称して先住民オーストラリア人と呼ばれるアボリジニ・オーストラリア人とトレス海峡諸島民の音楽が含まれます。[ 192 ]先住民オーストラリア人が実践する様々な独特の伝統音楽スタイルと、先住民オーストラリア人のアーティストによって解釈され演奏された、ヨーロッパの伝統との融合した様々な現代音楽スタイルが組み込まれています。 [ 193 ]音楽は、これらの人々の個人および集団の歴史の数千年を経て現在に至るまで、社会的、文化的、儀式的な行事の不可欠な部分を形成してきました。 [ 194 ] [ 195 ]伝統的な形式には、特定の地域または先住民オーストラリア人グループに固有のパフォーマンスや楽器の多くの側面が含まれます。[ 196 ]音楽の伝統の同等の要素は、オーストラリア大陸の多くの地域で、さらにはオーストラリア大陸を越えて共通しています。[ 197 ]トレス海峡諸島民の文化はニューギニアの隣接地域と関連しており、彼らの音楽もまた関連しています。音楽は先住民オーストラリア人の文化維持にとって不可欠な要素です。[ 198 ]

フォークソングの伝統は、イングランド、スコットランド、アイルランドからの初期の入植者によってオーストラリアにもたらされ、特に田舎のアウトバックで定着しました。 [ 199 ] [ 200 ]ブッシュバラードの形で書かれた押韻歌、詩、物語は、しばしば「ブッシュ」におけるオーストラリアの放浪的で反抗的な精神と関連しており、作者や演奏者はしばしばブッシュバードと呼ばれています。[ 201 ] 19世紀はブッシュバラードの黄金時代でした。[ 202 ]ジョン・メレディスを含む何人かの収集家が歌をカタログ化しており、 1950年代の録音はオーストラリア国立図書館のコレクションの基礎となりました。[ 201 ]

これらの歌は、オーストラリアの広大な土地での暮らしの個人的な物語を語っています。[ 203 ] [ 204 ]典型的な主題には、鉱山、牛の飼育と移動、羊の毛刈り、放浪、戦争の話、1891年のオーストラリアの羊毛刈りストライキ、土地を持たない労働者階級と不法占拠者（地主）の間の階級闘争、ネッド・ケリーのような無法者、恋愛、トラック運転などのより現代的な話題などがあります。[ 205 ]最も有名なブッシュバラードは「ワルチング・マチルダ」で、「オーストラリアの非公式な国歌」と呼ばれています。[ 206 ]

ヨーロッパ

2012年にフライブルクで演奏するバトルフィールドバンド
ケルトの伝統音楽

ケルト音楽とは、アーティスト、レコード会社、音楽店、音楽雑誌などが、ケルト民族の民俗音楽の伝統から発展した幅広い音楽ジャンルを指すために用いる用語である。[ 207 ]これらの伝統には、アイルランド、スコットランド、マン島、コーンウォール、ウェールズ、ブルターニュの伝統が含まれる。[ 208 ]アストゥリアス音楽とガリシア音楽もしばしば含まれるが、これらと密接な音楽的関係があることを示す重要な研究はない。[ 209 ] [ 210 ]ブルターニュのフォーク・リバイバルは、1950年代に「バガドゥ」と「カン・ハ・ディスカン」で始まり、1960年代半ば以降、アラン・スティヴェルの作品によって世界的な名声を得た。 [ 211 ]

アイルランドでは、ザ・クランシー・ブラザーズとトミー・メイクム（メンバーは全員アイルランド生まれだが、ニューヨークのグリニッチ・ヴィレッジを拠点に活動していた時に有名になった[ 212 ]）、ザ・ダブリナーズ[ 213 ]、[ 214 ]、[ 215 ]、[ 216 ]、[ 217 ]、[ 218 ]、[ 219 ]、 [ 220 ]、その他様々なフォーク・バンドが、過去数十年にわたりアイルランドの伝統音楽の再活性化と再普及に大きく貢献してきた。[ 221 ]これらのバンドは、多かれ少なかれアイルランド音楽の伝統に根ざしており、シェイマス・エニスやピーター・ケネディなどのアーティストの努力の恩恵を受けた。[ 211 ]

スコットランドでは、ザ・コリーズ[ 222 ] 、シリー・ウィザード[ 223 ]、[ 224 ] 、カペルカイリー[ 225 ] 、ランリグ[ 226 ] 、ジャッキー・レヴェン[ 227 ] 、ジュリー・ファウリス[ 228 ] 、カリーヌ・ポルワート[ 229 ] 、アラスデア・ロバーツ[ 230 ]、[ 231 ] 、ディック・ゴーガン[ 232 ] 、ウルフストーン[ 233 ] 、ボーイズ・オブ・ザ・ラフ[ 234 ]、ザ・サイレンサーズ[ 235 ]が、伝統的なスコットランドとゲール語の民謡とより現代的なジャンルを融合させることで、スコットランドの民謡に活気と新鮮さを保っている。[ 236 ]これらのアーティストは、ヨーロッパ大陸と北アメリカでも商業的に成功している。[ 237 ]スコットランドの伝統音楽界では才能豊かな新人が生まれており、マンラン[ 238 ]スキピニッシュ[ 239 ]バールース[ 240 ]ブリーバッハ[ 241 ]などのバンドや、パッツィー・リード[ 242 ]ロビン・ステイプルトン[ 243 ]ミーシャ・マクファーソン[ 244 ]などのソロアーティストが近年大きな成功を収めている。[ 245 ]

中央および東ヨーロッパ

東側諸国時代には、国家によって民族舞踊が積極的に推進された。[ 246 ]ロシアとポーランドの舞踊団は、1937年から1990年頃にかけて非共産圏のヨーロッパをツアーした。[ 247 ]赤軍合唱団は多くのアルバムを録音し、最も人気のある軍楽隊となった。[ 248 ]東ヨーロッパは、ユダヤ人のクレズマーの伝統の起源でもある。[ 249 ]

バグパイプを演奏するジュボミール・パリチカ、スロバキア

ポルカは中央ヨーロッパのダンスであり、ヨーロッパやアメリカ大陸で親しまれているダンスミュージックのジャンルでもあります。19世紀半ばのボヘミアで生まれました。[ 250 ]ポルカは今でも多くのヨーロッパ諸国で人気の高い民俗音楽のジャンルであり、ポーランド、ラトビア、リトアニア、チェコ共和国、オランダ、クロアチア、スロベニア、ドイツ、ハンガリー、オーストリア、スイス、イタリア、ウクライナ、ベラルーシ、ロシア、スロバキアの民俗芸術家によって演奏されています。[ 251 ]このダンスの地方的な変種は、北欧諸国、イギリス、アイルランド共和国、ラテンアメリカ（特にメキシコ）、アメリカ合衆国で も見られます。

カルミナ・ブラーナ[ 252 ]のような歌曲手稿によって受け継がれたドイツの民謡は、中世のミンネザングとマイスタージンガーの伝統に遡ります。[ 253 ]これらの民謡は18世紀後半のドイツ・ロマン主義の時代に復活し、[ 254 ]ヨハン・ゴットフリート・ヘルダー[ 255 ] [ 256 ]や他の啓蒙主義者によって最初に推進され、[ 257 ]後にアヒム・フォン・アルニム[ 258 ]とクレメンス・ブレンターノ（少年の魔法の角笛）[ 259 ]、そしてルートヴィヒ・ウーラントによって編纂されました。[ 260 ]

フォルクスムジークと民族舞踊は、特にバイエルン、オーストリア、スイス（クーライエン） 、南チロルといったアルプス地方において、工業化を背景に田舎のコミュニティで今日まで生き残ってきた。[ 261 ] ― 低地ドイツのシャンティやウィーンの歌[ 262 ]（シュランメルムジーク）は注目すべき例外である。オーバーカルニオラ地方とシュタイアーマルク地方のスロベニア民族音楽もまた、多作なロイツェ・スラック・アンサンブルのように、アルプスの伝統に由来している。[ 263 ]伝統的なフォルクスムジークは、そこから派生した商業的なフォルクシュテュムリヒェ・ムジークと混同してはならない。 [ 264 ]

ハンガリーのグループ、ムジカースは数多くのアメリカツアーを行い[ 265 ]、ハリウッド映画『イングリッシュ・ペイシェント』にも参加した[ 266 ] 。一方、歌手のマルタ・セベスティエンはバンド「ディープ・フォレスト」で活動した[ 267 ]。1970年代に始まったハンガリーのタンチャーズ運動は、音楽学の専門家と熱心なアマチュアの強力な協力によって成り立っている[ 268 ] 。しかし、ハンガリーの伝統的な民族音楽と民族文化は、ハンガリーの農村部でかろうじて生き残り、トランシルヴァニアのハンガリー系住民の間でも姿を消し始めている。タンチャーズ運動は、音楽、ダンス、衣装といった幅広い民族の伝統を復活させ、新しいタイプの音楽クラブを生み出した[ 269 ] 。この運動は、世界中のハンガリー系コミュニティにも広がった[ 269 ] 。

バルカン音楽
ブルガリアの声の謎

バルカン民族音楽は、オスマン帝国時代のバルカン諸民族の混交の影響を受けています。[ 270 ]ボスニア・ヘルツェゴビナ、ブルガリア、クロアチア、ギリシャ、モンテネグロ、セルビア、ルーマニア、北マケドニア、アルバニア、ユーゴスラビアやセルビア・モンテネグロの一部の歴史的国家、トラキアなどの地理的地域の音楽が含まれます。[ 271 ]複雑なリズムを特徴とする音楽もあります。[ 272 ]

注目すべきバンドとしては、第32回グラミー賞授賞式で最優秀伝統フォーク・レコーディング賞を受賞した「ミステリー・オブ・ザ・ブルガリアン・ヴォイシズ」がある。[ 273 ] [ 274 ]

バルカン半島の民俗音楽全体の中で重要な部分は、地元のロマ少数民族の音楽であり、タラヴァやブラスバンド音楽と呼ばれています。[ 275 ] [ 276 ]

北欧の民族音楽
ラトビアの男性民族アンサンブル「ヴィルキ」が、 2009年8月にアプオレ丘陵で行われたバルト諸国の工芸と戦争 の祭典「アプオレ854」で演奏している。

北欧の民俗音楽には、北欧、特にスカンジナビア諸国の多くの伝統が含まれます。北欧諸国とは、一般的にアイスランド、ノルウェー、フィンランド、スウェーデン、デンマーク、グリーンランドを指します。[ 277 ]バルト三国であるエストニア、ラトビア、リトアニアも含まれる場合があります。[ 278 ]

フィンランドのラーセボリで開催された 2008 年フェイセズ フェスティバルでパフォーマンスを披露するマリア・ガソリーナ

北欧諸国の多くの地域では、特定の伝統が共有されていますが、その多くはデンマーク、スウェーデン、ノルウェーの詩篇歌（Psalmodicon）のように大きく異なっています。[ 279 ]バルト諸国（または、時にはエストニアのみ）とロシア北西部の一部は、文化的類似点を共有するものとしてグループ化することができますが、[ 280 ]近年、関係が冷え込んでいます。[ 281 ]ノルウェー、スウェーデン、デンマーク、大西洋の島々であるアイスランドとフェロー諸島とは対照的に、これらの国には、その種の類似点はほとんどありません。グリーンランドのイヌイット文化には、独自の音楽の伝統があります。[ 282 ]フィンランドは、バルト諸国とスカンジナビア諸国の両方と多くの文化的類似点を共有しています。スウェーデン、ノルウェー、フィンランド、ロシアのサーミ人は、近隣の文化とのつながりを持ちながら、独自の文化を持っています。[ 283 ]

スウェーデンの民俗音楽は、主に19世紀初頭にスウェーデンで始まった民俗学的な収集作業に基づいた音楽のジャンルです。 [ 284 ]スウェーデンの民俗音楽の主な楽器はフィドルです。[ 285 ]スウェーデンの伝統に特有のもう1つの一般的な楽器はニッケルハルパです。[ 286 ]スウェーデンの器楽民俗音楽のほとんどはダンス音楽です。スウェーデンの民俗音楽で特徴的な音楽とダンスの形式はポルスカです。[ 287 ]スウェーデンの声楽と器楽の伝統は、別々に演奏されてきましたが、歴史的に曲を共有する傾向があります。[ 288 ] 1970年代の民俗音楽の復興から、声楽家と器楽家が民俗音楽アンサンブルで一緒に演奏するようになりました。

ラテンアメリカ

アメリカ大陸の民俗音楽は、ヨーロッパの伝統音楽、アメリカ原住民の伝統音楽、そしてその大陸から奴隷とともにもたらされたアフリカの部族音楽という 3 つの主な音楽タイプの出会いと融合から成ります。

ラテンアメリカと南アメリカの音楽の特殊な例としては、アンデス音楽[ 289 ]をはじめとする先住民の音楽スタイル（カリブ海[ 290 ]やパンペアンなど）、スペインとポルトガルのイベリア音楽、そして一般的にアフリカの部族音楽が挙げられ、これら3つが中央アメリカと南アメリカで融合して、異なる音楽形式に進化しました。

アンデス音楽は、ヨーロッパ人との接触以前、インカ帝国周辺地域に居住していたケチュア族、アイマラ族、その他諸族の地域に起源を持つ。 [ 291 ]ボリビア、エクアドル、[ 292 ]チリ、コロンビア、ペルー、ベネズエラの一部の民族音楽を含む。アンデス音楽はラテンアメリカ全域で様々な程度に人気があり、農村部や先住民層が中心となっている。 1970年代のヌエバ・カンシオン運動は、このジャンルをラテンアメリカ全域で復活させ、知られていなかった、あるいは忘れ去られていた地域にも広めた。

ヌエバ・カンシオン（スペイン語で「新しい歌」）は、ラテンアメリカとイベリア半島のにおけるムーブメントであり、ジャンルの一つです。その発展と役割は、ある意味で北米における第二次フォークミュージック復興に類似しています。これは、この新しいジャンルが伝統的なフォークミュージック、つまり本質的には現代フォークミュージックから進化したものであることを示していますが、英語のジャンル用語が一般的には適用されていません。ヌエバ・カンシオンは、1970年代から1980年代にかけて、ポルトガル、スペイン、そしてラテンアメリカにおける社会変動において大きな役割を果たしたことで知られています。

ヌエバ・カンシオンは、1960年代にチリで「チリの新歌」として初めて登場しました。この音楽スタイルはその後まもなくスペインやラテンアメリカ諸国でも広まり、同様の名称で知られるようになりました。ヌエバ・カンシオンは伝統的なラテンアメリカの民謡を刷新し、その政治的な歌詞から、革命運動、ラテンアメリカ新左翼、解放神学、ヒッピー運動、人権運動とすぐに結び付けられました。ラテンアメリカ全域で大きな人気を博し、ロック・エン・エスパニョールの先駆けとみなされています。

クエカは、チリ、ボリビア、ペルーの音楽スタイルとそれに関連するダンスのグループです。

トロバとソンは、オリエンテ州発祥の伝統的なキューバ音楽のスタイルで、ボレロやコントラダンサなどのスペインの歌と踊り、およびアフロキューバンのリズムとパーカッションの要素の影響を受けています。

モーダ・デ・ヴィオラは、ブラジルの民俗音楽の総称です。6弦ナイロンアコースティックギターで演奏されることが多いですが、最も伝統的な楽器はヴィオラ・カイピラです。歌は基本的に、田舎で働く人々の生活の困難を詳細に描いています。テーマは、土地、動物、民間伝承、叶わぬ愛、別れなどと結びついています。明るい曲もありますが、ほとんどはノスタルジックでメランコリックな曲です。

北米

カナダ
1943年の木材キャンプで、棒を打楽器としてバイオリンを演奏するフランス系カナダ人の木こりたち

カナダの伝統的なフォークミュージックは特に多様性に富んでいます。[ 293 ] 1960年代に移民法が自由化される以前から、カナダは民族的に多様で、数十もの先住民族とヨーロッパ系民族が存在していました。音楽に関して言えば、学者たちはカナダの伝統ではなく、むしろ民族的伝統（アカディア音楽、アイルランド系カナダ人音楽、ブラックフット音楽、イヌ音楽、イヌイット音楽、メティスのフィドルなど）と呼び、後に東カナダの地域的伝統（ニューファンドランド音楽、ケープブレトンのフィドル、ケベック音楽など） と呼ぶようになりました。

ヨーロッパ起源の伝統的なフォークミュージックは、16 世紀と 17 世紀に最初のフランス人とイギリス人の入植者が到着して以来、カナダに存在しています。彼らは、ニューファンドランド、ノバスコシア、ニューブランズウィック、プリンスエドワード島、およびケベックのセントローレンス川流域となる地域の沿岸水域で漁業を営み、海岸で農業を営んでいました。

毛皮貿易とその航海者たちは、これをカナダのさらに北と西に運び込み、その後、伐採作業と木こりたちがこの作業を引き継ぎました。

19世紀初頭、オンタリオ州東部、南部、そしてケベック州西部に農業開拓が進んだことで、イギリスやアメリカ合衆国から伝わった多くのアングロ・カナダ系のフォークソングやブロードサイド・バラードが生き残るのに好ましい環境が整えられました。大規模な工業化にもかかわらず、多くの地域でフォークミュージックの伝統は今日まで生き続けています。オンタリオ州北部では、フランス系オンタリオ人が多数居住し、フランス起源のフォークミュージックが息づいています。

大西洋沿岸諸州に居住する人口の多いアカディア人コミュニティは、ケベック州を中心とするフランス起源の膨大なフォークミュージックに、独自の歌のバリエーションをもたらした。大西洋沿岸地域、特にニューファンドランドには、アングロ・カナディアン・フォークミュージックの豊かな源泉が見られる。この音楽的フォークロアのモザイクを完成させるのは、スコットランド人入植地、特にケープ・ブレトン島のゲール語音楽と、1840年代のアイルランド飢饉（アイルランド人の大規模な北アメリカへの移住を余儀なくさせた）以来、カナダ東部に存在し続ける数百ものアイルランドの歌である。[ 293 ]

イザベル・ミルズは1974年に、「カナダの歴史に関する知識は、カナダの民謡のモザイクを理解する上で不可欠です。このモザイクの一部は、ヨーロッパ人とアングロサクソン人の入植者が新天地にもたらしたカナダの民謡によって支えられています」と記しています。[ 13 ]彼女は、ケベックのフランス植民地がフランス移民をもたらし、その後まもなくイギリス、ドイツ、その他のヨーロッパ諸国からの移民の波が押し寄せ、彼らは皆、故郷の音楽を持ち込み、その一部は今日まで生き続けています。民族誌学者で民俗学者のマリウス・バルボーは、カナダには1万曲を超えるフランスの民謡とその変種が収集されていると推定しています。古い民謡の多くは、当時フランスではすでに廃れていました。

カナダ、特に遠隔地の農村部では、19世紀から20世紀初頭にかけて、プロフェッショナルな有料娯楽としての音楽は比較的ゆっくりと成長しました。都市部ではダンスホールやヴォードヴィル系のクラブが人気を博し、その後ジャズが流行しましたが、農村部では依然として伝統音楽が主流でした。しかし、1920年代から1930年代にかけてアメリカのラジオ放送局がカナダで放送を開始すると、カナダの伝統音楽の聴衆は徐々に減少し、アメリカのナッシュビル風カントリーミュージックやジャズといった都会的な音楽が好まれるようになりました。

カナダ音楽のアメリカナイゼーションを受け、1930年代にはカナダ放送連盟が国営放送局の設立を働きかけ、最終的に1936年にカナダ放送協会（CBC）が設立されました。CBCはラジオ、そして後にテレビで、伝統音楽を含むカナダの音楽を宣伝しましたが、20世紀半ばにはあらゆる「モダン」なものが流行し、ロックやポップスに比べてフォーク音楽は衰退しました。しかし、カナダは1950年代と60年代のフォーク音楽復興の影響を受け、モントリオール・フォーク・ワークショップなどの地元の会場や、全国各地のフォーク・クラブやコーヒーハウスが、新進気鋭のソングライターやパフォーマーの育成の場となり、海外から訪れるアーティストとの交流の場となりました。

アメリカ合衆国

アメリカの伝統音楽はルーツ・ミュージックとも呼ばれます。ルーツ・ミュージックは、ブルーグラス、カントリー・ミュージック、ゴスペル、オールド・タイム・ミュージック、ジャグ・バンド、アパラチア・フォーク、ブルース、ケイジャン、ネイティブ・アメリカン・ミュージックなどを含む幅広い音楽のカテゴリーです。これらの音楽がアメリカの音楽とみなされるのは、アメリカ合衆国発祥であるか、あるいは外国の起源からアメリカ合衆国で発展し、音楽学者にとって明らかに新しいものとして認識されるほどになったためです。この音楽が「ルーツ・ミュージック」と呼ばれるのは、後にアメリカ合衆国で発展するロックンロール、現代フォーク・ミュージック、リズム・アンド・ブルース、ジャズなどの音楽の基礎となったためです。これらのジャンルの中には、伝統的なフォーク・ミュージックとみなされるものもあります。

初期に録音されたアパラチアのミュージシャンには、フィドリン・ジョン・カーソン、ヘンリー・ウィッター、バスコム・ラマー・ランズフォード、カーター・ファミリー、クラレンス・アシュリー、フランク・プロフィット、ドック・ボッグスなどがおり、いずれも1920年代から1930年代に初めて録音された。1950年代から1960年代のフォーク・リバイバルで名声を博したアパラチアのミュージシャンには、ジーン・リッチー、ロスコー・ホルコム、オーラ・ベル・リード、リリー・メイ・レッドフォード、ドック・ワトソンなどがいる。カントリーやブルーグラスのアーティスト、ロレッタ・リン、ロイ・エイカフ、ドリー・パートン、アール・スクラッグス、チェット・アトキンス、ドン・リノなどは、伝統的なアパラチア音楽に大きな影響を受けている。[ 294 ]ボブ・ディラン、デイヴ・ヴァン・ロンク、ジェリー・ガルシア、ブルース・スプリングスティーンなどのアーティストがアパラチアの歌を演奏したり、アパラチアの歌を書き直したバージョンを演奏してきました。
1870年代にはメキシコ移民がオクラホマ州に到来し始め、美しいカンシオーネやコリード、ラブソング、ワルツ、バラードなどを持ち込んできました。アメリカ先住民コミュニティと同様に、ヒスパニックコミュニティにおける通過儀礼には伝統音楽が伴奏されます。アコースティックギター、ストリングベース、バイオリンがメキシコ音楽の基本的な楽器となり、マラカス、フルート、ホルン、そして時にはアコーディオンが音色を豊かに彩ります。[ 296 ]その後、アジア系の人々も音楽の融合に貢献しました。「中国、インド、インドネシアの寺院や宮廷に伝わる古代の音楽と舞踊の伝統は、州内のアジア系コミュニティで今も受け継がれており、これらの古典音楽の形態にポピュラーソングのジャンルが重ね合わされています。」[ 296 ]

フォークミュージックの復活

「フォークソングは自己永続的で、再生力がある。まさに永遠のアメリカンソングと言えるだろう。リバイバルや蘇生は必要ないと思う。生き続け、繁栄する。18歳の若者がそれに触れることさえあればいい。彼らがいようがいまいが、フォークソングは生き続ける。ラジオで流れるどんなものよりも、どんな出版されたものよりも、フォークソングは力強い。…それは、長い間語り継がれてきた人々の声の結晶であり、それがフォークソングを力強くしているのだ。」[ 297 ]

「フォークミュージック・リバイバル」とは、伝統的なフォークミュージックへの関心が再燃した時期、あるいはそれを変革した出来事や時代のいずれかを指す。後者には通常、社会運動的な要素が含まれる。前者の顕著な例は、1890年から1920年頃のイギリスのフォークミュージック・リバイバルである。後者の最も顕著で影響力のある例は、 20世紀半ばのフォークミュージック・リバイバルであり、英語圏、特にアメリカ合衆国を中心として展開され、現代フォークミュージックを生み出した（ 「フォークミュージック・リバイバル」と呼ばれるほどである） 。[ 298 ]

初期のリバイバルの一つは西洋のクラシック音楽に影響を与えました。パーシー・グレインジャー、レイフ・ヴォーン・ウィリアムズ、ベーラ・バルトークといった作曲家は、フォークシンガーやフォークミュージシャンの演奏をフィールドレコーディングしたり、編曲したりしました。

スペインでは、イサーク・アルベニス（1860–1909）がスペインの血統を反映したピアノ作品を作曲し、その中には『イベリア組曲』（1906–1909）も含まれる。エンリケ・グラナドス（1867–1918）は、スペインの軽オペラであるサルスエラやスペイン舞曲（ Danzas Españolas）を作曲した。マヌエル・デ・ファリャ（1876–1946）はアンダルシア・フラメンコのカンテ・ホンドに関心を抱き、その影響は彼の作品の多くに強く感じられ、その中には『スペインの庭園の夜』や『7つのスペイン民謡』（ Siete canciones populares españolas 、声楽とピアノのための）などがある。フェルナンド・ソルやフランシスコ・タレガといった作曲家は、ギターをスペインの国民的楽器として確立した。現代スペインの民謡アーティストには、『ミル・イ・マリア』や『ロシアの赤』など、先人たちの伝統を尊重しつつ現代化を進めている者も数多くいる。

フラメンコは20世紀を通じて人気を博し、ガリシア地方のケルト音楽といった北方音楽も人気を博しました。ビゼーからラヴェルに至るまで、フランスの古典音楽作曲家たちもスペインのテーマを取り入れ、独特のスペイン音楽のジャンルが広く認知されるようになりました。

フォークミュージックのリバイバル、あるいはルーツ・リバイバルは、伝統音楽への新たな関心が世界中で高まっている様々な現象を包含しています。これは多くの場合、若者によって、そして多くの場合、自国の伝統音楽において起こっており、社会意識、理念、そして同じスタイルにおける新しい音楽の進化が新たに取り入れられていることが少なくありません。スペイン語圏のいくつかの国では、ヌエバ・カンシオン（社会貢献型の音楽）と呼ばれる、社会貢献型の新しい音楽の進化が見られました 。

現代フォークミュージック

フェスティバル

アメリカ合衆国

米国で最も古いフォークミュージックフェスティバルは、1928年にノースカロライナ州アッシュビルでバスコム・ラマー・ランズフォードが創設したマウンテンダンス＆フォークフェスティバルであると言われることがあります。[ 299 ] [ 300 ] [ 301 ]ナショナルフォークフェスティバル（USA）は、米国の移動式フォークフェスティバルです。[ 302 ] 1934年以来、国立伝統芸術評議会（NCTA）によって運営されており、全国26の地域で上演されています。[ 303 ]これらのコミュニティのいくつかを離れた後、ナショナルフォークフェスティバルは、ローウェルフォークフェスティバル、[ 304 ]リッチモンドフォークフェスティバル、[ 305 ]アメリカンフォークフェスティバル[ 306 ]そして最近ではモンタナフォークフェスティバルなど、いくつかの地域運営のフォークフェスティバルを派生させました。[ 307 ]

ニューポートフォークフェスティバルは、ロードアイランド州ニューポート近郊で毎年開催されるフォークフェスティバルです。[ 308 ] 1959年から1970年まで、そして1985年から現在までほぼ毎年開催されており、毎年約1万人が参加しています。[ 309 ]

4日間にわたるフィラデルフィアフォークフェスティバルは1962年に始まりました。[ 310 ]非営利団体のフィラデルフィアフォークソング協会が主催しています。[ 311 ]このイベントでは、ワールド/フュージョン、ケルト、シンガーソングライター、フォークロック、カントリー、クレズマー、ダンスなどのジャンルの現代および伝統的なアーティストが出演します。[ 312 ] [ 313 ]毎年8月の第3週末に開催されます。[ 314 ]現在、このイベントには約12,000人の来場者が訪れ、6つのステージでバンドが演奏します。[ 315 ]

インディアナ州のハンターズムーン祭りには、毎年約6万人の観光客が訪れます。[ 316 ]

イギリス

シドマス・フェスティバルは1954年に始まり[ 317 ]、ケンブリッジ・フォーク・フェスティバルは1965年に始まりました[ 318 ]。イギリスのケンブリッジで開催されるケンブリッジ・フォーク・フェスティバルは、フォークミュージシャンとして招待される人の定義が非常に幅広いことで知られています[ 319 ] 。 「クラブ・テント」では、参加者は多数の無名のアーティストを発見することができ、彼らはそれぞれ10分または15分ずつ、フェスティバルの観客に作品を披露します[ 320 ] 。

オーストラリア

ナショナル・フォーク・フェスティバルはオーストラリア最大のフォーク・フェスティバルで、5万人以上が参加します。[ 321 ] [ 322 ]ウッドフォード・フォーク・フェスティバルとポート・フェアリー・フォーク・フェスティバルも同様にオーストラリア最大級の年間イベントの一つで、多くの地元のアーティストだけでなく、国際的なトップ・フォーク・パフォーマーも集まります。[ 323 ] [ 324 ]

カナダ

スタン・ロジャースは、毎年オンタリオ州オーウェンサウンドで開催されるカナダのフォークフェスティバル「サマーフォーク」の常連で、メインステージと円形劇場は「スタン・ロジャース記念天蓋」として献呈されている。[ 325 ]このフェスティバルは伝統をしっかりと受け継いでおり、ロジャースの歌「メアリー・エレン・カーター」は、観客や出演者メドレーを含む関係者全員で歌われる。[ 326 ] [ 327 ]キャンモア・フォーク・ミュージック・フェスティバルは、アルバータ州で最も長く続いているフォークミュージック・フェスティバルである。[ 328 ]

カナダ全土で数多くのフォークフェスティバルが開催されています。ノバスコシア州カンソーでは、1997年から毎年7月の最終週末にスタン・ロジャース・フォーク・フェスティバルが開催されています。ウルフビルでは、毎年9月にディープ・ルーツ・ミュージック・フェスティバルが開催されます。ケルト音楽フェスティバル「ケルティック・カラーズ」は、毎年秋、木々が色づく頃にケープ・ブレトン島で開催され、島内各地で会場が設けられています。ノバスコシア州ルーネンバーグでは、 1986年からルーネンバーグ・フォーク・ハーバー・フェスティバルが開催されています。

他の

オンゲルマンランド州ウルクルト・ネーソーケルは毎年 8 月に開催され、スウェーデン最大の世界音楽フェスティバルと言われています。[ 329 ]

参照

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出典

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フォークミュージックに関する図書館資料
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