バロック

バロック
上：ピーテル・パウル・ルーベンス作「ヴィーナスとアドニス」（1635-1640年）、中央：ベルニーニ作「聖テレサの法悦」（1651年）、下：フランスのヴェルサイユ宮殿（1660年頃-1715年）
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活動年数17世紀～18世紀
位置ヨーロッパとアメリカ大陸

バロック様式（英: / b ə ˈ r ɒ k / bə- ROK 、米: / b ə ˈ r oʊ k / bə- ROHK 、仏: [baʁɔk]）は、17世紀初頭から1750年代まで繁栄した西洋建築、音楽、舞踏、絵画、彫刻、詩、その他の芸術の様式である。 [ 1 ]ルネサンス美術とマニエリスムに続き、ロココ様式（かつては「後期バロック」と呼ばれることが多かった）と新古典主義様式に先行した。カトリック教会は、プロテスタントの建築、美術、音楽の簡素さと質素さに対抗する手段としてバロック様式を奨励したが、ヨーロッパの一部ではルター派のバロック美術も発展した。 [ 2 ]

バロック様式は、コントラスト、動き、豊かなディテール、深みのある色彩、壮大さ、そして驚きを駆使して、畏敬の念を抱かせるものでした。この様式は17世紀初頭のローマで始まり、その後イタリア、フランス、スペイン、ポルトガル、そしてオーストリア、南ドイツ、ポーランド、ロシアへと急速に広がりました。1730年代には、ロカイユまたはロココと呼ばれる、より華やかな様式へと進化し、18世紀半ばから後半にかけてフランスと中央ヨーロッパで出現しました。イベリア半島を含むスペイン・ポルトガル帝国の領土では、新しい様式と共に19世紀最初の10年間まで存続しました。

装飾芸術においては、この様式は豊富で精緻な装飾を採用している。ルネサンス古典主義からの逸脱は各国でそれぞれ異なる。しかし、共通の特徴は、どの国においてもルネサンスによって導入された装飾要素が出発点となっていることである。古典主義のレパートリーは、衝撃的な効果を喚起するために、密集し、濃密で、重なり合い、そして重層的である。バロックによって導入された新しいモチーフとしては、カルトゥーシュ、トロフィーや武器、果物や花の籠などが挙げられ、寄木細工、スタッコ、彫刻などで作られている。[ 3 ]

言葉の起源

セイレーンの形をしたペンダント。バロック真珠（胴体部分）とエナメル加工を施した金の台座で作られ、ルビーがセットされています。おそらく 1860 年頃の作品。メトロポリタン美術館（ニューヨーク州ニューヨーク市）所蔵。

英語の「バロック」という語はフランス語から直接来ています。一部の学者は、このフランス語の語源はポルトガル語の「barroco」（「傷のある真珠」）であり、ラテン語の「 verruca」（「疣」）[ 4 ]、あるいはロマンス語の接尾辞-ǒccu（ローマ以前のイベリア半島でよく使われていた）に由来すると主張しています。[ 5 ] [ 6 ]他の文献では、論理学で用いられた中世ラテン語「baroco」が最も可能性の高い語源であると示唆されています。[ 7 ]

16世紀には、中世ラテン語の「baroco」がスコラ哲学の域を超え、途方もなく複雑に見えるものすべてを指す言葉として使われるようになりました。フランスの哲学者ミシェル・ド・モンテーニュ（1533–1592）は、 「baroco」（彼自身はBarrocoと綴った）という語に「奇妙な、無駄に複雑な」という意味を与えることに貢献しました。[ 8 ]他の初期の文献では、barocoは魔法、複雑さ、混乱、過剰と関連付けられています。[ 7 ]

バロックという言葉は、18世紀以前は不規則な真珠にも関連付けられていました。フランス語の「baroque」とポルトガル語の「barroco」は、しばしば宝飾品に関連する用語でした。1531年の例では、フランス国王シャルル5世の宝物目録の中で、真珠を説明するためにこの用語が使用されています。[ 9 ]その後、この言葉は1694年版のアカデミー・フランセーズ辞典にも登場し、「バロック」は「完全に丸くない真珠にのみ使用される」と説明されています。[ 10 ] 1728年のポルトガル語辞書でも同様に、 「barroco」は「粗く不均一な真珠」に関連するものとして説明されています。 [ 11 ]

バロックという言葉の別の語源は、イタリアの画家フェデリコ・バロッチ（1528-1612）の名前に由来する。[ 12 ]

18世紀には、この用語が音楽を表現するために使われるようになったが、決して好意的な意味合いではなかった。1733年10月に初演されたジャン＝フィリップ・ラモーの『イポリットとアリシー』に対する匿名の風刺的な批評（1734年5月の『メルキュール・ド・フランス』に掲載された）の中で、批評家はこのオペラの斬新さは「バロック的」であると述べ、音楽が一貫した旋律を欠き、不協和音を容赦なく使用し、調性と拍子が絶えず変化し、あらゆる作曲技法が高速に展開されると批判した。[ 13 ]

1762年、アカデミー・フランセーズ辞典は、この用語が「不規則、奇妙、または不平等」なものを比喩的に表すことができると記録した。[ 14 ]

音楽家であり作曲家であり、哲学者でもあったジャン＝ジャック・ルソーは、1768年の百科全書に次のように記している。「バロック音楽とは、ハーモニーが混乱し、変調や不協和音に満ちている音楽である。歌声は耳障りで不自然、イントネーションは難しく、動きは限られている。この用語は、論理学者が用いた『バロッコ』という言葉に由来していると思われる。」[ 8 ] [ 15 ]

1788年、カトルメール・ド・カンシーは『方法百科全書』の中でこの用語を「高度に装飾され、苦痛を伴う建築様式」と定義した。[ 16 ]

フランス語の「スタイル・バロック」と「ミュージック・バロック」という用語が、1835年の『アカデミー・フランセーズ辞典』に登場しました。 [ 17 ] 19世紀半ばまでに、美術評論家や歴史家たちは、ポスト・ルネサンス美術を揶揄する手段として「バロック」という用語を採用しました。これは、1855年に著名な美術史家ヤコブ・ブルクハルトが用いた「バロック」という言葉の意味で、彼はバロック芸術家たちが「伝統への敬意」を欠いていたため「細部を軽蔑し、軽蔑した」と記しています。[ 18 ]

1888年、美術史家ハインリヒ・ヴェルフリンは、ルネサンスとバロックの絵画、彫刻、建築の違いを解説した、この様式に関する最初の本格的な学術書『ルネサンスとバロック』を出版した。 [ 19 ]

建築：起源と特徴

ローマのジェズ教会のクアドラトゥーラまたはだまし絵の 天井、ジョヴァンニ・バッティスタ・ガウリ作、1673年 - 1678年[ 20 ]

バロック様式の建築は、 1545年から1563年にかけて行われたトレント公会議で、プロテスタントの宗教改革に応えてカトリック教会が採択した教義の結果である。対抗宗教改革の第一段階では、宗教建築に厳格でアカデミックな様式が押し付けられ、知識人には受け入れられたものの、教会に通う大衆には受け入れられなかった。トレント公会議は、より大衆的な聴衆に訴えかけることを決定し、芸術は宗教的なテーマを直接的かつ感情的に伝えるべきだと宣言した。[ 21 ] [ 22 ]同様に、ルター派のバロック芸術は、カルヴァン派による大偶像破壊に応えて、信仰告白上のアイデンティティの指標として発展した。[ 23 ]

バロック教会は中央の空間が広く、参拝者が祭壇に近づけるよう設計され、頭上の高いドームまたはクーポラから光が下の教会を照らすことができた。ドームはバロック建築の中心的な象徴的特徴の一つで、天と地の結合を表している。クーポラの内側は天使や聖人の絵画や天使のスタッコ小像で贅沢に装飾されており、下にいる人々に天を見上げているような印象を与えている。[ 24 ]バロック教会のもう一つの特徴はクアドラトゥーラである。これはスタッコの枠に入った天井のトロンプ・ルイユ画で、本物か彩色されたもので、聖人や天使の絵画でいっぱいで、建築的細部によって手すりやコンソールとつながっている。コーニスの下のクアドラトゥーラのアトランティスの絵画は教会の天井を支えているように見える。システィーナ礼拝堂のミケランジェロの天井画は、それぞれ独自の視点を持つさまざまなシーンを組み合わせて 1 つずつ鑑賞できるようにしましたが、バロックの天井画は、教会の床にいる鑑賞者が人物が本物であるかのように天井全体を正しい視点で鑑賞できるように注意深く作成されました。

バロック教会の内部は盛期バロックになるとますます華麗になり、通常はドームの下に置かれる祭壇を中心に装飾が集中しました。盛期バロックで最も有名なバロック装飾作品は、ローマのサン・ピエトロ大聖堂にあるジャン・ロレンツォ・ベルニーニ作の「サン・ピエトロの椅子」（1647年 - 1653年）と「サン・ピエトロのバルダッキーノ」（1623年 - 1634年）です。「サン・ピエトロのバルダッキーノ」は、バロック芸術における相反する要素のバランスを示す好例です。作品の巨大なプロポーションと天蓋の軽やかさ、そして作品を構成する頑丈なねじれた柱、青銅、金、大理石と、天蓋の天使たちの流れるようなドレープとのコントラストが見事です。[ 25 ]ドレスデンのフラウエン教会は、ルター派バロック芸術の代表的な例であり、ドレスデンのルター派市議会の委託を受けて1743年に完成し、「18世紀の観察者からはローマのサン・ピエトロ大聖堂に匹敵する」と評された。[ 2 ]

教会内部に見られるねじれた柱は、バロック様式の特徴の一つです。躍動感を与えると同時に、光を反射する新しいドラマチックな方法でもあります。

カルトゥーシュはバロック装飾のもう一つの特徴でした。大理石や石材に彫られた大きな板で、通常は楕円形で表面は丸みを帯びており、金箔文字で絵や文章が刻まれていました。室内装飾として、あるいは建物の出入り口の上に置かれ、下にいる人々にメッセージを伝えました。カルトゥーシュには多様な工夫が凝らされており、大聖堂や宮殿から小さな礼拝堂まで、あらゆる種類の建物に見られました。[ 26 ]

バロック建築家たちは、錯覚を生み出すために強制遠近法を用いることがありました。ローマのスパダ宮殿では、フランチェスコ・ボッロミーニは、徐々に小さくなる柱、狭まる床、そしてその先の庭に置かれたミニチュアの彫像を用いることで、実際にはわずか7メートルの通路が30メートルあるかのような錯覚を生み出しました。通路の突き当たりにある彫像は、高さわずか60センチメートルですが、実物大のように見えます。ボッロミーニはこの錯覚を数学者の協力を得て設計しました。

イタリアのバロック

ローマで最初にバロック様式のファサードを持つ建物は、 1584年に建てられたジェズ教会です。後のバロック様式の基準からすると簡素でしたが、それ以前のルネサンス様式の伝統的なファサードとは一線を画すものでした。教会の内部は、盛期バロック期に豪華な装飾が施されるまで、非常に簡素なままでした。

1605年のローマでは、パウロ5世が、形態の多様性、色彩の豊かさ、そして劇的な効果を通して感動と畏敬の念を喚起するよう設計されたバジリカや教会建築を建造するよう命じた一連の教皇の先駆けとなった。[ 31 ]初期バロックの最も影響力のある建造物の中には、サン・ピエトロ大聖堂（1606-1619年）のファサードと、ファサードと以前の教会のミケランジェロ設計のドームをつなぐ新しい身廊とロッジアがある。新しいデザインは、そびえ立つドームと不釣り合いに広いファサード、そしてファサード自体においてもドーリア式の柱と巨大なポルティコの塊との間の劇的なコントラストを生み出した。[ 32 ]

17世紀中期から後半にかけて、この様式は最盛期を迎え、後に盛期バロックと呼ばれるようになりました。多くの記念碑的な作品が、教皇ウルバヌス8世とアレクサンデル7世によって委託されました。彫刻家で建築家のジャン・ロレンツォ・ベルニーニは、サン・ピエトロ広場の周囲に新しい四重の列柱を設計しました（1656年から1667年）。巨大な楕円形の3つの柱廊は、特大のドームとバランスを取り、教会と広場に一体感と巨大な劇場のような雰囲気を与えています。[ 33 ]

イタリア盛期バロックのもう一つの重要な革新者はフランチェスコ・ボッロミーニであり、彼の代表作はサン・カルロ・アッレ・クアトロ・フォンターネ教会（1634-1646年）である。この教会に動きを与えているのは装飾ではなく、波打つ壁面と、楕円形の塔や凹状の横断面に設けられたバルコニーといった凹凸のある要素である。内部も同様に革新的で、教会の主空間は楕円形で、楕円形のドーム屋根の下に設置されていた。[ 33 ]

天使や聖人、そしてトロンプ・ルイユ（騙し絵）の建築的効果で彩られた天井画は、イタリア盛期バロックの重要な特徴であった。代表作には、ローマのサンティグナツィオ教会にあるアンドレア・ポッツォ（1685–1695）作の『聖イグナチオの天国入城』や、ローマのジェズー教会にあるジョヴァンニ・バッティスタ・ガウッリ（1669–1683）作の『イエスの名の勝利』などがあり、額縁から溢れ出る人物像と劇的な斜光、そして明暗のコントラストが特徴的であった。[ 34 ]

この様式はローマからイタリアの他の地域に急速に広まった。ヴェネツィアではバルダッサーレ・ロンゲーナ設計のサンタ・マリア・デッラ・サルーテ教会（1631-1687）に登場し、巨大なクーポラを頂部に載せた非常に独創的な八角形であった。またトリノでも、グアリーノ・グアリーニ設計の聖骸布礼拝堂（1668-1694）に登場している。この様式は宮殿にも使われるようになり、グアリーニはトリノのカリニャーノ宮殿を、ロンゲーナは大運河沿いのカ・レッツォーニコ（1657）を設計し、ジョルジョ・マッサーリが完成させ、ジョヴァンニ・バッティスタ・ティエポロの絵画で装飾した。[ 35 ]シチリア島では大地震が相次ぎ、ほとんどの宮殿が再建され、いくつかは華やかな後期バロック様式やロココ様式で建てられた。

スペイン・バロック

スペインのカトリック教会、とりわけイエズス会は、スペイン・バロック建築の原動力となった。この様式による最初の主要作品は、1643年にペドロ・デ・ラ・トーレが着工したマドリードのサン・イシドロ礼拝堂である。外装の極めて豪華な装飾と、複数の空間に分かれた内部の簡素さとを対比させ、光の効果で神秘的な雰囲気を醸し出していた。[ 38 ]サンティアゴ・デ・コンポステーラ大聖堂は、17世紀末からバロック様式の増築が相まって近代化された。最初は非常に装飾的な鐘楼（1680年）で、その両側には1738年から1750年の間にフェルナンド・デ・カサス・ノボアが増築した、さらに高くて装飾が華やかな2つの塔、オブラドリオが建てられた。スペイン・バロックのもう1つのランドマークは、レオナルド・デ・フィゲロアが設計したセビリアのサン・テルモ宮殿の礼拝堂の塔である。[ 39 ]

グラナダは15世紀にムーア人から征服されたばかりで、独特のバロック様式を誇っていました。画家、彫刻家、建築家でもあったアロンソ・カーノは、 1652年から1657年に亡くなるまでの間、グラナダ大聖堂のバロック様式の内装を設計しました。巨大な白い柱と金の装飾のドラマチックなコントラストが特徴です。

スペイン・バロック建築の中で最も装飾的で豪華な装飾が施された建築は、チュリゲレスク様式と呼ばれています。これは、主にサラマンカとマドリードで活躍したチュリゲラ兄弟にちなんで名付けられました。彼らの作品には、サラマンカの中央広場であるマヨール広場（1729年）の建物が含まれます。[ 39 ]この非常に装飾的なバロック様式は、スペイン人がアメリカ大陸に建てた多くの教会や大聖堂に影響を与えました。

後期バロック時代の他の著名なスペインのバロック建築家には、マドリードのサンフェルナンド王立病院を設計したチュリゲラの弟子ペドロ・デ・リベラや、光の加減によっては上方に浮かんでいるように見えるトレド大聖堂（1729-1732）の有名な祭壇画「エル・トランスパレンテ」を設計したナルシソ・トメがいる。[ 39 ]

スペイン・バロック様式の建築家たちは、スペイン国内をはるかに超えて影響力を及ぼしました。彼らの作品は、ラテンアメリカやフィリピンのスペイン植民地に建てられた教会に大きな影響を与えました。テポツォトランにあるサンフランシスコ・ハビエル大学のためにイエズス会が建てた教会は、華やかなバロック様式のファサードと塔を備えており、その好例です。[ 40 ]

中央ヨーロッパ

1680年から1750年にかけて、中央ヨーロッパ、オーストリア、ボヘミア、ポーランド南西部では、非常に華麗な大聖堂、修道院、巡礼教会が数多く建てられました。その中にはロココ様式のものもありました。ロココ様式は、バロック様式から派生した、より華やかで非対称的な独特の様式で、18世紀前半には中央ヨーロッパでバロック様式に取って代わり、その後古典主義様式に取って代わられました。[ 47 ]

その地域の多くの国の君主たちも宮殿や邸宅の建築にバロック様式やロココ様式を選び、イタリアで学んだ建築家を起用することが多かった。[ 48 ]

注目すべき例としては、プラハの聖ニコラス教会（マラー・ストラナ） （1704-1755年）が挙げられます。これはクリストフ・ディエンツェンホーファーと息子のキリアン・イグナーツ・ディエンツェンホーファーによって建てられました。教会内部の壁全体が装飾で覆われています。祭壇は中央のドーム屋根の下の身廊に置かれ、礼拝堂に囲まれており、上部のドーム屋根と周囲の礼拝堂から光が降り注いでいます。祭壇はアーチ、円柱、湾曲した手すり、色石のピラスターによって完全に囲まれており、これらには彫像がふんだんに飾られており、実際の建築と装飾の間に意図的な混乱を生み出しています。建築は光と色彩と動きの劇場へと変貌を遂げています。[ 25 ]

ポーランドでは、イタリアの影響を受けたポーランド・バロック様式が17世紀初頭から18世紀半ばまで続き、細部の豊かさと色彩の豊かさを強調しました。現代ポーランドにおける最初のバロック建築であり、おそらく最もよく知られているものの一つは、ジョヴァンニ・バッティスタ・トレヴァーノが設計したクラクフの聖ペトロ・パウロ教会です。 1644年に建立されたワルシャワのジギスムント記念柱は、円柱の形をした世界初の世俗的なバロック様式の建造物でした。[ 49 ]宮殿様式の例としては、1677年から1696年に建設されたヴィラヌフ宮殿が挙げられる。 [ 50 ]ポーランドで活躍した最も有名なバロック建築家はオランダ人のティルマン・ファン・ガメレンであり、彼の注目すべき作品にはワルシャワの聖カジミエシュ教会とクラシンスキ宮殿、クラクフの聖アンナ教会、ビャウィストクのブラニツキ宮殿などがある。[ 51 ]しかし、最も有名なポーランド・バロックの作品はポンペオ・フェラーリが細部を手がけたポズナン・ファラ教会である。三十年戦争後、ウェストファリア条約の協定に基づき、ヤヴォルの平和教会とヨーロッパ最大の木造バロック寺院 であるシフィドニツァの聖三位一体平和教会という、 2つのユニークなバロック様式の編み枝細工の建造物が建てられた。

ドイツバロック

今日のドイツの領域にあった神聖ローマ帝国の多くの国々は皆、印象的なバロック建築で自らを表現しようとした。 [ 52 ]著名な建築家としては、バイエルンではヨハン・ベルンハルト・フィッシャー・フォン・エルラッハ、ルーカス・フォン・ヒルデブラント、ドミニクス・ツィンメルマン、ブリュールではバルタザール・ノイマン、ドレスデンではマテウス・ダニエル・ペッペルマンがいた。プロイセンでは、プロイセン王フリードリヒ2世がヴェルサイユ宮殿の大トリアノンに感化され、それをモデルにしてポツダムの夏の離宮サンスーシを建てた。サンスーシはゲオルク・ヴェンツェスラウス・フォン・クノーベルスドルフ（1745-1747）が設計した。バロック宮殿建築のもう一つの作品はツヴィンガー宮殿（ドレスデン）で、 18世紀の ザクセン選帝侯宮殿の旧オランジェリーである。

ロココ様式の教会の最も優れた例の 1 つは、ドイツ南部のバイエルン州バンベルク近郊のバート・シュタッフェルシュタインの町近くにある巡礼教会、バジリカ・フィアツェンハイリゲン（十四聖人の聖堂）です。この聖堂はバルタザール・ノイマンによって設計され、1743 年から 1772 年にかけて建設されました。平面図では中央の楕円の周囲に一連の円が連結し、祭壇が教会のちょうど中心に置かれています。この教会の内部はロココ装飾の頂点を示しています。[ 53 ] この様式のもう 1 つの注目すべき例は、ヴィースの巡礼教会 (ドイツ語: Wieskirche ) です。これはJBとドミニクス・ツィンメルマン兄弟によって設計されました。ドイツ、バイエルン州ヴァイルハイム＝ショーンガウ郡シュタインガーデン市のアルプスの麓に位置しています。建設は1745年から1754年にかけて行われ、内部はウェッソブランナー派の伝統に則ったフレスコ画とスタッコ細工で装飾されています。現在はユネスコ世界遺産に登録されています。

フランスバロック

フランスにおけるバロック様式は、イタリア、スペイン、その他ヨーロッパ諸国の装飾的で劇的な地方のバロック様式とは全く異なる発展を遂げた。比較すると厳格で、より超然としていて抑制されており、新古典主義や啓蒙主義建築を先取りしている。イタリアの建物とは異なり、フランスのバロック様式の建物には途切れたペディメントや曲線のファサードはない。宗教的な建物でさえ、ボッロミーニの作品に見られるような強烈な空間ドラマを避けている。この様式はルイ14世（在位1643-1715）のために建てられた作品と密接に関連しており、このためルイ14世様式としても知られている。ルイ14世はバロックの巨匠ベルニーニにルーブル美術館の新しい東翼の設計図を提出するよう招聘したが、クロード・ペローとルイ・ル・ヴォーによるより古典的な設計を優先して却下した。[ 65 ] [ 66 ]

この様式の主な建築家には、フランソワ・マンサール（1598–1666）、ピエール・ル・ミュエ（ヴァル＝ド＝グラース教会、1645–1665）、ルイ・ル・ヴォー（ヴォー＝ル＝ヴィコント教会、1657–1661）などがいます。マンサールは、主に応用オーダーと重厚なラスティケーションを多用したバロック様式をフランス建築に初めて導入した建築家です。マンサール屋根はマンサールが発明したわけではありませんが、彼が頻繁に使用したことから、彼と結び付けられるようになりました。[ 67 ]

この時代における主要な王室事業はヴェルサイユ宮殿の拡張であり、1661年にル・ヴォーが着手し、画家シャルル・ルブランが装飾を手がけた。庭園はアンドレ・ル・ノートルが建築を補完し、さらに美しく見せるよう設計した。城の目玉である鏡の間はル・ブランの絵画で飾られ、1678年から1686年にかけて建設された。マンサールは1687年にグラン・トリアノンを完成させた。礼拝堂はロベール・ド・コットの設計で、1710年に完成した。ルイ14世の死後、ルイ15世はより親密なプチ・トリアノンと非常に華麗な劇場を増築した。庭園の噴水は室内から見えるよう設計され、劇的な効果を増している。この宮殿はヨーロッパの他の君主たち、特にロシアのピョートル大帝に賞賛され、模倣された。ピョートル大帝はルイ15世の治世初期にヴェルサイユを訪れ、 1705年から1725年の間にサンクトペテルブルク近郊のペテルゴフ宮殿に独自の宮殿を建てた。[ 68 ]

ポルトガル・バロック

ポルトガルにおけるバロック建築は約2世紀（17世紀後半から18世紀）にわたって存続しました。ジョアン5世とジョゼフ1世の治世下、王権絶対主義と呼ばれる時代に金とダイヤモンドの輸入が増加し、ポルトガル・バロック様式が繁栄しました。

ポルトガルのバロック建築は、ヨーロッパの他の地域とは異なる特別な状況と歴史を誇っています。

ポルトガル建築は、様々な政治的、芸術的、経済的要因によって様々な段階を経て、様々な外部からの影響も受け、独特の融合を生み出しています。[ 73 ]イタリア美術を求める人々はしばしばこれを誤解しますが、ポルトガル独特の多様性を与える独特の形態と特徴を見出します。もう一つの重要な要素は、イエズス会建築の存在です。これは「プレーン・スタイル」（Estilo ChãoまたはEstilo Plano）とも呼ばれ、[ 74 ]その名が示すように、より簡素で、やや簡素な印象を与えます。

建物は単室のバジリカで、奥行きのある主礼拝堂と、コミュニケーションのための小さな扉を備えた側廊式礼拝堂を備え、内外装の装飾はなく、簡素な入口と窓が設けられています。実用的な建物であるため、帝国全域でわずかな変更を加えるだけで建設でき、後日、あるいは経済的に余裕ができた際に装飾を施すことも可能です。

実際、初期ポルトガル・バロック様式は建築に乏しいというわけではありません。「簡素な様式」は装飾（絵画、タイルなど）によって容易に変容し、空き地を壮麗で精巧なバロック様式の空間へと変貌させることができたからです。外観も同様です。その後、建物を時代や場所の趣向に合わせて調整し、新たな特徴やディテールを加えることが容易になりました。実用的かつ経済的です。

住民が増え、経済資源が豊かになったことで、特にポルトとブラガの地域では建築の刷新が起こり、[ 75 ] [ 76 ] [ 77 ]貴族によって建てられた教会、修道院、宮殿の大きなリストにそれが表れています。

ポルトはポルトガルのバロック都市です。その歴史的中心部はユネスコ世界遺産に登録されています。[ 78 ]

市内の歴史地区やその周辺にあるバロック作品の多くは、ポルトガル在住のイタリア人建築家ニコラウ・ナソーニのもので、クレリゴスの教会や塔、[ 79 ]ポルト大聖堂のロギア、ミゼリコルディア教会、サン・ジョアン・ノーヴォ宮殿、[ 80 ]フライショ宮殿、[ 80 ] [81 ]聖公会宮殿(ポルトガル語: Paço Episcopal do Porto ) [ 82 ]と他の多くのもの。

ロシアバロック

ロシア・バロック、あるいはピョートル・バロックの誕生は、1697年から1698年にかけてピョートル大帝が西ヨーロッパを長期訪問した後に始まりました。大帝はフォンテーヌブロー宮殿やヴェルサイユ宮殿をはじめとする数々の建築物を視察しました。ロシアに帰国後、大帝はサンクトペテルブルクに同様の建造物を建設することを決意し、サンクトペテルブルクは1712年にロシアの新首都となりました。ピョートル・バロックの初期の主要な建造物には、ペトロパヴロフスク大聖堂やメンシコフ宮殿などがあります。

アンナとエリザベートの治世下、ロシア建築はイタリア生まれのフランチェスコ・バルトロメオ・ラストレッリによる豪華なバロック様式が主流となり、これがエリザベサン・バロックへと発展しました。ラストレッリの代表的な建造物には、冬宮殿、エカテリーナ宮殿、スモーリヌイ大聖堂などがあります。エリザベサン・バロック様式の他の特徴的な建造物としては、トロイツェ・セルギエフ大修道院の鐘楼と赤門があります。[ 86 ]

モスクワでは、17世紀後半に特に東方正教会の建築において、ナルイシュキン・バロック様式が広く普及しました。これは西ヨーロッパのバロック様式と伝統的なロシアの民俗様式が融合したものです。

スペインとポルトガルの植民地アメリカにおけるバロック

ペルー、クスコのイエズス会教会のファサード、ジャン＝バティスト・ジルとディエゴ・マルティネス・デ・オビエド作、1576-1668年[ 90 ]
ペルー、ワロのサン・ファン・バウティスタ教会内にある、タデオ・エスカランテ作の地獄を描いた 1802 年の植民地時代の壁画が保存されている[ 91 ] [ 92 ] [ 93 ]

ヨーロッパ諸国によるアメリカ大陸の植民地化により、バロックは当然ながら新世界へと移り、特にスペインとポルトガルが支配する地域で好ましい地盤を見つけました。両国とも中央集権的で不可逆的なカトリックの君主制であり、ひいてはローマとバロック対抗宗教改革の支持者の支配下にあったのです。ヨーロッパの芸術家たちはアメリカに移住して学校を作り、その多くが熟練した芸術家であったカトリック宣教師の広範な浸透とともに、大衆の好みに影響されることの多い多様なバロックを生み出しました。クリオーリョ族と先住民の職人たちは、このバロックに独自の特徴を与えるのに大きく貢献しました。現在も残っているアメリカのバロック文化の中心地は、（この順で）メキシコ、ペルー、ブラジル、キューバ、エクアドル、コロンビア、ボリビア、グアテマラ、ニカラグア、プエルトリコ、パナマです。

ホンジュラスの 18 世紀の教会内の絵画。

特に注目すべきは、いわゆる「宣教師バロック」です。これは、メキシコと現在のアメリカ合衆国南西部から、はるか南はアルゼンチンやチリに至る地域におけるスペイン統治の枠組みの中で発展しました。スペインのカトリック宣教師たちは、先住民をキリスト教に改宗させ、西洋生活に同化させるために先住民居住地を組織しました。先住民文化の影響を受けたハイブリッドなバロック様式を形成し、クリオーリョや多くの先住民の職人や音楽家が活躍し、中には読み書きができる者もいて、優れた才能を持つ者もいました。宣教師たちの記録には、西洋芸術、特に音楽が森林管理人に催眠術的な影響を与え、聖人の像が偉大な力を持つと考えられていたことが繰り返し記されています。多くの先住民が改宗し、神秘主義、迷信、演劇性に満ちた情熱的な信仰の新たな形が生まれ、祝祭ミサ、聖歌隊、秘儀が盛んに行われました。[ 94 ] [ 95 ]

スペイン領アメリカのコロニアル・バロック建築は、豊富な装飾（メキシコシティのラ・プロフェサ教会の玄関、サン・アンドレス・チョルラのサン・フランシスコ・アカテペック教会やプエブラのサン・フランシスコ修道院教会などのプエブラ様式のアズレージョで覆われたファサード）を特徴としており、それがいわゆるチュリゲレスク様式（ロレンソ・ロドリゲス作のメキシコシティ大聖堂の聖櫃のファサード、テポツォトランのサン・フランシスコ・ハビエル教会、サンタ・プリスカ・デ・タスコ教会）でさらに強調されています。ペルーでは、1650 年以来主にリマ、クスコ、アレキパ、トルヒーリョの都市で開発された建築物は、クッション付きの壁やソロモニック柱の使用など、ヨーロッパのバロック様式にすら進歩した独自の特徴を示しています(クスコのヘスス教会、リマのサンフランシスコ大聖堂と修道院)。[ 96 ]他の国には、ボリビアのスクレメトロポリタン大聖堂が含まれます。グアテマラのエスキプラス大聖堂。ホンジュラスのテグシガルパ大聖堂。ニカラグアのレオン大聖堂。エクアドル、キトのヘスス教会。サン・イグナシオ教会、ボゴタ、コロンビア。ベネズエラのカラカス大聖堂。アルゼンチンのブエノスアイレス市議会。チリ、サンティアゴのサント ドミンゴ教会。キューバのハバナ大聖堂もその一つです。ボリビアのスペイン・イエズス会宣教会、パラグアイのスペイン・イエズス会宣教会、メキシコのスペイン・フランシスコ会宣教会、カリフォルニアのスペイン・フランシスコ会宣教会の教会の質の高さも忘れてはなりません。[ 97 ]

ブラジルの建築は、大都市ポルトガルと同様に、イタリアの影響を強く受けており、通常はボロミネスク様式です。これは、レシフェの聖堂（1784年）やリオデジャネイロのノッサ・セニョーラ・ダ・グロリア・ド・オウテイロ教会（ 1739年）に見ることができます。ミナスジェライス州では、アレイジャジーニョの作品が際立っています。彼は、曲線的な平面形状、凹凸によるダイナミックな効果を持つファサード、そしてあらゆる建築要素の造形的な処理が際立つ教会群を設計しました（サン・フランシスコ・デ・アシス教会、オウロ・プレト、1765～1788年）。

スペイン・ポルトガル植民地アジアにおけるバロック

インドのポルトガル植民地（ゴア、ダマン・ディーウ）では、セー大聖堂や聖フランシスコ・ザビエルの墓があるゴアのボン・ジェズス聖堂など、バロック様式とヒンドゥー教の要素が融合した建築様式が栄えました。ゴアの教会群と修道院群は1986年に世界遺産に登録されました。

3世紀以上にわたりスペインの植民地であったフィリピンには、数多くのバロック様式の建造物が保存されています。そのうち4つの建造物と、バロック様式と新古典主義様式のビガン市は、どちらもユネスコ世界遺産に登録されています。また、正式な登録はされていないものの、マニラ城塞都市とタヤバス市には、スペイン・バロック時代の建築物が数多く残されています。

ワラキアとモルダビアでの反響

ご覧のとおり、バロック様式はイタリアで生まれた西洋様式です。イタリア人とバルカン半島諸国（モルダヴィアやワラキアを含む）との商業・文化交流を通じて、バロック様式の影響は東ヨーロッパにも伝わりました。これらの影響は、建築や石彫の装飾に見られることが多く、ビザンチン美術やイスラム美術から取り入れたディテールと強く融合しているため、それほど強いものではありませんでした。

ビザンチン帝国の崩壊前後、ワラキアとモルダビアの芸術はすべて、主にコンスタンティノープルの芸術の影響を受けていました。16世紀末まで、教会や修道院の設計、壁画、石に彫られた装飾は、ほとんど変更されることなく、以前と同じままでした。マテイ・バサラブ（1632年 - 1654年）とヴァシレ・ルプー（1634年 - 1653年）の治世に始まった時期から、イタリア・バロック様式の普及と時期が重なり、新しい装飾が追加され、宗教家具のスタイルも変化しました。これは決して偶然ではありませんでした。装飾の要素や原理はイタリアから、ヴェネツィアやダルマチア地方を通じてもたらされ、東方の建築家や職人によって採用されました。窓枠やドア枠、献呈されたピサニエ、墓石、柱や手すり、そして青銅や銀、木製の家具の一部は、以前よりも重要な役割を担うようになりました。これらはビザンチン様式の伝統に触発されて以前にも存在していましたが、より写実的な外観になり、繊細な花のモチーフが描かれるようになりました。以前から存在していたレリーフも、より強調され、ボリュームと一貫性を持つようになりました。この時期以前は、ワラキアやモルダビアのレリーフは、東方のものと同様に、表面と奥にそれぞれわずかな距離を置いた2層のみでした。バラ、シャクヤク、アザミなどの大きな花や、アカンサスなどの厚い葉が柱に巻き付いていたり、ドアや窓を囲んでいたりしました。バロックの影響が強く現れたのは、柱と手すりです。柱頭は以前よりも多くの葉で飾られました。柱には、ソロモンの柱を現地で再解釈した、ねじれた軸が付いていることがよくあります。これらの柱の間には、マキシマリスト様式の手すりが設置され、ランソーで装飾されています。モゴショアイア宮殿のものにもイルカの装飾が施されています。カルトゥーシュも時々用いられますが、その多くはコンスタンティン・ブランコヴェアヌの墓石に見られます。この運動は、ワラキアの統治者コンスタンティン・ブランコヴェアヌにちなんでブランコヴェネスク様式と呼ばれています。彼の統治（1654～1714年）は、この種の建築とデザインと深く結びついています。この様式は18世紀にも見られ、19世紀の一部にも見られます。ボヤールやヴォイヴォダによって建てられた教会や邸宅の多くは、これらの時代を代表するのがブランコ​​ヴェネスク様式です。バロックの影響がはっきりと見られますが、ブランコヴェネスク様式は地元の伝統からより多くのインスピレーションを得ています。

18世紀に入ると、ファナリオ家（イスタンブールのファナルに居住するギリシャの有力家系出身者）がワラキアとモルダヴィアを統治するようになり、イスタンブールからもバロックの影響がもたらされました。バロックの影響は17世紀にも及んでいましたが、ファナリオ家によってオスマン帝国にもたらされた西洋バロック様式のモチーフは、最終的に現在のルーマニアへと伝わりました。モルダヴィアでは、イタリア美術の影響が強かったロシアからもバロック様式の要素がもたらされました。[ 102 ]

絵画

バロックの画家たちは、ルネサンスやその後のマニエリスム時代の画家たちとは意図的に区別しようと努めた。パレットでは、彼らは強烈で暖色系の色を使い、特に赤、青、黄色の原色を多用し、これら3色を頻繁に近接して配置した。[ 112 ]彼らはルネサンス絵画のような均一な照明を避け、画面の特定部分に明暗の強いコントラストを用いることで、中心となる動作や人物に注意を向けさせた。構図においても、彼らはルネサンス絵画のような静謐な場面を避け、最も動きがありドラマチックな瞬間を選んだ。ルネサンス絵画の静謐な顔とは異なり、バロック絵画の顔は感情をはっきりと表現していた。彼らはしばしば非対称性を用い、動作が画面の中心から離れて起こり、垂直でも水平でもなく左か右に傾いた軸を作り出して、不安定さと動きの感覚を与えた。彼らは、登場人物の衣装を風になびかせたり、身振りで動かしたりすることで、この動きの印象を高めました。全体的な印象は、動き、感情、そしてドラマでした。[ 113 ]バロック絵画のもう一つの重要な要素は寓意でした。すべての絵画は物語を語り、しばしば象徴や寓意的な文字で暗号化されたメッセージを持っており、教養のある鑑賞者はそれを理解し、読み取ることが期待されていました。[ 114 ]

絵画におけるイタリア・バロック思想の初期の証拠はボローニャで見られ、アンニーバレ・カラッチ、アゴスティーノ・カラッチ、ルドヴィコ・カラッチは視覚芸術をルネサンスの秩序ある古典主義へと回帰させようとした。しかしながら、彼らの芸術は対抗宗教改革の中心となる思想も取り入れており、これには知性よりも心に訴える激しい感情や宗教的イメージが含まれていた。[ 115 ]

バロック時代のもう一人の影響力のある画家は、ミケランジェロ・メリージ・ダ・カラヴァッジョである。人物像に対する彼の写実的なアプローチは、実物から直接描かれ、暗い背景にドラマチックなスポットライトが当てられており、同時代の人々に衝撃を与え、絵画の歴史に新たな一章を開いた。バロック様式と密接な関連のある他の主要な画家としては、イタリアではアルテミジア・ジェンティレスキ、エリザベッタ・シラーニ、ジョヴァンナ・ガルツォーニ、グイド・レーニ、ドメニキーノ、アンドレア・ポッツォ、パオロ・デ・マッテイス、スペインではフランシスコ・デ・スルバラン、バルトロメ・エステバン・ムリーリョ、ディエゴ・ベラスケス、ドイツではアダム・エルスハイマー、フランスではニコラ・プッサン、シモン・ヴーエ、ジョルジュ・ド・ラ・トゥール、クロード・ロランがいる（ただし、プッサンとロランは制作生活のほとんどをイタリアで過ごした）。[ 116 ]プッサンとラ・トゥールは、感情よりも色彩よりも絵画の人物の線を重視した「古典的な」バロック様式を採用した。

ピーテル・パウル・ルーベンスは、フランドル・バロック様式の最も重要な画家でした。ルーベンスの力強い構図は、古典とキリスト教史の学識豊かな側面を想起させます。彼独自の、そして絶大な人気を博したバロック様式は、動き、色彩、そして官能性を強調し、対抗宗教改革で推進された、直接的で劇的な芸術様式を継承していました。ルーベンスは、神話や寓意を題材とした祭壇画、肖像画、風景画、歴史画を専門としていました。

バロック絵画の重要な領域の一つは、文字通り「目を欺く」技法であるクアドラトゥーラ、すなわちトロンプ・ルイユ（騙し絵）でした。これらの技法は通常、天井や上壁、手すりの漆喰に描かれ、地上で見上げる人々には、描かれた空や架空の建築物を背景に、天使、聖人、その他の天上の人物が群がる天空を見ているかのような印象を与えました。[ 47 ]

イタリアでは、芸術家は建築家と共同で室内装飾を行うことが多かった。ピエトロ・ダ・コルトーナは、この幻想的な絵画技法を用いた17世紀の画家の一人である。彼の最も重要な作品の一つは、教皇ウルバヌス8世の治世を称えるためにバルベリーニ宮殿（1633～1639年）のために制作したフレスコ画である。ピエトロ・ダ・コルトーナの作品は、ミケランジェロのシスティーナ礼拝堂の作品以来、ローマで制作された最大の装飾フレスコ画である。[ 117 ]

フランソワ・ブーシェは、後期バロック期に出現した、より繊細なフランス・ロココ様式の重要な人物でした。絵画に加え、タペストリー、絨毯、劇場装飾のデザインも手掛けました。彼の作品は、ルイ15世の愛妾ポンパドゥール夫人に大変人気がありました。彼の絵画は、神話的でロマンチック、そしてややエロティックなテーマを特徴としていました。[ 118 ]

ヒスパニック系アメリカ

ボリビア絵画の例（クスコ派の一部）：火縄銃の天使；カラマルカの巨匠作；17世紀

スペイン・アメリカ大陸では、セビリア・テネブリズム、特にスルバランの影響が最初に現れた。スルバラン作品の一部は今もメキシコとペルーに残っており、メキシコ人のホセ・フアレスやセバスティアン・ロペス・デ・アルテアガ、ボリビアのメルチョール・ペレス・デ・オルギンの作品にその影響を見ることができる。クスコ派の絵画は、 1583年にイタリア人画家ベルナルド・ビッティがアメリカ大陸に到着した後に興り、彼はアメリカ大陸にマニエリスムをもたらした。この派は、アンダワイリャスのサン・ペドロ教会の壁画を描いたイタリア人アンジェリーノ・メドーロの弟子、ルイス・デ・リアーニョの作品に光を当てた。また、インド (ケチュア) の画家、ディエゴ・キスペ・ティトとバシリオ・サンタ・クルス・プマッカジャオ、そしてクスコ大聖堂の高いアーチを覆う 50 枚の大きなキャンバスの作者マルコス・サパタにも焦点を当てました。エクアドルでは、主にメスティーソのミゲル・デ・サンティアゴとクリオロ・ニコラス・ハビエル・デ・ゴリバルを代表とするキト学派が形成された。

18世紀には、彫刻的な祭壇画は絵画に取って代わられ始め、特にアメリカ大陸ではバロック絵画が発展しました。同様に、民衆の作品、特に貴族階級や聖職者階級の肖像画への需要が高まりました。主な影響はムリル・デ・ムリル・デ・ムリル・デ・ムリル・デ・ムリル・デ・ムリルの影響でしたが、クリオーリョのクリストバル・デ・ビジャルパンドのように、フアン・デ・バルデス・レアルの影響も受けています。この時代の絵画は、より感傷的なトーンと、甘く柔らかなフォルムが特徴です。その支持者には、コロンビアのグレゴリオ・バスケス・デ・アルセ・イ・セバージョス、メキシコの フアン・ロドリゲス・フアレス、ミゲル・カブレラなどがいます。

彫刻

バロック彫刻の巨匠はジャン・ロレンツォ・ベルニーニである。教皇ウルバヌス8世の庇護の下、彼は聖人や人物の巨大な彫像群を数多く制作した。顔や身振りで感情を鮮やかに表現したこれらの彫像、並外れた写実性を持つ肖像胸像、そしてサン・ピエトロ大聖堂のドーム天井の下に設置された堂々とした聖ペテロの椅子など、バチカンのために制作された装飾性の高い作品も数多く制作した。さらに、彼はローマの主要な広場を飾る、巨大な彫刻群を備えた噴水も設計した。[ 121 ]

バロック彫刻は古代ローマの彫像、特に1506年に発掘されバチカン美術館に展示された紀元1世紀の有名な「ラオコーンとその息子たち」の彫像に影響を受けています。1665年にパリを訪れたベルニーニは、絵画彫刻アカデミーの学生たちに演説を行いました。彼は学生たちに、自然ではなく古典的なモデルから学ぶよう助言しました。「最初の彫像制作に苦労したとき、私は神託のようにアンティノウスに相談しました」と彼は学生たちに語りました。 [ 122 ]このアンティノウスの彫像は、現在ピオ＝クレメンティーノ美術館のヘルメス像として知られています。

後期フランス・バロック期の著名な彫刻家には、エティエンヌ・モーリス・ファルコネとジャン・バティスト・ピガールがいます。ピガールはフリードリヒ大王の依頼を受け、ドイツのポツダムにあるサンスーシ宮殿にフリードリヒ大王が設計したヴェルサイユ宮殿の彫像を制作しました。ファルコネはまた、海外からの重要な依頼も受け、サンクトペテルブルクにあるピョートル大王の有名な「青銅の騎士像」を制作しました。

スペインでは、彫刻家フランシスコ・サルシージョが多彩色の木材を用いて宗教的な主題のみを制作しました。新世界のスペイン植民地の教会に所蔵された、地元の職人によって制作された金箔を施した漆喰の祭壇には、バロック彫刻の最高傑作が見られます。例としては、メキシコのプエブラにあるロサリオ礼拝堂（ 1724～1731年）が挙げられます。

家具

使われている主なモチーフは、豊穣の角、花飾り、天使の幼子、金属の輪をくわえたライオンの頭、花輪で囲まれた女性の顔、楕円形のカルトゥーシュ、アカンサスの葉、古典的な柱、カリアティード、ペディメント、家具の一部に彫刻された古典建築のその他の要素、 [ 129 ]果物や花の入ったバスケット、貝殻、鎧や戦利品、アポロやバッカスの頭、C字型の渦巻き模様である。[ 130 ]

ルイ14世治世の初期、家具はそれ以前のルイ13世様式を踏襲しており、重厚で、彫刻や金箔で豊かに装飾されていました。1680年以降、家具デザイナーのアンドレ＝シャルル・ブールの活躍により、より独創的で繊細な様式が登場し、ブール細工とも呼ばれます。これは黒檀などの希少な木材の象嵌を基本としており、この技法は15世紀にフィレンツェで初めて使用され、ブールやルイ14世に仕えた他の人々によって改良・発展されました。家具には黒檀、銅、様々な色の珍しい木材の象嵌細工が施されていました。[ 131 ]

新しい、そしてしばしば長く愛用されるタイプの家具が登場した。2 ～4つの引き出しを備えた箪笥（コモード）が、古い箪笥（コフル）に取って代わった。2脚または3脚の肘掛け椅子を組み合わせた「カナッペ」（ソファ）が登場した。背もたれの両側にクッションが付いた「告解用肘掛け椅子」（ファトゥイユ・アン・コンフェッショナル）など、新しいタイプの肘掛け椅子が登場した。コンソールテーブルも初めて登場した。これは壁際に設置するように設計された。もう一つの新しいタイプの家具は、大理石の天板で食器を置くテーブル「ジビエ」だった。机の初期のタイプも登場した。マザラン机は中央部分が奥まった位置にあり、2列の引き出しの間に配置され、各列に4本の脚が付いていた。[ 131 ]

音楽

アントニオ ヴィヴァルディ(1678–1741)

バロックという用語は、バロック芸術の時代と重なる時期に作曲された音楽様式を指す際にも用いられます。音楽に対する「バロック」という用語が初めて用いられたのは批評でした。1733年10月に初演されたジャン＝フィリップ・ラモー作曲の『イポリットとアリシー』に対する匿名の風刺的な批評（ 1734年5月のメルキュール・ド・フランス紙に掲載）の中で、批評家はこのオペラの斬新さは「バロック的」であると示唆し、音楽が首尾一貫した旋律を欠き、絶え間ない不協和音に満ち、調性と拍子が絶えず変化し、あらゆる作曲技法が高速に展開されていると批判しました。[ 132 ] 音楽家であり、著名な作曲家であり、哲学者でもあったジャン＝ジャック・ルソーは、1768年にドニ・ディドロの有名な百科全書の中で、非常によく似た観察を行っている。「バロック音楽とは、ハーモニーが混乱し、変調や不協和音に満ちている音楽である。歌声は耳障りで不自然であり、イントネーションは難しく、動きは限られている。この用語は、論理学者が使う「バロコ」という言葉に由来しているようだ。」[ 15 ]

この用語が当時の音楽に対して一般的に使われ始めたのは1919年、カート・ザックスによるものであった[ 133 ]。そして、英語で初めて使われたのは1940年、マンフレート・ブコフツァーによる論文であった[ 132 ]。

バロックは音楽の実験と革新の時代であり、それが音楽家による装飾音や即興演奏の多さを物語っている。協奏曲やシンフォニアなど新しい形式が発明された。オペラは16世紀末にイタリアで生まれ（ヤコポ・ペリのほとんど失われた『ダフネ』は1598年にフィレンツェで上演された）、すぐにヨーロッパ全土に広まった。ルイ14世は最初の王立音楽アカデミーを設立した。1669年、詩人ピエール・ペランはパリにオペラ・アカデミーを開設した。これはフランスで初めて一般公開されたオペラ劇場であり、ロベール・カンベールの音楽による、5幕、精巧な舞台装置、バレエを伴うフランス初のグランド・オペラ『ポモーヌ』を初演した。 [ 134 ]ドイツのハインリヒ・シュッツ、フランスのジャン＝バティスト・リュリ、イギリスのヘンリー・パーセルはいずれも17世紀に国の伝統を確立することに貢献した。

この時期には、ピアノを含むいくつかの新しい楽器が導入されました。ピアノの発明は、イタリアのパドヴァ出身のバルトロメオ・クリストフォリ（1655–1731）とされています。彼はトスカーナ大公フェルディナンド・デ・メディチに楽器管理人として雇われていました。[ 135 ] [ 136 ]クリストフォリはこの楽器を「弱音と強音の糸杉の鍵盤」と名付けました。これは時を経てピアノフォルテ、フォルテピアノ、そして後に単にピアノと略されるようになりました。[ 137 ]

作曲家と例

ダンス

古典バレエもまたバロック時代に起源を持つ。宮廷舞踊の様式はマリー・ド・メディシスによってフランスにもたらされ、当初は宮廷の人々自身がダンサーであった。ルイ14世自身もいくつかのバレエを公の場で披露した。1662年3月、国王によって王立舞踊アカデミーが設立された。これは最初のプロの舞踊学校兼カンパニーであり、当時のヨーロッパにおけるバレエの基準と語彙を確立した。[ 134 ]

文学理論

ハインリヒ・ヴェルフリンは「バロック」という用語を文学に初めて用いた人物である。[ 138 ]バロック文学理論の主要概念である「思い込み」（concetto）、「機知」（acutezza、ingegno）、「驚異」（meraviglia ）などは、エマヌエーレ・テサウロの『アリストテレス的望遠鏡』が1654年に出版されるまで、文学理論の中で十分には発展していなかった。この画期的な論文は、ジャンバッティスタ・マリーノの叙事詩『アドーネ』とスペインのイエズス会哲学者バルタサール・グラシアンの著作に触発され、普遍的なイメージ言語であると同時に、技巧であると同時に真実にアクセスするための認識論的に特権的な方法である、至高の知的行為としての隠喩の理論を展開した。 [ 139 ]

バロック時代の中央ヨーロッパのドラマトゥルギー

ヴァルター・ベンヤミンの『ドイツ悲劇の起源』におけるバロック研究は、難解さで知られる一方で、この時代における歴史的に重要な基準として広く愛されている。その主張によれば、本書はバロック演劇に焦点を当てているが、実際には、その内容は深遠さと広範さにおいて極めて多様で、難解ですらある。この歴史的領域における圧倒的な異質性を扱っているのだ。ただし、特に中央ヨーロッパに焦点を当て、（神聖ローマ帝国のオーストリア人や、ハプスブルク家フェルディナント帝政下のスペイン人についても言及されているものの）ドイツに焦点を当てている。

ベンヤミンの著作の主要テーマは、三十年戦争という集団的トラウマを引き起こす暴力への反応として、この時代がどのように形成されたかを描き出すことである。宗教改革の血みどろのクライマックスにおいて、ヨーロッパのほぼ全域が参戦したこの戦争は、多かれ少なかれ神聖ローマ帝国のみで戦われたが、主要国（イングランドとロシアは例外で、それでも巻き込まれたり、様々な形で影響を受けたりした）はすべて、その地で軍隊を交戦させた。

ウォルター・ベンヤミンは『文化の起源』の研究において、ほとんど病的にも見える（あるいは少なくとも歴史的に異常で強烈な）細部の精緻化や、回帰的な内省、あるいはこの時代を特徴づける文化生産の恐怖の空虚さは、ローマ西方教会が大陸全土に投影した制度や赦免の儀式形式に長らく明示されてきた象徴的な超越的権威の不在下での、恐怖とアノミーに対する精神的防衛、あるいは脱線的な抑圧として生じたものとしている。この過程は、大陸における行政と社会統制の覇権が崩壊したローマ西方教会によって大陸全土に投影された赦免の制度や儀式形式に長らく明示されていた象徴的な超越的権威の不在下でのものであり、マックス・ウェーバーやその他さまざまな人々（ヒュー・トレヴァー・ローパーの『十七世紀の危機』や、より有名なヨーロッパ魔女狩りに関するモノグラフを含む）によれば、この過程は「キリスト教世界の解体」と呼ばれることもあったが、より肯定的には近代性の誕生、ひいては資本主義の覇権の誕生でもある。

劇場

ピエール・コルネイユによる『アンドロメデ』の舞台装置デザイン(1650 年)
ジャコモ・トレッリがバレエ「テティスのノーセス」のために作成した劇場セットのデザイン（バレエ・ロイヤル、テティスの装飾と機械のプレステ・オー・ノープス・ド・テティスより）

バロック時代はフランスとスペインの演劇の黄金時代であり、フランスの劇作家にはコルネイユ、ラシーヌ、モリエール、スペインの劇作家にはロペ・デ・ベガ、ペドロ・カルデロン・デ・ラ・バルカなどがいた。

バロック時代、オペラとバレエの発展に伴い、劇場の芸術と様式は急速に進化しました。より新しく大規模な劇場の設計、より精巧な舞台装置の発明と使用、舞台を囲み観客から装置を隠すプロセニアム・アーチの普及により、より高度な舞台効果とスペクタクルが促進されました。[ 140 ]

スペインのバロックは、ルネサンス期のイタリア文学をモデルに、カトリック的で保守的な性格を持っていました。[ 141 ]スペインのバロック演劇は、カトリックの宗教、君主主義、そして騎士道や騎士の世界に由来する国民的誇りと名誉という3つの基本的な感情を表明した理想的な現実を伴う公共コンテンツを目指しました。[ 142 ]

バロック様式のスペイン劇場には 2 つの時代が知られており、1630 年に分裂が起こりました。最初の時代は主にロペ・デ・ベガが代表ですが、ティルソ・デ・モリーナ、ガスパール・アギラル、ギレン・デ・カストロ、アントニオ・ミラ・デ・アメスクア、ルイス・ベレス・デ・ゲバラ、フアン・ルイス・デ・アラルコン、ディエゴ・ヒメネス・デ・エンシソ、ルイスも代表を務めました。ベルモンテ・バムデス、フェリペ・ゴディネス、ルイス・キニョネス・デ・ベナベンテ、またはフアン・ペレス・デ・モンタルバン。これらの人物の多くは、セバスティアン フランシスコ デ メドラノによって設立された有名なメドラノ アカデミーを含むアカデミー リテリアリア(文学アカデミー)に出席しました。第2期はペドロ・カルデロン・デ・ラ・バルサと劇作家仲間のアントニオ・ウルタド・デ・メンドーサ、アルバロ・クビージョ・デ・アラゴン、ヘロニモ・デ・カンセル、フランシスコ・デ・ロハス・ソリリャ、フアン・デ・マトス・フラゴソ、アントニオ・コエーリョ・イ・オチョア、アグスティン・モレト、フランシスコ・バンセス・カンダモが代表を務める。[ 143 ]これらの分類は、各著者が独自の方法を持っており、時にはロペによって確立された公式に固執する可能性があるため、緩いものです。ロペの「マナー」はカルデロンよりもリベラルで体系的だったのかもしれない。[ 144 ]

ロペ・デ・ベガは1609年に著した『この時代に起こる新喜劇の技法』（Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo ）を通じて、新喜劇を導入した。彼はイタリア詩学派のアリストテレス詩の3つの統一（行動、時間、場所）と、表現内容に応じて異なるタイプの詩節や連を示す悲劇的要素と喜劇的要素の混合というアリストテレスの第4の統一を破る、新たな劇的公式を確立した。[ 145 ]ロペは造形芸術に関する深い知識を持っていたが、キャリアの大部分、また演劇や舞台美術においてもそれを用いることはなかった。ロペの喜劇は、演劇表現における視覚的側面に第二の役割を与えた。[ 146 ]

ティルソ・デ・モリーナ、ロペ・デ・ベガ、そしてカルデロンは、黄金時代のスペインにおいて最も重要な劇作家でした。繊細な知性と人間の人間性への深い理解で知られる彼らの作品は、ロペの原始的な喜劇とカルデロンのより精緻な喜劇を繋ぐ橋渡し的な存在と言えるでしょう。ティルソ・デ・モリーナは、『罪に問われた疑惑』と、ドン・ファン神話の初期のバージョンの一つである『セビリアのペテン師』という2つの作品で最もよく知られています。 [ 147 ]

コジモ・ロッティはマドリードに到着すると、ヨーロッパの最先端の演劇技術をスペイン宮廷に持ち込んだ。彼の技術と機械工学の知識は、「フィエスタス」と呼ばれる宮殿の催し物や、「ナウマキアス」と呼ばれる豪華な川や人工噴水の催し物に応用された。彼はブエン・レティーロ、サルスエラ、アランフェスの庭園の造形と、コリセオ・デル・ブエン・レティーロ劇場の建設を担当した。 [ 148 ]ロペの様式は、宮殿劇場という基盤には似つかわしくない詩で始まり、カルデロン・デ・ラ・バルカのような劇作家のキャリアの始まりとなった新しい概念を生み出した。新ロペ喜劇の主要な革新を象徴するカルデロンの作風は、多くの点で独特であり、内部構造への建設的な配慮と配慮が行き届いていた。カルデロンの作品は形式的に完璧で、非常に叙情的で象徴的な言語である。ロペの自由、活力、そして開放性は、カルデロンの知的思索と形式的な精密さを支えた。彼の喜劇においては、情熱と行動の上に彼の思想的・教義的意図が反映され、作品『オートス・サクラメンタレス』は高い評価を得た。[ 149 ]コメディアというジャンルは政治的で、多芸術的であり、ある意味ではハイブリッドである。詩的なテキストは、建築、音楽、絵画といったメディアや素材と織り交ぜられ、ロペの喜劇に見られる欺瞞を解き放ち、舞台装置の欠如と行動による対話によって成立していた。[ 150 ]

最も著名なドイツ劇作家はアンドレアス・グリフィウスで、彼はオランダのヨースト・ファン・デン・フォンデルとピエール・コルネイユをモデルとしたイエズス会の劇作家でした。また、ヨハネス・フェルテンは、イギリスの喜劇とコンメディア・デラルテの伝統を、コルネイユとモリエール の古典演劇と融合させました。彼の巡業劇団は、おそらく17世紀で最も重要かつ意義深いものでした。

イタリア・バロック悲劇の最高峰はフェデリコ・デッラ・ヴァッレである。彼の文学活動は、宮廷劇場のために書いた4つの戯曲、すなわち悲喜劇『アデロンダ・ディ・フリージア』 （1595年）と、特に3つの悲劇『ユディット』（1627年）、『エステル』（1627年）、『スコットランドの王妃』（1628年）に集約される。デッラ・ヴァッレには、バロック的趣向とイエズス会の教育的志向を融合させた多くの模倣者や追随者がいた（フランチェスコ・スフォルツァ・パラヴィチーノ、ジローラモ・グラツィアーニなど）。

ロシア帝国において、ロシア版バロックの発展は17世紀後半になってようやく形を整え始めた。これは主に、 1672年に宮廷劇場を開設しようとしたロシア皇帝アレクセイの主導によるものである。その演出家兼劇作家は、ドイツ系ロシア人ルーテル派牧師のヨハン・ゴットフリート・グレゴリーで、彼は特に10時間に及ぶ劇『アルタクセルクセスの行動』を執筆した。ポロツクのシメオンとロストフのデメトリウスの劇作術は、ロシア・バロックの重要な貢献となった。[ 151 ]

スペイン植民地時代のアメリカ大陸

16世紀末、スペインで顕著な発展を遂げたのに倣い、本質的に遊牧民であった喜劇の一座は職業化を始めた。職業化に伴い、規制と検閲が行われた。ヨーロッパと同様に、演劇は寛容と政府による保護、そして教会による拒絶（例外あり）や迫害の間で揺れ動いた。劇場は、望ましい行動規範、社会秩序と君主制の尊重、そして宗教的教義の流派を広める手段として、当局にとって有用なものであった。[ 152 ]

コラールは、上演の利益を共有する病院のために運営された。定住劇団を持たない地方で即興の野外舞台で劇を上演した巡回劇団（または「リーグ」）は、活動するために総督の許可証を必要とし、その料金（ピンシオン）は施しや宗教活動に充てられた。[ 152 ]首都や大都市で安定的に活動していた劇団にとって、聖体祭（Corpus Christi）の祭典への参加は主要な収入源の一つであり、経済的利益だけでなく、名声と社会的威信ももたらした。総督の宮殿や貴族の邸宅での上演も、レパートリーの喜劇だけでなく、素晴らしい照明効果、舞台装置、舞台装置を備えた特別公演も、高収入で名声の高い仕事の重要な源泉であった。[ 152 ]

フアン・ルイス・デ・アラルコンはヌエバ・エスパーニャ副王領に生まれ[ 153 ]、のちにスペインに定住し、ヌエバ・エスパーニャのバロック演劇で最も著名な人物である。ロペ・デ・ベガの新喜劇を受け入れていたにもかかわらず、アラルコンの「顕著な世俗主義」、思慮深さと抑制、そして「心理的洞察力」の鋭い能力が、スペインの同時代人に対する独特の特徴として注目されている。彼の作品の中で特筆すべきは、道徳的な目的を常に反映した登場人物の喜劇であるLa verdad sospechosaである[ 152 ] 。ソル・フアナ・イネス・デ・ラ・クルスの劇的プロダクションにより、彼女はスペイン系アメリカ・バロック演劇の第二の人物として位置づけられている。彼女の作品の中では、自動秘跡的なEl divino Narcisoと喜劇Los enpeños de una casaを挙げる価値がある。

庭園

バロック庭園は、ジャルダン・ア・ラ・フランセーズ、またはフランス式庭園とも呼ばれ、16世紀にローマで初めて登場し、その後17世紀にはフランスのヴォー・ル・ヴィコント宮殿とヴェルサイユ宮殿の庭園で最も有名になりました。バロック庭園は、ドイツ、オランダ、オーストリア、スペイン、ポーランド、イタリア、ロシアの国王や王子によって造園されましたが、18世紀半ばになると、より自然なイギリス式風景式庭園へと作り変えられました。

バロック庭園の目的は、人間の自然に対する力と、庭園の造園家の栄光を示すことでした。バロック庭園は、家の部屋のように幾何学的なパターンで設計されました。通常、城やテラスなど、外から見下ろした方が眺めが良かったです。バロック庭園の要素には、華やかなバロック様式に整えられた花壇や低い生垣、そして庭園を分割したり交差させたりする砂利の直線的な小道や路地などがありました。高低差のある場所には、テラス、スロープ、階段、滝が設けられ、眺望のポイントとなっていました。円形または長方形の池や水盤には、噴水や彫像が置かれました。ボスケと呼ばれる、丁寧に手入れされた木立や並木は、緑の壁のように見え、彫像の背景となりました。庭園の端には、パビリオンや温室など、訪問者が日差しや雨から身を守るための建造物が設けられるのが一般的でした。[ 158 ]

バロック庭園は、膨大な数の庭師、絶え間ない手入れ、そして豊富な水を必要としました。バロック時代後期には、形式的な要素はより自然な特徴に置き換えられ始めました。曲がりくねった小道、手入れされずに放置された様々な樹木が生い茂る林、素朴な建築、ローマ寺院や中国の仏塔のような絵画的な建造物、そしてメインガーデンの端に設けられ、緑に覆われ、訪問者が読書や静かな会話を楽しむことができる「秘密の庭園」などです。18世紀半ばまでに、バロック庭園のほとんどが、部分的に、あるいは全体的に、イギリス式風景式庭園のバリエーションへと変貌を遂げました。[ 158 ]

ヴェルサイユ宮殿やヴォー・ル・ヴィコント宮殿以外にも、ナポリ近郊のカゼルタ宮殿、ドイツのブリュールにあるニンフェンブルク宮殿とアウグストゥスブルク宮殿、ファルケンルスト宮殿、オランダのヘット・ロー宮殿、ウィーンのベルヴェデーレ宮殿、スペインのラ・グランハ・デ・サン・イルデフォンソ王宮、ロシアのサンクトペテルブルクにあるペテルゴフ宮殿など、当時の景観を多く残した有名なバロック庭園がある。[ 158 ]

都市計画と設計

16世紀から19世紀にかけて、ヨーロッパの都市は都市設計と都市計画の原則に大きな変化が見られ、景観と建築環境が一変しました。ローマ、パリをはじめとする大都市は、住宅、交通、公共サービスの改善を通じて、増加する人口に対応するために変貌を遂げました。この時代を通してバロック様式が全盛期を迎え、精巧でドラマチック、そして芸術的な建築様式の影響は、バロック都市計画として知られる都市構造にまで及んでいました。都市での生活や散策は、バロック様式の感動を補完することを目的としています。この都市計画様式は、しばしば支配権力の富と権力を誇示することを包含し、重要な建物は都市の視覚的かつ象徴的な中心として機能しました。[ 159 ]

サン・ピエトロ広場は、バチカン市国のサン・ピエトロ大聖堂の真正面に位置しています。

16世紀、シクストゥス5世 の統治下で行われたローマ都市の再計画により、都市は復興と拡張を遂げました。バロック様式の劇的な効果を高めるため、多くの壮大な広場や広場が公共空間として増築されました。広場には噴水などの装飾が施され、当時の情緒を体現していました。バロック様式の都市計画において重要な要素は、教会、政府機関、そして広場を洗練された「軸」のネットワークで繋ぐことでした。これにより、カトリック教会の重要なランドマークが都市の中心となることができました。[ 160 ]

バルセロナの航空写真

バロック様式の都市計画の特徴は、バルセロナにも顕著に表れています。イルデフォンス・セルダが設計したアシャンプラ地区は、碁盤の目状に広がる広い大通りと、いくつかの斜めのブールバールが特徴です。交差点は八角形のブロックで構成され、街路に優れた視認性と採光性をもたらしています。[ 161 ]この地区の多くの作品は、独特のスタイルを示す建築家アントニ・ガウディの作品です。アシャンプラ地区の設計の中心には、ガウディ設計によるサグラダ・ファミリアがあり、この街にとって大きな意義を持っています。

後世

ロココへの移行

ロココはバロックの最終段階であり、多くの点でバロックの基本的な性質である幻想とドラマを論理的に極限まで追求しました。ルイ14世のヴェルサイユ宮殿の宮廷の重厚なバロックの壮麗さに対する反動としてフランスで始まったロココ運動は、特に新しい国王ルイ15世（ 1710–1774）の愛妾であった権力者のポンパドゥール夫人（1721–1764）と結び付けられるようになりました。 このため、このスタイルはポンパドゥールとも呼ばれています。 ルイ15世の治世と深く結び付けられていますが、この時期には登場していません。 ルイ14世の治世末期の複数の作品は、初期ロココの例です。 この運動の名前はフランス語のロカイユ（小石）に由来し、洞窟の内部を飾る石や貝殻を指します。同様の貝殻の形がロココデザインで一般的な特徴になったためです。ロココ様式はデザインと装飾芸術の様式として始まり、優雅で流れるような形状を特徴としました。その後、建築、そして絵画と彫刻へと発展しました。ロココという用語で最もよく関連付けられるフランスの画家はジャン＝アントワーヌ・ヴァトーです。彼の田園風景画（フェット・ガラント）は18世紀初頭の作品の主流を占めています。

ロココ様式とバロック様式には多くの類似点があります。どちらの様式も記念碑的な形態を主張し、そのため連続した空間、二重の柱またはピラスター、および豪華な材料（金箔を施した要素を含む）を使用します。また、顕著な違いもあります。ロココ様式のデザインは、ルネッサンス以来の建築とデザインを支配してきた対称性への固執から解放されました。インク壺や磁器の像などの多くの小物だけでなく、一部の装飾品も、しばしば非対称です。これは、ほとんどの装飾が、バロック様式のようにルネッサンスから受け継がれた古典的な装飾ではなく、葉や貝殻の解釈で構成されていたという事実と密接に関連しています。もう1つの重要な違いは、バロック様式が対抗宗教改革の精神の主要な文化的表現であるため、教会建築と最もよく関連付けられるという事実です。対照的に、ロココ様式は主に宮殿や住宅建築と関連付けられます。パリでは、ロココ人気は新しいタイプの社交の場としてのサロンの出現と一致し、サロンの会場はしばしばこの様式で装飾されました。ロココの部屋はバロックの部屋よりも一般的に小さく、家庭内の親密さを求める動きを反映していました。[ 167 ]色もこの変化と一致しており、カラヴァッジョの絵画のアースカラーや、ルイ14世治世の赤い大理石と金箔を施した台座の内装から、ルイ15世とポンパドゥール夫人のフランスのパステル調で落ち着いたペールブルー、ポンパドゥールピンク、白まで変化しました。色と同様に、絵画や彫刻においても、深刻で劇的で道徳的な主題から、明るく楽しいテーマへの移行がありました。

バロックとロココの最後の違いは、18世紀の貴族が東アジアに抱いていた関心です。西洋美学における東洋主義の潮流はバロック以前にも存在していましたが、東アジアよりもイスラムにインスピレーションを得ている傾向がありました。この傾向はバロック時代にも続き、トルコ風のスタイルであるテュルケリーがそれを象徴しています。東洋主義者によるイスラム世界への関心 (テュルケリーを含む) はロココ時代以降も続きましたが、その頃には中国やその他の東アジアの文化も西洋美学に影響を与えるようになりました。シノワズリは18世紀に人気を博した美術、建築、デザインのスタイルで、中国美術だけでなくロココからも強い影響を受けています。当時、中国やその他の極東諸国への渡航は困難で、西洋人の多くにとって謎めいたものであったため、ヨーロッパ人の想像力はアジアを富と贅沢の地と捉える感覚に刺激され、皇帝から商人に至るまで、パトロンたちは競って住居をアジアの品々で飾り、アジア風の装飾を施しました。アジアの品々が入手困難な場所では、ヨーロッパの職人や画家たちがその需要に応え、ロココ様式とアジアの人物、モチーフ、技法を融合させた作品を生み出しました。ヨーロッパ人が東アジア風の品々を再現しただけでなく、中国の漆器は様々な用途で再利用されました。ヨーロッパの貴族たちは宮殿のいくつかの部屋を、中国の漆器を壁板として用いて装飾しました。黒漆はその外観から、西洋人の書斎によく用いられました。これらの漆器は、通常、中国河南省で作られた光沢のある黒色でした。漆器は幾層にも重ね塗りされ、色と金で彩られたモチーフが刻まれていました。 18世紀には、ヨーロッパの木工職人が家具製作に中国だけでなく日本の漆板も使用していました。漆板を製造するために、アジアの屏風は解体され、ヨーロッパ製の家具の突き板として利用されました。

非難と学術的再発見

ドイツの美術史家であり考古学者の先駆者でもあったヨハン・ヨアヒム・ヴィンケルマンもバロック様式を非難し、古典芸術と建築の優れた価値を称賛しました。19世紀になると、バロックは嘲笑と批判の的となりました。新古典主義の批評家フランチェスコ・ミリツィアは、「建築におけるボッロミニーニ、彫刻におけるベルニーニ、絵画におけるピエトロ・ダ・コルトーナ…は、多くの芸術家を蝕んだ良識への疫病である」と記しています。[ 168 ] 19世紀には、批判はさらにエスカレートし、イギリスの批評家ジョン・ラスキンは、バロック彫刻は単に悪いだけでなく、道徳的に堕落していると断言しました。[ 168 ]

スイス生まれの美術史家ハインリヒ・ヴェルフリン（1864–1945）は、著書『ルネサンスとバロック』 （1888年）において、「バロック」という言葉の復活に着手しました。ヴェルフリンはバロックを「大衆に持ち込まれた運動」、つまりルネサンス美術とは対照的な芸術と捉えました。彼は現代の著述家のようにマニエリスムとバロックを区別せず、18世紀まで続いた後期のアカデミックなバロックについても無視しました。バロック美術と建築は戦間期に流行し、批評家の間でも広く支持され続けています。「バロック」という言葉は今でも、しばしば軽蔑的な意味で、過剰な装飾や線の複雑さが見られる芸術、工芸、デザイン作品を指すために使われています。[ 169 ] 同時に、「バロック」は、後のバロックと同じ特徴のいくつかを示す、西暦2世紀と3世紀の ローマ美術とローマ建築のさまざまな傾向を指す一般的な用語になりました。

折衷主義による復興と影響

厳しく批判されたバロック様式は、18世紀に発展し19世紀にピークを迎えたロマン主義を通じて、19世紀の芸術家、建築家、デザイナーにインスピレーションを与えることになった。感情と個人主義を強調し、過去と自然を賛美し、古典よりも中世を好んだのが特徴だった。文学的、宗教的、政治的な要因が混ざり合い、18世紀後半から19世紀にかけてのイギリスの建築家やデザイナーは、インスピレーションを求めて中世を振り返ることになった。ロマン主義は、19世紀が復興の世紀として最もよく知られている所以である。[ 175 ]フランスでは、ロマン主義はゴシック建築とデザインの復興を導いた主要因ではなかった。アンシャン・レジーム（旧体制）に関連する記念碑や建物の破壊行為はフランス革命中に起こった。この功績により、考古学者アレクサンドル・ルノワールがプティ・オーギュスタン倉庫の学芸員に任命されました。この倉庫には、教会、修道院、修道院から運び出された彫刻、彫像、墓石などが保管されていました。彼はフランス建造物博物館（1795～1816年）を設立し、中世美術への関心を初めて復活させました。この関心は四半世紀後にゆっくりと発展し、再び花開きました。[ 176 ]

中世美術へのこの嗜好と復興は、バロックやロココを含む他の時代の復興へとつながりました。復興主義はまず中世のテーマから始まり、ルイ・フィリップ1世（1830～1848年）の治世末期にはルネサンスから影響を受けました。バロックとロココの影響はナポレオン3世（1852～1870年）の治世中に最も人気を博し、フランス第二帝政の崩壊後も続きました。[ 177 ]

イギリスの建築家やデザイナーがゴシック様式を国民的様式と見なしていたのに対し、ロココ様式はフランスを代表する建築様式の一つとみなされていました。ゴシック建築はイギリスではなくフランスで生まれたにもかかわらず、フランス人は中世やルネサンス様式よりも、アンシャン・レジームやナポレオン帝政の様式に強い愛着を感じていました。

19 世紀のリヴァイヴァリズムは、やがて折衷主義(異なる様式の要素の混合) へとつながりました。建築家が古典様式を復活させることが多かったため、折衷主義の建物やデザインのほとんどは、独特の外観をしています。純粋なリヴァイヴァリズムのほかに、バロック様式も折衷主義の主なインスピレーションの源の 1 つでした。バロック様式で広く使用されていた 2 つの要素である連結柱と巨大なオーダーは、この種の 19 世紀および 20 世紀初頭の建物によく見られます。折衷主義は建築だけにとどまりませんでした。第二帝政様式(1848-1870) のデザインの多くには、さまざまな様式から取り入れた要素が取り入れられています。この時代を代表する 3 つの歴史主義的影響、つまりルネッサンス、ルイ 15 世(ロココ)、ルイ 16 世様式の影響を免れた家具はほとんどありませんでした。これらの様式は、ときには区別され、ときには組み合わされています。また、ブール寄木細工を模倣したリメイクやアラベスクのようにバロック様式から復興やインスピレーションがもたらされることもあったが、ゴシック様式、ルネッサンス様式、英国摂政様式など他の様式からもインスピレーションがもたらされた。[ 178 ]

ベル・エポックは1871 年から 1880 年頃に始まり、1914 年の第一次世界大戦勃発で終わった時代である。楽観主義、地域的平和、経済的繁栄、植民地拡大、および技術的、科学的、文化的革新が特徴であった。折衷主義はこの時期にピークに達し、ボザール建築が生まれた。この様式はパリのエコール・デ・ボザール (国立高等美術学校)にちなんで名付けられた。この様式はここで発展し、この様式の主要な提唱者の多くが学んだ。この様式の建物には、フランスのバロック様式のように角に渦巻き模様があるイオニア式の柱、素朴な地下階、全体的にはシンプルだが一部に非常に細かい部分がある、アーチ型の扉、パリのプティ・パレのような入り口の上のアーチなどがよく見られる。この様式は、ルイ 14 世のベルサイユ宮殿を彷彿とさせる贅沢に装飾された記念碑的建造物を通して、バロックの豪華さを目指した。ベル・エポックのデザインに関しては、過去のあらゆる家具が賞賛されたが、おそらく予想に反して、1900年まで人気を保った第二帝政様式（その前の時代の様式）も含まれていた。1900年頃の数年間は、あらゆる国、あらゆる先行時代の様式が大規模に再集結した。中国風からスペイン風、ブール様式からゴシック様式まで、あらゆる様式が家具製作に取り入れられたが、様式によって評価の差が大きかった。中世盛期と初期ルネサンス様式は特に高く評価された。あらゆる種類のエキゾチシズムや、華やかなロココ様式も好まれた。[ 179 ]

バロックの復興と影響は、1910年頃に複数のフランス人デザイナーが共同で新しいモダンスタイルを作ろうとしたスタイルであるアールデコとともに衰退し、消滅しました。第一次世界大戦前には無名でしたが、戦間期に非常に人気となり、1920年代と1930年代に深く結び付けられました。この運動は、ウィーン分離派、キュビズム、フォーヴィスム、プリミティヴィズム、シュプレマティズム、構成主義、未来派、デ・スティル、表現主義など、1900年代と1910年代のモダニズムの潮流から取り入れたさまざまな特徴が融合したものです。モダニズムの他に、ロココ・リバイバル、新古典主義、新ルイ16世様式など、ベル・エポックに人気のあったスタイルから取り入れた要素もアール・デコに見られます。第一次世界大戦以前のボザール建築のプロポーション、ボリューム、構造は、1910年代から1920年代の初期アールデコ建築に見られます。バロック様式から取り入れられた要素は非常に少なく、建築家やデザイナーはルイ16世様式を好みました。

戦間期末期、装飾を一切排除したインターナショナル・スタイルの人気が高まるにつれ、バロック様式の影響力は完全に失われ、復興が起こりました。インターナショナル・スタイルの建築家やデザイナー、そしてモダニズムの芸術家たちも、バロック様式の贅沢さ、そして彼らが「過剰」と見なす部分を批判しました。皮肉なことに、これはまさに、本来のバロック様式への批評的な評価が力強く復活しつつあった時期と重なっていました。

ポストモダンの評価と再解釈

バロック様式への評価は、ポストモダニズムの台頭とともに再び現れました。ポストモダニズムは、第二次世界大戦後のモダニズムの現状に疑問を投げかけ、新しいデザインに歴史的様式の要素を取り入れ、プレモダニズム以前の過去を評価することを推進した運動です。ポストモダニズムは、ペディメントや柱など、古典主義全般から「引用」された、非常に単純化された要素をしばしば取り入れていたため、バロック様式への具体的な言及は稀です。

ヴェルサーチの陶磁器やファッションにも、バロック様式への言及が多く見られます。これらは、イタリアのバロック様式の装飾皿やブール細工に見られるものと非常に類似していますが、ナポレオン1世の治世の帝国時代の物品、特に織物に見られるものとも類似しています。

参照

注記

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