アメリカの視覚芸術

ギルバート・スチュアートの『ジョージ・ワシントン』 （別名『アテナエウム』および『未完成の肖像画』）は、 1796年、ボストン美術館所蔵で、彼の最も有名で有名な作品である。[ 1 ]

米国の視覚芸術またはアメリカ美術は、米国で制作された、または米国の芸術家によって制作された視覚芸術である。植民地化以前には、ネイティブアメリカンの芸術の伝統が数多く栄えており、スペイン人が植民地化した地域では、スペイン植民地建築や付随する他の媒体のスタイルがすぐに定着した。東海岸の初期の植民地美術は、もともとヨーロッパ出身の芸術家に頼っており、ジョン・ホワイト（1540年 - 1593年頃）がその最古の例である。18世紀後半から19世紀初頭にかけて、芸術家は主に肖像画を描き、一部はイギリスの絵画に基づいたスタイルで風景画を描いた。イギリスのスタイルを模倣した家具職人や同様の職人も主要都市に設立されたが、イギリスの植民地では、19世紀まで地元で作られる陶器はあくまでも実用的なものであり、装飾的な製品は輸入されていた。

しかし 18 世紀後半には、ベンジャミン・ウェストとジョン・シングルトン・コプリーという2 人のアメリカ人芸術家が、当時最高の芸術形式と考えられていた歴史画の画家としてロンドンで最も成功した画家となり、西洋芸術に台頭する最初の兆しを見せました。国内に残ったアメリカ人芸術家たちはますます熟練しましたが、ヨーロッパではあまり知られていませんでした。19 世紀初頭には、芸術家を養成するための基盤が整い始め、1820 年からはハドソン・リヴァー派が独創的でアメリカの風景の巨大なスケールにマッチするロマン派の風景画を制作し始めました。アメリカ独立戦争によって愛国的な芸術、特に歴史画の需要が高まり、他の芸術家たちは辺境の国を記録しました。アメリカの田舎で形成されつつあったのが、産業革命への反応として始まったアメリカン・クラフト運動です。

1850年以降、ヨーロッパ様式のアカデミックな芸術が開花し、裕福なアメリカ人がますます裕福になるにつれ、新旧問わずヨーロッパの芸術作品がアメリカへ流入し始め、この流れは今も続いています。これらの芸術作品を展示するために、美術館が開設されるようになりました。ヨーロッパにおける近代美術の発展は、 1913年のアーモリー・ショーなど、ニューヨークで開催された展覧会を通じてアメリカにもたらされました。第二次世界大戦後、ニューヨークはパリに代わり、美術界の中心地となりました。それ以来、アメリカの多くの運動が近代美術とポストモダン美術を形作ってきました。今日のアメリカの芸術は、実に多様なスタイルを網羅しています。

始まり

ジョン・ホワイト「ロアノーク・インディアン」1585年、水彩画、大英博物館

北米を訪れた最初のヨーロッパ人芸術家の一人、ジョン・ホワイト（1540年頃 - 1606年頃）は、東海岸のネイティブアメリカンの生活を描いた重要な水彩画を制作しました（現在、大英博物館所蔵）。ホワイトは探検隊の画家兼地図製作者として初めてア​​メリカを訪れましたが、植民地時代初期には、西洋画風の訓練を受けた他の芸術家のほとんどは陸軍や海軍の士官であり、風景画のスケッチも訓練に含まれていました。やがてイギリス人の入植地は規模を拡大し、プロの芸術家、主に肖像画家、そして多くの場合独学で学んだ芸術家を支えるようになりました。

初期の画家としては、ロンドン出身の芸術家ジョン・スマイバート（1688-1751）が挙げられます。彼は1728年に美術教授を目指してボストンに移住しましたが、肖像画家兼版画商となりました。友人のピーター・ペルハムも画家兼版画家でした。二人とも収入源が必要で、店を構えていました。一方、後にアメリカ大陸となるスペイン領では、主に後期バロック様式の宗教芸術が見られ、その多くは先住民の芸術家によるものでした。また、先住民文化圏では、それぞれの伝統に基づいた芸術作品が生み出され続けました。

18世紀

ジョン・トランブル作『アメリカ独立宣言』（1776年制作、1819年制作）、アメリカ合衆国議会議事堂ロタンダ、ワシントンD.C.
ジョン・シングルトン・コプリー、「ワトソンとサメ」（原版）、1778年、ナショナル・ギャラリー、ワシントンD.C.

1776年の独立宣言後、アメリカの国民的アイデンティティが正式に始まったが、この新しい国家には歴史が必要であり、その歴史の一部は視覚的に表現されることとなった。初期アメリカ美術（18世紀後半から19世紀初頭）の大半は歴史画、特に肖像画である。植民地時代のアメリカと同様、肖像画を専門とする画家の多くは基本的に独学であり、その中でもジョセフ・バジャー、ジョン・ブリュースター・ジュニア、ウィリアム・ジェニーズが有名である。若い国の芸術家たちは一般にイギリス美術のスタイルを模倣したが、それは彼らが版画や、ジョン・スミバート（1688年 - 1751年）やジョン・ウォラストン（1742年 - 1775年活動）といったイギリスで教育を受けた移民の絵画を通して知っていたからである。[ 2 ]

植民地時代の未熟な画家ロバート・フェケ（1707-1752）は、スミバートを見習って洗練されたスタイルを作り上げました。[ 3 ]チャールズ・ウィルソン・ピールは、初期の美術教育の多くをスミバートのヨーロッパ絵画の模写を研究することで学び、[ 4 ]アメリカ独立戦争の重要人物の多くの肖像画を描きました。ピールの弟ジェームズ・ピールと、姪と息子6人（アンナ・クレイプール・ピール、サラ・ミリアム・ピール、ラファエル・ピール、レンブラント・ピール、ルーベンス・ピール、ティツィアーノ・ピール）も芸術家でした。ギルバート・スチュアートなどの画家は、新しく選出された政府高官の肖像画を描き、[ 1 ]それらは19世紀から20世紀初頭にかけてのさまざまな米国の切手に複製されて象徴的なものとなりました。[ 5 ]

ジョン・シングルトン・コプリーは、ポール・リビア（1768年頃-1770年）の肖像画など、ますます裕福になる商人階級の象徴的な肖像画を描いた。彼の最も有名な絵画である『ワトソンとサメ』 （1778年）のオリジナル版は、ナショナル・ギャラリー[ 6 ]のコレクションにあり、別のバージョンがボストン美術館に、3番目のバージョンがデトロイト美術館にある。ベンジャミン・ウエストは肖像画のほか、フレンチ・インディアン戦争の歴史画を描いた。ウエストはロンドンでも活動し、ワシントン・オールストン[ 7 ]、ラルフ・アール、ジェームズ・アール[ 8 ]、サミュエル・モース、チャールズ・ウィルソン・ピール、レンブラント・ピール、ギルバート・スチュアート、ジョン・トランブル、マザー・ブラウン、エドワード・サベージ、トーマス・サリー[ 9風景画が描かれる場合、それは主に被写体が所有する財産の量を示すため、または肖像画の美しい背景として描かれることが多い。

初期アメリカの芸術家による作品のセレクション

19世紀

アルバート・ビアスタット「ロッキー山脈、ランダーズ・ピーク」 1863年、メトロポリタン美術館：ハドソン・リヴァー派の一例
メアリー・カサット「子供の入浴」 1891-1892年、シカゴ美術館
ワシントン DC の国立美術館。
ジェームズ・マクニール・ホイッスラー、「灰色と黒の配置：芸術家の母」、1871年、通称「ホイッスラーの母」、オルセー美術館、パリ

アメリカで最初によく知られた絵画流派、ハドソン・リバー派は1820年に登場しました。トーマス・コールが先駆者となり、アルバート・ビアスタット、フレデリック・エドウィン・チャーチ、トーマス・ダウティらが参加しました。音楽や文学と同様に、この発展は、芸術家たちが新世界が独自の主題を提供していることに気づくまで遅れました。新世界の場合、入植地の西方への拡大が、辺境の風景の超越的な美しさを画家たちの目に留めさせたのです。

ハドソン川沿いの画家たちの直接的でシンプルな視点は、ジョン・ケンセットやルミニスト、ジョージ・イネスやトーナリスト（アルバート・ピンカム・ライダーやラルフ・ブレイクロックなど）、そしてアメリカの田舎の風景、海や山、そしてその近くに住む人々を描いたウィンスロー・ホーマー（1836年 - 1910年）といった後代の芸術家たちに影響を与え、刺激を与えました。

ハドソン・リバー派の風景画家ロバート・S・ダンカンソンは、初期の重要なアフリカ系アメリカ人画家の一人でした。鳥類学者ジョン・ジェームズ・オーデュボンは、鳥を記録した絵画を制作し、初期のアメリカで最も重要な博物主義画家の一人でした。彼の代表作である色刷りの版画集『アメリカの鳥』（1827-1839年）は、これまでに完成した鳥類学作品の中でも最高傑作の一つとされています。エドワード・ヒックスはアメリカのフォーク画家であり、クエーカー教徒の著名な牧師でした。彼は絵画によって クエーカー教徒の象徴となりました。

西部を描いた絵画は、その多くが広大な土地とそこに暮らす先住民の文化を強調しており、独自のジャンルを形成しました。ジョージ・カトリンは西部とその人々を可能な限り忠実に描写しました。ジョージ・カレブ・ビンガム、そして後にフレデリック・レミントン、チャールズ・M・ラッセル、写真家のエドワード・S・カーティスらは、アメリカ西部の遺産と古き良きアメリカ西部を芸術を通して記録しました。

ジェームズ・マディソン・オールデンによる水彩画「ウィンド・マウンテン」（1857年から1862年）

19世紀のアメリカ美術において、歴史画はあまり人気のないジャンルでしたが、ドイツ生まれのエマニュエル・ロイツェが描いた「ワシントンのデラウェア川渡河」は、アメリカで最もよく知られた絵画の一つです。ウィリアム・B・T・トレゴの歴史画と軍事画は、彼の死後広く出版されました（エドウィン・A・ピープルズによれば、「アメリカ史の書籍でトレゴの絵が掲載されていないものはおそらく存在しない」とのことです）。[ 10 ]

19世紀アメリカの肖像画家には、アミ・フィリップスのような未熟な画家や、トーマス・サリーやGPAヒーリーのようなヨーロッパの伝統に学んだ画家がいた。中流階級の都市生活に溶け込んだ画家、トーマス・エイキンズ（1844-1916）は、妥協を許さない写実主義者であり、その揺るぎない誠実さは、上流階級が好むロマンチックな感傷主義を打ち砕いた。そのため、生前は目立った成功を収めることはなかったが、後にアメリカで最も重要な芸術家の一人として認められるようになった。[ 11 ]彼の弟子の一人には、国際的な評価を得た最初のアフリカ系アメリカ人画家、ヘンリー・オサワ・タナーがいる。

トロンプ・ルイユ様式の静物画は主にフィラデルフィアで生まれたもので、ラファエル・ピール（ピール家の数人の芸術家の一人）、ウィリアム・マイケル・ハーネット、ジョン・F・ピートなどがその代表例です。

その時代で最も成功したアメリカの彫刻家、ハイラム・パワーズは、30代前半でアメリカを離れ、残りの人生をヨーロッパで過ごし、そこで『誘惑されたイヴ』などの理想的な裸婦像に従来のスタイルを採用した。[ 12 ] アメリカ人とみなされる重要な画家の何人かはヨーロッパで人生の大半を過ごしており、特にメアリー・カサット、ジェームズ・マクニール・ホイッスラー、ジョン・シンガー・サージェントはフランス印象派の影響を受けていた。セオドア・ロビンソンは1887年にフランスを訪れ、モネと親しくなり、新しい技法を採用した最初のアメリカ人画家の一人となった。20世紀最後の数十年間には、チャイルド・ハッサムやフランク・W・ベンソンなどの芸術家によって実践されたアメリカ印象派が人気のスタイルとなった。

19世紀の著名な作品のセレクション

エマニュエル・ロイツェ『デラウェア川を渡るワシントン』 1851年、メトロポリタン美術館
トーマス・コール作「ゲリナ（タイコンデロガ近郊の風景）」、1826～1828年、フォート・タイコンデロガ博物館
ロバート・S・ダンカンソン「虹のある風景」（1859年）、スミソニアン・アメリカン・アート・ミュージアム

20世紀

リオネル・ファイニンガー、ハレ大聖堂、1931年、ドイツ、ハレ大聖堂
グラント・ウッド「アメリカン・ゴシック」（1930年）、シカゴ美術館
ジョージ・ベローズ「デンプシーとファーポ」 1924年、ホイットニー美術館
ジョージア・オキーフ「ラムズ・ヘッド・ホワイト・ホリホックとリトル・ヒルズ」 1935年、ブルックリン美術館
マースデン・ハートリー「絵画No.48」 1913年、ブルックリン美術館

論争はすぐにアメリカの芸術家たちの生き方となった。実際、1900年以降のアメリカの絵画や彫刻の多くは、伝統に対する反逆の連続であった。「芸術的価値観なんてクソくらえだ」とロバート・アンリ（1865-1929）は宣言した。彼は、都市生活の荒涼とした側面を描いた同グループの作品から、批評家たちが「アッシュカン派」と呼んだ絵画の先駆者であった。

20世紀初頭、アメリカン・リアリズムはアメリカの視覚芸術家にとって新たな方向性となりました。アッシュカン・ペインターのジョージ・ベローズ、エヴェレット・シン、ジョージ・ベンジャミン・ラックス、ウィリアム・グラッケンズ、ジョン・スローンらは、作品の中で社会意識の高いイメージを展開しました。写真家のアルフレッド・スティーグリッツ（1864–1946）は、写真という新たな芸術形式への道を切り開いたフォト・セセッション運動を主導しました。

すぐにアッシュカン派の画家たちは、ヨーロッパからやってきたモダニストたち、すなわちニューヨーク市の291ギャラリーでスティーグリッツが奨励したキュビズムや抽象画家たちに取って代わられた。ジョン・マリン、マースデン・ハートリー、アルフレッド・ヘンリー・マウラー、アーサー・B・カールズ、アーサー・ダブ、ヘンリエッタ・ショア、スチュアート・デイビス、ウィルヘルミナ・ウェーバー、スタントン・マクドナルド＝ライト、モーガン・ラッセル、パトリック・ヘンリー・ブルース、アンドリュー・ダスバーグ、ジョージア・オキーフ、ジェラルド・マーフィーは、初期のアメリカの重要なモダニスト画家たちである。アメリカの初期のモダニスト彫刻家には、ウィリアム・ゾラック、エリー・ネーデルマン、ポール・マンシップがいる。フローリン・ステテイマーは非常に個性的なフェイク・ナイーブ・スタイルを展開した。

第一次世界大戦後、多くのアメリカ人芸術家がアーモリー・ショーに端を発する近代的傾向や、パリ派などのヨーロッパの影響を拒絶した。その代わりに彼らは、アメリカの都市や田園風景を描く際に、様々な（場合によってはアカデミックな）リアリズムのスタイルを採用することを選んだ。グラント・ウッド、レジナルド・マーシュ、ギー・ペーヌ・デュ・ボワ、チャールズ・シーラーは、それぞれ異なる方法でリアリズムの傾向を体現している。シーラーやモダニストのチャールズ・デムス、ラルストン・クロフォードは、機械や建築形態を鋭く定義づけた描写からプレシジョニストと呼ばれた。アンリに師事したエドワード・ホッパーは、光と形に集中し、あからさまな社会的な内容を避けることで、独自のリアリズムのスタイルを生み出した。

アメリカ南西部

第一次世界大戦後、サンタフェ鉄道の開通により、アメリカ人入植者は西部を横断し、カリフォルニア海岸まで旅することが可能になりました。サンタフェとタオス周辺には新たな芸術家たちのコロニーが形成され始め、彼らの主な題材は南西部の先住民と風景でした。

南西部の風景写真は人気の広告手段となり、特にサンタフェ鉄道は開拓者たちに西へ来て「汚れのない風景」を楽しむよう誘うためにこれを利用しました。ウォルター・ウーファー、バート・ギア・フィリップス、E・アーヴィング・コース、ウィリアム・ヘンリー・ジャクソン、マースデン・ハートリー、アンドリュー・ダスバーグ、ジョージア・オキーフらは南西部で多作な画家たちです。19世紀後半に生まれたジョージア・オキーフは、『ラムズ・ヘッド・ホワイト・ホリホック』や『リトル・ヒルズ』に見られるように、花や骨、ニューメキシコの風景を題材にした絵画で知られています。オキーフは1929年に南西部を訪れ、1949年に永住し、1986年に亡くなるまでそこで暮らし、絵を描き続けました。

ハーレム・ルネッサンス（1920年代～1930年代）

ハーレム・ルネッサンスは、アメリカ美術におけるもう一つの重要な発展であった。1920年代から30年代にかけて、教養があり政治的に鋭敏な新世代のアフリカ系アメリカ人男女が登場し、人種差別的な固定観念と戦うために文学協会や美術・産業博覧会を後援した。アフリカ系アメリカ人コミュニティ内の幅広い才能を紹介したこの運動には、全米のアーティストが含まれていたが、中心はハーレムであった。ハーレムの画家でグラフィック・アーティストのアーロン・ダグラスと写真家のジェームズ・ヴァンダージーの作品は、この運動を象徴するものとなった。ハーレム・ルネッサンスに関連するアーティストには、ロマーレ・ベアデン、ジェイコブ・ローレンス、チャールズ・オールストン、オーガスタ・サヴェージ、アーチボルド・モトリー、ロイス・マイルー・ジョーンズ、パーマー・ヘイデン、サージェント・ジョンソンなどがいる。[ 13 ] [ 14 ] [ 15 ]

ニューディール美術（1930年代）

トーマス・ハート・ベントン作「チルマークの人々（人物構成）」、 1920 年、ハーシュホーン美術館・彫刻庭園、ワシントンD.C.

大恐慌が深刻化すると、ルーズベルト大統領のニューディール政策はいくつかの公共芸術プログラムを立ち上げました。これらのプログラムの目的は、芸術家に作品を提供し、公共の建物を装飾することで、通常は国家的なテーマを掲げていました。最初のプロジェクトである公共芸術事業プロジェクト（PWAP）は、芸術家組合の失業中の芸術家によるロビー活動が成功した後に設立されました。[ 16 ] PWAPは1年も続かず、約15,000点の芸術作品が制作されました。その後、1935年に公共事業促進局の連邦芸術プロジェクト（FAP/WPA）が続き、最も有名なアメリカ人芸術家の何人かに資金提供が行われました。[ 17 ]

WPAが委託したパブリックアートの多くは、ディエゴ・リベラをはじめとする現代メキシコ壁画運動の芸術家の作品の影響を受けています。大恐慌時代には、アメリカ風景画、地域主義、社会リアリズムなど、いくつかの独立した関連運動が勃興し、発展しました。[ 18 ]トーマス・ハート・ベントン、ジョン・スチュアート・カリー、グラント・ウッド、マキシン・アルブロ、ベン・シャーン、ジョセフ・ステラ、レジナルド・マーシュ、アイザック・ソイヤー、ラファエル・ソイヤー、スペンサー・ベアード・ニコルズ、ジャック・レヴィンなどが著名な芸術家です。

戦間期に登場した芸術家全員が地域主義や社会リアリストだったわけではない。ミルトン・エイヴリーの絵画は抽象画に近いものが多く、後に抽象表現主義者として知られるようになる若い芸術家たちに大きな影響を与えた。[ 19 ]ジョセフ・コーネルはシュルレアリスムに触発され、拾った物やコラージュを組み込んだ箱入りのアサンブラージュを制作した。

抽象表現主義

アーシル・ゴーキー「肝臓は鶏冠」 （1944年） 、キャンバスに油彩、73+1 ⁄ 4 インチ × 98インチ (186 cm × 249 cm)、ニューヨーク州バッファローのオルブライト・ノックス美術館所蔵。この絵画は、セザンヌとピカソの影響から脱却したゴーリキーの業績と独自の作風の頂点を象徴している。

第二次世界大戦後、ニューヨークの芸術家グループが、国際的に大きな影響を与えた最初のアメリカの運動である抽象表現主義を形成しました。この用語は、1919年にベルリンで初めて使用され、1946年にロバート・コーツによってニューヨーク・タイムズ紙で再び使用され、当時の2人の著名な美術評論家、ハロルド・ローゼンバーグとクレメント・グリーンバーグによって取り上げられました。抽象表現主義は常に大きすぎると矛盾していると批判されてきましたが、一般的な定義では、抽象芸術を用いて感情、感情、芸術家の内面にあるものを表現するものであり、外面にあるものではありません。

第一世代の抽象表現主義者には、ジャクソン・ポロック、ウィレム・デ・クーニング、マーク・ロスコ、フランツ・クライン、アーシル・ゴーキー、ロバート・マザーウェル、クリフォード・スティル、バーネット・ニューマン、アドルフ・ゴットリーブ、フィリップ・ガストン、アド・ラインハルト、ジェームズ・ブルックス、リチャード・プーセット＝ダート、ウィリアム・バジオテス、マーク・トビー、ブラッドリー・ウォーカー・トムリン、テオドロス・ステイモス、ジャック・トワークフ、ウィルヘルミナ・ウェーバー・ファーロング、デイヴィッド・スミス、ハンス・ホフマンなどがいました。ミルトン・エイブリー、リー・クラスナー、ルイーズ・ブルジョワ、アレクサンダー・カルダー、トニー・スミス、モリス・グレイブスなども、この時代の関連のある、重要で影響力のある芸術家でした。

このレッテルに包摂された数多くの芸術家は、作風が大きく異なっていたものの、当時の批評家たちは彼らにいくつかの共通点を見出していた。ゴーキー、ポロック、デ・クーニング、クライン、ホフマン、マザーウェル、ゴットリーブ、ロスコ、スティル、ガストンらは、抽象表現主義運動、そして多くの場合アクション・ペインティング（クラインの1954年の作品「ペインティング・ナンバー2」に見られるように）と関連付けられたアメリカの画家であり、 1940年代から1950年代にかけて ニューヨーク・スクールの一部を形成した。

第一世代の抽象表現主義者の多くは、キュビスムの作品（美術評論の写真や、291ギャラリーやアーモリーショーで作品を見て知っていた）やヨーロッパのシュルレアリスト、パブロ・ピカソ、ジョアン・ミロ、アンリ・マティス、アメリカのミルトン・エイブリー、ジョン・D・グラハム、ハンス・ホフマンの影響を受けた。彼らのほとんどは、実物の形式的な構成や表現を放棄した。抽象表現主義者は、本能的で直感的で自発的な空間、線、形、色の配置を試みることが多くなった。抽象表現主義は、2つの主な要素によって特徴付けることができる。それは、使用されるキャンバスの大きなサイズ（メキシコのフレスコ画や、 1930年代にWPAのために制作した作品に部分的に触発された）、そして、新しいプロセスの理解による筆遣いの強くて珍しい使用と実験的な絵の具の塗り方である。

カラーフィールドペインティング

色彩の強調と強烈さ、そして広大な表面空間は、カラーフィールド・ペインティングと呼ばれる運動に適用された2つの原則であった。アド・ラインハルト、アドルフ・ゴットリーブ、マーク・ロスコ、クリフォード・スティル、バーネット・ニューマンがこのカテゴリーに分類された。もう一つの運動はアクション・ペインティングと呼ばれ、自発的な反応、力強い筆遣い、滴ったり飛び散ったりした絵の具、そして絵画制作における強い身体的動作を特徴とする。ジャクソン・ポロックはアクション・ペインターの一例である。彼の創作プロセスは、棒から投げたり滴らせたり、缶から直接注いだりすることで、絵画技法に革命をもたらした。[ 20 ]

ウィレム・デ・クーニングはポロックについて「彼は我々にとって打ち解けた存在だった」と有名な​​言葉を残している。[ 21 ]皮肉なことに、ポロックの線状のフィールドが反復する広大な空間は、カラーフィールド・ペインティングの特徴でもあると、美術評論家のマイケル・フリードは1965年にフォッグ美術館で開催された「3人のアメリカ人画家：ケネス・ノーランド、ジュールス・オリツキー、フランク・ステラ」展のカタログに寄稿したエッセイで述べている。美術評論家の間では意見の相違があったものの、抽象表現主義はアメリカ美術史の転換点となった。1940年代と1950年代には、国際的な注目がヨーロッパ（パリ）美術からアメリカ（ニューヨーク）美術へと移った。[ 22 ]

カラーフィールドペインティングは1960年代にも運動として継続され、モリス・ルイス、ジュールス・オリツキー、ケネス・ノーランド、ジーン・デイヴィス、ヘレン・フランケンサーラーらが、繰り返しや縞模様、大きく平坦な色彩領域を用いて余分なレトリックを排除した絵画を作ろうとした。[ 23 ]

抽象表現主義以降

マーク・ロスコ「無題（黒と灰色）」 1969-70年、ソロモン・R・グッゲンハイム美術館、ニューヨーク市。[ 24 ]ロスコの晩年の作品の一つで、ミニマル・アートとカラー・フィールド・ペインティングの両方に密接に関連する。[ 25 ]

1950年代、アメリカにおける抽象絵画は、ネオ・ダダ、ポスト・ペインタリー・アブストラクション、オプ・アート、ハードエッジ・ペインティング、ミニマル・アート、シェイプド・キャンバス・ペインティング、リリカル・アブストラクション、そして抽象表現主義の継承といった運動へと発展しました。抽象化への傾向への反応として、ポップ・アート、ベイエリア・フィギュラティブ・ムーブメント、そして1970年代後半には新表現主義といった様々な新しい運動を通して、イメージが出現しました。

リリカル・アブストラクションは、フルクサス運動やポストミニマリズム（ 1969年にロバート・ピンカス＝ウィッテンがアートフォーラム誌上で初めて提唱した用語） [ 26 ]とともに、プロセス、新しい素材、そして新しい表現方法に焦点を当てることで、抽象絵画とミニマリズムの境界を広げようとした。ポストミニマリズムは、工業素材、原材料、製作物、ファウンド・オブジェ、インスタレーション、連続的な反復表現などを取り込み、ダダやシュルレアリスムへの言及もしばしば見られるが、その好例がエヴァ・ヘッセの彫刻作品である[ 26 ]。

叙情的な抽象表現主義、コンセプチュアルアート、ポストミニマリズム、アースアート、ビデオ、パフォーマンスアート、インスタレーションアート、そしてフルクサスの継承とともに、抽象表現主義、カラーフィールドペインティング、ハードエッジペインティング、ミニマルアート、オプアート、ポップアート、フォトリアリズム、ニューリアリズムが、1960年代半ばから1970年代にかけて現代アートの境界を広げました。 [ 27 ]

リリカル・アブストラクションは、特に自由な絵具の質感と表面の使い方において、カラーフィールド・ペインティングや抽象表現主義と共通点を持っています。直接描画、カリグラフィー的な線使い、筆塗り、飛び散り、染み、スクイージー、注ぎ込み、飛び散りといった絵具の効果は、抽象表現主義やカラーフィールド・ペインティングに見られる効果と表面的には似ていますが、そのスタイルは大きく異なります。[ 28 ] [ 29 ]

1960 年代、1970 年代、1980 年代には、アドルフ・ゴットリーブ、フィリップ・ガストン、リー・クラスナー、サイ・トゥオンブリー、ロバート・ラウシェンバーグ、ジャスパー・ジョーンズ、リチャード・ディーベンコーン、ヨーゼフ・アルバース、エルマー・ビショフ、アグネス・マーティン、アル・ヘルド、サム・フランシス、バーネット・ニューマン、ケネス・ノーランド、ジュールス・オリツキー、エルズワース・ケリー、モリス・ルイス、ジーン・デイビス、フランク・ステラ、ジョーン・ミッチェル、フリーデル・ズバス、ポール・ジェンキンス、ラリー・プーンズといった強力で影響力のある画家たちや、ブライス・マーデン、ロバート・マンゴールド、サム・ギリアム、ショーン・スカリー、エリザベス・マレー、ウォルター・ダービー・バナード、ラリー・ゾックス、ロニー・ランドフィールド、ロナルド・デイビスといった若手アーティストたちが活躍しました。 、ダン・クリステンセン、スーザン・ローゼンバーグ、ロス・ブレックナー、リチャード・タトル、ジュリアン・シュナーベル、ピーター・ハリー、ジャン＝ミシェル・バスキア、エリック・フィッシュルなど数十名の画家が、重要かつ影響力のある絵画を制作しました。

その他の現代アメリカの運動

エドワード・ホッパーの「ナイトホークス（1942年）」は彼の最も有名な作品の一つで、シカゴ美術館に所蔵されています。

次世代の芸術家たちは、抽象表現の異なる形態、すなわちミクストメディア作品を好んだ。その中には、写真、新聞紙、廃材を作品に用いたロバート・ラウシェンバーグ（1925–2008）やジャスパー・ジョーンズ（1930-）などがいた。ポップアーティストのアンディ・ウォーホル（1928–1987）、ラリー・リヴァーズ（1923–2002）、ロイ・リキテンスタイン（1923–1997）は、コカ・コーラの瓶、スープ缶、漫画といったアメリカの大衆文化における日常的な物やイメージを、風刺的な手法で巧みに再現した。

モダニズムの影響にもかかわらず、リアリズムはアメリカ合衆国でも根強い人気を誇っています。エドワード・ホッパーの都市風景、アンドリュー・ワイエスの田園風景、ノーマン・ロックウェルのイラストレーションには、リアリズムの傾向が顕著に表れています。抽象表現主義が流行しなかった地域もあります。例えばシカゴでは、シカゴ・イマジストのコスモ・カンポリ（1923年 - 1997年）、ジム・ナット（1938年 - ）、エド・パシュケ（1939年 - 2004年）、ナンシー・スペロ（1926年 - 2009年）に代表されるように、グロテスクで象徴的なリアリズムが 主流の芸術様式でした。

21世紀の現代美術

ウォール街の大聖堂、1939年、フロリン・ステッテイマーによるキャンバスに油彩

21世紀初頭、アメリカ合衆国の現代美術は概して、文化多元主義という概念を特徴とする複数の連続した様式を持続しています。今日の絵画、現代美術、そして現代美術批評における「危機」は、この多元主義によって引き起こされています。時代を代表する様式については、コンセンサスはなく、またその必要もありません。 「何でもあり」という態度が蔓延し、「何でもあり」という症候群に陥っています。明確な方向性は定まっていないにもかかわらず、芸術のスーパーハイウェイはどの車線も満員です。その結果、アメリカ合衆国では、多種多様な様式と美的気質を持つ壮大で重要な芸術作品が作り続けられており、その真価は市場に委ねられています。

ハードエッジ・ペインティング、幾何学的抽象、流用、ハイパーリアリズム、フォトリアリズム、表現主義、ミニマリズム、叙情的抽象、ポップアート、オプアート、抽象表現主義、カラーフィールド・ペインティング、モノクローム・ペインティング、新表現主義、コラージュ、インターメディア・ペインティング、アサンブラージュ・ペインティング、デジタル・ペインティング、ポストモダン・ペインティング、ネオ・ダダ・ペインティング、シェイプド・キャンバス・ペインティング、環境壁画、グラフィティ、伝統的な人物画、風景画、肖像画などは、21 世紀初頭の絵画における継続的かつ現在の方向性の一部です。

著名人

著名なアメリカ人アーティストとしては、アンセル・アダムス、ジョン・ジェームズ・オーデュボン、ミルトン・エイブリー、ジャン＝ミシェル・バスキア、トーマス・ハート・ベントン、アルバート・ビアスタット、アレクサンダー・カルダー、メアリー・カサット、フレデリック・エドウィン・チャーチ、チャック・クローズ、トーマス・コール、ロバート・クラム、エドワード・S・カーティス、リチャード・ディーベンコーン、トーマス・エイキンズ、ジュールス・ファイファー、リオネル・ファイニンガー、ヘレン・フランケンサーラー、アーシル・ゴーキー、キース・ヘリング、マースデン・ハートリー、アル・ハーシュフェルド、ハンス・ホフマン、ウィンスロー・ホーマー、エドワード・ホッパー、ジャスパー・ジョーンズ、ジョージア・オキーフ、ジャック・カービー、フランツ・クライン、ウィレム・デ・クーニング、リー・クラスナー、ドロテア・ラング、ロイ・リキテンスタイン、モリス・ルイス、ジョン・マリンなどがいます。 、アグネス・マーティン、ジョーン・ミッチェル、グランマ・モーゼス、ロバート・マザーウェル、ナンペヨ、ケネス・ノーランド、ジャクソン・ポロック、マン・レイ、ロバート・ラウシェンバーグ、フレデリック・レミントン、ノーマン・ロックウェル、マーク・ロスコ、アルバート・ピンカム・ライダー、ジョン・シンガー・サージェント、シンディ・シャーマン、デイヴィッド・スミス、フランク・ステラ、クリフォード・スティル、ギルバート・スチュアート、ルイス・コンフォート・ティファニー、サイ・トゥオンブリー、アンディ・ウォーホル、グラント・ウッド、フランク・ロイド・ライト、アンドリュー・ワイエス。

参照

参考文献

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出典

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