ミュージカルは、歌、セリフ、演技、ダンスを組み合わせた演劇形式です。ミュージカルのストーリーと感情的な内容（ユーモア、哀愁、愛、怒りなど）は、言葉、音楽、動き、そしてエンターテインメントの技術的な側面を通して、全体として統合されたものとして伝えられます。ミュージカルはオペラやダンスといった他の演劇形式と重複する部分もありますが、セリフ、動き、その他の要素と比較して音楽に同等の重要性が与えられている点で区別されます。20世紀初頭以降、ミュージカルの舞台作品は一般的に単にミュージカルと呼ばれてきました。

音楽は古代から演劇の一部となってきたが、西洋近代ミュージカルは19世紀に登場し、フランスのジャック・オッフェンバック、イギリスのギルバート＆サリバン、アメリカのハリガン＆ハートのライトオペラ作品によって多くの構造的要素が確立された。これに続いてイギリスでエドワード朝ミュージカル・コメディが登場し、 20世紀初頭にはジョージ・M・コーハンなどのアメリカのクリエイターによるミュージカル作品が登場した。プリンセス劇場のミュージカル（1915～1918年）は、20世紀初頭のレビューやその他の軽薄な娯楽を超えた芸術的進歩であり、 『ショウボート』（1927年）、『汝よ歌え』（1931年）、『オクラホマ！』（1943年）といった画期的な作品につながった。その後数十年にわたって最もよく知られているミュージカルには、 『マイ・フェア・レディ』（1956年）、『ファンタスティックス』（1960年）、『ヘアー』（1967年）、『コーラスライン』 （1975年）、『レ・ミゼラブル』（1985年）、『オペラ座の怪人』 （1986年）、 『レント』（1996年） 、 『ウィキッド』（2003年）、『ハミルトン』（2015年）などがあります。

ミュージカルは世界中で上演されています。ニューヨークやロンドンなどの大規模なブロードウェイやウエストエンドといった劇場で上演されることもあります。また、オフ・ブロードウェイ、オフ・オフ・ブロードウェイ、地方劇場、フリンジシアター、コミュニティシアターといった小規模な会場で上演されることもあります。さらに、アマチュアや学校の団体が教会、学校、その他の公演スペースでミュージカルを上演することもあります。アメリカ合衆国やイギリスに加えて、ヨーロッパ大陸、アジア、オーストラリア、カナダ、ラテンアメリカにも活気のあるミュージカルシーンがあります。

20世紀以降、「ブック・ミュージカル」とは、歌と踊りが、真摯な劇的目標を持つ、よく練られた物語に完全に統合され、笑い以外の真の感情を呼び起こすことができるミュージカル劇と定義されてきました。^{[ 2 ] [ 3 ]}ブック・ミュージカルの3つの主要な要素は、音楽、歌詞、そして台本です。ミュージカルの台本または脚本とは、物語、登場人物の描写、そして台詞や舞台指示を含む劇的構造を指しますが、台詞と歌詞を合わせてリブレット（イタリア語で「小さな本」を意味する）と呼ばれることもあります。音楽と歌詞はミュージカルの楽譜を構成し、歌、付随音楽、そしてミュージカルシーン（多くの場合、歌と台詞を組み合わせた、音楽に合わせて設定された演劇的シーケンス）が含まれます。^{[ 4 ]}ミュージカルの解釈は、演出家、音楽監督、通常は振付師、そして時にはオーケストラ編曲者を含むクリエイティブチームの責任です。ミュージカルの制作は、舞台美術、衣装、舞台装置（小道具）、照明、音響といった技術的な側面によっても創造的な特徴づけられます。クリエイティブチーム、デザイン、そして解釈は、通常、オリジナル作品から後続作品へと変化します。しかし、ボブ・フォッシーによる『シカゴ』の振付のように、オリジナル作品から引き継がれる要素もあります。

ミュージカルの長さは決まっていません。短い一幕物から数時間に及ぶ多幕物（または複数夜にわたる上演）まで様々ですが、ほとんどのミュージカルは1時間半から3時間です。ミュージカルは通常2幕構成で、短い休憩が1回含まれ、第1幕は第2幕よりも長くなっています。第1幕では通常、ほぼすべての登場人物とほとんどの音楽が紹介され、しばしば劇的な対立やプロットの複雑さの導入で終わります。一方、第2幕では数曲の新曲が登場することもあります。通常、重要な音楽テーマが再演され、対立や複雑さが解決されます。ブックミュージカルは通常、ショーの後半で再演される4曲から6曲の主要なテーマ曲を中心に構成されますが、音楽的に直接関連しない一連の曲で構成されることもあります。ミュージカルナンバーの間には、一般的にセリフが挿入されますが、「歌われたセリフ」やレチタティーヴォが用いられることもあります。特に、 『ジーザス・クライスト・スーパースター』、 『ファルセット』、『レ・ミゼラブル』、『エビータ』、『ハミルトン』といった、いわゆる「歌い通し」のミュージカルでは顕著です。21世紀には、ブロードウェイやウエストエンドで、一幕形式で上演された短編ミュージカルもいくつかあります。

ブックミュージカルにおいて、最も劇的な緊張感が高まる瞬間は、しばしば歌で表現されます。諺にもあるように、「感情が言葉では言い表せないほど強くなったら歌い、歌では言い表せないほど強くなったら踊る」のです。^{[ 5 ]}ブックミュージカルでは、歌は登場人物（複数可）と物語における彼らの状況に合わせて作られるのが理想的です。しかし、ミュージカルの歴史（例えば1890年代から1920年代）においては、音楽と物語の融合が希薄だった時代もありました。ニューヨーク・タイムズ紙の評論家ベン・ブラントリーは、2008年の『ジプシー』リバイバル公演を批評した際、演劇における歌の理想について次のように述べています。 「歌と登場人物の間には全く隔たりがありません。ミュージカルが理想的な存在意義を達成しようと高みを目指す、稀有な瞬間にこそ、それが生まれるのです。」^{[ 6 ]}通常、5分間の歌で歌われる言葉数は、5分間のセリフで話される言葉数よりもはるかに少ないです。そのため、ミュージカルでは、同程度の尺のストレートプレイよりもドラマを展開する時間が短くなります。ミュージカルは通常、セリフよりも音楽に多くの時間を費やすからです。ミュージカルという限られた時間の中で、脚本家は登場人物とプロットを練り上げなければなりません。

ミュージカルの題材はオリジナルの場合もあれば、小説（『ウィキッド』、『マン・オブ・ラ・マンチャ』）、演劇（『ハロー・ドリー！ 』、 『回転木馬』）、古典伝説（『キャメロット』）、歴史的出来事（『エビータ』 、『ハミルトン』）、映画（『プロデューサーズ』 、『ビリー・エリオット』）などから翻案されたものもあります。一方、『ウエスト・サイド物語』、『マイ・フェア・レディ』、『サウンド・オブ・ミュージック』、『オリバー！』、『シカゴ』など、多くのヒットミュージカル作品がミュージカル映画に翻案されています。

ミュージカルは演劇の形態であるオペラと密接な関連があるが、両者は通常、いくつかの要素を比較検討することによって区別される。第一に、ミュージカルは一般的にセリフに重点が置かれている。^{[ 7 ]}しかし、ミュージカルの中には全編伴奏付きで歌い通すものもあり、一方『魔笛』などのオペラやほとんどのオペレッタには無伴奏のセリフが含まれている。^{[ 7 ]}第二に、ミュージカルでは通常、物語を語る上で欠かせない要素として、特に主役や合唱団によるダンスが多く含まれる。第三に、ミュージカルでは様々なジャンルのポピュラー音楽、あるいは少なくともポピュラーな歌唱や音楽スタイルが用いられることが多い。^{[ 8 ]}

最後に、ミュージカルは通常、オペラの慣習的な慣習を避けます。特に、ミュージカルはほぼ常に観客の母国語で上演されます。例えば、ブロードウェイやウエストエンドで上演されるミュージカルは、たとえ元々別の言語で書かれていたとしても、必ず英語で歌われます。オペラ歌手は主に歌手であり、俳優は副次的であり（ダンスをする必要はほとんどありません）、ミュージカルのパフォーマーは多くの場合、まず俳優であるだけでなく、歌手とダンサーの両方でなければなりません。この3つすべてに等しく熟達している人は、「トリプル・スレット」と呼ばれます。ミュージカルの音楽作曲家は、ミュージカルのパフォーマーを念頭に置いて、役柄の発声要件を考慮することがよくあります。今日、ミュージカルを上演する大劇場では、一般的にオペラでは認められないような方法で、マイクを使用し、俳優の歌声を増幅させることがよくあります。 ^{[ 9 ]}

ジョージ・ガーシュイン、レナード・バーンスタイン、スティーヴン・ソンドハイムの作品など、ミュージカルとオペラの両方で上演されている作品もある。^{[ 10 ] [ 11 ]}同様に、古いオペレッタやライトオペラ（ギルバート＆サリバンの『ペンザンスの海賊』など）の中には、ミュージカルとして現代風にアレンジされた作品もある。作品によっては、その作品がどの芸術形式に属するかを定義する上で、演出スタイルがその作品の音楽的・劇的内容とほぼ同じくらい重要な場合もある。^{[ 12 ]}ソンドハイムは「ブロードウェイで上演されるものはミュージカルで、オペラハウスで上演されるものはオペラだ、と本当に思っている。それだけだ。上演される場所や地方、観客の期待が、それをどう定義づけるかだ」と語っている。 ^{[ 13 ]}より軽いオペラ形式と、より音楽的に複雑または野心的なミュージカルの間には、形式的に重複する部分が残っている。実際には、「ミュージカル劇」「ミュージカル・コメディ」「オペレッタ」「ライト・オペラ」など、さまざまな種類のミュージカル劇を区別することは難しいことが多い。^{[ 14 ]}

オペラと同様に、ミュージカルの歌唱は、一般的にピットオーケストラと呼ばれる器楽アンサンブルによって伴奏され、舞台前の低い位置に設置されます。オペラでは伝統的な交響楽団が用いられるのに対し、ミュージカルでは27人から数人程度のアンサンブル編成が一般的です。ロックミュージカルでは、主にロック系の楽器で構成された少人数のグループが用いられることが多く、^{[ 15 ]}ピアノ1台または2台の楽器のみで演奏されるミュージカルもあります。^{[ 16 ]}ミュージカルの音楽は、「オペレッタ、クラシック音楽、フォークミュージック、ジャズ、そして舞台設定に適した地域的または歴史的なスタイルなど、様々なスタイルや影響を受けています。」 ^{[ 4 ]}ミュージカルは、オーケストラによる序曲で始まることもあり、「楽譜の有名なメロディーの抜粋を織り交ぜた」ものとなることがあります。^{[ 17 ]}

東洋には音楽を含む様々な演劇の伝統があり、京劇、台湾オペラ、日本の能楽、インドのミュージカル（サンスクリットドラマ、インド古典舞踊、パールシー劇、ヤクシャガナなど）などがある。^{[ 18 ]}インドは20世紀以降、「ボリウッド」ミュージカルと呼ばれる数多くのミュージカル映画を制作しており、日本でもここ数十年で人気アニメや漫画を原作とした2.5Dミュージカルシリーズが展開されている。

多くのミュージカルは、学校や青少年団体向けに短縮版や簡略版の「ジュニア」版が用意されており、子供が演じるために創作または改作された非常に短い作品はミニミュージカルと呼ばれることもあります。^{[ 19 ] [ 20 ]}

ヨーロッパにおけるミュージカルの起源は古代ギリシャ演劇に遡り、紀元前5世紀には喜劇や悲劇の舞台に音楽と舞踊が含まれていた。^{[ 21 ] [ 22 ]}しかし、古代の形式の音楽は失われており、後のミュージカルの発展にはほとんど影響を与えなかった。^{[ 23 ]} 12世紀と13世紀には、宗教劇が典礼を教えていた。俳優たちは屋外のページェントワゴン（車輪のついた舞台）を使って物語の各部を演じた。詩的な形式が散文の対話と交互に登場することがあり、典礼聖歌は新しいメロディーに取って代わられた。^{[ 24 ]}

ヨーロッパルネサンスでは、古い形式が音楽劇の2つの前身へと進化した。騒々しい道化師がお馴染みの物語を即興で演じるコンメディア・デラルテと、後のオペラ・ブッファである。イギリスでは、エリザベス朝およびジェームズ朝の演劇には頻繁に音楽が盛り込まれ、^{[ 25 ]}短い音楽劇が夜の劇的娯楽に含まれるようになった。^{[ 26 ]}チューダー朝時代には、音楽、ダンス、歌、演技を伴う宮廷仮面劇が発達し、高価な衣装と複雑な舞台装置を伴うことが多かった。^{[ 27 ] [ 28 ]}これらは、イギリスのオペラとして認識できる歌劇へと発展し、その最初の作品は通常『ロードス島の包囲戦』（1656年）と考えられている。^{[ 29 ]}一方フランスでは、17世紀後半にモリエールが彼の滑稽な喜劇のいくつかを歌（ジャン＝バティスト・リュリ作曲）とダンスを伴う音楽娯楽に変えた。これらは、ジョン・ブロウ^{[ 31 ]}やヘンリー・パーセル^{[ 29 ]}などの作曲家によるイギリスのオペラ^{[ 30 ]}に短期間影響を与えた。

18世紀以降、英国で最も人気のあるミュージカルの形式は、ジョン・ゲイの『ベガーズ・オペラ』のような、当時の人気曲のメロディーに歌詞をつけた（オペラのパロディーであることが多い）バラッド・オペラ、その後はコンメディア・デラルテから発展したパントマイム、マイケル・バルフの『ボヘミアン・ガール』（1845年）のような主にロマンチックな筋書きのコミック・オペラだった。一方、大陸では、ジングシュピール、コメディ・アン・ヴォードヴィル、オペラ・コミック、サルスエラなどの軽い音楽娯楽が登場していた。『ベガーズ・オペラ』は記録に残る最初のロングラン劇であり、1728年に62回連続で上演された。その後、100回を超える劇が出るまでほぼ1世紀を要したが^{[ 32 ]}、記録は1820年代後半にすぐに150回に達した。^{[ 33 ] [ 34 ]} 19世紀までにイギリスではミュージックホール、メロドラマ、ブルレッタなどの他のミュージカル劇場の形式が発達しましたが、これらの形式が普及した理由の1つは、ロンドンの劇場のほとんどがミュージックホールとしてのみ認可されており、音楽なしで演劇を上演することは許可されていなかったためです。

植民地時代のアメリカには、1752年まで劇場がほとんど存在しなかった。この年、ロンドンの実業家ウィリアム・ハラムが、兄ルイスが経営する植民地に俳優の一団を派遣したのである。^{[ 35 ]} 1753年の夏、ニューヨークでは、『ベガーズ・オペラ』などのバラッド・オペラやバラッド・ファルスが上演された。^{[ 35 ]} 1840年代までには、P.T.バーナムがマンハッタン南部で娯楽施設を経営していた。^{[ 36 ]}アメリカの初期のミュージカル劇場には、ブルレッタやパントマイムなどイギリスの形式もあったが、^{[ 23 ]}作品のタイトルが必ずしも作品の内容を決定づけるものではなかった。1852年のブロードウェイのスペクタクル劇 『魔法の鹿』は、「シリアス喜劇、悲劇、オペラ的、歴史的、華麗、バーレティカルな魅惑の物語」と宣伝されていた。 ^{[ 37 ]}ニューヨークの劇場は1850年頃から徐々にダウンタウンからミッドタウンへと移転し、タイムズスクエア地区に進出したのは1920年代から1930年代になってからでした。ニューヨークでの公演はロンドン公演に大きく遅れをとりましたが、ローラ・キーンの「ミュージカル・ブルレッタ」『セブン・シスターズ』 （1860年）は253回公演を記録し、それまでのニューヨーク・ミュージカル劇場の記録を塗り替えました。^{[ 38 ]}

1850年頃、フランスの作曲家エルヴェは、彼がオペレットと呼ぶ喜劇的なミュージカルの一形式を実験していた。^{[ 39 ]}オペレッタの作曲家として最もよく知られているのは、1850年代から1870年代のジャック・オッフェンバックと、 1870年代と1880年代のヨハン・シュトラウス2世である。 ^{[ 23 ]}オッフェンバックの豊かなメロディーは、彼の台本作家の機知に富んだ風刺と組み合わされ、その後のミュージカルのモデルとなった。^{[ 39 ]}フランスのオペレッタの翻案（ほとんどが下手な際どい翻訳で上演された）、ミュージカル・バーレスク、ミュージックホール、パントマイム、ブルレッタが、1870年代までロンドンのミュージカル舞台を席巻した。^{[ 40 ]}

19世紀半ばのアメリカでは、ミュージカルには、後にヴォードヴィルへと発展した粗野なバラエティ・レビュー、すぐに大西洋を渡ってイギリスに伝わったミンストレル・ショー、そしてイギリスの一座によってアメリカで初めて普及したビクトリア朝風バーレスクなどがあった。^{[ 23 ]}クルト・ゲンツルは、ユリウス・アイヒベルク作曲、ベンジャミン・E・ウルフ脚本・作詞による『アルカンターラの医者』（1862年）を「アメリカ初のミュージカル」としているが、 ^{[ 41 ]}さらに古い作品も指摘している。^{[ 42 ]} 1866年にニューヨークで初演され大成功を収めたミュージカル『黒い悪魔』は、ダンスと、物語を語るのに役立つオリジナルの音楽を組み合わせたものだった。露出度の高い衣装で知られるこの壮大な作品は、記録破りの474回の公演を行った。^{[ 43 ]}同年、『ブラック・ドミノ/あなたと私と郵便局の間で』が初めて自らを「ミュージカル・コメディ」と称したショーとなった。1874年には、エドワード・E・ライスとJ・チーヴァー・グッドウィンによる『エヴァンジェリン あるいはアルカディアの美女』がニューヨークで初演された。これはロングフェローの『エヴァンジェリン』を大まかに基に、オリジナルのアメリカの物語と音楽を加えたもので、ニューヨークで成功を収め、ボストン、ニューヨークで再演され、ツアーも繰り返された。^{[ 44 ]}コメディアンのエドワード・ハリガンとトニー・ハートは、1878年（ 『マリガン・ガード・ピクニック』）から1885年までブロードウェイでミュージカルをプロデュースし、主演を務めた。これらのミュージカル・コメディでは、ニューヨークの下層階級の日常生活からとった人物や状況が取り上げられ、以前のミュージカルで主演していた評判の怪しい女性歌手ではなく、一流の歌手（リリアン・ラッセル、ヴィヴィアン・シーガル、フェイ・テンプルトン）が主演した。 1879年、ネイト・サルズベリーの『小川』は、アメリカの現代ダンススタイルと「劇団員たちが川下りの旅に出るが、途中で多くの障害や災難に見舞われる」というアメリカの物語を盛り込んだ、またしても全国的な成功を収めた。^{[ 44 ]}

交通の便が改善され、ロンドンやニューヨークの貧困が減り、街灯のおかげで夜間の移動が安全になったため、増え続ける劇場の観客数は飛躍的に増加した。芝居の上演時間が長くなったことで利益と演出価値が向上し、男性たちが家族を連れて劇場を訪れるようになった。連続500回以上の上演を記録した最初のミュージカルは、1878年のフランスのオペレッタ『ノルマンディーの鐘』（705回上演）だった。^{[ 33 ] [ 45 ]}イギリスのコミック・オペラはヨーロッパのオペレッタの成功したアイデアを多く取り入れたが、ギルバート・アンド・サリバンの12作を超える長期上演されたコミック・オペラのシリーズほど成功したものはなく、その中には『HMSピナフォア』（1878年）や『ミカド』（1885年）などがある。^{[ 39 ]}これらは大西洋の両側とオーストラリアで大センセーションを巻き起こし、成功したショーと見なされるものの基準を引き上げるのに貢献した。^{[ 46 ]}これらのショーは家族向けのもので、際どいバーレスク、下品なミュージックホールショー、時には健全でない娯楽を求める観客を集めることもあったフランスのオペレッタとは対照的でした。^{[ 40 ]} 19世紀のミュージカル作品で『ミカド』の公演回数を上回ったのはごくわずかで、例えば『ドロシー』は1886年に初演され、931回という新記録を樹立しました。ギルバートとサリバンの影響は後のミュージカルに深く、歌詞とセリフが一貫したストーリーを展開するようにミュージカルを「統合」する方法の例を生み出しました。^{[ 47 ] [ 48 ]}彼らの作品は、イギリス^{[ 49 ] [ 50 ]}とアメリカの初期のミュージカル作家や作曲家に賞賛され、模倣されました。^{[ 46 ] [ 51 ]}

『チャイナタウンへの旅』（1891年）はブロードウェイのロングラン公演の王者であり（ 1919年の『アイリーン』まで）、657回上演されたが、ニューヨークでの公演は、1920年代まで、いくつかの例外を除いて、ロンドン公演に比べ比較的短いものであった。 ^{[ 33 ]}ギルバートとサリバンの作品は広く海賊版が出回ったほか、ニューヨークではレジナルド・デ・コーヴェンの『ロビン・フッド』（1891年）やジョン・フィリップ・スーザの『エル・キャピタン』（1896年）などの作品によって模倣された。 『クーンタウンへの旅』（1898年）は、ブロードウェイで完全にアフリカ系アメリカ人によって製作・上演された最初のミュージカル・コメディであり（主にミンストレル・ショーのルーチンに触発された）、その後ラグタイム風のショーが続いた。 1890年代から20世紀初頭にかけて、ブロードウェイでは数百ものミュージカル・コメディが上演されました。これらの作品はニューヨークのティン・パン・アレーで書かれた楽曲で構成されており、その中にはギルバート・アンド・サリバンの作品とは異なるアメリカンスタイルを創造したジョージ・M・コーハンの作品も含まれています。ニューヨークで最も成功したショーは、しばしば大規模な全米ツアーへと続きました。 ^{[ 52 ]}

一方、ゲイ・ナインティーズ（1990年代）には、ロンドンの舞台をミュージカルが席巻しました。プロデューサーのジョージ・エドワーズは、観客がサヴォイ風のコミック・オペラとその知的、政治的、不条理な風刺に代わる新しいものを求めていると察知しました。エドワーズは、ゲイエティ劇場やその他の劇場で、軽快でポピュラーな歌曲、軽快でロマンチックな掛け合い、そしてスタイリッシュなスペクタクルを特徴とする、現代的な衣装と家族向けのミュージカル・シアターのスタイルを試しました。これらはコミック・オペラの伝統を引き継ぎつつ、バーレスクやハリガン・アンド・ハートの作品の要素を取り入れました。彼はバーレスクの卑猥な女性たちを、自らが演じる「立派な」ゲイエティ・ガールズに置き換え、音楽と視覚的な楽しさを完璧にしました。最初の作品である『イン・タウン』（1892年）と『ゲイエティ・ガール』 （1893年）の成功は、その後30年間のスタイルを決定づけました。ストーリーは概して軽妙でロマンチックな「貧しい乙女が貴族に恋をし、あらゆる困難を乗り越えて彼を勝ち取る」という内容で、音楽はアイヴァン・キャリル、シドニー・ジョーンズ、ライオネル・モンクトンが担当した。これらのショーはすぐにアメリカで広く模倣され、エドワード朝時代のミュージカル・コメディは、それ以前のコミック・オペラやオペレッタといった音楽形式を駆逐した。『ゲイシャ』（1896年）は1890年代で最も成功した作品の一つで、2年以上上演され、国際的な大成功を収めた。

『ニューヨークの美女』（1898年）は、ロンドンで1年以上上演された最初のアメリカミュージカルとなった。イギリスのミュージカル・コメディ『フロロドラ』（1899年）は大西洋の両側で人気を博し、『中国の蜜月』（1901年）はロンドンで1,074回、ニューヨークで376回という記録的な上演回数を記録した。 ^{[ 34 ]} 20世紀に入ると、シーモア・ヒックスはエドワーズとアメリカのプロデューサー、チャールズ・フローマンと協力し、さらに10年間にわたり人気ショーを制作した。その他のエドワード朝時代のミュージカル・コメディのヒット作には、『アルカディアンズ』（1909年）や『クエーカー・ガール』（1910年）などがある。 ^{[ 53 ]}

エドワード朝時代のミュージカル・コメディとの競争により、英語圏の舞台から事実上駆逐されたオペレッタは、1907年に『メリー・ウィドウ』でロンドンとブロードウェイに戻り、大陸のオペレッタの翻案がミュージカルと直接競合するようになった。フランツ・レハールとオスカー・シュトラウスは、第一次世界大戦まで英語で人気を博した新しいオペレッタを作曲した。^{[ 54 ]}アメリカでは、ビクター・ハーバートが『フォーチュン・テラー』（1898年）、 『おもちゃの国のベイブス』 （1903年）、『モディスト夫人』（1905年）、 『赤い風車』（1906年） 、 『いたずらなマリエッタ』 （1910年）など、不朽の名作オペレッタを次々と上演した。

1910年代、P・G・ウッドハウス、ガイ・ボルトン、ジェローム・カーンのチームは、ギルバートとサリバンの足跡をたどり、「プリンセス劇場ショー」を創作し、ミュージカルが軽快で大衆的な娯楽とストーリーと歌の連続性を組み合わせることができることを示し、カーンの後の作品への道を開いた。 ^{[ 47 ]}歴史家ジェラルド・ボードマンは次のように書いている。

これらのショーは、後のほぼすべての主要なミュージカル・コメディの基盤を築き、磨き上げた。…ミュージカル・コメディの許容範囲内で、登場人物や状況は信憑性があり、ユーモアは状況や登場人物の性質から生まれた。カーンの美しく流れるようなメロディーは、アクションを盛り上げたり、登場人物の性格を際立たせたりするために用いられた。…[エドワード朝時代の]ミュージカル・コメディは、しばしば当たり外れのある歌を挿入するという欠点があった。プリンセス劇場のミュージカルは、このアプローチに変化をもたらした。当時最も観察力に優れ、教養があり、機知に富んだ作詞家であったP・G・ウッドハウスと、ボルトン、ウッドハウス、カーンの3人のタッグは、今日まで影響を与え続けている。^{[ 55 ]}

第一次世界大戦の暗い時代には、劇場に通う人々は現実逃避できる娯楽を求めており、劇場に集まった。1919年のヒットミュージカル「アイリーン」は670回上演され、ブロードウェイの記録を1938年まで保持した。^{[ 56 ]}イギリスの劇場ファンは、「山の乙女」（1,352回上演）や特に「チュー・チン・チョウ」のようなはるかに長い上演期間を支持した。2,238回の上演はそれ以前のどのミュージカルの2倍以上で、40年近くも破られなかった記録となった。^{[ 57 ]}「ベガーズ・オペラ」の再演でも1,463回上演された。^{[ 58 ]}「ビング・ボーイズ・アー・ヒア・イン・ブリテン」や、フロレンツ・ジーグフェルドと彼の模倣者たちによるアメリカでのレビューも非常に人気があった。^{[ 37 ]}

狂騒の20年代のミュージカルは、ヴォードヴィルやミュージックホールなどの軽い娯楽から影響を受け、ストーリーを犠牲にして派手なダンスルーチンやポピュラーソングを強調する傾向があった。この10年間の典型は、『サリー』、『レディ、ビー・グッド』、『ノー・ノー・ナネット』、『オー・ケイ!』、『ファニー・フェイス』などの明るい作品だった。忘れられがちなストーリーにもかかわらず、これらのミュージカルにはマリリン・ミラーやフレッド・アステアなどのスターが登場し、カーン、ジョージ＆アイラ・ガーシュイン、アーヴィング・バーリン、コール・ポーター、ロジャース＆ハートによる何十もの不朽の人気曲が生まれた。ポピュラー音楽は、「ファッシネイティング・リズム」、「ティー・フォー・ツー」、「サムワン・トゥ・ウォッチ・オーバー・ミー」など、ミュージカル劇場のスタンダード曲が主流だった。多くのショーはレビューで、スケッチや歌の連続で、互いにほとんどまたは全く関連性がなかった。これらの中で最も有名なのは、毎年上演されるジーグフェルド・フォリーズで、豪華な舞台装置、精巧な衣装、美しいコーラスガールを特徴とする、ブロードウェイでの華やかな歌とダンスのレビューである。^{[ 23 ]}これらのスペクタクルは制作費も引き上げ、ミュージカルの上演は一般的に高価になった。^{[ 37 ]} アフリカ系アメリカ人だけのショーであるシャッフル・アロング（1921年）はブロードウェイでヒットした。 ^{[ 59 ]} 1920年代には、ルドルフ・フリムルやジークムント・ロンベルグなどの新世代のオペレッタ作曲家も登場し、ブロードウェイで一連の人気ヒット作を生み出した。^{[ 60 ]}

ロンドンでは、アイヴァー・ノヴェロやノエル・カワードといった作家兼スターが人気を博したが、19世紀から1920年代にかけてのイギリス・ミュージカル劇場の優位性は、特に第一次世界大戦後、徐々にアメリカの革新に取って代わられていった。カーンをはじめとするティン・パン・アレーの作曲家たちがラグタイムやジャズといった新しい音楽スタイルを劇場に持ち込み、シューバート兄弟がブロードウェイ劇場を掌握したのだ。ミュージカル作家のアンドリュー・ラムは、「19世紀の社会構造に見られるオペラや演劇のスタイルは、20世紀の社会とその独特の表現様式により適した音楽スタイルに取って代わられた。より直接的なスタイルはアメリカから生まれ、19世紀の伝統に縛られなくなった発展途上の社会において、アメリカでそれが繁栄することができた」と述べている。^{[ 61 ]}フランスでは、コメディ・ミュージカルは19世紀初頭から20世紀初頭にかけて、イヴォンヌ・プランタンなどのスターのために書かれた。^{[ 62 ]}

1920年代の比較的軽薄なミュージカルや感傷的なオペレッタをはるかに超えたブロードウェイの『ショーボート』（1927年）は、プリンセス劇場のミュージカルよりも脚本と音楽のより完璧な融合を体現し、劇的なテーマが音楽、セリフ、舞台装置、そして動きを通して語られました。これは、カーンの音楽の叙情性とオスカー・ハマースタイン2世の巧みな台本を組み合わせることで実現しました。ある歴史家はこう記しています。「ここに、ミュージカル・コメディとは異なる、全く新しいジャンル、ミュージカル劇が登場した。今や…他のすべては劇に従属していた。今や…歌、ユーモア、そして演出が、一つの、そして切り離せない芸術的実体へと完全に統合されたのだ。」^{[ 63 ]}

ブロードウェイ公演後の『ショウボート』全国ツアーのさなかに大恐慌が始まると、大衆は主に軽妙で現実逃避的な歌と踊りの娯楽へと目を向けるようになった。^{[ 55 ]}大西洋の両側の観客は娯楽に使えるお金がほとんどなく、その10年間で500回以上の公演回数を記録した舞台ショーはどこでもわずかだった。レビュー『バンド・ワゴン』（1931年）ではフレッド・アステアと妹のアデルがダンスパートナーとして主演し、ポーターの『エニシング・ゴーズ』（1934年）はエセル・マーマンがミュージカル劇場のファーストレディとしての地位を固め、彼女はその後も長年その称号を維持した。カワードとノヴェロは『ダンシング・イヤーズ』など、昔ながらの感傷的なミュージカルを上演し続け、一方ロジャースとハートはハリウッドから戻り、一連のブロードウェイ・ミュージカルを成功させた。その中には『オン・ユア・トーズ』（1936年、レイ・ボルジャー出演、古典舞踊を劇的に使用した最初のブロードウェイ・ミュージカル）、『ベイブス・イン・アームズ』（1937年）、『シラキュースから来た少年たち』（1938年）などがある。ポーターは『デュ・バリーは淑女だった』（1939年）を加えている。1930年代の米国で最も長く上演されたミュージカルは、観客参加型レビューの『ヘルザポッピン』（1938年）で、1,404回上演され、ブロードウェイの新記録を樹立した。^{[ 56 ]}英国では『ミー・アンド・マイ・ガール』が1,646回上演された。^{[ 58 ]}

それでも、いくつかのクリエイティブチームが『ショウ・ボート』の革新性を基に作品を作り始めた。ガーシュイン兄弟による政治風刺劇『汝よ歌え』 （1931年）は、ピューリッツァー賞を受賞した最初のミュージカルとなった。^{[ 23 ] [ 64 ]} アーヴィング・バーリンとモス・ハートによるレビュー『アズ・サウザンド・チア』（1933年）では、歌やスケッチが新聞の見出しに基づいており、アフリカ系アメリカ人のエセル・ウォーターズが白人俳優と共演した初のブロードウェイショーとなった。ウォーターズのナンバーには、リンチされた夫を悼む女性の嘆きの歌「サパー・タイム」などがあった。 ^{[ 65 ]}ガーシュイン兄弟の『ポーギーとベス』（1935年）では、キャスト全員がアフリカ系アメリカ人で、オペラ、フォーク、ジャズの技法が融合されていた。オーソン・ウェルズ監督の『ゆりかごは揺れる』 （1937年）は、非常に政治的な労働組合支持の作品で、それをめぐる論争にもかかわらず、108回上演された。^{[ 37 ]}ロジャースとハートの『私はむしろ正しい』 （1937年）は、ジョージ・M・コーハンがフランクリン・D・ルーズベルト大統領を演じた政治風刺劇であり、クルト・ヴァイルの『ニッカーボッカーの休日』は、ニューヨーク市の初期の歴史を描きながら、ルーズベルトの善意を温厚に風刺している。

映画は舞台に新たな挑戦を挑んだ。無声映画は限られた競争相手しかいなかったが、1920年代末には『ジャズ・シンガー』のような映画が同期音声付きで上映されるようになった。低価格の「トーキー」映画は、1930年代初頭までにヴォードヴィルを事実上消滅させた。 ^{[ 66 ]} 1930年代の経済不況と映画との競争にもかかわらず、ミュージカルは生き残った。実際、ミュージカルは、陽気な90年代や狂騒の20年代のギャグやショーガール・ミュージカル、そしてオペレッタの感傷的なロマンスを超えて、テーマ的に進化を続け、ジョージ・アボット監督率いる技術的な専門性とテンポの速い演出、そして自然なセリフ回しが加わった。^{[ 23 ]}

1940年代はポーター、アーヴィング・バーリン、ロジャース＆ハート、ワイル、ガーシュインらのヒット作で幕を開け、経済の回復とともに500回以上の上演回数を記録したものもあったが、芸術的な変化の兆しも見え始めていた。ロジャース＆ハマースタインの『オクラホマ! 』(1943年)は、 『ショウボート』で始まった革命を完結させるものであり、一貫した筋書き、物語を盛り上げる歌、そして筋書きを進め登場人物を成長させる夢のようなバレエやその他のダンスをフィーチャーし、露出度の高い女性を舞台上に並べるための口実としてダンスを使うのではなく、ミュージカルのすべての側面をしっかりと融合させた。^{[ 3 ]}ロジャース＆ハマースタインはバレエ振付師アニエス・ド・ミルを雇い、日常的な動作を用いて登場人物が考えを表現できるようにした。この作品は、ミュージカルの慣習を覆し、第一幕の幕開けをコーラスガールの集団ではなく、バターをかき混ぜる女性で飾り、舞台裏の声で「ああ、なんて美しい朝」の冒頭を無伴奏で歌わせた。この作品は絶賛され、興行的に大ヒットし、ピューリッツァー賞を受賞した。^{[ 67 ]} ブルックス・アトキンソンはニューヨーク・タイムズ紙で、この作品のオープニングナンバーがミュージカルの歴史を変えたと評し、「このような詩を軽快なメロディーで歌った後では、古いミュージカル舞台の陳腐さは耐えられなくなった」と記している。^{[ 68 ]}この作品はブロードウェイ初の大ヒット作品となり、計2,212回の公演が行われ、映画化もされた。この作品は、チームの作品の中で最も頻繁に上演されている作品の一つである。ウィリアム・A・エヴェレットとポール・R・レアードは、この作品は「『ショーボート』のように画期的な作品となり、20世紀演劇の重要な瞬間について著述する後代の歴史家たちが『オクラホマ！』との関係性によって時代を特定するようになった」と記している。^{[ 69 ]}

「『オクラホマ！』の後、ロジャースとハマースタインはミュージカル演劇という形式に最も重要な貢献をした... しばしば社会的な思想に富んだ活気のある演劇を創作する上で彼らが示した模範は、他の才能ある作家が自分自身のミュージカル演劇を創作するための必要な励ましとなった」^{[ 63 ]} 2人の共演者は、ミュージカル劇場で最も愛され、最も長く続いている古典の並外れたコレクションを作り上げ、その中には『回転木馬』（1945年）、『南太平洋』（1949年）、 『王様と私』（1951年） 、 『サウンド・オブ・ミュージック』（1959年）などがある。これらのミュージカルのいくつかは、ほとんどの初期のショーよりも深刻な主題を扱っている。『オクラホマ！』の悪役は殺人容疑者で精神異常者であり、『回転木馬』は配偶者虐待、窃盗、自殺、死後の世界を扱い、『南太平洋』は異人種間の結婚を『ショウボート』よりも徹底的に掘り下げており、 『王様と私』の主人公は舞台上で死ぬ。『サウンド・オブ・ミュージック』の背景は、1938年のナチス・ドイツによるオーストリア併合です。

このショーの創造性はロジャース＆ハマースタインの同時代の人たちを刺激し、アメリカ・ミュージカルの「黄金時代」の到来を告げた。^{[ 68 ]}アメリカーナは、戦時中のショーのサイクルが始まり始めた「黄金時代」にブロードウェイで披露された。その一例が、ベティ・コムデンとアドルフ・グリーン作、レナード・バーンスタイン作曲、ジェローム・ロビンス振付の『オン・ザ・タウン』（1944年）である。この物語は戦時中を舞台に、ニューヨークで24時間の休暇中の3人の水兵が恋に落ちるという話である。このショーはまた、水兵とその女性たちと同様に、国の将来が不透明であるという印象を与える。アーヴィング・バーリンは狙撃手アニー・オークリーの経歴を基にして『アニーよ銃をとれ』（1946年、1147回公演）を上演した。バートン・レーン、EYハーバーグ、フレッド・セイディーは、政治風刺とアイルランドの奇抜さをファンタジー作品『フィニアンの虹』（1947年、725回上演）で組み合わせ、コール・ポーターはウィリアム・シェイクスピアの『じゃじゃ馬ならし』からインスピレーションを得て『キス・ミー・ケイト』（1948年、1,077回上演）を上演した。アメリカのミュージカルは、昔ながらのイギリスのカワード/ノヴェロ風のショーを圧倒した。その最後の大ヒット作の一つが、ノヴェロの『夢見るチャンス』（1945年、1,021回上演）だった。^{[ 58 ]}黄金時代のミュージカルの定式は、「アメリカンドリーム」に対する広く信じられていた4つの認識のうちの1つ以上を反映していた。それは、安定と価値はプロテスタントの結婚の理想によって認可され制限された愛の関係から生まれる、夫婦は都市から離れた郊外や小さな町で子供と道徳的な家庭を築くべき、女性の役割は主婦と母親である、というものである。アメリカ人は独立心と開拓精神を持ち、成功は自力で築き上げたものだと信じられている。^{[ 70 ]}

1950年代はアメリカのミュージカルの発展にとって極めて重要だった。^{[ 71 ]} フランク・レッサーとエイブ・バロウズの『ガイズ・アンド・ドールズ』（1950年、1,200回上演）ではデーモン・ラニヨンの多彩なキャラクターが中心となり、アラン・ジェイ・ラーナーとフレデリック・ロウの『ペイント・ユア・ワゴン』（1951年）はゴールド・ラッシュが舞台だった。そのショーの比較的短い7か月の公演期間にも関わらず、ラーナーとロウは再び共同作業を始める。今度はジョージ・バーナード・ショーの『ピグマリオン』をレックス・ハリソンとジュリー・アンドリュース主演で翻案した『マイ・フェア・レディ』（1956年）で、2,717回の公演数は長年にわたりロングラン記録を保持していた。これらのミュージカルは全て人気のハリウッド映画となった。この10年間のイギリス人クリエイターによるヒット作は、ロンドンで2,078回の公演を記録しアンドリュースのアメリカデビューとなった『ボーイフレンド』（1954年）と、2,283回の公演でイギリスのロングラン記録を破った『サラダデイズ』（1954年）の2つである。^{[ 58 ] [ 57 ]}

もう1つの記録は『三文オペラ』で、2,707回上演され、 『ファンタスティックス』までオフブロードウェイミュージカルの最長記録となった。この作品は、小規模、小オーケストラの形式でもオフブロードウェイでミュージカルが利益を上げられることを示したことでも画期的だった。これは1959年にジェローム・カーンとP・G・ウッドハウスの『ジェーンに捧ぐ』が2年以上上演されたことで確認された。1959年から1960年のオフブロードウェイシーズンには、『リトル・メアリー・サンシャイン』 、『ファンタスティックス』、オスカー・ワイルドの1895年のヒット作『真面目が肝心』のミュージカル化である『恋するアーネスト』など、 12のミュージカルとレビューが上演された。^{[ 72 ]}

『ウエスト・サイド物語』 （1957年）は、ロミオとジュリエットを現代のニューヨークに持ち込み、反目し合うモンタギュー家とキャピュレット家をジェッツ家とシャークス家という対立する民族ギャング団に変貌させた。原作はアーサー・ローレンツが脚色し、レナード・バーンスタインが作曲、新人のスティーヴン・ソンドハイムが作詞した。批評家からは音楽と振り付けの革新性が絶賛されたが^{[ 73 ] [ 74 ]} 、メレディス・ウィルソンが作詞作曲した同年の『ミュージックマン』ほど商業的には成功せず、同年トニー賞最優秀ミュージカル賞を受賞した^{。 [ 75 ]}『ウエスト・サイド物語』は1961年に映画化され、批評的にも商業的にも成功を収めた。 ^{[ 76 ] [ 77 ]}ローレンツとソンドハイムは1959年の映画『ジプシー』で再びタッグを組み、ジュール・スタインが主役のストリッパー、ジプシー・ローズ・リーの母親、ローズ・トンプソン・ホヴィックの物語の音楽を提供した。

演出家や振付師は少なくとも19世紀以来ミュージカルのスタイルに大きな影響を与えてきたが、^{[ 78 ]}ジョージ・アボットと彼の協力者および後継者は、黄金時代のミュージカル作品に動きとダンスを完全に統合する上で中心的な役割を担った。^{[ 79 ]}アボットは1936年の『オン・ユア・トーズ』で物語を伝える手段としてバレエを導入し、続いてアニエス・ド・ミルが『オクラホマ!』でバレエと振付を導入した。^{[ 80 ]}アボットが『オン・ザ・タウン』や他のショーでジェローム・ロビンスと協力した後、ロビンスは演出家と振付師の役割を組み合わせ、『ウエスト・サイド物語』 、『フォーラムへ行く途中で不思議なことが起こった』（1962年）、『屋根の上のバイオリン弾き』（1964年）でダンスのストーリーテリング力を強調した。ボブ・フォッシーは、アボットの『パジャマ・ゲーム』（1956年）と『ダム・ヤンキース』（1957年）の振付を担当し、これらのヒット作に遊び心のあるセクシュアリティを吹き込んだ。後に彼は『スイート・チャリティ』（1968年）、『ピピン』（1972年）、『シカゴ』（1975年）の演出・振付も手掛けた。その他の著名な演出・振付家には、ガワー・チャンピオン、トミー・チューン、マイケル・ベネット、ジリアン・リン、スーザン・ストローマンなどがいる。著名な演出家には、同じくアボットでキャリアをスタートさせたハル・プリンス^{[ 79 ]}やトレバー・ナン^{[ 81 ]}などがいる。

黄金時代には、自動車会社などの大企業がブロードウェイの才能ある人材を雇用し、企業ミュージカル（従業員や顧客のみが観るプライベートショー）の脚本を手がけるようになりました。^{[ 82 ] [ 83 ]} 1950年代は、ロジャース＆ハマースタイン最後のヒット作『サウンド・オブ・ミュージック』で幕を閉じました。この作品はメアリー・マーティンにとってもヒット作となりました。1,443回の公演が行われ、トニー賞最優秀ミュージカル賞を共同受賞しました。1965年の映画版の大ヒットと合わせて、史上最も人気のあるミュージカルの一つとなっています。

1960年、「ファンタスティックス」がオフ・ブロードウェイで初演された。この親密な寓話的なショーは、グリニッチ・ヴィレッジのサリバン・ストリート劇場で40年以上静かに上演され、史上最長のロングランミュージカルとなった。同作の作者は1960年代に、「セレブレーション」や、初の2人登場人物のブロードウェイ・ミュージカルである「アイ・ドゥ！アイ・ドゥ！」など、他の革新的な作品をプロデュースした。1960年代には、 「屋根の上のバイオリン弾き」（1964年、3,242回公演）、「ハロー・ドリー！ 」 （1964年、2,844回公演）、「ファニー・ガール」（1964年、1,348回公演） 、 「ラ・マンチャの男」 （1965年、2,328回公演）などの大ヒット作や、 「キャバレー」のようなきわどい作品がいくつか生まれ、ロック・ミュージカルの出現で幕を閉じた。イギリスでは、「オリバー！」が大ヒットした。 （1960年）は2,618回の公演があったが、この10年間のロングラン王は4,344回上演された「ブラック・アンド・ホワイト・ミンストレル・ショー」 （1962年）だった。 ^{[ 58 ]}この10年間でミュージカル史に大きな影響を与えた2人の人物がいる。スティーヴン・ソンドハイムとジェリー・ハーマンである。

ソンドハイムが作詞作曲を手掛けた最初の作品は『フォーラムへ行く途中でおかしなことが起こった』 （1962年、964回公演）で、プラウトゥスの作品を基にバート・シェベロヴとラリー・ゲルバートが脚本を書き、ゼロ・モステルが主演した。ソンドハイムは、以前の時代に典型的だったロマンチックな筋書きに集中していたこのミュージカルの先へと進み、より暗い作品になり、現在と過去の生活の粗野な側面を探求する傾向があった。ソンドハイムの初期の作品には他に『口笛が吹ける』 （1964年、リー・レミックとアンジェラ・ランズベリーが主演していたにもかかわらず9回公演のみ）や、ヒット作『カンパニー』 （1970年）、『フォリーズ』（1971年）、『リトル・ナイト・ミュージック』（1973年）などがある。その後、ソンドハイムは、思いもよらないところからインスピレーションを得た。『太平洋序曲』（1976年）では日本の西洋貿易への開国、『スウィーニー・トッド』 （1979年）では産業革命時代のロンドンで復讐を企てる伝説の殺人理髪師、『日曜日はジョージと公園で』 （1984年）ではジョルジュ・スーラの絵画、 『イントゥ・ザ・ウッズ』（1987年）ではおとぎ話、 『アサシン』 （1990年）では大統領暗殺者のコレクションなどである。

ソンドハイムのミュージカルの中には商業的魅力に欠ける作品もあると批評家は主張する一方で、歌詞の洗練さと音楽の複雑さ、そしてショーにおける歌詞と音楽の相互作用を称賛する批評家もいる。ソンドハイムの注目すべき革新性としては、逆再生のショー（『メリリー・ウィー・ロール・アロング』）や、前述の『エニワン・キャン・ホイッスル』が挙げられる。『エニワン・キャン・ホイッスル』では、第一幕の最後に出演者が観客に「自分たちは狂っている」と告げるシーンがある。

ジェリー・ハーマンは、イスラエル建国を描いたブロードウェイ初演作『ミルク・アンド・ハニー』（1961年、563回公演）を皮切りに、アメリカのミュージカル界において重要な役割を果たしました。その後も『ハロー・ドリー』 （1964年、2,844回公演）、『メイム』（1966年、1,508回公演）、『ラ・カージュ・オ・フォール』 （1983年、1,761回公演）といった大ヒット作を次々と手掛けました。 『ディア・ワールド』（1969年）や『マック・アンド・メイベル』 （1974年）といった、あまり成功しなかった作品にも、記憶に残る楽曲が用いられています（『マック・アンド・メイベル』は後にロンドンで大ヒット作としてリメイクされました）。ハーマンが作詞作曲したショー・チューンの多くは人気のスタンダード曲となっており、その中には「ハロー・ドリー！」「小さなクリスマス」「アイ・アム・ホワット・アイ・アム」「メイム」「ベスト・オブ・タイムズ」「パレード・パセス・バイの前に」「プット・オン・ユア・サンデー・クローズ」「イット・オンリー・テイクス・ア・モーメント」「ボスム・バディーズ」「アイ・ウォント・センド・ローズ」などがあり、ルイ・アームストロング、エディ・ゴーメ、バーブラ・ストライサンド、ペトゥラ・クラーク、バーナデット・ピーターズなどのアーティストによって録音されている。ハーマンの歌集は、ジェリーズ・ガールズ（ブロードウェイ、1985年）とショーチューン（オフ・ブロードウェイ、2003年）という2つの人気ミュージカル・レビューの題材にもなっている。

ミュージカルは1950年代の比較的狭い範囲から逸脱し始めました。ロック音楽は、ロック音楽だけでなく、ヌードやベトナム戦争、人種関係、その他の社会問題に関する物議を醸す意見を特徴とする『ヘアー』をはじめとする、いくつかのブロードウェイ・ミュージカルで採用されるようになりました。 ^{[ 84 ]}

『ショウボート』と『ポーギーとベス』の後、アメリカやその他の地域で少数民族の公民権を求める闘いが進むにつれて、ハマースタイン、ハロルド・アーレン、イップ・ハーバーグらは、少数民族に対する社会的寛容の正常化を目指し、人種的調和を促すミュージカルやオペラをもっと書くよう大胆になった。人種的寛容に焦点を当てた黄金時代の初期の作品には、 『フィニアンズ・レインボー』や『南太平洋』などがある。黄金時代の終わりに向けて、 『屋根の上のバイオリン弾き』、『ミルク・アンド・ハニー』、『ブリッツ！』 、そして後の『ラグス』など、ユダヤ人の主題や問題を扱ったショーがいくつかある。『ウエスト・サイド物語』の元の構想は、復活祭と過越祭の祭りの間のローワー・イースト・サイドを舞台とし、敵対するギャング団はユダヤ人とイタリア系 カトリック教徒という設定だった。後にクリエイティブ・チームは、ポーランド人（白人）対プエルトリコ人の対立の方が新鮮だと判断した。^{[ 85 ]}

寛容はここ数十年、ミュージカルにおける重要なテーマであり続けている。『ウエスト・サイド物語』の最終的な表現は、人種的寛容のメッセージを残した。1960年代末までに、ミュージカルは人種的に統合され、黒人と白人のキャストメンバーが互いの役をカバーすることさえあり、これは『ヘアー』で実際に行われた。^{[ 86 ]}同性愛もミュージカルで取り上げられるようになり、 『ヘアー』に始まり、 『ラ・カージュ・オ・フォール』、『ファルセット』、『レント』、『ヘドウィグ・アンド・アングリーインチ』など、ここ数十年の他のショーではさらに公然と取り上げられている。 『パレード』は反ユダヤ主義とアメリカの歴史的な人種差別の両方を繊細に探求しており、 『ラグタイム』は同様にアメリカにおける移民とマイノリティの経験を探求している。

『ヘアー』の成功後、1970年代には『ジーザス・クライスト・スーパースター』 、『ゴッドスペル』、『ロッキー・ホラー・ショー』、『エビータ』、『ヴェローナの二紳士』といったロック・ミュージカルが隆盛を極めた。これらのいくつかは「コンセプト・アルバム」として始まり、後に舞台化された。最も有名なのは『ジーザス・クライスト・スーパースター』と『エビータ』である。その他にはセリフがなかったり、ドラマチックで感情的なテーマをもったオペラを思わせるものもあり、これらはコンセプト・アルバムとして始まり、ロック・オペラと呼ばれることもあった。 『レーズン』、『ドリームガールズ』、『パーリー』 、 『ウィズ』といったショーは、ブロードウェイにアフリカ系アメリカ人の影響を強くもたらした。より多様な音楽のジャンルやスタイルが、オン・ブロードウェイ、特にオフ・ブロードウェイのミュージカルに取り入れられるようになった。同時に、前述のように、スティーヴン・ソンドハイムもいくつかのミュージカルで成功を収めた。

1975年、ダンスミュージカル『コーラスライン』は、マイケル・ベネットがブロードウェイの「ジプシー」（主演俳優の脇役として歌と踊りを披露する人々）と行ったグループセラピー風のセッションの録音から生まれました。ジェームズ・カークウッド・ジュニアとニック・ダンテは、数百時間に及ぶテープから、ミュージカルのオーディションに関する書籍を執筆しました。この書籍には、セッションで得られた多くの実話が盛り込まれています。セッションに参加した人の中には、後にショーの中で自分自身や互いの役を演じた人もいました。マーヴィン・ハムリッシュ作曲、エドワード・クレバン作詞による『コーラスライン』は、ロウアー・マンハッタンのジョセフ・パップ・パブリック・シアターで初演されました。当初は期間限定公演として計画されていましたが、最終的にはブロードウェイのシューバート・シアター^{[ 87 ]}に移り、6,137回上演され、当時のブロードウェイ史上最長のロングラン公演となりました。このショーはトニー賞を総なめにし、ピューリッツァー賞を受賞し、ヒット曲「What I Did for Love」はスタンダード・ヒットとなりました。^{[ 88 ]}

ブロードウェイの観客は、黄金時代のスタイルや内容から多様なミュージカルを歓迎した。ジョン・カンダーとフレッド・エブは『キャバレー』でドイツにおけるナチズムの台頭を、また古いボードビルの技法に頼った禁酒法時代の『シカゴ』で殺人とメディアを探った。スティーブン・シュワルツの『ピピン』はカール大帝の時代を舞台にしている。フェデリコ・フェリーニの自伝的映画『8 1/2』は、モーリー・イェストンの『ナイン』となった。80年代末には、『エビータ』と『スウィーニー・トッド』が、ドラマチックなストーリー、壮大な音楽、スペクタクルな特殊効果を頼りにした、1980年代のよりダークで巨額の予算のミュージカルの先駆けとなった。同時に、『ANNIE /アニー』 、『42番街』、『ワン・アンド・オンリー』 、そしてリバイバル公演された『ノー・ノー、ナネット、アイリーン』などのヒット作には、依然として古風な価値観が受け入れられていた。 1970年代にはミュージカルの映画化作品が数多く制作されたが、 『屋根の上のバイオリン弾き』、『キャバレー』、『グリース』などの例外を除いて、批評的にも興行的にも成功した作品は少なかった。^{[ 89 ]}

1980年代には、ヨーロッパの「メガミュージカル」がブロードウェイ、ウエストエンドなどに影響を与えた。これらは通常、ポップな音楽、大規模なキャスト、壮大なセットと特殊効果（シャンデリアの落下（オペラ座の怪人）やヘリコプターのステージへの着陸（ミス・サイゴン）など）、そして巨額の予算を特徴とする。小説や他の文学作品に基づいたものもあった。作曲家アンドリュー・ロイド・ウェバーとプロデューサーのキャメロン・マッキントッシュのイギリス人チームは、 T・S・エリオットの詩に基づいた1981年のミュージカル「キャッツ」でメガミュージカル現象の先駆けとなり、 「コーラスライン」を抜いてブロードウェイで最も長く上演されているショーとなった。ロイド・ウェバーは続いてローラースケートで演じる「スターライト・エクスプレス」（1984年）、同名小説を原作とした「オペラ座の怪人」（1986年、これもマッキントッシュと共演）を上演した。1950年の同名映画を原作とした『サンセット大通り』 （1993年）も上演された。『ファントム』は『キャッツ』を抜いてブロードウェイ史上最長のロングランミュージカルとなり、現在もその記録を保持している。^{[ 90 ] [ 91 ]}クロード＝ミシェル・シェーンベルクとアラン・ブーブリルのフランス人チームは同名小説を基に『レ・ミゼラブル』を執筆し、1985年のロンドン公演はマッキントッシュのプロデュースでウエストエンドとブロードウェイ史上最長のロングランミュージカルとなり、現在もその記録を保持している。同チームはプッチーニのオペラ『蝶々夫人』に着想を得た『ミス・サイゴン』 （1989年）でもヒット作を生み出した。^{[ 90 ] [ 91 ]}

メガミュージカルの巨額な制作費は、ブロードウェイやウエストエンドにおける経済的成功に対する期待を一変させました。以前は、数百回上演すればヒット作とみなされることもありましたが、数百万ドルの制作費がかかるため、利益を上げるには何年も上演し続けなければなりませんでした。メガミュージカルは世界中で再演され、その収益性は倍増すると同時に、ミュージカルの観客層も世界中に広がりました。^{[ 91 ]}

1990年代には、ジェイソン・ロバート・ブラウンやマイケル・ジョン・ラキウサなど、オフ・ブロードウェイの作品からキャリアをスタートさせた新世代の舞台作曲家が登場した。これらのアーティストの最も目立った成功は、ジョナサン・ラーソンのショー「レント」（1996年）である。これは、オペラ「ラ・ボエーム」に基づくロック・ミュージカルで、マンハッタンの苦境に立たされた芸術家コミュニティを描いている。ブロードウェイやウエストエンドのミュージカルのチケットの値段が高騰し、多くの観客の予算を超えていたが、「レント」は若い観客の間でミュージカルの人気を高めるために宣伝された。若いキャストとロックに強く影響された音楽を特徴としており、ミュージカルはヒットした。その若いファン（多くは学生で、自らを「RENTheads」と称する）は、 20ドルの最前列チケットが当たる抽選に当たろうと、ネダーランダー劇場に詰めかけ、何十回もショーを観劇した者もいた。ブロードウェイの他のショーも『レント』に倣い、当日券や立ち見席のチケットを大幅に割引して提供したが、割引は学生にのみ提供されることが多かった。^{[ 92 ]}

1990年代には、大企業がミュージカル制作にも影響を与えた。最も重要なのはディズニー・シアトリカル・プロダクションズで、ディズニーのアニメーション映画ミュージカルの一部を舞台化することを始めた。 『美女と野獣』（1994年）、『ライオン・キング』（1997年）、『アイーダ』 （2000年）を皮切りに、エルトン・ジョンが音楽を担当した。『ライオン・キング』はブロードウェイ史上最高の興行収入を記録したミュージカルである。 ^{[ 93 ]} ザ・フーの『トミー』 （1993年）は、ロックオペラ『トミー』を舞台化した作品で、899回公演という好成績を収めたが、ストーリーを美化し、ロック音楽を「ミュージカル化」したとして批判された。^{[ 94 ]}

1980年代と1990年代には大規模ミュージカルの数が増えたが、低予算で小規模なミュージカルも批評的にも興行的にも成功を収めた。例えば、『ファルセットランド』、『リトル・ショップ・オブ・ホラーズ』、『バットボーイ：ザ・ミュージカル』 、そして10,013回上演された『ブラッド・ブラザーズ』などである。 ^{[ 95 ]}これらの作品のテーマは多岐にわたり、音楽もロックからポップスまで幅広いが、オフブロードウェイやロンドンの小規模劇場で上演されることが多く、その演出の中には想像力豊かで革新的であると評価されているものもある。^{[ 96 ]}

新世紀に入り、プロデューサーや投資家は多額の投資を確実に回収しようと、親しみやすさを重視してきました。中には、（たいていは低予算で）新しく独創的な作品に挑戦した者もいました。例えば、『ユーラインタウン』（2001年）、『アベニューQ』（2003年）、『ザ・ライト・イン・ザ・ピアッツァ』 （2005年）、『春のめざめ』 （2006年）、『イン・ザ・ハイツ』（2008年）、 『ネクスト・トゥ・ノーマル』 （2009年）、『アメリカン・イディオット』（2010年）、『ブック・オブ・モルモン』 （2011年）などです。『ハミルトン』（2015年）は、「ドラマ化が不十分なアメリカの歴史」を、ヒップホップの要素を取り入れた異例のヒット作へと変貌させました。^{[ 97 ]} 2011年、ソンドハイムはあらゆる形態の「現代ポップミュージック」の中で、ラップは「伝統的なミュージカルに最も近い」ものであり、「未来への一つの道」であると主張しました。^{[ 98 ]}

しかし、21世紀の主要市場で上演される作品のほとんどは安全なルートをたどっており、『屋根の上のバイオリン弾き』、『コーラスライン』、『南太平洋』、『ジプシー』、『ヘアー』、『ウエスト・サイド物語』 、『グリース』などおなじみの作品の復活、または文学作品（ 『スカーレット・ピンパーネル』、『ウィキッド』 、『ファン・ホーム』 ）など実績のある題材の翻案により、結果として既存の観客層が確保されることを期待している。この傾向は特に映画化作品で顕著で、『プロデューサーズ』、 『スパマロット』、 『ヘアスプレー』、『キューティ・ブロンド』 、 『カラーパープル』、 『ザナドゥ』、 『ビリー・エリオット』 、『シュレック』 、『ウェイトレス』、 『恋はデジャ・ブ』などがある。^{[ 99 ]}一部の批評家は、映画のプロット、特にディズニー作品（ 『メリー・ポピンズ』や『リトル・マーメイド』など）の再利用は、ブロードウェイやウエストエンドのミュージカルを創造的な表現の場ではなく、観光名所にしてしまうと主張している。^{[ 37 ]}

今日では、デイヴィッド・メリックやキャメロン・マッキントッシュのような単独のプロデューサーが作品を支援することは少なくなっている。ブロードウェイは企業スポンサーが主流で、ミュージカルを上演するためには1000万ドル以上の投資が必要となる提携関係が組まれることが多い。2002年の『モダン・ミリー』のクレジットには10​​人のプロデューサーの名前が記載されており、その中には数人の個人で構成された団体も含まれていた。^{[ 100 ]}一般的に、オフ・ブロードウェイや地方の劇場では小規模でしたがって制作費の安いミュージカルを製作する傾向があり、新作ミュージカルの開発はニューヨークやロンドン以外の場所や小規模な会場で行われることが増えている。例えば、『春のめざめ』、『ファン・ホーム』、『ハミルトン』はオフ・ブロードウェイで開発され、その後ブロードウェイで上演された。

いくつかのミュージカルは1980年代に大成功を収めたスペクタクル形式に戻り、古代ローマ人が模擬海戦を行って以来、演劇の歴史を通じて時折上演されてきたエクストラバガンザを想起させた。例としては、 『ロード・オブ・ザ・リング』（2007年）、『風と共に去りぬ』 （2008年）、そして『スパイダーマン：ターン・オフ・ザ・ダーク』（2011年）のミュージカル化が挙げられる。これらのミュージカルには演劇経験のほとんどない作詞家が関わり、高額な制作費がかかったため、一般的に赤字となった。対照的に、『ドロウジー・シャペロン』、『アベニューQ』、『第25回パットナム郡スペリングビー』、『ザナドゥ』、『ファン・ホーム』などは小規模な作品として上演され、ほとんど休憩なしで上演時間が短く、興行的に成功した。 2013年、タイム誌はオフ・ブロードウェイのトレンドは「没入型」演劇であると報じ、ナターシャ、ピエール、そして1812年の大彗星（2012年）や、ここに愛がある（2013年）などの舞台が観客の周囲や観客の中で行われるショーを例に挙げた。^{[ 101 ]}これらのショーは、ルシール・ローテル賞にそれぞれ11回ノミネートされ、^{[ 102 ]}現代的な音楽が使用されているという共同記録を樹立した。^{[ 103 ] [ 104 ]}

2013年、シンディ・ローパーは『キンキーブーツ』の作詞作曲により、「男性の共演者なしで[トニー賞の]作曲賞を受賞した初の女性作曲家」となった。2015年には、初めて女性だけの作曲チームであるリサ・クロンとジャニーン・テソーリが『ファン・ホーム』でトニー賞作曲賞（およびクロンが脚本賞）を受賞したが^{[ 105 ]}、男性作詞家による作品も引き続き多く生み出されている。^{[ 106 ]}

もう一つの傾向は、既にヒットしている曲のコレクションに合う最小限のプロットを作成することである。初期の『バディ 〜バディ・ホリー物語〜』の成功に続いて、『ムーヴィン・アウト』 （2002年、ビリー・ジョエルの曲に基づく）、『ジャージー・ボーイズ』 （2006年、フォー・シーズンズ）、『ロック・オブ・エイジズ』（2009年、1980年代のクラシック・ロックをフィーチャー）、『スリラー・ライブ』 （2009年、マイケル・ジャクソン）など、多くの作品が作られた。このスタイルはしばしば「ジュークボックス・ミュージカル」と呼ばれる。^{[ 107 ]}類似しているがよりプロット重視のミュージカルが、特定のポップグループの正典に基づいて作られており、『マンマ・ミーア!』 （1999年、 ABBAの曲に基づく）、『アワー・ハウス』（2002年、マッドネスの曲に基づく）、『ウィ・ウィル・ロック・ユー』 （2002年、クイーンの曲に基づく）などがある。

1980年代から1990年代初頭にかけて、実写ミュージカル映画は『ビクター/ビクトリア』 『リトル・ショップ・オブ・ホラーズ』、1996年の映画『エビータ』を除いてほぼ消滅していた。^{[ 108 ]}新世紀に入り、バズ・ラーマン監督は『ムーラン・ルージュ!』 (2001年)で映画ミュージカルの復活を開始した。その後、『シカゴ』 (2002年)、『オペラ座の怪人』 (2004年)、『レント』 (2005年)、『ドリームガールズ』 (2006年)、『ヘアスプレー』『魔法にかけられて』『スウィーニー・トッド』 (すべて2007年)、『マンマ・ミーア!』 (2008年)、『ナイン』 (2009年)などが続いた。『レ・ミゼラブル』と『ピッチ・パーフェクト』（ともに2012年）、 『イントゥ・ザ・ウッズ』と『ラスト・ファイブ・イヤーズ』（ともに2014年）、『ラ・ラ・ランド』 （2016年）、『グレイテスト・ショーマン』（ 2017年）、 『アリー/スター誕生』と『メリー・ポピンズ リターンズ』 （ともに2018年）、『ロケットマン』 （2019年）、 『イン・ザ・ハイツ』とスティーブン・スピルバーグ版『ウエスト・サイド物語』（ともに2021年）など。ドクター・スースの『グリンチがクリスマスを盗んだ』（2000年）と『キャット・イン・ザ・ハット』（2003年）は、児童書を実写映画化したミュージカル作品です。 1989年の『リトル・マーメイド』に始まり、1990年代を通してディズニーをはじめとするアニメ映画が大成功を収めた後（ 『サウスパーク ビッグ、ロンガー＆アンカット』（1999年）のような大人向けの作品も含む）、21世紀の最初の10年間は​​アニメ映画ミュージカルの公開本数は減少した。^{[ 108 ]}このジャンルは2010年に『塔の上のラプンツェル』（2010年）、『リオ』（2011年）、『アナと雪の女王』 （2013年）で復活を遂げた。アジアでは、インドが数多くの「ボリウッド」映画ミュージカルを制作し続けており、日本もアニメやマンガを題材にした映画ミュージカルを制作している。

1990年代には、『ジプシー』（1993年）、『シンデレラ』（1997年）、『アニー』（1999年）など、テレビ向けのミュージカル映画が人気を博した。21世紀の最初の10年間に制作されたテレビ向けミュージカルの中には、舞台版を翻案した『南太平洋』（2001年）、『ミュージックマン』（2003年） 、 『ワンス・アポン・ア・マットレス』（2005年）などがあり、2007年には舞台ミュージカル『キューティ・ブロンド』がテレビ放映された。さらに、舞台で撮影され、公共テレビで放送されたミュージカルもいくつかある。例えば、2002年の『コンタクト』 、2003年の『キス・ミー・ケイト』『オクラホマ！』などである。テレビ向けのミュージカル『ハイスクール・ミュージカル』（2006年）とその続編は特に成功を収め、舞台ミュージカルやその他のメディアに翻案された。

2013年、NBCは「サウンド・オブ・ミュージック・ライブ！」を皮切りに、ミュージカルのテレビ生放送シリーズを開始した。^{[ 109 ]}この作品は賛否両論の評価を受けたものの、視聴率では成功を収めた。^{[ 110 ]}その他の放送には「ピーター・パン・ライブ！」（NBC 2014年）、「ウィズ・ライブ！」（NBC 2015年）、^{[ 111 ]}イギリスで放送された「サウンド・オブ・ミュージック・ライブ」（ITV 2015年）^{[ 112 ]} 「グリース：ライブ！」 （Fox 2016年）^{[ 113 ] [ 114 ]} 「ヘアスプレー・ライブ！」（NBC、2016年）、「クリスマス・ストーリー・ライブ！」（Fox、2017年）^{[ 115 ]}「レント：ライブ！」（Fox 2019年）^{[ 116 ]}

テレビ番組の中には、エピソードをミュージカル風にアレンジした作品もあります。例としては、『アリー マクビール』 、『ジーナ 戦士プリンセス』（「苦い組曲」と「竪琴、竪琴、心は燃えている」）、サイク（「サイク：ザ・ミュージカル」）、バフィー ～恋する十字架～（「ワンス・モア、ウィズ・フィーリング」）、ザッツ・ソー・レイヴン、 『ダリア』、 『デクスターズラボ』、 『パワーパフガールズ』、『フラッシュ』、『ワンス・アポン・ア・タイム』、『オズ』、『スクラブス』 （1つのエピソードは『アベニューQ』のクリエイターによって執筆された）、バットマン：ブレイブ＆ボールド（「ミュージック・マイスターの騒乱」）、ザット '70s ショー（第100話、「ザット '70s ミュージカル」）などがあります。他には、ザ・シンプソンズ、30 ROCK /サーティー・ロック、ハンナ・モンタナ、サウスパーク、ボブズ・バーガーズ、ファミリー・ガイなどのいくつかのエピソードのように、エピソードの途中で登場人物が突然ミュージカル風に歌い踊り出すシーンがある。^{[ 117 ]}ミュージカル形式を多用したテレビシリーズには、コップ・ロック、フライト・オブ・ザ・コンコルド、Glee /グリー、スマッシュ、クレイジー・エックス・ガールフレンドなどがある。

インターネット向けに作られたミュージカルもある。ニール・パトリック・ハリスが演じる下品なスーパーヴィランを描いた『ドクター・ホリブルのシング・アロング・ブログ』など。これはWGAの脚本家ストライキ中に書かれた。^{[ 118 ]} 2006年以降、リアリティ番組は、（通常は女性の）主役をキャスティングするタレントコンテストを開催することで、ミュージカルの復活を宣伝するために利用されてきた。これらの例としては、『マリアのような問題をどうやって解決するのか？』、『グリース：あなたが私の欲しいもの！』、『どんな夢でも大丈夫』、『キューティ・ブロンド：ザ・ミュージカル～エル・ウッズを探して～』、『何でもする』、『虹の彼方に』などがある。 2021年には、『シュミガドーン！』が1940年代と1950年代の黄金時代のミュージカルのパロディでありオマージュであった。^{[ 119 ]}

COVID -19パンデミックにより、2020年初頭には世界中の劇場や演劇祭が閉鎖され、ブロードウェイ^{[ 120 ]}やウエストエンドの劇場もすべて閉鎖された。^{[ 121 ]}多くの舞台芸術機関は、新しい（または拡張された）デジタルサービスを提供することで、適応したり損失を軽減したりしようとした。特に、多くの劇団の以前に録画された公演のオンラインストリーミングや^{[ 122 ] [ 123 ] [ 124 ]}、特注のクラウドソーシングプロジェクトが生まれた。^{[ 125 ] [ 126 ]}例えば、シドニー・シアター・カンパニーは俳優たちに、舞台で以前演じたキャラクターのモノローグを自宅で話し合い、演じる自分たちの姿を撮影するよう依頼した。^{[ 127 ]}ハミルトンやマンマ・ミーア！などのミュージカルのキャストは、Zoom通話で団結して個人や大衆を楽しませた。^{[ 128 ] [ 129 ]}一部の公演はライブストリーミング配信されたり、屋外やその他の「社会的距離」を保った方法で上演されたりして、観客がキャストと交流できる場合もありました。^{[ 130 ]}ラジオ演劇祭が放送されました。^{[ 131 ]}『レミーのおいしいレストラン』ミュージカルのように、バーチャルミュージカルやクラウドソーシングミュージカルも制作されました。^{[ 132 ] [ 133 ]} 『ハミルトン』などの主要なミュージカルの映画版がストリーミングプラットフォームで公開されました。^{[ 134 ]}アンドリュー・ロイド・ウェバーはYouTubeで自身のミュージカルの録音を公開しました。^{[ 135 ]}

閉鎖とチケット販売の減少により、多くの劇団が財政危機に陥りました。一部の政府は芸術分野への緊急支援を提供しました。^{[ 136 ] [ 137 ] [ 138 ]}ミュージカル劇場市場の一部は2021年初頭までに断続的に再開し始め、^{[ 139 ]}ウエストエンドの劇場は再開を6月から7月に延期し、^{[ 140 ]}ブロードウェイは9月から再開しました。^{[ 141 ]}しかし、2021年を通してパンデミックの急増により、市場が再開した後も一部の劇場は閉鎖に追い込まれました。^{[ 142 ] [ 143 ]}

19世紀から20世紀の大部分にかけて、アメリカとイギリスはブックミュージカルの最も活発な発信地でした（ただし、ヨーロッパでは当時、そしてそれ以前から、スペインのサルスエラなど、様々な形態の人気ライトオペラやオペレッタが制作されていました）。しかし、近年、他の国々でもライトミュージカルの舞台がより活発になっています。

他の英語圏（特にオーストラリアとカナダ）のミュージカルは、現地で成功を収めることが多く、時にはブロードウェイやウエストエンドに進出することもあります（例：『The Boy from Oz』『The Drowsy Chaperone』）。南アフリカはミュージカルシーンが活発で、『African Footprint』や『Umoja』といったレビューや、『 Kat and the Kings 』 『Sarafina!』といったブックミュージカルが国際ツアーを行っています。国内では、『Vere』『Love and Green Onions』『Over the Rainbow: the all-new all-gay... extravaganza』『Bangbroek Mountain』『In Briefs – a queer little Musical』といったミュージカルが成功を収めています。

ヨーロッパ大陸で成功したミュージカルには、ドイツ（『エリクサー』、『ルートヴィヒ2世』）、オーストリア（『吸血鬼の踊り』、『エリザベート』 、『モーツァルト！ 』、 『レベッカ』）、チェコ共和国（『ドラキュラ』）、フランス（ 『スターマニア』 、 『ノートルダム・ド・パリ』 、 『レ・ミゼラブル』 、『ロミオとジュリエット』 、『モーツァルト、オペラ・ロック』）、スペイン（『どうか私をさらってください』、『ミュージカル サンチョ・パンサ』）などのショーがあります。

日本では近年、アニメや漫画を原作としたアニメと実写の両方のミュージカルが日本独自の形態で成長を遂げており、魔女の宅急便やテニミュなどがその例である。人気アニメ『美少女戦士セーラームーン』シリーズは、13年間で29作のミュージカルが上演されてきた。1914年から続く宝塚歌劇団は、女性のみで構成された人気レビューシリーズを上演しており、現在5つの劇団を擁している。アジアの他の地域では、主に映画化されたインドのボリウッドミュージカルが大成功を収めている。 ^{[ 144 ]}

2002年の『レ・ミゼラブル』のツアー公演を皮切りに、様々な西洋ミュージカルが中国本土に輸入され、英語で上演されてきた。^{[ 145 ]}中国で西洋作品をローカライズする試みは、2008年に北京の中央戯劇学院で『フェーム』が中国人キャスト全員で北京語で上演されたときに始まった。 ^{[ 146 ]}それ以来、他の西洋作品が中国で中国語で中国人キャストで上演されている。西洋ミュージカルのスタイルで中国で上演された最初の作品は、2005年の『黄金砂』である。 ^{[ 145 ]}さらに、有名な中国のプロデューサーであるリー・ドゥンが、2007年に中国の古典的な恋愛悲劇に基づいた『蝶々』を、 2011年に『愛してテレサ』をプロデュースした。 ^{[ 145 ]}

ミュージカルは、アマチュアや学校の団体によって、教会、学校、その他の公演スペースで上演されることが多い。 ^{[ 147 ] [ 148 ]}アマチュア劇場は新世界でも何世紀にもわたって存在していたが、^{[ 149 ]} フランソワ・セリエとカニンガム・ブリッジマンは1914年に、19世紀後半以前はアマチュア俳優はプロから軽蔑されていたと書いている。サヴォイ・オペラの上演を許可されたアマチュアのギルバート・アンド・サリバン劇団が結成されると、プロはアマチュア団体が「音楽と演劇の文化を支えている」ことを認識した。「現在では、アマチュア団体は正統な舞台のための有用な訓練学校として認められており、ボランティアの中から多くの現代の人気俳優が輩出されている」。^{[ 150 ]}英国国立オペラ・ドラマ協会は1899年に英国で設立された。同協会は1914年に、その年に英国で約200のアマチュア演劇団体がギルバート・アンド・サリバンの作品を上演していたと報告している。^{[ 150 ]}同様に、20世紀初頭にはアメリカで100以上のアマチュア劇場が設立されました。この数はアメリカ国内で推定18,000にまで増加しています。^{[ 149 ]}アメリカの教育演劇協会には約5,000校の加盟校があります。^{[ 151 ]}

ブロードウェイリーグは、2007〜08年のシーズンにブロードウェイのショーのチケットが1,227万枚購入され、総売上高はほぼ10億ドルに達したと発表した。^{[ 152 ]}また、リーグは、2006〜07年のシーズンには、ブロードウェイのチケットの約65％が観光客によって購入され、外国人観光客は観客の16％だったと報告した。^{[ 153 ]}ロンドン劇場協会は、2007年はロンドンの観客動員数で記録を樹立したと報告した。ロンドン中心部の主要な商業劇場と助成金を受けた劇場の総観客数は1,360万人で、チケット総収入は4億6,​​970万ポンドだった。^{[ 154 ]}国際的なミュージカルシーンはここ数十年でますます活発になっている。

ブロードウェイには2種類のショーがあります。リバイバルと、何度も繰り返される同じ種類のミュージカルです。どれもスペクタクルです。『ライオンキング』のチケットは1年前に購入し、基本的に家族は子供たちに、劇場とはそういうものだという考えを伝えます。年に一度観る壮大なミュージカル、映画の舞台版です。それは劇場とは全く関係がありません。馴染みのあるものを観ることに関係しています。…劇場自体が消滅するとは思いませんが、かつてのような姿には決してなりません。…劇場は観光名所なのです。」^{[ 155 ]}

しかし、ここ数十年における映画、演劇、文学のオリジナル作品や創造的な再解釈の成功を指摘して、演劇史家のジョン・ケンリックは次のように反論した。

ミュージカルは死んだのか？…絶対にそうではない！変化している？常に！ミュージカルは、オッフェンバックが1850年代に最初の脚本を書き直して以来、変化し続けてきた。そして、変化こそが、ミュージカルが今もなお生き生きと成長を続けるジャンルであることを示す最も明確な兆候である。ミュージカルが大衆文化の中心であった、いわゆる「黄金時代」に回帰することはあるだろうか？おそらくないだろう。大衆の嗜好は根本的に変化しており、商業芸術は、お金を払う大衆が許すところにしか流通できないのだ。^{[ 37 ]}

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