静物
フアン・サンチェス・コタン、狩猟鳥、野菜、果物のある静物画(1602)、プラド美術館、マドリッド

静物画（しずくがく、複数形：still lifes）は、主に無生物を題材にした芸術作品であり、典型的には自然物（食べ物、花、死んだ動物、植物、岩、貝殻など）または人工物（コップ、本、花瓶、宝石、コイン、パイプなど）などのありふれた物体を題材としている。[ 1 ]

静物画は、古代ギリシャ・ローマ美術と中世に起源を持ち、16 世紀後半には西洋絵画において独自のジャンルおよび専門分野として登場し、それ以来重要な位置を占めています。静物画という芸術形式の利点は、絵画の構図の中で要素の配置を自由に実験できることです。静物画は、特定のジャンルとして、16 世紀と 17 世紀のネーデルラント絵画から始まり、英語のstill lifeという用語はオランダ語のstillevenに由来しています。特に 1700 年以前の初期の静物画には、描かれた対象に関する宗教的、寓意的な象徴性が含まれていることが多かったです。後期の静物画は、ファウンド オブジェクト、写真、コンピューター グラフィックス、ビデオ、サウンドなど、さまざまなメディアとテクノロジーを用いて制作されるようになりました。

この用語には、死んだ動物、特に狩猟動物を描いた絵画も含まれます。生きている動物も動物芸術とみなされますが、実際には死んだモデルから描かれることが多かったです。静物画は、植物や動物を題材とするため、動物学、特に植物学のイラストレーションとも共通点があります。しかし、視覚芸術や美術の場合、作品は単に主題を正確に描写することを目的としているわけではありません。

静物画はジャンル階層の最下層に位置していたが、購入者の間で非常に人気があった。静物画は、独立した静物画という主題に加え、通常は象徴的な静物画の要素を顕著に取り入れた他の種類の絵画や、「一見『人生の一部』を再現するために多数の静物画の要素に頼った絵画」も包含する。[ 2 ] トロンプ・ルイユ画は、鑑賞者にその光景が現実のものであると錯覚させることを目的とした、特殊な静物画の一種であり、通常は無生物で比較的平坦な物体を描いている。[ 3 ]

先行事例と発展

バチカン美術館所蔵の、魚、鶏肉、ナツメヤシ、野菜を描いた2世紀のモザイクの静物画
果物と花瓶が入ったガラスのボウル。ポンペイのローマ壁画（西暦70年頃）、ナポリ国立考古学博物館、イタリア、ナポリ

静物画は古代エジプトの墓の内部を飾ることが多い。そこに描かれた食べ物などの品々は、死後、死者が現実のものとなり、使用できると信じられていた。古代ギリシャの壺絵もまた、日常の物や動物を描く優れた技術を示している。ペイライコスは大プリニウスによって「低俗な」主題を描いた板絵画家として言及されており、ポンペイのモザイク画や地方の壁画に残る「理髪店、靴屋、ロバ、食料品、その他類似の主題」が描かれている。[ 4 ]

同様の静物画は、装飾的な意図はより単純だが写実的な遠近法を用いており、ポンペイ、ヘルクラネウム、そしてヴィッラ・ボスコレアーレから出土したローマ時代の壁画や床モザイクにも見つかっており、果物を入れたガラスのボウルという後世によく知られるモチーフも含まれている。裕福なローマ人の家で発見された「エンブレマ」と呼ばれる装飾モザイクは、上流階級の人々が好んでいた多様な料理を描写するとともに、もてなしの象徴、季節や人生を祝うものとしても機能していた。[ 5 ]

16世紀になると、食べ物と花は再び季節と五感の象徴として登場するようになりました。また、ローマ時代には、絵画において死と遺骸の象徴として頭蓋骨を用いる伝統も始まり、しばしば「死は皆を平等にする」というフレーズが添えられています。[ 6 ]これらのヴァニタス像は、1600年頃のオランダの画家たちを皮切りに、過去400年間の美術史を通して再解釈されてきました。[ 7 ]

静物画の写実性に対する一般の評価は、古代ギリシャのゼウクシスとパルハシウスの伝説に記されています。二人はかつて、最も生き生きとした物体を描こうと競い合ったと言われています。これは、歴史上最も初期のトロンプ・ルイユ（騙し絵）の記述です。[ 8 ]古代ローマ時代の大プリニウスが記録しているように、ギリシャの芸術家たちは何世紀も前にすでに肖像画、風俗画、静物画の分野で進歩を遂げていました。彼はペイライコスを特に挙げ、「彼の芸術性に並ぶ者はごくわずかだ…彼は理髪店や靴屋の屋台、ロバ、野菜などを描き、『俗悪な題材の画家』と呼ばれるようになった。しかし、これらの作品はどれも魅力的で、他の多くの芸術家の最高傑作よりも高値で取引された」と述べています。[ 9 ]

中世と初期ルネサンス

ハンス・メムリンク（1430–1494）作『花瓶』（1480年）、ティッセン＝ボルネミッサ美術館、マドリード。一部の学者によると、『花瓶』には宗教的な象徴が込められているという。[ 10 ]

1300年頃、ジョットとその弟子たちによって静物画が復活し、宗教的な壁画に架空のニッチとして日常的な物を描いた。[ 11 ]中世からルネサンスにかけて、西洋美術における静物画は主にキリスト教の宗教的主題の付属物であり、宗教的かつ寓意的な意味合いを帯びていた。これは特に北欧の芸術家の作品に顕著で、彼らは非常に精緻な光学的リアリズムと象徴主義に魅了され、絵画全体のメッセージに多大な注意を払った。[ 12 ]ヤン・ファン・エイクのような画家たちは、静物画の要素を図像学的プログラムの一部として用いることが多かった。

中世後期には、主に花だが動物や無生物も含む静物画が、装飾写本枠にますます写実的に描かれるようになり、より大きな絵画の画家たちが用いるモデルや技術的進歩が生まれた。写本用のミニチュアを作る画家と板絵を描く画家の間には、特に初期フランドル絵画において、かなりの重複があった。おそらく1440年頃にユトレヒトで作られた『クレーヴのカタリナの時祷書』は、この傾向の顕著な例のひとつで、枠には硬貨や魚網など、その時点でのテキストやメインのイメージを引き立たせるために選ばれたさまざまな物が描かれている。世紀後期のフランドルの工房では、枠の要素の自然主義をさらに推し進めた。ゴシック様式のミルフルール・タペストリーは、動植物の正確な描写への関心が一般的に高まったことを示すもうひとつの例である。『貴婦人と一角獣』のセットは最もよく知られた例で、1500年頃にパリでデザインされ、その後フランドルで織られた。

ヤン・ファン・エイクや他の北欧の芸術家による油絵技法の発達により、油絵の具の乾燥の遅さ、混ざりやすさ、重ね塗りのしやすさを利用して、日常的な対象を超写実的な方法で描くことが可能になった。 [ 13 ]宗教的な意味合いから最初に脱却した人物には、自然に対する飽くなき探求の一環として果物の水彩画（1495年頃）を制作したレオナルド・ダ・ヴィンチや、動植物の精密な色彩のデッサンを制作したアルブレヒト・デューラーがいた。 [ 14 ]

ペトルス・クリストゥスの金細工師を訪ねる新郎新婦の肖像画は、宗教的内容と世俗的内容の両方を描いた過渡期の静物画の典型的な例である。メッセージはほとんど寓意的ではあるが、カップルの人物像は写実的で、描かれた物（貨幣、容器など）は正確に描かれているが、金細工師は実際には聖エリギウスを、そして物は象徴的な意味合いが強い。似たタイプの絵画に、人物ときれいに並べられた食卓を組み合わせた家族の肖像画があり、これは被写体の信心深さと神の豊かさへの感謝の両方を象徴している。[ 15 ]この頃、人物像から切り離された単純な静物画（寓意的な意味ではない）が、私的な宗教画の鎧戸の外側に描かれ始めていた。[ 9 ]自立した静物画へのもう一つのステップは、1475年頃、世俗的な肖像画の裏に象徴的な花瓶を描いたことです。[ 16 ]ヤコポ・デ・バルバリは、署名と日付が入った最初期のトロンプ・ルイユ静物画の一つである『ヤマウズラと長靴のある静物画』（1504年）でさらに一歩前進しましたが、宗教的な内容は最小限にとどまっています。 [ 17 ]

後期ルネサンス

ヨアヒム・ベウケラー（1533–1575）、「台所の風景、背景にマルタの家にいるイエスとマリア」 （1566年）、171 × 250 cm（67.3 × 98.4 インチ）。

16世紀

1600年以降の静物画は比較的小型の絵画が主流であったが、このジャンルの発展において決定的な段階となったのは、主にアントワープを中心とする「記念碑的静物画」の伝統であった。これは、人物や動物を描いた静物画を広大な面積で描いた大作であった。これはピーテル・アールツェンによる発展であり、アールツェンの『聖家族の施しをする肉屋』（1551年、現ウプサラ）は、今でも人々を驚かせる絵画でこのジャンルを先導した。もう一つの例は、アールツェンの甥ヨアヒム・ベウケラーによる『肉屋』（1568年）で、生の肉の写実的な描写が前景を占め、背景のシーンは酩酊と好色さの危険性を伝えている。ピーテル・アールツェンとその甥ヨアヒム・ビューケラーが展開した、非常に大規模な台所や市場の風景画は、典型的には、台所用品を配した静物画とたくましいフランドル人メイドたちを伴い、豊富な食材を描いています。遠くに小さな宗教画が描かれることもあれば、四季などのテーマが加えられて主題が強調されることもあります。この種の大規模な静物画は、南北分離後もフランドル絵画で発展を続けましたが、オランダ絵画では稀です。ただし、この伝統に属する他の作品は、「陽気な仲間たち」タイプの風俗画を予見させるものです。[ 18 ]

徐々に、このタイプの絵画における宗教的内容は規模と配置において縮小していったが、道徳的教訓は副次的な文脈として引き続き描かれた。[ 19 ] この様式における比較的数少ないイタリア作品の一つ、アンニバレ・カラッチが1583年に同じ主題を扱った『肉屋』は、この時期の他の「台所と市場」を題材とした静物画と同様に、道徳的なメッセージを排除し始めている。[ 20 ]ヴィンチェンツォ・カンピは1570年代にアントワープ様式をイタリアに紹介したと考えられている。この伝統は翌世紀にも受け継がれ、ルーベンスによるいくつかの作品が制作された。ルーベンスは主に静物画と動物画を、フランス・スナイダースやその弟子ヤン・フィットといっ​​た専門の巨匠に下請けとして依頼した。16世紀後半までに、静物画は自立した様式へと進化した。[ 21 ]

ミケランジェロ・メリージ・ダ・カラヴァッジョ、フルーツバスケット（1595–96）、キャンバスに油彩、31 × 47 cm

16世紀には自然界への関心が爆発的に高まり、新世界やアジアの発見を記録した豪華な植物百科事典が刊行されました。また、科学的な図解や標本の分類も始まりました。自然物は、宗教や神話との関連性から切り離された、個々の研究対象として評価されるようになりました。この時代には、この新しい知識の実践的な発展として、初期の薬草療法の科学も始まりました。さらに、裕福なパトロンが動物や鉱物の標本の収集を支援し始め、大規模な珍品コレクションが作られました。これらの標本は、写実性と斬新さを追求する画家たちのモデルとなりました。貝殻、昆虫、エキゾチックな果物や花が収集・取引されるようになり、チューリップ（トルコからヨーロッパに輸入された）などの新しい植物が静物画で称賛されました。[ 22 ]

園芸の爆発的な発展はヨーロッパで広く関心を集め、芸術家たちはそれを利用して何千もの静物画を制作しました。地域や宮廷によっては特別な関心が寄せられていました。例えば、柑橘類の描写は、イタリアのフィレンツェにあるメディチ家の宮廷で特に人気がありました。[ 23 ]自然標本の普及とヨーロッパ全土における自然描写への関心の高まりは、1600年頃に近代静物画がほぼ同時に制作されるきっかけとなりました。[ 24 ] [ 25 ]

世紀の変わり目には、スペインの画家フアン・サンチェス・コタンが厳粛で静謐な野菜の絵でスペインの静物画の先駆者となり、1603年に40代で修道院に入り、その後は宗教的な主題を描くようになりました。

16世紀の絵画

17世紀

ヤコポ・ダ・エンポリ(ヤコポ・キメンティ)、静物画( 1625年頃)

アンドレア・サッキ をはじめとする17世紀初頭の著名なアカデミー会員たちは、風俗画や静物画には、偉大な絵画とみなされるにふさわしい「威厳」が欠けていると感じていました。フランス古典主義の歴史学者、建築家、理論家であったアンドレ・フェリビアンが1667年に発表した影響力のある定式は、18世紀のジャンル階層理論の古典的な記述となりました。

Celui qui fait parfaitement des païsages est au-dessus d'un autre qui ne fait que des Fruit、des fleurs ou des coquilles。 Celui qui peint des animaux vivants est plus estimable que ceux qui ne représentent que des は死を選択し、mouvement はありません。 & COMME LA フィギュア・デ・ロム・エスト・ル・プラス・パフェ・オーヴラージュ・ド・デュー・シュール・ラ・テール、イル・レスト・アウシー・ケ・セルイ・キ・セイ・レンド・リミテトゥール・デ・デュー・アン・ペニナン・デ・フィギュア・ヒューメーヌ、エスト・ボークーと優れたク・トゥ・レ・オートル... [ 26 ]

完璧な風景画を描く者は、果物や花、あるいは魚介類だけを描く者よりも優れている。生きた動物を描く者は、動きのない死体だけを描く者よりも高く評価される。そして、人間は地上で最も完璧な神の創造物であるように、人間像を描く際に神の模倣者となる者は、他のすべての者よりもはるかに優れていることは確かである…」。

オランダとフランドルの絵画

ウィレム・カルフ（1619–1693）、油彩、カンヴァス、J・ポール・ゲティ美術館
ピーテル・クラース（1597–1660）『楽器のある静物画』（1623年）

静物画は、16世紀最後の25年間に低地諸国で独立したカテゴリーとして発展した。 [ 27 ] 英語のstill lifeという用語はオランダ語のstillevenに由来するが、ロマンス語（ギリシア語、ポーランド語、ロシア語、トルコ語も同様）では、死んだ自然を意味する用語を使用する傾向がある。15世紀の初期フランドル絵画は、板絵と装飾写本の両方で非常に幻想的な技法を開発し、縁には花や昆虫、そして『クレーヴのカタリナの時祷書』のような作品のように多種多様な物体が精巧に描かれていた。装飾写本が印刷本に取って代わられると、同じ技術が後に科学的な植物画に活用され、低地諸国は植物学とその美術における描写の両方でヨーロッパをリードした。フランドルの画家ヨリス・フフナーゲル（1542-1601）は、皇帝ルドルフ2世のために花やその他の静物画を水彩画やグアッシュで制作した。また、 1600年にプランタンから出版されたハンス・コラールトの『花卉図鑑』など、当時は手彩色が多かった本のための彫刻された挿絵も数多く残している。 [ 28 ]

1600年頃、油彩による花の絵画が一種の流行となりました。カレル・ファン・マンデル自身もいくつかの作品を制作し、コルネリス・ファン・ハールレムなどの北方マニエリスムの画家たちも同様の作品を制作したと記録されています。彼らの花の絵画は現存していませんが、南ネーデルラントで活躍したヤン・ブリューゲル（父）とアンブロシウス・ボスハールトといった著名な専門家による作品は数多く残っています。[ 29 ]

北部の芸術家たちは、長らく彼らの主力作品であった宗教的図像を描く機会が限られていたが（宗教的主題の画像はオランダ改革派プロテスタント教会で禁じられていた）、細密な写実主義と隠されたシンボルという北部の伝統は、ネーデルラントの主要な芸術パトロンとして教会と国家に取って代わっていた成長中のオランダ中産階級の心を捉えた。これに加えて、オランダ人の園芸、特にチューリップへの熱狂があった。美的対象としての花と宗教的シンボルとしてのこの2つの花の見方が融合し、このタイプの静物画の非常に強力な市場が生まれた。[ 30 ]静物画は、ほとんどのオランダ芸術作品と同様に、一般にオープンマーケットやディーラー、またはアーティスト自身のアトリエで販売され、めったに依頼されることはなかったため、アーティストが主題と配置を選択するのが通例であった。[ 31 ]このタイプの静物画は非常に人気があり、オランダの花の絵画の技法の多くは、1740年にジェラルド・デ・ライレッセによって書かれた論文「Groot Schilderboeck」にまとめられており、色彩、配置、筆遣い、標本の準備、調和、構成、遠近法などについて幅広いアドバイスが与えられています。[ 32 ]

花の象徴性は、初期キリスト教時代から発展してきました。最も一般的な花とその象徴的な意味は、バラ（聖母マリア、はかなさ、ヴィーナス、愛）、ユリ（聖母マリア、処女、女性の乳房、心の清らかさまたは正義）、チューリップ（華やかさ、高貴さ）、ヒマワリ（忠実さ、神の愛、献身）、スミレ（慎み深さ、控えめさ、謙遜）、オダマキ（憂鬱）、ポピー（力、眠り、死）などです。昆虫に関しては、蝶は変容と復活、トンボははかなさ、アリは勤勉さと収穫へのこだわりを象徴しています。[ 33 ]

フランドルとオランダの芸術家たちも、古代ギリシャの静物画の伝統であるトロンプ・ルイユ、特に自然の模倣、ミメーシスを復活させ、彼らはこれをベドリーゲルチェ（「小さな欺瞞」）と呼んだ。[ 8 ]これらのタイプの静物画に加えて、オランダの芸術家たちは「台所と市場」の絵画、朝食と食事のテーブルの静物画、ヴァニタスの絵画、寓意的なコレクションの絵画を特定し、個別に発展させた。[ 34 ]

カトリック教徒の多い南ネーデルラントでは、花輪画というジャンルが発展しました。1607年から1608年頃、アントワープの画家ヤン・ブリューゲル（父）とヘンドリック・ファン・バーレンは、（通常は宗教的な）イメージを豊かな静物画の花輪で囲んだこの絵画の制作を始めました。これらの絵画は、静物画家と人物画家という2人の専門家による共同作業でした。ダニエル・ゼーガースがこのジャンルをさらに発展させました。もともと宗教的な役割を担っていた花輪画は、非常に人気を博し、家庭の装飾として広く用いられるようになりました。[ 35 ]

静物画の特別なジャンルとして、いわゆるプロンクスティレヴェン（オランダ語で「派手な静物画」）が挙げられます。この華やかな静物画の様式は、1640年代にアントワープで、フランス・スナイダースやアドリアン・ファン・ユトレヒトといったフランドルの芸術家によって発展しました。彼らは、果物、花、獲物の死骸など、多様な物を描くことで豊かさを強調した静物画を描き、しばしば生きた人物や動物も一緒に描きました。この様式はすぐにネーデルラント共和国の芸術家たちにも取り入れられました。[ 36 ]

この時代に特に人気を博したのがヴァニタス絵画です。果物や花、書物、小像、花瓶、硬貨、宝石、絵画、楽器や科学機器、軍の記章、純銀や水晶などが豪華に配され、人生のはかなさを象徴的に想起させるものが添えられています。さらに、頭蓋骨、砂時計や懐中時計、燃え尽きたろうそく、ページをめくる本などは、感覚的な喜びの儚さを戒めるメッセージとして用いられました。果物や花自体が腐りかけ、あるいは色褪せ始めている様子が描かれることも少なくなく、同じ点を強調しています。

静物画のもう一つの種類はオントビッチェス（朝食画）と呼ばれ、上流階級の人々が好んで食べる料理を文字通り表現すると同時に、暴食を避けるようにという宗教的な戒めも表している。[ 37 ] 1650年頃、サミュエル・ファン・ホーフストラテンは壁掛け用の絵画、トロンプ・ルイユ静物画を描いた。これは壁板に結びつけたり、釘で留めたり、その他の方法で取り付けたりした物を描いたもので、19世紀のアメリカで非常に人気があった静物画の一種である。[ 38 ]もう一つのバリエーションは、特定の職業に関連した物を描いたトロンプ・ルイユ静物画で、コルネリス・ノルベルトゥス・ギースブレヒトの絵画「果物片を乗せた画家のイーゼル」には、画家の道具がすべて描かれている。[ 39 ] 17世紀前半には、「五感」「四大陸」「四季」など、女神や寓意的な人物を適切な自然物や人工物に囲まれた寓意的な形で描いた様々な標本の絵画も人気がありました。[ 40 ]ヴァニタス画やこうした静物画の人気は、すぐにオランダからフランドルやドイツ、さらにはスペイン[ 41 ]やフランスにも広がりました。

オランダの静物画の制作量は膨大で、特に北欧諸国に広く輸出されていました。イギリスではほとんど制作されていませんでした。ドイツの静物画はオランダのモデルを忠実に踏襲していました。ゲオルク・フレーゲルは人物を描かない純粋な静物画の先駆者であり、キャビネット、戸棚、陳列ケースに細部まで描かれた物体を配置し、複数の視点を同時に描くという画期的な手法を生み出しました。[ 42 ]

オランダ、フランドル、ドイツ、フランスの絵画

南ヨーロッパ

ディエゴ・ベラスケスの『卵を焼く老婆』（1618年、スコットランド国立美術館）は、ボデゴンの最も初期の作品の一つである。[ 43 ]

スペイン美術において、ボデゴンとは、食料、狩猟肉、飲み物などの食料庫の品物を描いた静物画であり、多くの場合、簡素な石板の上に配置されたもの、また1人以上の人物を描いた絵画であるが、重要な静物要素が描かれ、典型的には台所や居酒屋が舞台となっている。バロック時代から、このような絵画は17世紀の第2四半期にスペインで人気となった。静物画の伝統は、同時代のネーデルラント連邦共和国、今日のベルギーとオランダ（当時はフランドル人とオランダ人の芸術家）で始まり、南ヨーロッパよりもはるかに人気があったようである。北方の静物画には多くのサブジャンルがあり、朝食の作品には、トロンプ・ルイユ、花束、ヴァニタスが加わった。

スペインではこの種の静物画を好む客ははるかに少なかったが、テーブルの上にいくつかの食べ物と食器を並べた朝食用の作品が人気を博した。ボデゴネスとも呼ばれるスペインの静物画は簡素であった。華やかで豪華な布やガラスの品々に囲まれた豪華な晩餐会を描いたオランダの静物画とは異なっていた。スペイン絵画で描かれる獲物は、皮を剥がされるのを待つだけの簡素な動物であることが多い。果物や野菜は生のままである。背景は荒涼としたものか、あるいは素朴な幾何学模様の木片で、しばしばシュールレアリスト的な雰囲気を醸し出している。オランダとスペインの静物画には道徳的な目的が内在していることが多いものの、その簡素さは、一部の人々がスペイン高原の荒涼とした空気に似ていると感じるほどであり、オランダの静物画に見られる官能的な喜び、豊かさ、そして贅沢さを拒絶しているように思われる。[ 44 ]

フランシスコ・デ・スルバラン、ボデゴン、または陶器の壺のある静物画（1636）、プラド美術館、マドリッド
ジョセファ・デ・アヤラ (ジョセファ・デ・オビドス)、静物画( 1679年頃)、サンタレン、市立図書館

イタリアの静物画（イタリア語で「ナトゥーラ・モルタ」（死んだ自然）と呼ばれる）は人気を集めていたものの、歴史的には歴史、宗教、神話を題材とした「グランド・マナー」の絵画に比べて敬意を払われていませんでした。一方で、成功を収めたイタリアの静物画家たちは、当時多くの後援者を得ていました。[ 45 ]さらに、女性画家は少数ではありましたが、静物画を描くことを選択するか、あるいは静物画のみを描くことが多かったのです。ジョヴァンナ・ガルツォーニ、ローラ・ベルナスコーニ、マリア・テレサ・ファン・ティーレン、フェーデ・ガリツィアなどがその顕著な例です。

他のジャンルでも、多くのイタリアの一流芸術家が静物画を制作した。特に、カラヴァッジョは静物画に彼の影響力のある自然主義的形式を適用した。彼の「果物籠」 （ 1595年頃- 1600年）は、純粋な静物画の最初の例の一つであり、正確に描かれ、目の高さに置かれている。[ 46 ]あからさまに象徴的ではないが、この絵はフェデリコ・ボッロメーオ枢機卿が所有しており、宗教的および美的理由の両方で高く評価された可能性がある。ヤン・ブリューゲルも枢機卿のために「ミラノの大花束」（1606年）を描き、「すべて自然から作った」（fatta tutti del natturel）と主張し、その手間に対して追加料金を請求した。[ 47 ]これらは、枢機卿の膨大な骨董品コレクションに加えて、多くの静物画の一部であった。イタリアの静物画の中でも、ベルナルド・ストロッツィの『料理人』はオランダ風の「台所風景」で、料理人と彼女が調理している狩猟鳥の詳細な肖像画である。[ 48 ]同様に、レンブラントの珍しい静物画の一つである『死んだ孔雀を抱く少女』は、同様に共感的な女性の肖像と狩猟鳥のイメージを組み合わせている。[ 49 ]

カトリック教徒の多いイタリアとスペインでは、純粋なヴァニタス絵画は稀で、静物画の専門家ははるかに少なかった。南ヨーロッパでは、北ヨーロッパの様式と比較して、カラヴァッジョの柔らかな自然主義がより多く用いられ、ハイパーリアリズムへの重点は低い。[ 50 ]フランスでは、静物画（ナチュレ・モルテ）の画家たちは、ネーデルラントのヴァニタス絵画とスペインの簡素な構成から影響を受け、北方派と南方派の両方の影響を受けていた。[ 51 ]

18世紀

ルイス・メレンデス（1716–1780）「リンゴ、ブドウ、メロン、パン、水差し、瓶のある静物画」

18 世紀には、17 世紀の方式が大幅に改良され続け、生産量は減少しました。ロココ様式では、花の装飾が磁器、壁紙、織物、彫刻のある木製家具などでより一般的になったため、購入者は絵画にコントラストの効いた人物を描くことを好むようになりました。ひとつの変化は、現在最も著名な芸術家の大部分を占めるフランス人画家たちの新たな熱意です。一方、イギリス人は輸入に甘んじ続けました。ジャン＝バティスト・シャルダンは、オランダ黄金時代の巨匠たちの作風を土台とし、19 世紀の作品に大きな影響を与えることになる、小さくてシンプルな食べ物やオブジェの集合体を、非常に繊細なスタイルで描きました。獲物の死骸を題材にした絵画は、特に狩猟小屋などで引き続き人気があり、専門家の多くも生きた動物を題材に描いていました。ジャン＝バティスト・ウードリーは、毛皮や羽毛の質感の見事な描写と、それらを際立たせるシンプルな背景（多くの場合、石灰で洗った食料庫の壁の真っ白）を組み合わせました。

18世紀になると、静物画の宗教的・寓意的な含意は多くの場合薄れ、食卓の絵画は、日常の食べ物を描いた、多様な色彩と形態を巧みに表現したものへと進化しました。フランス貴族は、食卓を飾る豊かで贅沢な静物画を描くために画家を雇いましたが、オランダの先人たちが抱いていた道徳的な虚栄心は持ちませんでした。ロココ様式の技巧への愛着は、フランスにおけるトロンプ・ルイユ（フランス語で「目を欺く」）絵画の評価を高めました。ジャン＝バティスト・シャルダンの静物画は、オランダ風のリアリズムからより柔らかなハーモニーまで、様々な技法を用いています。[ 52 ]

アンヌ・ヴァライヤー＝コスターの作品の大部分は、17世紀から18世紀にかけて発展した静物画の表現に捧げられた。[ 53 ]この時代、静物画というジャンルは階層構造の最下層に位置していた。ヴァライヤー＝コスターの絵画には、その魅力を生み出す独特の手法があった。「大胆で装飾的な構図の線、色彩の豊かさと擬似的な質感、そして自然物と人工物の両方を含む様々な対象を描く際に彼女が成し遂げた幻想的な技巧」[ 53 ]が、王立アカデミーや彼女の作品を購入した多くのコレクターの注目を集めた。芸術と自然の相互作用は、オランダ、フランドル、フランスの静物画において非常に一般的であった。 [ 53 ]彼女の作品にはジャン＝バティスト＝シメオン・シャルダンや、作品がはるかに高く評価されている17世紀オランダの巨匠たちの影響がはっきりと表れているが、ヴァライエ＝コスターの作風が他の静物画家たちと比べて際立っているのは、表現上のイリュージョンと装飾的な構成構造を融合させる独自の手法である。[ 53 ] [ 54 ]

18世紀末とフランス王政の崩壊により、ヴァレエール＝コスターの静物画の時代は幕を閉じ、新たな花の画風へと移行した。[ 55 ]この花の画は彼女のキャリアにおけるハイライトであり、最もよく知られている作品であるとも言われている。しかし、花の画は彼女のキャリアにとって無意味だったとも言われている。それでもなお、このコレクションには油彩、水彩、グアッシュによる花の習作が収録されている。[ 55 ]

19世紀

フィンセント・ファン・ゴッホ（1853–1890）、「ひまわり」または「15本のひまわりを挿した花瓶」（1888年）、ナショナル・ギャラリー（ロンドン）
アントワーヌ・ヴォロン作「バターの山」（1875-1885年）

ヨーロッパのアカデミー、特にアカデミック美術で中心的な役割を担っていたアカデミー・フランセーズの台頭により、静物画の人気は下降し始めた。アカデミーは「ジャンルの階層」（または「主題の階層」）という教義を説き、絵画の芸術的価値は主にその主題に基づくとしていた。アカデミーのシステムでは、絵画の最高峰は歴史的、聖書的、または神話的重要性を持つイメージで構成され、静物画の主題は芸術的評価の最も低いランクに追いやられていた。ジョン・コンスタブルやカミーユ・コローなど、一部の芸術家は静物画を用いて自然を賛美する代わりに、風景画をその目的に用いた。

1830年代までに新古典主義が衰退し始めると、写実主義とロマン主義の芸術革命では、風俗画と肖像画が焦点となった。その時代の大芸術家の多くが、静物画を作品に取り入れた。フランシスコ・ゴヤ、ギュスターヴ・クールベ、ウジェーヌ・ドラクロワの静物画は、強い感情の流れを伝え、正確さよりも雰囲気に興味を持っている。[ 56 ]エドゥアール・マネの静物画は、シャルダンの初期の静物画の主題を模倣しているが、強い色調で、明らかに印象派に向かっている。アンリ・ファンタン＝ラトゥールは、より伝統的な技法を用いて、絶妙な花の絵で有名で、コレクター向けの静物画をほぼ専ら描いて生計を立てていた。[ 57 ]

しかし、ヨーロッパでアカデミー制が最終的に衰退し、印象派とポスト印象派の画家たちが台頭するまで、技法と色彩の調和が主題に打ち勝ち、静物画が再び芸術家たちに熱心に描かれることはなかった。初期の静物画でクロード・モネはファンタン＝ラトゥールの影響を示しているが、暗い背景の伝統を破った最初の画家の一人である。ピエール＝オーギュスト・ルノワールも、明るいオレンジ色の背景を持つ「花束と扇のある静物画」 （1871年）で暗い背景を捨て去っている。印象派の静物画には、寓意や神話的な内容はまったくなく、細心の注意を払って細かく描かれた筆遣いも見られない。その代わりに印象派は、幅広く点を打つような筆遣い、色調の値、色の配置といった実験的な表現に重点を置いた。印象派とポスト印象派の画家たちは、自然の色彩設計にインスピレーションを受けていたが、独自の色彩の調和で自然を再解釈したが、それは時に驚くほど非自然的であった。ゴーギャンは「色彩にはそれぞれ意味がある」と述べた。[ 58 ]ギュスターヴ・カイユボットの「果物を台に並べた」では、タイトなクロッピングやハイアングルの使用など、遠近法のバリエーションも試みられた。この絵は当時、「鳥瞰図で果物を並べた」と揶揄された。[ 59 ]

フィンセント・ファン・ゴッホの「ひまわり」は、19世紀の静物画の中でも最もよく知られた作品の一つです。ゴッホは主に黄色の色調と平坦な描写を用いて、静物画史に記憶に残る貢献を果たしました。「画板のある静物」（1889年）は静物画形式の自画像で、パイプ、簡素な食べ物（玉ねぎ）、インスピレーションを与えてくれる本、兄からの手紙など、自身の私生活を描いた多くの品々がテーブルの上に並べられていますが、ゴッホ自身の姿は描かれていません。また、ゴッホはヴァニタス画を模倣した「開いた聖書、ろうそく、本のある静物」（1885年）も制作しています。[ 58 ]

独立戦争時代の米国では、海外で訓練を受けたアメリカ人芸術家たちが、ヨーロッパのスタイルを米国の肖像画や静物画に応用した。チャールズ・ウィルソン・ピールは著名なアメリカ人画家の一族の礎を築き、米国芸術界の主要な指導者として、芸術家養成協会や有名な自然珍品博物館も設立した。彼の息子ラファエル・ピールは、ジョン・F・フランシス、チャールズ・バード・キング、ジョン・ジョンストンらを含む初期米国静物画家のグループの一人でした。 [ 60 ] 19世紀後半には、マーティン・ジョンソン・ヒードが、花や鳥を模擬屋外環境に配置する米国版の生息地またはビオトープ絵画を紹介した。[ 61 ]ジョン・ヘイバール、ウィリアム・マイケル・ハーネット、ジョン・フレデリック・ピートらによるアメリカのトロンプ・ルイユ絵画もこの時期に盛んになった。ピートはノスタルジックな壁掛け絵画を専門とし、一方ハーネットは身近な物を通してアメリカの生活を絵画で表現することで、最高レベルのハイパーリアリズムを実現した。[ 62 ]

19世紀の絵画

20世紀

アンリ・マティス、ゼラニウムのある静物画（1910年）、ピナコテーク・デア・モデルネ、ミュンヘン、ドイツ
ジャン・メッツィンガー、テーブルの上の果物と水差し（1916年）、キャンバスに油彩と砂、115.9 x 81 cm、ボストン美術館

20世紀の最初の40年間は、芸術における例外的な激動と革命の時代でした。前衛芸術運動は急速に進化し、非具象的な完全抽象へと向かう中で重なり合いました。静物画をはじめとする具象芸術は、ジャクソン・ポロックのドリップ・ペインティングに代表される完全抽象化によって、認識可能な内容がすべて排除されるまで、20世紀半ばまで進化と変化を続けました。

この世紀の幕開けとともに、芸術界にはいくつかの潮流が芽生えました。1901年、ポール・ゴーギャンは11年前に亡くなった友人ゴッホへのオマージュとして『ひまわりのある静物画』を描きました。ピエール・ボナールやエドゥアール・ヴュイヤールを含むナビ派と呼ばれるグループは、ゴーギャンの和声理論を継承し、日本の木版画から着想を得た要素を静物画に取り入れました。フランスの画家オディロン・ルドンもこの時期に注目すべき静物画を描き、特に花を題材にしました。[ 63 ]

アンリ・マティスは静物画の描写をさらに簡略化し、鮮やかな色彩で満たされた、大胆で平坦な輪郭線のみに絞り込んだ。また、遠近法を簡素化し、多色の背景を導入した。[ 64 ]彼の静物画の中には、「ナスのある静物画」などがあり、テーブルに置かれたオブジェは、部屋の他の部分を埋め尽くす色彩豊かな模様の中にほとんど埋もれてしまっている。[ 65 ]モーリス・ド・ヴラマンクやアンドレ・ドランといったフォーヴィスムの他の画家たちは、静物画において純粋な色彩と抽象表現をさらに探求した。

ポール・セザンヌは静物画の中に、幾何学的な空間構成における革命的な探求のための完璧な媒体を見出しました。セザンヌにとって静物画は、絵画を単なる描写や模倣から、色彩、形態、線といった要素を独立して表現する絵画へと移行させる主要な手段であり、抽象芸術への大きな一歩でした。さらに、セザンヌの実験は、20世紀初頭のキ​​ュビズム静物画の発展に直接つながったと見なすことができます。[ 66 ]

キュビズムの画家たちは、セザンヌの平面と軸の移動を応用してフォーヴィスムの色彩パレットを抑え、対象を純粋な幾何学的形状と平面へと分解することに焦点を当てた。1910年から1920年にかけて、パブロ・ピカソ、ジョルジュ・ブラック、フアン・グリスといったキュビズムの画家たちは、しばしば楽器を描いた多くの静物画を描き、静物画をほぼ初めて芸術革新の最前線に押し上げた。静物画は、ピカソの楕円形の「籐椅子のある静物画」（1912年）など、最初の総合キュビズムのコラージュ作品の主題でもあった。これらの作品では、静物画の対象が重なり合い混ざり合い、かろうじて識別可能な二次元の形状を維持し、個々の表面の質感を失い、背景に溶け込んでおり、伝統的な静物画とほぼ逆の目的を達成している。[ 67 ]フェルナン・レジェの静物画では、豊富な空白と色彩豊かで明確に定義された重なり合う幾何学的形状の使用が導入され、より機械的な効果を生み出しました。[ 68 ]

マルセル・デュシャンをはじめとするダダ運動のメンバーは、キュビズムによる空間の平面化を拒絶し、根本的に異なる方向性へと進み、立体的な「既成」の静物彫刻を制作しました。未来派やシュルレアリストたちは、静物画に象徴的な意味を取り戻す一環として、見覚えのある静物画を夢の世界に描き出しました。ジョアン・ミロの静物画では、物体は無重力のように見え、軽く示唆された二次元空間に浮かんでおり、山でさえも単純な線で描かれています。[ 66 ]当時のイタリアでは、ジョルジョ・モランディが静物画の第一人者であり、日常的な瓶や台所用品を描くための多様なアプローチを模索しました。[ 69 ]オランダの芸術家M.C.エッシャーは、緻密でありながら曖昧なグラフィックで最もよく知られており、伝統的なオランダの卓上静物画を現代風にアレンジした『静物と街路』（1937年）を制作しました。[ 70 ]イギリスではエリオット・ホジキンが非常に詳細な静物画を描くのに テンペラを使用していました。

20世紀のアメリカの芸術家たちは、ヨーロッパのモダニズムに目覚めると、アメリカン・リアリズムとキュビズム由来の抽象表現を融合させ、静物画の主題を解釈し始めました。この時期のアメリカの静物画の代表例としては、ジョージア・オキーフ、スチュアート・デイヴィス、マースデン・ハートリーの絵画、そしてエドワード・ウェストンの写真が挙げられます。オキーフの超クローズアップの花の絵画は、花びらや葉の物理的な構造と感情的な含意の両方を、これまでにない方法で表現しています。

メキシコでは、1930年代からフリーダ・カーロなどの芸術家が独自のシュルレアリスムを生み出し、静物画の中に地元の食べ物や文化的なモチーフを描きました。[ 71 ]

1930年代以降、抽象表現主義は静物画を形と色彩の生々しい描写へと著しく縮小し、1950年代には完全な抽象表現が美術界を席巻しました。しかし、 1960年代と70年代のポップアートはこの傾向を逆転させ、静物画の新たな形態を生み出しました。多くのポップアート（アンディ・ウォーホルの「キャンベルスープ缶」など）は静物画に基づいていますが、その真の主題は静物画そのものではなく、商品化された商品イメージであることがほとんどです。ロイ・リキテンスタインの「金魚鉢のある静物画」（1972年）は、マティスの純粋な色彩とウォーホルのポップな図像表現を融合させています。ウェイン・ティーボーの「ランチテーブル」 （1964年）は、ある家族の昼食ではなく、標準化されたアメリカの食品の組み立てラインを描いています。[ 72 ]

ジャスパー・ジョーンズを含むネオ・ダダ運動は、ジョーンズの「ペインテッド・ブロンズ」（1960年）や「フールズ・ハウス」（1962年）に見られるように、デュシャンの日常的な家庭用品の三次元的表現に立ち戻り、独自の静物画を生み出した。[ 73 ]抽象画家として出発したアヴィグドール・アリカは、ピエト・モンドリアンの教えを他の作品と同様に静物画に取り入れた。巨匠たちの伝統に再びつながりながらも、彼はモダニズムの形式主義を達成し、一度のセッションで自然光の中で制作し、それを通じて主題がしばしば意外な遠近法で浮かび上がるように現れた。

20世紀の静物画の発展に大きく貢献したのは、セルゲイ・オチポフ、ヴィクトル・テテリン、エフゲニア・アンティポワ、ゲヴォルク・コティアンツ、セルゲイ・ザハロフ、タイシア・アフォニナ、マヤ・コピツェワなどのロシアの芸術家たちです。[ 74 ]

対照的に、 1970年代のフォトリアリズムの台頭は、オブジェ、イメージ、そして商業製品の融合というポップアートのメッセージの一部を維持しながら、幻想的な表現を再確認しました。この点で典型的なのは、ドン・エディとラルフ・ゴーイングスの絵画です。

20世紀の絵画

21世紀

完全に合成されたコンピューター生成の静物画、2006年（ジル・トラン作）

20世紀から21世紀にかけて、静物画の概念は、絵画という伝統的な二次元芸術の枠を超えて、ビデオアートや、彫刻、パフォーマンス、インスタレーションといった三次元芸術へと広がっていきました。ミクストメディアの静物画の中には、拾った物や写真、ビデオ、音を使ったものもあり、ギャラリーでは天井から床まで広がり、部屋全体を埋め尽くすものもあります。静物画家は、ビデオを通して、鑑賞者を作品の中に取り込んできました。コンピュータアートやデジタルアートの登場によって、静物画の概念にもデジタル技術が含まれるようになりました。コンピュータ生成グラフィックスによって、静物画家が利用できる技法の幅が広がっています。3Dコンピュータグラフィックスや、 3Dフォトリアリスティック効果のある2Dコンピュータグラフィックスは、合成静物画像の生成に使用されます。例えば、グラフィックアートソフトウェアには、透明レイヤー上の2Dベクターグラフィックスや2Dラスターグラフィックスに適用できるフィルターが含まれています。視覚芸術家は、 3D効果をコピーまたは視覚化して、フィルターを使わずにフォトリアリスティック効果を 手動でレンダリングしてきました。

参照

注記

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  2. ^ラングミュア、13～14
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参考文献

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  • ヴリーゲ、ハンス（1998）『フランドル美術と建築 1585–1700』イェール大学出版局『ペリカン美術史』ニューヘイブン：イェール大学出版局、ISBN 0-300-07038-1
  • ウィキメディア・コモンズの静物画関連メディア
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