アール・ヌーヴォー

アール・ヌーヴォー
左上から時計回り：エクトール・ギマール作「パリ・メトロ駅アベス」 （1900年）、オットー・エックマン作「ユーゲント」誌の表紙（1896年）、ルイ・マジョレル作の壁面キャビネット、ヴィクトール・オルタ作「ブリュッセルのタッセル館」（1892～1893年）、ルイ・コンフォート・ティファニー作のランプ（1900～1910年）
活動期間 1883年～1914年頃
所在地西洋諸国

アールヌーボー( / ˌ ɑː r ( t ) n uː ˈ v oʊ / AR(T) noo- VOH ;フランス語: [aʁ nuvo]ⓘ ;「新しい芸術」を意味するユーゲントシュティールは、国際的な芸術、建築、応用芸術、とりわけ装飾芸術様式。植物や花のしなやかな曲線など、自然の形状にインスピレーションを得たものが多かった。 [ 1 ]アール・ヌーヴォーのその他の特徴は、非対称性やむち打ち状の線によって表現される躍動感や動き、そして鉄、ガラス、陶磁器、後にコンクリートといった近代的な素材を使用して珍しい形状やより広いオープンスペースを作り出していることである。 [ 2 ]アール・ヌーヴォーはベル・エポックの1890年から1910年にかけて人気があり、 [ 3 ] 19世紀の建築や装飾芸術の アカデミズム、折衷主義、歴史主義に対する反動であった

アール・ヌーヴォーの大きな目的の一つは、伝統的な美術（特に絵画と彫刻）と応用美術の区別を打破することだった。インテリアデザイン、グラフィックアート、家具、ガラス工芸、織物、陶磁器、宝飾品、金属細工の分野で最も広く用いられた。この様式は、フランスの建築家ウジェーヌ＝エマニュエル・ヴィオレ＝ル＝デュック（1814年 - 1879年）やイギリスの美術評論家ジョン・ラスキン（1819年 - 1900年）といった19世紀を代表する理論家たちの影響を受けた。イギリスでは、ウィリアム・モリスとアーツ・アンド・クラフツ運動の影響を受けた。ドイツの建築家やデザイナーは、建築、家具、そしてインテリアにおける芸術を共通の様式で統一し、住む人の精神を高揚させ、刺激を与える、総合芸術（Gesamtkunstwerk）を求めた。[ 2 ]

最初のアール・ヌーヴォー様式の住宅と室内装飾は1890年代にブリュッセルで、ポール・ハンカール、アンリ・ファン・デ・ヴェルデ、そして特にヴィクトール・オルタが設計した住宅の建築とインテリアデザインに現れた。オルタのタッセル邸は1893年に完成した。[ 4 ] [ 5 ] [ 6 ]それはすぐにパリに伝わり、エクトール・ギマールがブリュッセルでオルタの作品を見て、その様式を新しいパリの地下鉄の入り口に採用した。アール・ヌーヴォー様式は、ルイ・ティファニーなどの芸術家によるアール・ヌーヴォーの作品が紹介された1900年のパリ万国博覧会でピークを迎えた。アルフォンス・ミュシャのポスター、ルネ・ラリックとエミール・ガレのガラス製品など、グラフィックアートにも現れた。

アール・ヌーヴォーはイギリスからベルギー、スペイン、フランスへと広がり、その後ヨーロッパ各地へと広がり、各国で異なる名称と特徴を獲得しました（下記の名称の項を参照）。首都だけでなく、芸術的アイデンティティを確立しようとした急成長都市（イタリアのトリノとパレルモ、スコットランドのグラスゴー、ドイツのミュンヘンとダルムシュタット、スペインのカタルーニャ地方のバルセロナ）や、独立運動の中心地（当時ロシア帝国の一部であったフィンランドの ヘルシンキ）にもしばしば現れました。

1914年、第一次世界大戦の勃発により、アール・ヌーヴォーはほぼ衰退しました。1920年代には、アール・デコ、そしてモダニズムが、建築・装飾芸術の主流としてアール・ヌーヴォーに取って代わりました。[ 7 ]アール・ヌーヴォー様式は1960年代後半に批評家からより肯定的な注目を集め始め、 1970年にはニューヨーク近代美術館でエクトール・ギマールの大規模な展覧会が開催されました。[ 8 ]

ネーミング

アール・ヌーヴォーという用語は、1880年代にベルギーの雑誌『ラル・モダーン』で、芸術を通して改革を求めた20人の画家と彫刻家による20人の作品を説明するために初めて使用されました。この名称は、1895年にフランス系ドイツ人の美術商ジークフリート・ビングがパリにオープンしたアートギャラリー、メゾン・ド・ラル・ヌーヴォー（「新しい芸術の家」）によって広まりました。英国ではフランス語のアール・ヌーヴォーが一般的に使用され、フランスではスタイル・モダーン（英国のモダン・スタイルに類似）またはスタイル1900と呼ばれることが多かったです。[ 9 ]フランスでは、スタイル・ジュール・ヴェルヌ（小説家ジュール・ヴェルヌにちなんで）、スタイル・メトロ（エクトール・ギマールの鉄とガラスの地下鉄の入り口にちなんで）、アール・ベル・エポック、またはアート・フィン・ド・シエクルと呼ばれることもありました。[ 10 ]

アール・ヌーヴォーは、言語によって様々な名称で知られています。ドイツ語ではユーゲントシュティール、イタリア語ではスティレ・リバティ、カタルーニャ語ではモダニズム、英語ではモダン・スタイルとも呼ばれています。この様式は、ヨーロッパやその他の国々でほぼ同時期に出現した様式としばしば関連していますが、必ずしも同一ではありません。それぞれの国では、運動全体を表すために、それぞれの地方の名称が使われることが多かったのです。

  • 当時オーストリア＝ハンガリー帝国の一部であったオーストリアおよび近隣諸国では、ウィーン分離派（ハンガリー語：szecesszió、チェコ語：secese、スロバキア語：secesia、ポーランド語：secesja ）の芸術家にちなんで、 Wiener Jugendstil（「ウィーンの若者様式」）またはSeccessionsstil（「分離派様式」）と呼ばれていました。
  • ベルギーでは、批判者によってStyle coup de fouet（「むち打ちスタイル」）、Paling Stijl（「ウナギスタイル」）、またはStyle nouille （「麺スタイル」）と呼ばれることもあった。 [ 10 ]
  • 英国では、アール・ヌーヴォーのほかにモダン・スタイル、あるいはグラスゴー派の作品にちなんでグラスゴー・スタイルとして知られていました。
  • デンマークでは、Skønvirke（「美の作品」）として知られています。
  • ドイツとスカンジナビアでは、ドイツの人気美術雑誌ユーゲントにちなんで、レフォルムシュティール（「改革様式」）またはユーゲントシュティール（「若者様式」） [ 10 ]と呼ばれていたほか、ヴェレンシュティール（「波様式」）またはリリエンシュティール（「ユリ様式」）[ 9 ]とも呼ばれていた。現在では、フィンランド、スウェーデン、ノルウェーではユーゲント、エストニアではユーゲント、ラトビアではユーゲントシュティールと呼ばれている。フィンランドでは、カレワラ様式とも呼ばれていた。
  • イタリアでは、ロンドンのリバティ社（Liberty & Co.）の創業者で、テキスタイルデザインで人気を博したアーサー・レーゼンビー・リバティにちなんで、スティレ・リバティ（Stile Liberty）と呼ばれることが多かった。また、スティレ・フロレアーレ（Stile floreale）やアルテ・ヌオーヴァ（arte nuova）と呼ばれることもあったが、現在は使われていない。[ 10 ]
  • 日本では白馬[ 11 ]
  • オランダでは、Nieuwe Kunst (「新しい芸術」) またはNieuwe Stijl (「新しいスタイル」)。[ 12 ] [ 9 ]
  • ポーランドではSecesja (「分離」)。[ 13 ]
  • ポルトガルでは、Arte nova (「新しい芸術」)。
  • ルーマニアでは、Arta 1900 (「1900 年芸術」)、Arta Nouă (「新しい芸術」)、またはNoul Stil (「新しいスタイル」)。[ 14 ]
  • スペインでは、モデルニスモ、モダニズム（カタロニア語）、アルテ・ホベン（「若い芸術」）。
  • スイスではスタイルサパン（「モミの木スタイル」）と呼ばれます。[ 9 ]
  • アメリカ合衆国では、ルイス・カムフォート・ティファニーとの関連から、ティファニー様式と呼ばれることもあった。[ 2 ] [ 12 ] [ 9 ] [ 15 ]
  • 「モダン」という用語は、当時のロシア帝国で使用され、アゼルバイジャン、カザフスタン、ロシア、ウクライナなどの現在の後継国でも現在も使用されています。リトアニアでは「モデルナス」と呼ばれています。絵画に関しては、「ミール・イスクストヴァ（芸術の世界）」運動の名称も使用されていました。

歴史

起源

この新しい芸術運動は、イギリスのウィリアム・モリスの花のデザインと、モリスの弟子たちが創設したアーツ・アンド・クラフツ運動にそのルーツがある。この様式の初期の原型には、モリスが内装を、フィリップ・ウェッブが建築を担当したレッド・ハウス（1859年）や、ジェームズ・アボット・マクニール・ホイッスラーの豪華なピーコック・ルームなどがある。この新しい運動は、ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティやエドワード・バーン＝ジョーンズといったラファエル前派の画家たち、そして特に1880年代のイギリスのグラフィック・アーティスト、セルウィン・イメージ、ヘイウッド・サムナー、ウォルター・クレイン、アルフレッド・ギルバート、そして特にオーブリー・ビアズリーの影響を強く受けた。[ 16 ]アーサー・マックマードがデザインした椅子は、アール・ヌーヴォー・デザインの先駆けとして認識されている。[ 17 ]

フランスでは、歴史的なボザール建築様式の公然たる反対者であった建築理論家であり歴史家でもあるウジェーヌ・ヴィオレ＝ル＝デュックの影響を受け、彼の合理主義理論は中世美術の研究から派生したものである。

  • 機能が形態を定義するべきである。[ 18 ]
  • 芸術の統一と主要芸術（建築）と副次芸術（装飾芸術）の区別の廃止。[ 19 ]
  • 自然の論理は建築に使われるモデルである。[ 20 ]
  • 建築は人間の環境とニーズに適応するべきです。
  • 近代的な技術と材料の使用。[ 21 ]

ヴィオレ＝ル＝デュク自身もアール・ヌーヴォーの先駆者であった。1851年、パリのノートルダム大聖堂に、この様式の典型的な壁画を多数制作した。[ 22 ]これらの絵画は1945年に非アカデミックとみなされて撤去された。ボルドー地方のロケタイヤード城では、1865年に制作された室内装飾にもアール・ヌーヴォーの先駆けが見られる。1872年に出版された著書『建築論』の中で、彼は次のように述べている。「現代ではもはや通用しない、介在する伝統にとらわれることなく、時代が与えてくれた手段と知識を活用することで、新しい建築を創り出すことができる。それぞれの機能には素材があり、それぞれの素材には形態と装飾があるのだ。」[ 23 ]この本は、ルイ・サリヴァン、ヴィクトール・オルタ、エクトル・ギマール、アントニ・ガウディといった世代の建築家に影響を与えた。[ 24 ]

フランスの画家モーリス・ドニ、ピエール・ボナール、エドゥアール・ヴュイヤールは、美術絵画と装飾の融合において重要な役割を果たしました。「絵画は何よりもまず装飾でなければならないと私は信じている」とドニは1891年に記しています。「主題や場面の選択は重要ではない。色調の価値、色面、そして線の調和によってこそ、私は精神に訴えかけ、感情を呼び覚ますことができるのだ。」[ 25 ]これらの画家たちは皆、屏風、ガラス、その他の画材を用いて、伝統的な絵画と装飾画の両方を制作しました。[ 26 ]

新しいスタイルに重要な影響を与えたもう1つのものがジャポニスムである。これは日本の木版画、特に広重、葛飾北斎、歌川国貞の作品に対する熱狂的な流行であり、1870年代初頭にヨーロッパに輸入された。進取の気性に富んだジークフリート・ビングは1888年に月刊誌「Le Japon artistique」を創刊し、1891年に廃刊するまでに36号を刊行した。それはグスタフ・クリムトを含むコレクターと芸術家の両方に影響を与えた。日本の版画の様式化された特徴は、アール・ヌーヴォーのグラフィック、磁器、宝石、家具に現れた。1860年の初めから、極東の影響が突如として現れた。1862年には、日本が初めてロンドン万国博覧会に出展したため、ロンドンやパリの芸術愛好家は日本の芸術作品を購入できた。 1862年、パリのリヴォリ通りにラ・ポルト・シノワーズ店が開店し、日本の浮世絵をはじめとする極東の美術品が販売されました。1867年にはオーウェン・ジョーンズの『中国の装飾品』が、1870年にはR・アルコックの『日本の美術と産業』が出版され、その2年後にはOH・モーザーとTW・カトラーが日本美術に関する書籍を出版しました。ヴィクトール・オルタのようなアール・ヌーヴォーの芸術家の中には、極東美術、特に日本美術のコレクションを所有していた者もいました。[ 11 ]

印刷と出版における新技術のおかげで、アール・ヌーヴォーは瞬く間に世界中の人々に広まった。写真やカラー・リトグラフを掲載した美術雑誌は、この新しい様式を広める上で重要な役割を果たした。イギリスの『アトリエ』 、フランスの『アール・エ・イデー』と『アール・エ・デコレーション』 、ドイツの『ユーゲント』によって、この様式はヨーロッパ各地に急速に広まった。イギリスのオーブリー・ビアズリー、ウジェーヌ・グラッセ、アンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレック、フェリックス・ヴァロットンは、挿絵画家として国際的に認知された。[ 27 ]ジュール・シェレが1893年にダンサーのロイ・フラーのために、そしてアルフォンス・ミュシャが1895年に女優サラ・ベルナールのために制作した ポスターによって、ポスターは単なる広告ではなく芸術の一形態となった。サラ・ベルナールは、収集家向けに販売するために大量のポスターを取っておいた。[ 28 ]

発展 – ブリュッセル (1893–1898)

最初のアール・ヌーヴォー様式のタウンハウスである、ポール・ハンカール設計のハンカール・ハウス（1893年）とヴィクトール・オルタ設計のタッセル・ホテル（1892～1893年）[ 4 ] [ 5 ]は、ブリュッセルでほぼ同時に建設されました。両者は独創性においては類似していましたが、デザインと外観は大きく異なっていました。

ヴィクトール・オルタは初期アール・ヌーヴォーで最も影響力のある建築家の一人であり、ブリュッセルにある彼のホテル・タッセル（1892-1893）はこの様式のランドマークの一つである。[ 29 ] [ 30 ]オルタはレオポルド2世の建築家であり、ラーケンの巨大な鉄とガラスの王室温室を建設したアルフォンス・バラの助手として建築の訓練を受けた。[ 31 ]彼はヴィオレ・ル・デュクの大ファンであり、その考えに完全に共感した。[ 32 ] [ 33 ] 1892年から1893年にかけて、彼はこの経験を全く異なる用途に用いる。彼は非常に狭く奥行きの深い敷地に、著名なベルギーの化学者エミール・タッセルの邸宅を設計した。家の中心となるのは階段で、壁で囲まれておらず、オープンで、カールした錬鉄製の手すりで装飾され、高い天窓の下に設置されていました。床は木の幹のような細い鉄の柱で支えられていました。モザイクの床と壁は花や植物の形の繊細なアラベスク模様で飾られ、この様式で最も人気のある特徴となりました。[ 34 ] [ 35 ]オルタは短期間でさらに3軒のタウンハウスを建てました。すべてオープンな内部を持ち、室内の光を最大限に取り込むためにすべて天窓がありました。ホテル ソルベイ、ホテル ファン エートフェルデ(エドモンド ファン エートフェルデにちなんで)、メゾン & アトリエ オルタです。現在、4軒すべてがユネスコの世界遺産に登録されています。

ポール・ハンカールもまた、初期アール・ヌーヴォーの革新者であった。エノー県フレーマリーで石工の親方の息子として生まれたハンカールは、装飾彫刻家として働きながら、1873年から1884年までブリュッセル王立美術アカデミーで装飾彫刻と装飾法を学んだ。1879年から1894年にかけて、ハンカールは折衷主義と新古典主義建築の巨匠である著名な建築家アンリ・ベヤールのスタジオで働いた。ベヤールを通して、ハンカールはヴィオレ・ル・デュクの崇拝者にもなった。[ 36 ] 1893年、ハンカールはブリュッセルに自身の邸宅であるハンカール・ハウスを設計し、建設した。美術と装飾芸術の統合を目標とし、彫刻家のルネ・ヤンサンスと画家のアルベール・チャンベルラーニを招き、内外をスグラフィティ、つまり壁画で装飾した。ファサードとバルコニーには鉄の装飾と、様式化された花模様の曲線が特徴的で、アール・ヌーヴォーの重要な特徴となった。彼はこのモデルを基に、友人の芸術家のためにいくつかの家を建てた。また、ブリュッセルの商店、レストラン、ギャラリーのために、革新的なガラスのショーウィンドウを数多くデザインし、地元の批評家はそれを「まさに独創性の狂騒」と評した[ 37 ] 。彼は1901年、アール・ヌーヴォー運動が認知され始めたまさにその時に亡くなった[ 38 ]。

アントワープ生まれのヘンリー・ファン・デ・ヴェルデも、アール・ヌーヴォー誕生の立役者の一人である。ファン・デ・ヴェルデのデザインには、ブリュッセルの邸宅、ヴィラ・ブルーメンヴェルフ（1895年）の内装も含まれている。[ 39 ] [ 40 ]家の外観は、アーツ・アンド・クラフツ運動の創始者である作家で理論家のウィリアム・モリスの邸宅、レッド・ハウスからインスピレーションを得ている。画家として訓練を受けたファン・デ・ヴェルデは、イラストレーション、次に家具デザイン、そして最後に建築家へと転向した。ヴィラ・ブルーメンヴェルフのために、彼は邸宅のスタイルに合わせた織物、壁紙、銀食器、宝石、さらには衣服までも制作した。[ 41 ]ファン・デ・ヴェルデはパリに行き、ドイツ系フランス人の美術商ジークフリート・ビングのために家具や装飾をデザインした。ビングのパリのギャラリーがこのスタイルに名前をつけた。彼は初期のアール・ヌーヴォー理論家でもあり、ダイナミックでしばしば対立する線の使用を主張した。ファン・デ・ヴェルデは次のように記している。「線は他のあらゆる基本的な力と同様に力である。複数の線が組み合わされながらも対立していれば、複数の力と同じくらい強い存在感を持つ」。1906年、彼はベルギーを離れ、ワイマール（ドイツ）へ渡り、そこで大公工芸学校を設立した。そこでは歴史的様式の教育は禁じられていた。彼はドイツ工作連盟で重要な役割を果たした後、ベルギーに戻った。[ 42 ]

ブリュッセルにおけるアール・ヌーヴォー建築の登場は、この新しい様式の装飾芸術の波を伴っていました。重要な芸術家としては、錬鉄を用いてブリュッセルのファサードにバロック調の効果をもたらしたギュスターヴ・ストラウヴェン、独創的な椅子や関節式金属家具で知られる家具デザイナーのギュスターヴ・セルリエ＝ボヴィ、そしてトンボ、蝶、白鳥、蛇をモチーフにした宝飾品を制作した宝飾デザイナーのフィリップ・ウォルファースなどがいます。[ 43 ]

1897年に開催されたブリュッセル万国博覧会では、このスタイルが国際的な注目を集め、オルタ、ハンカール、ファン・デ・ヴェルデ、セルリエ＝ボヴィなどが博覧会のデザインに参加し、アンリ・プリヴァ＝リヴモンが博覧会のポスターを制作しました。

パリ – アール ヌーヴォー メゾン (1895 年) およびカステル ベランジェ (1895 ～ 1898 年)

フランス系ドイツ人の美術商で出版者のジークフリート・ビングは、この様式の普及に重要な役割を果たした。1891年、彼は日本美術に関する雑誌を創刊し、ヨーロッパでジャポニスムを普及させるのに貢献した。1892年には、ピエール・ボナール、フェリックス・ヴァロットン、エドゥアール・ヴュイヤール、トゥールーズ＝ロートレック、ウジェーヌ・グラッセを含む7人の画家による展覧会を企画し、近代絵画と装飾美術の両方を展示した。この展覧会は、 1895年に国立美術協会で開催された。同年、ビングはパリのプロヴァンス通り22番地に、美術と装飾美術の両方の新作を展示する新しいギャラリー、メゾン・ド・ラル・ヌーヴォーをオープンした。ギャラリーの内装と家具は、アール・ヌーヴォー建築の先駆者の1人であるベルギー人建築家アンリ・ファン・ド・ヴェルデが設計した。アール・ヌーヴォー館では、ジョルジュ・スーラ、ポール・シニャック、トゥールーズ＝ロートレックの絵画、ルイ・コンフォート・ティファニーやエミール・ガレのガラス製品、ルネ・ラリックの宝飾品、オーブリー・ビアズリーのポスターなどが展示されました。展示作品のスタイルは全く統一されていませんでした。ビングは1902年にこう記しています。「アール・ヌーヴォーは、創設当時、一般的な用語となる栄誉を決して望んでいませんでした。それは単に、自らの傾向の現代性を示すことを待ち焦がれていた若く熱心な芸術家たちの結集点として開かれた館の名前に過ぎませんでした。」[ 44 ]

この様式は隣国フランスでもすぐに注目を集めた。オルタのタッセル邸を訪れたエクトール・ギマールは、 1895年から1898年にかけて、パリでこの新しい様式を採用した最初の建物の一つであるベランジェ城を建設した。 [注1 ]パリ市民は、ナポレオン3世の治世下、ジョルジュ・ウジェーヌ・オスマンによって建設された大通りの建築の単調さに不満を抱いていた。ベランジェ城は、ネオゴシックとアール・ヌーヴォーの奇妙な融合であり、曲線を描く鞭のような線と自然な形状を特徴としていた。自らの作品を巧みに宣伝したギマールは、「絶対に避けなければならないのは…平行と対称性だ。自然はあらゆるものの中で最も偉大な建築者であり、自然は平行なものも対称的なものも作らない」と断言した。[ 46 ]

パリ市民はギマールの独創的で絵画的な様式を歓迎し、ベランジェ城はパリで最も優れた新しいファサードの一つに選ばれ、ギマールのキャリアをスタートさせました。ギマールは新しいパリ地下鉄の入口の設計を依頼され、1900年のパリ万国博覧会を訪れた何百万人もの人々の注目を集めました。[ 10 ]

パリ万国博覧会(1900)

1900年のパリ万博は、アール・ヌーヴォーの最高潮を象徴するものでした。1900年4月から11月にかけて、世界中から5000万人近くの来場者を集め、アール・ヌーヴォー様式の建築、デザイン、ガラス製品、家具、装飾品が展示されました。万博の建築様式は、アール・ヌーヴォーとボザール様式の融合を特徴としていました。メイン展示ホールであるグラン・パレは、内部の壮麗なアール・ヌーヴォー様式の階段や展示ホールとは全く異なるボザール様式のファサードを備えていました。

フランスのデザイナーたちは皆、博覧会のために特別な作品を制作した。ラリックのクリスタルと宝飾品、アンリ・ヴェヴェールとジョルジュ・フーケの宝飾品、ドームのガラス、セーヴル磁器製作所の磁器、アレクサンドル・ビゴの陶磁器、エミール・ガレの彫刻ガラスのランプと花瓶、エドゥアール・コロンナとルイ・マジョレルの家具、その他多くの著名な工芸品会社などである。1900年のパリ万博では、ジークフリート・ビングがアール・ヌーヴォー・ビングと呼ばれるパビリオンを出展した。このパビリオンは、アール・ヌーヴォー様式で完全に装飾された6つの異なる内装を特徴としていた。[ 47 ] [ 48 ]

この博覧会は、ヨーロッパ内外のアール・ヌーヴォーのデザイナーや芸術家たちが国際的に集まる初の展示会であった。受賞者や参加者には、ボスニア・ヘルツェゴビナ館の壁画を制作し、同館のレストランのメニューをデザインしたアルフォンス・ミュシャ、ベルリンの装飾家兼デザイナーのブルーノ・パウルとブルーノ・メーリング、トリノのカルロ・ブガッティ、バイエルンのベルンハルト・パンコック、ロシアの建築家兼デザイナーのフョードル・シェフテル、アメリカのルイス・コンフォート・ティファニー・アンド・カンパニーなどがいた。 [ 49 ]ウィーン出身の建築家オットー・ワーグナーは審査員の一人で、ウィーンにある自身のアパートメントのアール・ヌーヴォー様式の浴室の模型をガラス製の浴槽を特徴として提出した。[ 50 ]ヨーゼフ・ホフマンはパリの博覧会でウィーンの展示を設計し、ウィーン分離派のデザインを強調した。[ 51 ]エリエル・サーリネンは、フィンランドパビリオンの想像力豊かなデザインによって初めて国際的な評価を得ました。[ 52 ]

パリ万博は群を抜いて規模が大きかったが、他の万博もこの様式の普及に大きく貢献した。1888年のバルセロナ万博は、リュイス・ドメネク・イ・ムンタネーの建築物によってスペインにおけるモダニズム様式の幕開けとなった。1902年にイタリアのトリノで開催された国際近代装飾美術展では、ベルギーのヴィクトール・オルタやウィーンのジョセフ・マリア・オルブリッヒなどヨーロッパ各地のデザイナーに加え、カルロ・ブガッティ、ガリレオ・キーニ、エウジェニオ・クアルティといった地元の芸術家たちの作品が展示された。[ 53 ]

地域的なバリエーション

フランスのアール・ヌーヴォー

1900年のパリ万博以降、アール・ヌーヴォーの中心地はパリとなった。この様式で最も豪華な住宅はジュール・ラヴィロットによって建てられ、彼はファサード全体を陶器の彫刻装飾で覆った。最も華やかな例は、ラップ通り29番地のラヴィロット・ビルディング（1901年）である。オフィスビルやデパートには、ステンドグラスのキューポラと陶器の装飾で覆われた高い中庭が設けられていた。この様式は特にレストランやカフェで人気があり、ロワイヤル通り3番地のマキシムやリヨン駅のル・トラン・ブルー（1900年）などがその例である。[ 54 ]

パリの地位は、海外の芸術家を惹きつけました。スイス生まれの芸術家ウジェーヌ・グラッセは、フランスのアール・ヌーヴォー・ポスターの先駆者の一人です。1885年には有名なキャバレー「ル・シャ・ノワール」の装飾を手がけ、パリの祭典「フェット・ド・パリ」のポスターを初めて制作し、1890年にはサラ・ベルナールの有名なポスターを制作しました。パリでは、ゲラン美術学校（École normale d'enseignement du dessin ）で教鞭をとり、アウグスト・ジャコメッティやポール・ベルトンらを弟子に迎えました。[ 55 ] [ 56 ]スイス生まれのテオフィル＝アレクサンドル・スタンランは1896年にパリのキャバレー「黒い猫」の有名なポスターを制作した。チェコの芸術家アルフォンス・ミュシャ（1860–1939）は1888年にパリを訪れ、1895年にルネサンス劇場で上演されたヴィクトリアン・サルドゥ作の劇「ジスモンダ」に出演する女優サラ・ベルナールのポスターを制作した。このポスターの成功により、ベルナールのさらに6つの劇のポスター制作契約が結ばれた。

ロレーヌ地方のナンシーは、この新しい様式のもう一つの首都となりました。1901年、ナンシー美術学校としても知られる地方芸術産業同盟が設立され、絵画と彫刻を装飾芸術よりも上位に置くという階層構造を覆すことを目指しました。ここで活躍した主要な芸術家には、ガラスの花瓶やランプを制作したエミール・ガレ、ガラスデザインのドーム兄弟、そして優美な花や植物をモチーフにした家具を制作したデザイナーのルイ・マジョレルなどがいます。建築家アンリ・ソヴァージュは、 1902年に マジョレル邸を建設し、この新しい建築様式をナンシーにもたらしました。

フランス風のスタイルは、『ザ・スタジオ』、『アール・エ・イデ』、『アール・エ・デコレーション』などの新しい雑誌によって広く宣伝され、これらの雑誌に掲載された写真やカラー・リトグラフによって、世界中のデザイナーや裕福な顧客に知られるようになりました。

フランスでは、アール・ヌーヴォー様式は1900年に最盛期を迎えましたが、その後急速に廃れていき、1905年にはフランスから事実上姿を消しました。アール・ヌーヴォーは高級な様式であり、熟練した高給の職人を必要とし、容易かつ安価に大量生産することはできませんでした。アール・ヌーヴォー様式で大量生産が可能だった数少ない製品の一つが香水瓶で、現在でもこの様式で製造されています。

ベルギーのアール・ヌーヴォー

ベルギーは、アール・ヌーヴォーの初期の中心地でした。これは主にヴィクトール・オルタの建築によるものです。オルタは、1893年にアール・ヌーヴォー様式の初期の住宅の一つであるタッセル邸と、同じ様式のバリエーションを持つ3棟のタウンハウスを設計しました。これらは現在、ユネスコ世界遺産に登録されています。オルタは、建設中のタッセル邸を見学に訪れた若きエクトール・ギマールの作品に強い影響を与え、後にオルタこそがアール・ヌーヴォーの「発明者」であると宣言しました。 [ 57 ]オルタの革新性はファサードではなく、内装にありました。鉄とガラスをふんだんに用いて空間を広げ、部屋に光を満たし、錬鉄製の柱や植物のような曲線を描く手すりで装飾しました。これらの装飾は、オルタがデザインした床や壁、家具やカーペットにも反映されていました。[ 58 ]

ポール・ハンカールはブリュッセルのアール・ヌーヴォーの先駆者でした。彼の邸宅は1893年、オルタのタッセル邸と同じ年に完成し、ファサードにはスグラフィティの壁画が描かれていました。ハンカールはヴィオレ＝ル＝デュクとイギリスのアーツ・アンド・クラフツ運動の思想の両方に影響を受けていました。彼の構想は、装飾美術と美術を一貫した統一体として融合させることでした。彼は彫刻家アルフレッド・クリックと画家アドルフ・クレスパンに、住宅のファサードを彼らの作品で装飾するよう依頼しました。最も印象的な例は、ブリュッセルのデファック通り48番地に芸術家アルバート・チャンベルラーニのために建てられた住宅兼アトリエである。チャンベルラーニは、人物や装飾を描いたスグラッフィートの壁画で覆われた華やかなファサードを制作し、 15世紀イタリアの装飾建築を再現した。 [ 31 ]ハンカールは、作品が評価され始めた1901年に亡くなった。[ 59 ]

ギュスターヴ・ストラウヴェンは、オルタの助手デザイナーとしてキャリアをスタートさせ、21歳で自身の事務所を設立し、ブリュッセルで最も豪華なアール・ヌーヴォー様式の建物をいくつか手がけました。彼の最も有名な作品は、アンビオリックス広場11番地にあるサン＝シール邸です。この邸宅は幅わずか4メートル（13フィート）ですが、彼の精巧な建築的工夫によって並外れた高さを実現しています。建物全体が多色のレンガと錬鉄製の渦巻状の植物模様で覆われており、アール・ヌーヴォー・バロック様式をほぼ体現しています。[ 60 ]

ベルギー出身の他の重要なアール・ヌーヴォー芸術家には、建築家兼デザイナーのアンリ・ファン・デ・ヴェルデがいる。彼のキャリアの最も重要な時期はドイツで過ごしたが、彼はユーゲントシュティールの装飾に大きな影響を与えた。その他、装飾家のギュスターヴ・セルリエ＝ボヴィやグラフィックアーティストのフェルナン・クノップフなどがいた。[ 5 ] [ 61 ] [ 62 ]ベルギーのデザイナーたちは、ベルギー領コンゴから輸入された豊富な象牙を活用し、フィリップ・ヴォルファースなどの芸術家による石、金属、象牙を組み合わせた混合彫刻が人気を博した。[ 63 ]

オランダの新美術館

オランダでは、この様式はニューウェ・スティル（「新様式」）またはニューウェ・クンスト（「新芸術」）として知られ、ベルギーの花柄や曲線を多用した様式とは異なる方向性を示しました。ドイツのユーゲントシュティールやオーストリアのウィーン分離派といった、より幾何学的で様式化された様式の影響を受けています。[ 63 ]また、インドネシア、そしてオランダ領東インドからの美術品や輸入木材、特にジャワ島の織物やバティックのデザインにも影響を受けています。

この様式における最も重要な建築家であり家具デザイナーはヘンドリック・ペトルス・ベルラーヘで、彼は歴史的様式を非難し、純粋に機能的な建築を提唱しました。彼は「幻想ではなく本質を見出すためには、幻想の芸術と闘い、虚偽を認識することが必要だ」と記しています。[ 64 ]ヴィクトル・オルタやガウディと同様に、ベルラーヘはヴィオレ＝ル＝デュクの建築理論を崇拝していました。[ 64 ]彼の家具は厳密に機能的であり、金属のように曲げたりねじったりするのではなく、木材の自然な形状を尊重して設計されました。彼はエジプトの家具を例に挙げ、直角の椅子を好みました。彼の最初の、そして最も有名な建築作品は、アムステルダム商品取引所であるベルラーヘ（1896-1903）で、構成主義の原則に従って建設されました。メインルームの壁を飾るリベットのラインを含め、すべてが機能的でした。彼は建物をより目立たせるために非常に高い塔を建てることが多かったが、これはウィーンのジョセフ・マリア・オルブリッヒやフィンランドのエリエル・サーリネンなど、同時代の他のアール・ヌーヴォー建築家たちも行っていた手法である。[ 65 ]

この様式の建物としては他に、W・クロムハウトとHG・ヤンセン設計のアメリカン・ホテル（1898年 - 1900年）、アムステルダムのヘルマン・ヘンドリック・バーンダーズとゲリット・ファン・アルケル設計のアストリア（ 1904年 - 1905年） 、ハールレムの鉄道駅（1906年 - 1908年）、ロッテルダムの旧ホランド・アメリカラインズ事務所ビル（現在はホ​​テル・ニューヨーク）（1917年）などがある。

このスタイルの著名なグラフィック・アーティストやイラストレーターには、ヤン・トゥーロップがいます。彼の作品は、サラダ油のポスターに見られるように、神秘主義や象徴主義に傾倒していました。色彩やデザインには、ジャワ美術の影響も見られることがありました。[ 65 ]

オランダの陶磁器の重要な作家には、ユリアーン・コックとテオ・コレンブランダーがいます。彼らは色鮮やかな花模様や伝統的なアール・ヌーヴォーのモチーフを、ジャワのバティック装飾から借用した独特の陶器の形状と明暗のコントラストと組み合わせました。[ 66 ]

イギリスのモダンスタイルとグラスゴー派

アール・ヌーヴォーは、1860年代に始まり、1880年代までに国際的な認知を得たイギリスのアーツ・アンド・クラフツ運動にその起源を持つ。装飾芸術のより高度な扱いを要求し、中世の職人技とデザイン、そして自然からインスピレーションを得た。 [ 69 ]モダン・スタイルの初期の注目すべき例としては、アーサー・マックマードが1883年に出版したサー・クリストファー・レンの都市教会に関するエッセイの表紙デザインと、同年にデザインされたマホガニーの椅子が挙げられる。[ 70 ]

イギリスにおける他の重要な革新者としては、グラフィックデザイナーのオーブリー・ビアズリーが挙げられる。彼の作品には、このスタイルの特徴となる曲線が用いられた。1880年代の自由に流れるような錬鉄や、19世紀のデザインのパターンに影響を受けていた平面的な花柄のテキスタイルデザインも挙げられる。このスタイルにおいて重要な位置を占めた他のイギリスのグラフィックアーティストには、ウォルター・クレインとチャールズ・アシュビーがいた。[ 71 ]

ロンドンのリバティ百貨店は、色鮮やかで様式化された花柄のテキスタイルや、マンクスマン（スコットランド系）のアーチボルド・ノックスによる銀、ピューター、宝飾品のデザインを通して、重要な役割を果たしました。彼の宝飾品デザインは、素材と形状において、宝飾品デザインの歴史的伝統から完全に逸脱していました。

アール・ヌーヴォー建築と家具デザインにとって、英国で最も重要な中心地はグラスゴーであり、チャールズ・レニー・マッキントッシュとグラスゴー派の作品が、スコットランドの男爵様式建築と日本のデザインに触発されて制作された。[ 72 ]マッキントッシュは1895年以降、ロンドン、ウィーン、トリノの国際博覧会でデザインを展示し、特にウィーンの分離派様式に影響を与えた。彼の建築作品には、グラスゴー・ヘラルド・ビル（1894年）やグラスゴー美術学校の図書館（1897年）などがある。彼はまた、妻で著名な画家兼デザイナーであるマーガレット・マクドナルド・マッキントッシュと密接に協力し、家具デザイナー兼装飾家としても大きな名声を確立した。2人は一緒に、幾何学的な直線と緩やかな曲線の花飾り、特にこの様式の有名なシンボルであるグラスゴー・ローズを組み合わせた印象的なデザインを生み出した。[ 73 ]

レオン＝ヴィクトール・ソロンは、ミントンズのアートディレクターとしてアール・ヌーヴォー陶芸に重要な貢献を果たした。彼は、飾り板や、ウィーン美術運動にちなんで名付けられた「分離派陶器」として販売された管状の裏地付き花瓶を専門としていた。[ 74 ]彼は他の顧客にアール・ヌーヴォーのデザインを提供し、リーク絹産業にはテキスタイルデザインを提供した[ 75 ] 。また、ニューカッスル・アンダー・ライムの製本業者GTバグリーには 製本（特にダブリュール）を提供した。

ジョージ・スキッパーは、おそらくイギリスで最も活躍したアール・ヌーヴォー建築家だったでしょう。ブリストルにあるエドワード・エヴァラード・ビルは、エドワード・エヴァラードの印刷工場を収容するために1900年から1901年にかけて建設され、アール・ヌーヴォー様式のファサードを特徴としています。描かれている人物像は、印刷術で著名なヨハネス・グーテンベルクとウィリアム・モリスです。翼のある人物像は「光の精霊」を象徴し、ランプと鏡を持つ人物像は光と真実を象徴しています。

ドイツのユーゲントシュティール

ドイツのアール・ヌーヴォーは、一般にドイツ語名のユーゲントシュティール、つまり「若者様式」で知られています。この名称は、ミュンヘンで発行されていた芸術雑誌「ユーゲント（若者）」に由来しています。この雑誌は1896年にゲオルク・ヒルトによって創刊され、ヒルトは1916年に亡くなるまで編集長を務めました。雑誌は1940年まで存続しました。20世紀初頭、ユーゲントシュティールはグラフィック・アートにのみ適用されていました。[ 76 ]特に、ユーゲント、パン、シンプリシシムスなどのドイツの雑誌に見られるタイポグラフィやグラフィック・デザインの形式を指していました。ユーゲントシュティールは後に、ドイツやオランダのアール・ヌーヴォーの他のバージョンにも適用されました。この用語は、アール・ヌーヴォーを説明するためにバルト諸国と北欧諸国のいくつかの言語でドイツ語から借用されました（命名のセクションを参照）。[ 12 ] [ 77 ]

1892年、ゲオルク・ヒルトはミュンヘン視覚芸術家協会にミュンヘン分離派という名称を選んだ。1897年に設立されたウィーン分離派[ 78 ]とベルリン分離派もミュンヘン分離派にちなんで名付けられた。

ミュンヘンで発行されていた雑誌『ユーゲント』と『シンプリシシムス』 、そしてベルリンで発行されていた『パン』は、ユーゲントシュティールの重要な提唱者でした。ユーゲントシュティール芸術は、しなやかな曲線とより幾何学的な線を組み合わせ、小説、広告、展覧会のポスターの表紙に用いられました。デザイナーたちは、イメージと調和する独自の書体スタイ​​ルを創作することが多かったのです。例えば、1904年のアルノルト・ベックリン書体などが挙げられます。

オットー・エックマンは、ユーゲントとパンの両方に関係した最も著名なドイツ人芸術家の一人でした。彼のお気に入りの動物は白鳥で、彼の影響は非常に大きく、白鳥は運動全体のシンボルとなりました。この様式のもう一人の著名なデザイナーはリヒャルト・リーマーシュミットで、アール・デコを先取りした落ち着いた幾何学的なスタイルで家具、陶器、その他の装飾品を制作しました。[ 79 ]ミュンヘン在住の スイス人芸術家ヘルマン・オブリストは、シクラメンの茎から取られた動きを表現する高度に様式化された二重曲線であるクー・ド・フエまたはむち打ちのモチーフを描きました。

ダルムシュタット芸術家コロニーは、 1899年にヘッセン大公エルンスト・ルートヴィヒによって設立されました。大公の邸宅とコロニー最大の建造物である婚礼の塔を建てた建築家は、ウィーン分離派創設者の一人、ヨーゼフ・マリア・オルブリッヒでした。コロニーの他の著名な芸術家には、ペーター・ベーレンスとハンス・クリスチャンセンがいました。エルンスト・ルートヴィヒはまた、世紀初頭にバート・ナウハイムの温泉施設の再建を依頼しました。完全に新しいシュプルーデルホーフ複合施設はヴィルヘルム・ヨストの指揮の下、1905年から1911年に建設され、あらゆる芸術の統合というユーゲントシュティールの主要な目的の1つを達成しました。[ 80 ]アールヌーボー様式の建物を依頼したもう一人の君主一族のメンバーは、ヘッセンおよびラインのエリザベート王女でした。彼女は1908年にモスクワにマルフォ＝マリインスキー修道院を設立し、そのカトリコンはアールヌーボーの傑作として知られています。[ 81 ]

ドイツ帝国におけるもう一つの注目すべき連合はドイツ工作連盟で、1907年にミュンヘンでヘルマン・ムテジウスの提唱により、ダルムシュタット植民地の芸術家ヨーゼフ・マリア・オルブリッヒ、ペーター・ベーレンス、ウィーン分離 派のもう一人の創設者ヨーゼフ・ホフマン、ウィーン工房（ホフマンが創設者）、リヒャルト・リーマーシュミット、ブルーノ・パウル、その他の芸術家や企業によって設立された。[ 82 ]後にベルギーのヘンリー・ファン・デ・フェルデがこの運動に加わった。[注 2 ]彼によってワイマールに設立された大公美術工芸学校は、モダニズム建築で最も影響力のある潮流の一つであるバウハウスの前身となった。[ 84 ]

ベルリンでは、ユーゲントシュティール様式が多くの鉄道駅の建設に採用されました。最も注目すべきもの[ 85 ]は、ブルーノ・メーリング設計のビューローシュトラーセ駅（1900–1902年）です。他には、メキシコプラッツ駅（1902–1904年）、植物園駅（1908–1909年）、フローナウ駅（1908–1910年）、ヴィッテンベルクプラッツ駅（1911–1913年）、パンコウ駅（1912–1914年）などがあります。ベルリンのもう一つの注目すべき建造物は、中庭のファサードに多色彩釉レンガを用いたハッケシェ・ヘーフェ駅（1906年）です。

ストラスブール（当時はドイツ帝国の一部で、エルザス＝ロートリンゲン帝国の首都だった）のアール・ヌーヴォーは、ナンシーとブリュッセルの影響とダルムシュタットとウィーンの影響を融合させ、ドイツとフランスの領域の間の 都市の歴史を反映した地域的な統合を実現したという点で、独特のブランドでした。

オーストリア＝ハンガリー帝国における分離派

ウィーン分離派

ウィーンはアール・ヌーヴォーの独特な変種の中心地となり、ウィーン分離派として知られるようになった。この運動は1892年に設立されたミュンヘン分離派にちなんで名付けられた。ウィーン分離派は1897年4月にグスタフ・クリムト、コロマン・モーザー、ヨーゼフ・ホフマン、ヨーゼフ・マリア・オルブリッヒ、マックス・クルツヴァイル、エルンスト・シュトーアなどを含む芸術家グループによって設立された。[ 78 ]画家のクリムトがグループの代表になった。彼らは、芸術家の公式組合であるウィーン・キュンストラーハウスが表明した歴史主義への保守的な志向に異議を唱えた。分離派はあらゆる媒体で作品を宣伝するため、雑誌「Ver Sacrum」を創刊した。 [ 86 ]建築家ヨーゼフ・オルブリッヒは新しい様式でドーム型の分離派の建物を設計し、そこはグスタフ・クリムトや他の分離派の芸術家の絵画の展示場となった。

クリムトは分離派の画家たちの中で最も有名になり、しばしば美術絵画と装飾絵画の境界を消し去りました。コロマン・モーザーは、この様式において非常に多才な画家であり、雑誌の挿絵、建築、銀食器、陶磁器、織物、ステンドグラス、家具など、幅広い作品を制作しました。

ウィーン分離派の最も著名な建築家はオットー・ワーグナーで、[ 87 ]運動発足直後に弟子のホフマンとオルブリッヒに続いて参加した。彼の主要プロジェクトには、都市鉄道網（シュタットバーン）のいくつかの駅、リンケ・ウィーンツァイレ・ビルディングス（マヨリカハウス、メダリオンハウス、ケストラーガッセの家からなる）などがある。カールスプラッツ駅は現在、ウィーン博物館の展示ホールになっている。シュタインホフ精神病院のシュタインホフ教会（1904-1907年）は、分離派の宗教建築のユニークで精巧に作られた例で、伝統的なドーム型の外観だが、内部は金と白のなめらかでモダンなステンドグラスで豊富に照らされている。

1899年、ヨーゼフ・マリア・オルブリッヒはダルムシュタット芸術家コロニーに移り、1903年にコロマン・モーザーとヨーゼフ・ホフマンは、家具、カーペット、織物、装飾品のデザイナーと職人のための訓練学校と工房であるウィーン工房を設立しました。 [ 88 ] 1905年にコロマン・モーザーとグスタフ・クリムトはウィーン分離派から分離し、その後1907年にコロマン・モーザーもウィーン工房を去り、もう1人の創設者ヨーゼフ・ホフマンはドイツ工作連盟に参加しました。[ 82 ]グスタフ・クリムトとヨーゼフ・ホフマンは協力関係を続け、1908年にウィーンで美術展を開催し、ブリュッセルにストックレー宮殿（1905-1911年）を建設してモダニズム建築の到来を告げました。[ 89 ] [ 90 ] 2009年6月にユネスコの世界遺産に登録されました。 [ 91 ]

ハンガリーのシェセツィオ

ハンガリー語で「分離派」を意味する「セセッション」の先駆者であり預言者であった建築家オドン・レヒナーは、ハンガリー建築における歴史主義からモダニズムへの移行を象徴する建物を設計した。[ 93 ]彼がハンガリー建築様式に着想を得たのは、建築用陶器と東洋のモチーフを用いることだった。彼の作品には、1886年にジョルナイ磁器工場で生産が開始されたピゴルガナイトが使用されている。[ 93 ]この素材は、ハンガリー国会議事堂やマーチャーシュ教会など、ハンガリーの他の著名な建築物の建設にも使用された。

オドン・レヒナーの作品[ 94 ]には応用美術館（1893-1896）があり、同様の特徴を持つ他の建物には地質学博物館（1896-1899）と郵便貯金銀行の建物（1899-1902）があり、すべてブダペストにあります。しかし、ハンガリーの建築界がレヒナーの成功に反対したため、すぐに初期の建物に匹敵する新しい注文を得ることができなくなりました[ 93 ]。しかし、レヒナーは新しいスタイルを普及させる上で主要な役割を果たした次の世代の建築家にとってインスピレーションと師でした。[ 93 ]マジャル化の過程で、王国郊外で彼の弟子たちに数多くの建物が発注された。例えば、マルセル・コモルとデジェ・ヤカブはシャバトカ（現セルビア、スボティツァ）のシナゴーグ（1901-1903年）と市庁舎（1908-1910年） 、マロスヴァーシャールヘイ（現ルーマニア、トゥルグ・ムレシュ）の県庁舎（1905-1907年）と文化宮殿（1911-1913年）の建設を委託された。後にレヒナー自身も1909-1913年にポジョニ（現スロバキア、ブラティスラバ）に青の教会を建設した。

もう一人の重要な建築家は、ジョン・ラスキンとウィリアム・モリスの信奉者であったカーロイ・コスである。コスはフィンランドの国民的ロマン主義運動をモデルとし、トランシルヴァニアの地方文化にインスピレーションを得た。[ 95 ]彼の最も有名な建築物には、ゼベゲーニのローマカトリック教会（1908–09年）、ブダペスト市立動物園のパビリオン（1909–1912年）、セプシセントジェルジ（現在のルーマニア、スフントゥ・ゲオルゲ）のセーケイ国立博物館（1911–12年）がある。

  • 1900年のパリ万国博覧会で銀メダルを受賞した、ミクサ・ロートによるモザイク「パックス」
    1900年のパリ万国博覧会で銀メダルを受賞したミクサ・ロートによるモザイク「パックス」
  • ブダペスト出身のオドン・ファラゴによるキャビネット (1901 年)
    ブダペスト出身のオドン・ファラゴによるキャビネット (1901 年)
  • ブダペストのヴィラ・アルパールの花をモチーフにした窓、ミクサ・ロート作（1903年）
    ブダペストのヴィラ・アルパールの花をモチーフにした窓、ミクサ・ロート作（1903年）

芸術においてシェセッシオーを推進した運動は、ジョン・ラスキンとウィリアム・モリスの信奉者でもあり、ブダペスト王立応用芸術学校の教授でもあったアラダール・コレシュフォーイ＝クリースチによって1901年に設立されたゴデロー芸術コロニーであった。 [ 96 ]その芸術家たちは、ブダペストのフランツ・リスト音楽アカデミーを含む多くのプロジェクトに参加した。[ 97 ]

ゲドルー・アート・コロニーの協力者であるミクサ・ロートは、グレシャム宮殿（ステンドグラス、1906年）やトレク銀行（モザイク、1906年）などブダペストの建物を含む数十のセーセシオのプロジェクトにも携わったほか、マロスヴァーシャールヘイの文化宮殿（1911年 - 1913年）のモザイクとステンドグラスも制作した。

著名な家具デザイナーとして、伝統的な民衆建築、東洋建築、そして国際的なアール・ヌーヴォーを非常に絵画的な様式で融合させたオドン・ファラゴがいます。同じくハンガリー出身のデザイナー、パール・ホルティは、オーク材に黒檀と真鍮の繊細な装飾を施した、より落ち着いた機能的なスタイルを特徴としています。

ボヘミア、モラビア、スロバキアにおける分離

プラハで最も著名な分離派の建物は、独特の建築、彫刻、絵画を備えた総合芸術の例である。 [ 99 ]中央駅（1901-1909年）はヨゼフ・ファンタが設計し、ヴァーツラフ・ヤンサの絵画、ラディスラフ・シャルーン、スタニスラフ・スハルダ、その他の芸術家による彫刻が飾られている。市民会館（1904-1912年）はオスヴァルド・ポリフカとアントニーン・バルシャーネクが設計し、有名なチェコの画家アルフォンス・ミュハが描いたもので、ヨゼフ・マジャトカとラディスラフ・シャルーンの彫刻が飾られている。ポリフカ、マジャトカ、シャルーンはスタニスラフ・スハルダとともに新市庁舎（1908-1911年）の建設に同時に協力し、ミュハは後に聖ヴィート大聖堂のステンドグラスを独特のスタイルで描いた。

この時代における最も重要なチェコ建築家は、ウィーンでオットー・ワーグナーに師事したヤン・コチェラです。彼の最も有名な作品には、プラハのヴァーツラフ広場12番地にあるペテルカ邸（1899～1900年）、プロスチェヨフの国民会館（1905～1907年）、フラデツ・クラーロヴェーの東ボヘミア博物館（1909～1912年）などがあります。ヨーゼフ・ホフマン、フーベルト・ゲスナー、ヨーゼフ・マリア・オルブリッヒ、レオポルド・バウアーなど、多くの重要なウィーン建築家はモラヴィアまたはオーストリア領シロンスクで生まれました。

ハンガリーのシェセツィオー様式とスロバキアの建築要素を融合させたスタイルは、スロバキアの建築家ドゥシャン・ユルコヴィッチの典型的な特徴でした。彼の最も独創的な作品には、シャコルツァ（現スロバキア、スカリツァ）の文化会館（1905年）、ルハチョヴィツェ（現チェコ共和国）の温泉施設（ 1901～1903年）、そしてガリツィア（現ポーランド）のノヴィ・ジミグロード近郊の35の戦没者墓地（1915～1917年）があり、その多くは地元のレムコ（ルーシン）の民芸と木工技術の影響を強く受けています。

ガリツィアの分離派

ガリツィアにおける分離派の中心地として最も重要なのは、クラクフ、リヴィウ、ビェルスコ＝ビャワであった。クラクフにおける分離派様式の最も重要な例は、ウィーンの分離派会館の影響を受け、フランシスコ・マンチンスキが設計した芸術宮殿（1898年 - 1901年）である。マンチンスキはクラクフでタデウシュ・ストリイェンスキと共同で、他に地球儀の下の家（1904年 - 1905年）と旧劇場（1903年 - 1906年）を設計した。最も重要なインテリアデザイナーはスタニスワフ・ヴィスピャンスキとユゼフ・メホッフェルで、彼らは多くのステンドグラスの窓や建物の内装をデザインした。前者の最も重要な作品は、フランシスコ会教会とクラクフ医師会館（1905 年）のステンドグラスであり、後者の最も重要な作品は地球儀の下の家の内部にあるステンドグラスです。

リヴィウで最も重要な建築家は、ウィーンで学び、オットー・ワーグナーの影響を受けたヴワディスワフ・サドウォフスキでした。彼はリヴィウ駅（1899～1904年）、リヴィウ・フィルハーモニー管弦楽団（1905～1908年）、工業学校（1907～1908年）を設計しました。ワーグナーの影響を受けた他の重要な建築家としては、イヴァン・レヴィンスキーがいます。

ビェルスコ＝ビャワで最も有名な建物の一つは、エマヌエル・ロスト設計によるいわゆる「カエルの家」 （1903年）です。セセッションの他の重要な建築物は、ウィーン分離派の建築家によって設計されました。マックス・ファビアーニはバルリツキエゴ通り1番地の住宅（1900年）を、レオポルド・バウアーはストヤウォフスキエゴ通り51番地の住宅（1903年）と聖ニコラス大聖堂の再建（1909～1910年）を設計しました。

スロベニア、ボスニア、クロアチア、トリエステの分離

最も多作なスロベニア分離派建築家はキリル・メトッド・コッホである。[ 100 ]彼はウィーンでオットー・ワーグナーの授業で学び、1894年から1923年までライバッハ（現在のスロベニア、リュブリャナ）市議会で働いた。1895年のライバッハ地震の後、彼は1900年から1910年にかけて、セセッション様式で多くの世俗的な建物を設計した：[ 100 ]ポガチュニク・ハウス（1901年）、チュデン・ビル（1901年）、農民貸付銀行（1906–07年）、1904年にセセッション様式で改装されたハウプトマン・ビル。彼のキャリアのハイライトは1906年のラドマンスドルフ（現在のラドヴリツァ）の貸付銀行である。[ 100 ]

ボスニアでも活躍したスロベニアの重要な建築家には、ヨシップ・ヴァンカシュがいます。彼はグランド・ホテル・ウニオン（1902～1903年）やリュブリャナのシティ・セービング・バンク（1902～1903年）、イェシュア・D・サロム邸（1901年）やサラエボの中央郵便局（1907～1913年）などの作品を手掛けました。また、ウィーン分離派の重要な建築家であるヨジェ・プレチニクとマックス・ファビアーニもスロベニア生まれです。ファビアーニはスロベニアとトリエステで、トリエステのバルトリ・ハウス（1906年）など、いくつかの建物を設計しました。

クロアチアにおける分離派の最も重要な例としては、ザグレブのヴィェコスラフ・バストル設計のカリナハウス（1903～1904年）と、ザグレブのルドルフ・ルビンスキー設計のクロアチア国立公文書館（1911～1913年）が挙げられます。

ルーマニアの Arta 1900 またはアール ヌーボー

ルーマニアでは、アール・ヌーヴォーは西ヨーロッパと同時期（1890年代初頭から1914年の第一次世界大戦勃発まで）に登場したが、ここではこの様式の建物は少なく、ボザール様式が主流である。最も有名なのはコンスタンツァ・カジノである。ルーマニアのアール・ヌーヴォー建築のほとんどは、ブカレストにあるロムルス・ポレスク邸やヴァシレ・ラスカル通り61番地の家のように、実際にはボザール様式とアール・ヌーヴォーが混合したものである。[ 104 ]これはフランスで起きていたことと似ており、フランスでは折衷主義がより人気があり、純粋なアール・ヌーヴォーの建物や構造物は比較的稀であった。カロル1世治世のほとんどの家はボザール様式であったが、そのいくつかには内部にアール・ヌーヴォーのストーブがある。これは外装のスタイルが必ずしもストーブや内装全体のスタイルを決定づけるとは限らなかったためである。

ルーマニア出身のアール・ヌーヴォーを代表する画家の一人、ステファン・ルキアンは、アール・ヌーヴォーの革新的かつ装飾的な方向性を短期間で急速に引き継いだ。この時期は、1897年にイリアナ協会が設立された時期と重なり、ルキアン自身もその創設メンバーの一人であった。この協会は、ユニオン・ホテルで「独立芸術家展」（1898年）を開催し、『イリアナ・マガジン』を発行した。[ 105 ]

トランシルヴァニアには、アール・ヌーヴォー様式とルーマニア復興様式の建築物が数多く残っており、前者はオーストリア＝ハンガリー帝国時代のものです。その多くは「ルーマニアのアール・ヌーヴォーの首都」と呼ばれるオラデア[ 106 ]に見られますが、ティミショアラ、トゥルグ・ムレシュ、シビウにも見られます[ 107 ] [ 108 ] [ 109 ]

イタリアのスタイル・リバティ

イタリアのアール・ヌーヴォーは、アルテ・ヌオーヴァ、フローレアル・スタイル、モデルノ・スタイル、特にリバティ・スタイルとして知られていました。リバティ様式は、アーサー・ラセンビー・リバティと、彼が1874年にロンドンに設立した店、リバティ百貨店にちなんで名付けられました。リバティ・スタイルは、日本や極東からの装飾品、織物、美術品の輸入を専門とし、色鮮やかな織物は特にイタリアで人気がありました。この様式の著名なイタリア人デザイナーには、マジョリカ焼きの模様からインスピレーションを得た陶器を多く手がけたガリレオ・キーニがいます。彼は後に画家および舞台装置デザイナーとして知られるようになり、プッチーニの有名なオペラ2作『ジャンニ・スキッキ』と『トゥーランドット』の舞台装置をデザインしました。[ 110 ] [ 111 ] [ 12 ]

リバティ様式の建築は多種多様で、特にバロック様式をはじめとする歴史的様式を踏襲することが多かった。ファサードは装飾や彫刻で溢れかえっていた。リバティ様式の例としては、パレルモのエルネスト・バジーレ設計によるヴィリーノ・フローリオ（1899–1902） 、ミラノのジュゼッペ・ソマルーガ設計によるパラッツォ・カスティリオーニ（1901–1903） 、そしてジョヴァンニ・バッティスタ・ボッシ設計によるミラノのカーサ・グアッツォーニ（1904–05）などが挙げられる。[ 112 ]

内外ともに、絵画や陶器で描かれた色鮮やかなフレスコ画や彫刻は、リバティ様式の人気の要素でした。アックエ・デッラ・サルーテの浴場やミラノのカーサ・グアッツォーニのように、古典的テーマと花のテーマの両方が取り入れられています。

リバティ様式のデザインで最も重要な人物は、建築家と装飾家の息子で、リバティ彫刻家のレンブラント・ブガッティと有名な自動車デザイナーのエットーレ・ブガッティの父であるカルロ・ブガッティである。彼はミラノのブレラ美術アカデミーで学び、後にパリのアカデミー・デ・ボザールで学んだ。彼の作品は異国情緒と奇抜さで際立っており、銀器、織物、陶磁器、楽器などを手がけたが、最もよく知られているのは、1888年のミラノ美術フェアで初めて発表された革新的な家具デザインである。彼の家具は鍵穴デザインを特徴とすることが多く、羊皮紙や絹などの珍しい張り地や、骨や象牙の象嵌が施されていた。また、カタツムリやコブラを模した、意外性のある有機的な形状をしていることもあった。[ 113 ]

セルビアのアール・ヌーヴォーと分離派

オーストリア＝ハンガリー帝国に近く、ヴォイヴォディナは1918年まで帝国の一部であったため、ウィーン分離派とハンガリー分離派の両方が現在のセルビア北部と首都ベオグラードで盛んな運動であった。[ 114 ]オーストリアとハンガリーの有名な建築家がスボティツァ、ノヴィ・サド、パリッチ、ズレニャニン、ヴルバス、ゼンタ、キキンダで多くの建物を設計した。ベオグラード、パンチェヴォ、アランジェロヴァツ、ヴルニャチュカ・バニャのアール・ヌーヴォーの遺産は、フランス、ドイツ、オーストリア、ハンガリー、そして地元セルビアの運動が混ざり合ったものである。スボティツァのシナゴーグの曲線美の花から、ベオグラードの電信ビルのモラヴァ様式に触発されたロゼットまで、アール・ヌーヴォー建築は現在のセルビアで様々な形をとっている。

1900年代初頭、サヴァ川とドナウ川の北側では、ハンガリーの国民感情が再燃し、スボティツァやゼンタの建物に地元の花々をモチーフにした民族建築が取り入れられました。一方、小国セルビア王国では、ブランコ・タネゼヴィッチやドラグティン・インキオスティリ＝メデンジャク（ともにオーストリア＝ハンガリー帝国生まれ）といった国民的ロマン主義者が、セルビアの伝統的なモチーフを素晴らしい建築物へと昇華させました。ミラン・アントノヴィッチやニコラ・ネストロヴィッチといった建築家たちは、当時流行していたしなやかな曲線や自然のモチーフを裕福なパトロンの住宅や事業所に取り入れ、パリ、ミュンヘン、ウィーンの流行に追随し、国際性を誇示しました。[ 115 ]

スペインのモダニズムとモダニズム

この様式の非常に独創的な変種がカタルーニャのバルセロナで出現した。これはアール・ヌーヴォー様式がベルギーとフランスに出現したのとほぼ同時期である。カタルーニャ語ではモデルニスム、スペイン語ではモデルニスモと呼ばれた。最も有名な考案者はアントニ・ガウディである。ガウディはパラウ・グエル（1886-1890）で花や有機的な形状を非常に斬新な方法で用いた。ユネスコによれば、「この公園の建築はアーツ・アンド・クラフツ運動、象徴主義、表現主義、合理主義の要素を組み合わせ、20世紀モダニズムの多くの形態と技術を予見し、影響を与えた。」[ 117 ] [ 118 ] [ 119 ] 彼は陶芸、ステンドグラス、錬鉄鍛造、木工などの工芸を建築に統合した。グエル・パビリオン（1884–1887）とグエル公園（1900–1914）では、廃陶片を利用するトレンカディスと呼ばれる新しい技法も用いられました。1903年頃の彼の設計、カサ・バトリョ（1904–1906）とカサ・ミラ（1906–1912） [ 116 ]は、アール・ヌーヴォーの様式的要素に最も密接に関連しています。[ 120 ]サグラダ・ファミリアなどの後期の建造物は、 アール・ヌーヴォーの要素と復古主義的なネオゴシック様式を融合させています。[ 120 ]カサ・バトリョ、カサ・ミラ、グエル館、およびグエル公園は、ジョゼップ・マリア・フジョルとのコラボレーションの成果であり、彼自身もサン・ジョアン・デスピの家々（1913年から1926年）、タラゴナ近郊のいくつかの教会（1918年と1926年）、そしてバルセロナの曲がりくねったカサ・プラネルス（1924年）を建築した。

ガウディの圧倒的な存在感に加えて、ルイス・ドメネク・イ・モンタネールは、バルセロナのカステル・デル・トレス・ドラゴンズ（1888年）、カサ・レオ・モレラ、カタルーニャ音楽堂（1905年）、サン・パウ病院（1901年～1930年）などの建物でもアール・ヌーヴォーを使用しました。[ 120 ]後者の 2 つの建物はユネスコの世界文化遺産に登録されています。[ 121 ]

もう一人の主要なモダニストはジョゼップ・プッチ・イ・カダファルクで、カサ・マルティとそのエルス・カトレ・ガッツ・カフェ、カシミール・カサラモナ織物工場（現在はカイシャフォーラム美術館）、カサ・マカヤ、カサ・アマトリェル、パラオ・デル・バロ・デ・クアドラス（2013年までの10年間カサ・アシアを収容）、そしてカサ・デ・レスを設計した。パンクセス（「ハウス・オブ・スパイクス」）。

バレンシア州では、独特のアール・ヌーヴォー運動も起こりました。著名な建築家には、デメトリオ・リベス・マルコ、ビセンテ・パスクアル・パストール、ティモテオ・ブリエット・モントー、ホセ・マリア・マヌエル・コルティーナ・ペレスなどがいます。バレンシアのアール・ヌーヴォーの特徴は、ファサードと装飾の両方において、装飾に陶器を多用していること、そしてバレンシアの地域的なモチーフを巧みに取り入れていることです。

もう 1 つの顕著なバリエーションは、ロンゴリア宮殿、カジノ デ マドリード、セメンテリオデ ラ アルムデナなどの有名な建物を持つマドリレニア アール ヌーボーまたはモダニズム マドリレーニョです。マドリッド出身の有名なモダニスタは、建築家ホセ・ロペス・サラベリ、フェルナンド・アルボス・イ・トレマンティ、フランシスコ・アンドレス・オクタビオです。

モダニズム運動は、デッサン、絵画、彫刻、ガラス工芸、金属工芸、モザイク、陶磁器、家具など、幅広い芸術遺産を残しました。その一部はカタルーニャ美術館に収蔵されています。

ペレ・ロメウ・イ・ボラスは、以前働いていたパリのカフェ「ル・シャ・ノワール」に触発され、バルセロナに「エルス・クアトレ・ガッツ（カタルーニャ語で4匹の猫）」と名付けたカフェを開くことを決意した。 [ 122 ]このカフェは、パブロ・ピカソや、ポスターやポストカードで運動の宣伝に貢献したラモン・カサス・イ・カルボなど、バルセロナのモダニズムを代表する人々が集まる中心的な場所となった。彼はカフェのために「タンデムに乗るラモン・カサスとペレ・ロメウ」という絵を制作したが、これは1901年に新世紀を象徴する「 自動車に乗るラモン・カサスとペレ・ロメウ」という別の作品に置き換えられた。

アントニ・ガウディは、自身が建設した多くの住宅の家具をデザインしました。例えば、バトルハウスの「」と呼ばれるアームチェアがあります。ガウディは、家具に寄木細工やモザイクを巧みに組み合わせた、もう一人の著名なカタルーニャ人家具デザイナー、ガスパール・オマール（1870–1953）に影響を与えました。[ 123 ]

ポルトガルのアルテ・ノヴァ

アヴェイロ（ポルトガル）のアール・ヌーヴォーの変種はアルテ・ノヴァと呼ばれ、その主な特徴は誇示性であった。このスタイルは、内部を保守的に保ちながら、ファサードで富を表現したいと考えたブルジョワ階級によって使用された。[ 125 ]アルテ・ノヴァのもう一つの特徴は、アール・ヌーヴォーのモチーフをあしらった地元産のタイルの使用であった。[ 125 ]

アルテ・ノヴァの最も影響力のある芸術家はフランシスコ・アウグスト・ダ・シルバ・ロシャである。[ 125 ]彼は建築家としての訓練を受けていなかったが、アヴェイロやポルトガルの他の都市で多くの建物を設計した。[ 126 ] [ 125 ]その一つ、マヨール・ペソア邸は、アール・ヌーヴォー様式のファサードと内装を備え、現在はアルテ・ノヴァ美術館となっている。[ 125 ]

ポルトガルの他の都市にもアルテ ノヴァの例があります。[ 127 ] [ 128 ]リスボンのマヌエル・ホアキン・ノルテ・ジュニア（1904年 - 1905年）によるアナスタシオ・ゴンサルベス博士の博物館兼住居、ジョアン・ケイロスによるカフェ・マジェスティック（ 1921年）、およびザビエル・エステベスによる図書館図書館（ 1906年）などは、いずれもポルトにある。

北欧諸国のユーゲントシュティール

フィンランド

アール・ヌーヴォーは北欧諸国で人気があり、そこでは通常ユーゲントシュティールとして知られ、各国の国民ロマン主義様式と組み合わされることが多かった。ユーゲントシュティール建築が最も多い北欧の国は、当時ロシア帝国の一部であったフィンランド大公国である。[ 129 ]ユーゲントシュティール時代は、フィンランド美術の黄金時代と国民的覚醒期と一致している。 1900年のパリ万博後、フィンランドを代表する芸術家はアクセリ・ガッレン＝カッレラであった。[ 130 ]彼はフィンランドの国民叙事詩カレワラの挿絵や、公国にある数多くのユーゲントシュティール建築の絵画で知られている。

万博のフィンランド館を設計したのは、ヘルマン・ゲセリウス、アルマス・リンドグレーン、エリエル・サーリネンである。彼らは1896年から1905年まで一緒に働き、ヘルシンキで多くの有名な建物を設計した。その中にはポホヨラ保険ビル（1899-1901年）やフィンランド国立博物館（1905-1910年）[ 131 ] 、キルッコヌンミの共同住宅であるヴィットラク（1902年）などがある。建築家たちは北欧の伝説や自然にインスピレーションを受け、粗い花崗岩のファサードはフィンランド国家に属するシンボルとなった[ 132 ] 。会社が解散した後、サーリネンはアメリカ建築の影響を受けたより明確な形でヘルシンキ駅（1905-1914年）を設計した。[ 132 ]フィンランド国立博物館とヘルシンキ駅の建設でサーリネンと共に働いた彫刻家はエミール・ヴィクストロムである。

フィンランドで数々の著名な作品を手がけた建築家として、ラルス・ソンクもいます。彼の主要なユーゲントシュティール様式の作品には、タンペレ大聖堂（1902–1907）、ジャン・シベリウス邸アイノラ（1903）、ヘルシンキ電話協会本部（1903–1907）、ヘルシンキのカリオ教会（1908–1912）などがあります。また、ヘレーネ・シェルフベックの弟であるマグヌス・シェルフベックは、 1903年にユーゲントシュティール様式を用いてヌンメラ・サナトリウムとして知られる結核療養所を設計しました。[ 133 ] [ 134 ] [ 135 ]

ノルウェー

ノルウェーもまた（スウェーデンからの）独立を目指しており、地元のアール・ヌーヴォーはヴァイキングの民芸品や工芸品に触発された復興と結び付けられていました。著名なデザイナーには、伝統的なヴァイキングとケルトの模様をあしらった椅子をデザインしたラース・キサルヴィク、古代ヴァイキング船の竜の頭の紋章を様式化した椅子をデザインしたゲルハルト・ムンテなどがいます。また、様々なポスター、絵画、グラフィックも制作しました。[ 136 ]

ノルウェーの町オーレスンは、1904年1月23日の火災後に完全に再建されたため、スカンジナビアにおけるアール・ヌーヴォーの中心地とみなされています。 [ 137 ]技師フレデリック・ネッセルが設計した都市計画の下、1904年から1907年の間に約350の建物が建設されました。統一性と多様性の融合により、オール・スティルとして知られる様式が誕生しました。この様式の建物には直線的な装飾があり、スターヴ教会の塔や紋章付き屋根など、ユーゲントシュティールと地方特有の要素の両方が反映されています。 [ 137 ]建物の1つであるスワン薬局には現在、アール・ヌーヴォー・センターが入っています。

スウェーデンとデンマーク

他の北欧諸国のユーゲントシュティールの傑作としては、スウェーデン、ストックホルムのエンゲルブレクト教会（1914年）と王立ドラマ劇場（1901-1908年）[ 138 ] 、デンマーク、オーフスの旧市立図書館（現在のデンマーク国立商業文書館） （1898-1901年） [ 139 ]がある。後者の建築家はハック・カンプマンで、彼は当時国民ロマン主義の提唱者で、オーフスのカスタムハウス、劇場、ヴィラ・カンペンも設計した。デンマークで最も著名なアール・ヌーヴォーのデザイナーは銀細工師のジョージ・ジェンセンである。 1914年のマルメでのバルト海博覧会は、スウェーデンにおけるユーゲントシュティールの最後の主要な表明と見なすことができる。[ 140

ロシアの近代

モーデン（「モダン」）は、1898年にロシアの芸術家アレクサンドル・ベノワとレオン・バクスト、編集長セルゲイ・ディアギレフによる新しい芸術雑誌「芸術の世界」の出版とともにモスクワとサンクトペテルブルクに登場した、非常に色彩豊かなロシア版アール・ヌーヴォーである。この雑誌は、ミハイル・ヴルーベリ、コンスタンチン・ソモフ、イサーク・レヴィタン、本の挿絵を担当したイヴァン・ビリビンなど、ロシアの代表的な芸術家の展覧会を企画した。「芸術の世界」様式では、フランスのアール・ヌーヴォーのような植物や花の形態はあまり用いず、ロシアの民間伝承やおとぎ話の明るい色彩やエキゾチックなデザインを多用した。ミール・イスクスストヴァの最も影響力のある貢献は、ディアギレフが率い、バクストとベノワが衣装と装置をデザインした新しいバレエ団、バレエ・リュスの創設であった。この新しいバレエ団は1909年にパリで初演され、1913年まで毎年公演を行った。ベノワとバクストがデザインしたエキゾチックで色彩豊かな装置が、フランスの芸術とデザインに大きな影響を与えた。衣装と装置のデザインは、パリの主要な雑誌、リスタレーション、ラ・ヴィ・パリジェンヌ、ガゼット・デュ・ボントンに掲載され、ロシア様式はパリでア・ラ・バクストとして知られるようになった。バレエ団は、まず第一次世界大戦の勃発によってパリに取り残され、続いて1917年のロシア革命によってパリに取り残され、皮肉なことにロシアで公演することはなかった。 [ 141 ]

ロシアの建築家の中で、純粋なアール・ヌーヴォー様式で最も傑出していたのはフョードル・シェフテリである。最も有名な例はモスクワのリャブシンスキー邸である。ロシアの実業家で新聞社経営者であった人物によって建てられ、ロシア革命後には作家マクシム・ゴーリキーの邸宅となり、現在はゴーリキー博物館となっている。コンクリート、大理石、花崗岩を研磨して作られたその大階段は、海の波のように流れるような曲線を描いており、浮かぶクラゲの形をしたランプで照らされている。内部には、色鮮やかなモザイクのフレスコ画で飾られたドア、窓、天井もある。[ 142 ]ロシア象徴主義の重要人物ともみなされているシェフテリは、より伝統的なモスクワ復興様式で再建されたモスクワ・ヤロスラヴスキー鉄道駅を含む、モスクワの他のいくつかのランドマーク的な建物を設計した。[ 142 ]

同時期の他のロシア人建築家たちは、歴史的なロシア建築を参考にしたロシア復興建築を創り出した。これらの建物はほとんどが木造で、キエフ・ルーシの建築を参考にしていた。一例としては、セルゲイ・マリューチンによるタラシキノのテレモク館（1901年 - 1902年）とモスクワのペルツォワ館（ペルツォフ館としても知られる）（1905年 - 1907年）がある。彼はまた、ミール・イスクーストヴァ運動のメンバーでもあった。サンクトペテルブルクの建築家ニコライ・ヴァシリエフは、1923年に移住するまで、さまざまな様式で建物を建てた。この建物は、12世紀と13世紀のウラジーミルの聖デミトリオス大聖堂とユーリエフ・ポリスキーの聖ゲオルギー大聖堂の彫刻に触発されたセルゲイ・ヴァシコフによる石の彫刻で最も有名である。このロシア復興建築のもう一つの例は、アレクセイ・シュシュセフが改修したロシア正教会であるマルフォ＝マリインスキー修道院（1908年 - 1912年）である。彼は皮肉なことに、後にモスクワのレーニン廟を設計することになる。

この時期のロシアには、ロシア復興様式の芸術コロニーがいくつか建設されました。最も有名なのは、サヴァ・マモントフが資金提供したアブラムツェヴォと、マリア・テニシェヴァ公女が資金提供したスモレンスク県タラシキノです。

ウクライナの近代建築

20世紀初頭のウクライナ地方（ロシア帝国南西部、東ガリツィア、オーストリア＝ハンガリー帝国のブコヴィナおよびトランスカルパティア）の建築は、ウクライナの民俗建築、ならびにザコパネ様式などのヨーロッパのアール・ヌーヴォーの潮流の影響を受けて発展した。ウクライナの「モダン」建築は、最初にポルタヴァ県で注目を集め、そこで最も積極的に推進したのはヴァシル・クリチェフスキーおよびオパナス・スラスティオンであった。1900年代後半から1910年代初頭にかけて、当時単に「ウクライナ様式」と呼ばれていた建物が、キエフ、ハリコフ、オデッサ、カテリノスラフおよびロシア帝国の他の多くの場所で数多く建設された。当時オーストリア＝ハンガリー帝国の一部であった西ウクライナでは、地元のウクライナ様式はフツル建築の影響を受け、西ヨーロッパの流行や大ウクライナの影響も受けていた。[ 143 ]

ユーゲントシュティルス(リガのアールヌーボー)

  • エリザベテス・イェラー10bの家のファサード、ミハイル・エイゼンシュテイン作（1903年）
    エリザベテス・イエラの家のファサード、10b、ミハイル・エイゼンシュタイン作（1903年）
  • コンスタンティーヌ・ペクシェンス作、ペクシェンス邸の階段（1903年）。現在はリガ・ユーゲントシュティール美術館に収蔵されています
    コンスタンチン・ペクシェンス作のペクシェンス・ハウスの階段(1903 年)、現在はリガ・ユーゲントシュティルス博物館となっている
  • ペクシェンスが建てた家の国民的ロマン主義的装飾（1908年）
    ペクシェンスが建てた家の国民的ロマン主義的装飾（1908年）
  • エドガー・フリーゼンドルフによって建てられた教育省（1911年）
    エドガー・フリーゼンドルフによって建てられた教育省（1911年）

現在のラトビアの首都リガは、当時ロシア帝国の主要都市の一つであった。リガのアール・ヌーヴォー建築は独自の力学に従って発展し、この様式は市内で圧倒的な人気を博した。1896年のラトビア民族誌博覧会と1901年の産業手工芸博覧会の直後、アール・ヌーヴォーは市内の主要な様式となった。[ 144 ]そのため、アール・ヌーヴォー建築はリガ中心部の建物全体の3分の1を占め、世界でも最もアール・ヌーヴォー建築が集中している都市となっている。アール・ヌーヴォー建築の量と質は、リガがユネスコの世界文化遺産に登録された基準の一つであった。[ 145 ]

リガにはさまざまな種類のアールヌーボー建築がありました。

  • 折衷主義のアール・ヌーヴォーでは、花やその他の自然に着想を得た装飾要素が最も人気がありました。そのバリエーションの例としては、ミハイル・エイゼンシュテインの作品が挙げられます。
  • 垂直アール・ヌーヴォー様式では、幾何学的な装飾がファサードの垂直構成に統合されました。この様式で建てられた百貨店は数多くあり、「百貨店様式」、あるいはドイツ語でヴァーレンハウス・スタイルと呼ばれることもあります。
  • ナショナル・ロマンティック・アール・ヌーヴォーは、地元の民芸品、記念碑的な建物、そして天然の建築材料の使用にインスピレーションを得ました。

後期のネオクラシック建築の中には、アール・ヌーヴォーの細部を取り入れたものもありました。

スイス、ラ・ショー・ド・フォンのスタイル・サパン

スイスのヌーシャテル州ラ・ショー＝ド＝フォンでは、サパン様式（「モミの木様式」）と呼ばれる様式が生まれました。この様式は画家・芸術家のシャルル・レプラトゥニエによって提唱され、特にサパン（モミの木）をはじめとするジュラ山脈の植物や野生生物にインスピレーションを得ました。彼の代表作の一つは、町の火葬場です。三角形の木や松ぼっくりなど、この地域の自然をモチーフにした作品が特徴です。この様式には、ユーゲントシュティールやウィーン分離派といった幾何学的な様式的要素も取り入れられています。[ 146 ]

この様式のもう一つの注目すべき建物は、ラ・ショー＝ド＝フォンのヴィラ ・ファレである。これは、1905年にレプラトゥニエの弟子で当時18歳のル・コルビュジエによって設計・建設されたシャレーである。家屋の形状は伝統的なスイスのシャレーであったが、ファサードの装飾には三角形の木々やその他の自然の特徴が取り入れられていた。ル・コルビュジエは、この地域にさらに2つのシャレーを建てており、そのうちの1つはより伝統的なシャレー様式のヴィラ・ストッツァーである。[ 147 ] [ 146 ] [ 148 ] [ 149 ]

アメリカにおけるティファニースタイルとルイス・サリバン

アメリカ合衆国では、ルイス・コンフォート・ティファニーの会社がアメリカン・アール・ヌーヴォーの中心的な役割を果たしました。1848年に生まれたルイス・コンフォート・ティファニーは、ニューヨークの国立デザイン・アカデミーで学び、24歳でガラス細工を始め、父が始めた家業に入り、1885年に高級ガラスを専門とする会社を設立し、ガラスに着色するための新しい技法を開発しました。1893年にはガラスの花瓶やボウルの製作を開始し、ここでもより独創的な形状と色彩を可能にする新しい技法を開発し、装飾用の窓ガラスの実験を始めました。ガラスの層を印刷、マーブル模様、重ね合わせ、並外れた豊かさと色彩の多様性を生み出しました。1895年には、彼の新作がジークフリート・ビングのアール・ヌーヴォー・ギャラリーで展示され、ヨーロッパの新たな顧客層を獲得しました。1902年に父が亡くなると、彼はティファニーの事業全体を継承しましたが、その後も多くの時間をガラス工芸品のデザインと製作に捧げました。トーマス・エジソンの勧めで、彼はブロンズと鉄の構造、もしくはモザイクで装飾された多色のガラスシェードを持つ電球の製造を開始した。多数のシリーズとエディションが生産され、それぞれが宝飾品のような注意を払って作られた。デザイナーと職人のチームが各製品に取り組んだ。特にティファニーランプはアールヌーボーのアイコンの1つとなったが、ティファニーの職人は並外れた窓、花瓶、その他のガラス芸術を設計し、製造した。ティファニーのガラス製品は1900年のパリ万国博覧会でも大成功を収め、 「魂の飛翔」と呼ばれるステンドグラスの窓は金メダルを獲得した。[ 150 ]コロンビアン万国博覧会はティファニーにとって重要な会場であり、彼が設計したチャペルは芸術産業パビリオンで展示された。ティファニーチャペルは、ニューヨークのティファニーの自宅の窓の1つとともに、現在フロリダ州ウィンターパークのチャールズ・ホズマー・モース美術館に展示されている。

アメリカン・アール・ヌーヴォーのもう一人の重要人物は建築家ルイス・サリバンである。サリバンはアメリカ近代建築の先駆者であり、シカゴ派の創始者、初期の高層ビルのいくつかを設計した建築家、そしてフランク・ロイド・ライトの師でもあった。彼の最も有名な言葉は「形態は機能に従う」である。彼の建物の形態は機能によって形作られる一方で、彼の装飾はアメリカン・アール・ヌーヴォーの好例であった。1893年のシカゴ万国博覧会は、かの有名なホワイト・シティの新古典主義建築で最もよく知られているが、彼は非常に機能的な交通ビルの壮大なアール・ヌーヴォー様式の入口を設計した。[ 151 ] [ 152 ]

カーソン・ピリー・スコット・アンド・カンパニー・ビル（1899年、現サリバン・センター）は、驚くほどモダンで機能的な建築であったが、窓辺は様式化された花飾りで囲まれていた。ミネソタ州オワトナのナショナル・ファーマーズ・バンク（1907～1908年）とアイオワ州グリネルのマーチャンツ・ナショナル・バンクにも、同様に独創的な装飾を施した。彼はアメリカ特有のアール・ヌーヴォーを創始し、装飾形態は際限なく揺らぎ、うねり、混ざり合い、派生していくべきだと主張した。彼は非常に精密な作品を制作し、時にはゴシック様式とアール・ヌーヴォー様式のテーマを組み合わせた。[ 153 ]

また、オハイオ州トレド出身のウール兄弟も注目に値します。彼らはトレド・メタル・ファニチャー社のデザインによって金属製家具製造の新しい基準を確立しました。

アルゼンチンのアール・ヌーヴォー

ヨーロッパからの移民が殺到したアルゼンチンは、アール・ヌーヴォーを含むあらゆるヨーロッパの芸術・建築様式を歓迎しました。巨額の投資と柔軟な建設規則の環境が整っていたため、ヨーロッパの若い建築家たちがアルゼンチンに来てポートフォリオを充実させ、後にヨーロッパに戻ることを奨励しました。その結果、アルゼンチンはヨーロッパ以外で最も多くのアール・ヌーヴォー建築を有する国となりました。[ 154 ]アルゼンチンで最も著名なアール・ヌーヴォーの遺産を持つ都市は、ブエノスアイレス、ロサリオ、マル・デル・プラタです。[ 155 ]

パリは19世紀に大規模な大通りや並木道が建設され、ブエノスアイレスの原型となった。[ 154 ]地元のスタイルはフランスの影響に加えてイタリア自由主義にも倣っており、多くの建築家（ヴィルジニオ・コロンボ、フランシスコ・ジャノッティ、マリオ・パランティ）はイタリア人だった。フリアン・ガルシア・ヌーニェスの作品にはカタルーニャの影響が見られ、彼は1900年にバルセロナで学業を終えた。またエドゥアルド・ロドリゲス・オルテガの作品にもカタルーニャの影響が見られる。[ 154 ]ウィーン分離派の影響は、パソ・イ・ビアモンテ・ビル、クラブ・エスパニョール、レヒミエント・デ・グラナデロス・ア・カバジョ、サヴォイ・ホテルに見ることができる。[ 154 ]

地元の特徴としては、以前から存在した「チョリソハウス」形式の建物への適応が挙げられます。これは、ブロック内部に実際には奥行きのある建物があるにもかかわらず、比較的狭いファサードを備え、通気と採光のための複数のパティオまたは穴があることを意味していました。また、1800 年代末からブエノスアイレスでは法律で義務付けられていたため、各ブロックに特徴的な「角を切る」構造が見られました。材料の入手可能性もヨーロッパとは異なり、建物はセメントに砂とさまざまな鉱物を混ぜて作ったパリの石の模造品である「シミル ピエドラ パリ」で覆われることもよくありました。

ロサリオにおけるアール・ヌーヴォーの導入は、バルセロナで修行したフランシスコ・ロカ・シモと関係がある。[ 156 ]彼のクラブ・エスパニョール（1912年）の建物には、ラテンアメリカで最大級のステンドグラス窓があり、地元の会社ブクサデラ・フォルネルス・イ・シアによって制作された（タイルや陶器も）。[ 157 ]この建物の彫刻家はバルセロナ出身のディエゴ・マサナである。[ 157 ]

アルゼンチンのアールヌーボーに対するベルギーの影響は、現在マルデルプラタにあるフアン・カルロス・カスタニノ市立美術館となっているヴィラ・オルティス・バスアルドに代表され、その家具、内装、照明はギュスターヴ・セルリエ＝ボヴィが手掛けています。

世界のその他の地域におけるアール・ヌーヴォー

アルゼンチンと同様に、他の国のアールヌーボーは主に外国人芸術家の影響を受けました。

アールヌーボーのモチーフは、フランス領インドシナ全域のフランス植民地建築にも見られます。

パレスチナ地域では、オスマン帝国後期からイギリス委任統治時代にかけて、ベザレル派と呼ばれる著名な芸術運動が出現しました。この運動は「東洋美術とユーゲントシュティールの融合」と評されています。 [ 168 ]ベザレル派と関係のある芸術家の中には、ゼエフ・ラバン、エフライム・モーゼス・リリエン、アベル・パンなど、アール・ヌーヴォー様式で知られる人物が数多くいます。[ 169 ]

特徴、装飾、モチーフ

初期のアール・ヌーヴォー、特にベルギーとフランスにおけるアール・ヌーヴォーは、ユリ、蔓、花の茎などの自然物からインスピレーションを得た、波打つような曲線的なフォルムが特徴で、特にヴィクトール・オルタの室内装飾や、ルイ・マジョレルやエミール・ガレの装飾に用いられました。[ 172 ]また、当時ヨーロッパで人気があった日本美術から借用した蝶やトンボをモチーフにした模様も取り入れました。[ 172 ]

初期のアール・ヌーヴォーは、動きを表現するより様式化された形態を特徴とすることが多かった。例えば、デザイナーのヘルマン・オブリストが1894年に描いたシクラメンに描かれた「クー・ド・フーエ」、あるいは「むち打ち」の線などである。パン誌に掲載されたヘルマン・オブリストの壁掛け作品「シクラメン」（1894年）の解説では、この作品は「鞭の音によって生み出される突然の激しい曲線」に例えられている[ 173 ]。「むち打ち」という言葉は、もともとアール・ヌーヴォーの様式を揶揄するために使われていたが、現在ではアール・ヌーヴォーの芸術家たちが用いた特徴的な曲線を指すことが多い。[ 173 ]このようなシンコペーションのリズムと非対称な形状を持つ、波打つように流れるような装飾的な線は、建築、絵画、彫刻、その他のアール・ヌーヴォーのデザインによく見られる[ 173 ] 。

ユリや藤などの花からインスピレーションを得た花の形も人気があり、特にルイ・カンフォート・ティファニーのランプや、ナンシー派やエミール・ガレの芸術家によるガラス作品に多く見られました。自然界から借用した曲線や波打つ形には、蝶、孔雀、白鳥、睡蓮などがあります。多くのデザインには、ユリやアヤメなどの花の茎に絡み合った女性の髪が描かれていました。[ 174 ]様式化された花の形は、ヴィクトール・オルタによって特にカーペット、手すり、窓、家具に用いられました。エクトール・ギマールも手すりに広く用い、最も有名なのはパリの地下鉄の入口にあるランプや手すりです。ギマールは次のように説明しています。「連続するものすべてにおいて避けなければならないのは、平行と対称性である。自然は最も偉大な建築者であり、自然は平行なものも対称的なものも何も作らない。」[ 175 ]

ルイ・マジョレルやアンリ・ヴァン・デ・ヴェルデが制作した初期のアール・ヌーヴォー家具は、マホガニー材に貴重な木材の象嵌や装飾を施したなど、エキゾチックで高価な素材の使用と、直角のない曲線的なフォルムが特徴で、軽快な印象を与えました。

1900年以降のアール・ヌーヴォー第二期では、装飾はより純粋になり、線はより様式化されました。曲線と形状は多角形へと進化し、さらに立方体やその他の幾何学的形状へと発展しました。これらの幾何学的形状は、ヨーゼフ・マリア・オルブリッヒ、オットー・ワーグナー、コロマン・モーザー、ヨーゼフ・ホフマンの建築や家具、特にブリュッセルのストクレ宮殿において効果的に用いられ、アール・デコとモダニズムの到来を告げました。[ 89 ] [ 90 ] [ 91 ]

アール・ヌーヴォー建築のもう一つの特徴は、光の利用でした。内部空間を開放し、壁を取り除き、天窓を多用することで、室内に最大限の光を取り込むことに成功しました。ヴィクトール・オルタの住居兼アトリエや彼が設計した他の住宅には、曲線を描く鉄骨で支えられた大きな天窓が設けられていました。ホテル・タッセルでは、階段周りの伝統的な壁を取り除き、階段をインテリアデザインの中心的な要素としました。

現代のスタイルや運動との関係

アール・ヌーヴォーは芸術様式として、ラファエル前派や象徴主義と類似点があり、オーブリー・ビアズリー、アルフォンス・ミュシャ、エドワード・バーン＝ジョーンズ、グスタフ・クリムト、ヤン・トーロップといった芸術家は、これらの複数の様式に分類される可能性があります。しかしながら、象徴主義絵画とは異なり、アール・ヌーヴォーは独特の外観を有しています。また、職人技を重視したアーツ・アンド・クラフツ運動とは異なり、アール・ヌーヴォーの芸術家たちは、純粋なデザインのために、新しい素材、機械加工された表面、そして抽象表現を積極的に用いました。

アール・ヌーヴォーは、アーツ・アンド・クラフツ運動のように機械の使用を避けませんでした。彫刻においては、ガラスと錬鉄が主な素材として用いられ、建築物にも彫刻的な要素が見られました。陶磁器は、オーギュスト・ロダン[ 178 ]のような芸術家による彫刻の複製にも使用されましたが、彼の彫刻はアール・ヌーヴォーとはみなされていません。

アールヌーボー建築では、19 世紀後半の多くの技術革新が活用され、特に露出した鉄や不規則な形の大きなガラスが建築に使用されました。

アール・ヌーヴォーの傾向も、各地の様式に吸収されました。例えばデンマークでは、アール・ヌーヴォーは「美的作品」を意味するSkønvirkeの一側面であり、それ自体はアーツ・アンド・クラフツ様式とより密接に関連しています。[ 179 ] [ 180 ]同様に、ポーランドでは、芸術家たちがアール・ヌーヴォーの花や有機的なモチーフの多くを「ムウォダ・ポルスカ」（「若きポーランド」）様式に取り入れました。[ 181 ]しかし、 「ムウォダ・ポルスカ」は他の芸術様式も包含し、芸術、文学、そしてライフスタイルへのより幅広いアプローチを包含していました。[ 182 ]

建築的には、アール・ヌーヴォーは、モダンではあるものの、ヴァルター・グロピウスやル・コルビュジエなどの建築家によって確立されたモダニズムの伝統の外に存在する様式と類似点がある。特に、有機的な形状を好みながらもアール・ヌーヴォーの装飾へのアプローチに対する知的な不満から生まれた表現主義建築と密接な関連がある。アール・ヌーヴォーが植物や植物のモチーフに焦点を当てているのとは対照的に、表現主義は洞窟、山、稲妻、水晶、岩層などからインスピレーションを得ている。 [ 183 ]​​アール・ヌーヴォーへの反応として考え出された別の様式はアール・デコであり、同時代の前衛芸術から派生した直線的な様式を好み、有機的な表面を完全に拒否した。

ジャンル

アール・ヌーヴォーは絵画や彫刻に代表されますが、建築と装飾芸術において最も顕著です。グラフィックアート、特にポスター、インテリアデザイン、金属・ガラス工芸、宝飾品、家具デザイン、陶磁器、織物に適しています

ポスターとグラフィックアート

アール・ヌーヴォー時代には、新しい印刷技術、特にカラーリトグラフのおかげでグラフィックアートが隆盛を極め、カラーポスターの大量生産が可能になりました。芸術はもはやギャラリー、美術館、サロンに限定されず、パリの壁や、ヨーロッパ全土、そしてアメリカ合衆国でも流通したイラスト入りの美術雑誌にも見られるようになりました。アール・ヌーヴォーのポスターで最もよく描かれたテーマは女性で、女性は魅力、近代性、そして美しさを象徴し、しばしば花に囲まれていました。

イギリスにおいて、アール・ヌーヴォー様式を代表するグラフィック・アーティストはオーブリー・ビアズリー（1872-1898）でした。彼は『アーサー王の死』の版画から始め、次いでオスカー・ワイルドの『サロメ』 （1893年）の白黒の版画で名声を博しました。同年、美術雑誌『ザ・スタジオ』の版画やポスターの制作を開始し、フェルナン・クノップフなどのヨーロッパの芸術家をイギリスで広く知らしめるきっかけとなりました。曲線美と複雑な花模様は、テキストと同じくらい多くの注目を集めました。[ 184 ]

スイス系フランス人芸術家のウジェーヌ・グラッセ（1845–1917）は、フランスのアール・ヌーヴォー・ポスターの初期の制作者の一人でした。1885年には有名なキャバレー「ル・シャ・ノワール」の装飾を手がけ、パリ祭の最初のポスターを制作しました。1890年にはサラ・ベルナールの有名なポスターや、さまざまな本の挿絵を制作しました。芸術家兼デザイナーのジュール・シェレ、ジョルジュ・ド・フュール、画家のアンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレックは、パリの劇場、カフェ、ダンスホール、キャバレーのポスターを制作しました。チェコの芸術家アルフォンス・ミュシャ（1860–1939）は1888年にパリに到着し、1895年にヴィクトリアン・サルドゥーの劇「ジスモンダ」に出演する女優サラ・ベルナールのポスターを制作しました。このポスターの成功により、ベルナールの他の6つの劇のポスターを制作する契約につながりました。その後4年間、彼は女優のために舞台装置、衣装、さらには宝飾品のデザインも手がけた。[ 185 ] [ 186 ]劇場ポスターの成功を受けて、ミュシャはタバコや石鹸からビールビスケットまで、様々な商品のポスターを制作した。いずれも砂時計型の体型を持つ理想的な女性像を描いていた。彼はその後も、宝飾品からビスケットの箱に至るまで、独自のスタイルで様々な商品をデザインした。[ 187 ]

ウィーンで最も多作なグラフィックやポスターのデザイナーはコロマン・モーザー（1868-1918）で、グスタフ・クリムトやヨーゼフ・ホフマンとともに分離派運動に積極的に参加し、運動の雑誌『ヴェル・サクルム』のイラストや表紙のほか、絵画、家具、装飾品を制作した。[ 188 ]

絵画

絵画はアール・ヌーヴォーのもう一つの領域であったが、アール・ヌーヴォーと関連付けられる画家のほとんどは、主に他の運動、特にポスト印象派や象徴主義の画家として描かれている。アルフォンス・ミュシャはアール・ヌーヴォーのポスターで有名であったが、ミュシャ自身はそれに苛立ちを覚えていた。彼の息子であり伝記作家でもあるイジー・ミュシャによると、彼はアール・ヌーヴォーをあまり評価していなかったという。「アール・ヌーヴォーって何だ？」と彼は尋ねた。「…芸術は決して新しくはなり得ない。」[ 189 ]彼は歴史画家としての作品に最大の誇りを持っていた。アール・ヌーヴォーに触発された彼の絵画『スラヴァ』は、スラヴの衣装を着たパトロンの娘の肖像画で、彼の舞台ポスターをモデルにしている。[ 189 ]

アール・ヌーヴォーと最も密接に結びついた画家は、1888年から1900年までパリで活躍したポスト印象派の画家たち、ナビ派である。彼らの公言した目標の一つは、美術と装飾芸術の境界を打ち破ることであった。彼らはキャンバスだけでなく、装飾的な屏風やパネルも描いた。彼らの作品の多くは日本の版画の美学に影響を受けている。ナビ派のメンバーには、ピエール・ボナール、モーリス・ドニ、ポール・ランソン、エドゥアール・ヴュイヤール、ケル＝ザヴィエ・ルーセル、フェリックス・ヴァロットン、ポール・セリュジエなどがいた。[ 190 ]

オーストリアの画家グスタフ・クリムトは、アール・ヌーヴォー絵画の代表者であり、より具体的にはウィーン分離派のモダニズム運動の代表者でした。クリムトは、独自の華麗なスタイルでキャンバスや壁画を制作し、ウィーン分離派美術館に展示されているような工芸品にもそのスタイルを表現しました。クリムトは、最も頻繁にインスピレーションの源となったものの一つとして、女性の裸体画を見出しました。彼の作品は官能的で、自然主義的、個性的、有機的なスタイルで、ガウディの装飾様式を踏襲し、自然からインスピレーションを得ています。

カタルーニャのモダニスト画家（ラモン・カサス、サンティアゴ・ルシニョル、アレイシ・クラペス、ホアキン・スニエル、エルメネジルド・アングラダ・カマラサ、フアン・ブリュル、リカール・カナルス、ハビエル・ゴセ、ジョゼップ・マリア・セルト、ミゲル・ユトリロなど）は、パリの前衛芸術と密接な関係があり、アントニ・ガウディに大きな影響を受けました。エルス・カトル・ガッツという居酒屋が彼らの待ち合わせ場所です。パブロ・ピカソがグループから抜け出した。

アングラダ・カマラサの弟子には、アルゼンチン人のグレゴリオ・ロペス・ナギル、ティト・チッタディーニ、ラウール・マッツァがおり、彼らはアール・ヌーヴォー絵画を南米に伝えた責任者でした。

ベルギーでは、フェルナン・クノップフは絵画とグラフィックデザインの両面で活躍しました。グスタフ・クリムトの壁画は、ヨーゼフ・ホフマンが設計したストクレト宮殿（1905～1911年）の装飾計画に組み込まれました。ストクレト宮殿のダイニングルームに描かれたクリムトの壁画は、後期アール・ヌーヴォーの傑作とされています。

伝統的な絵画とアール・ヌーヴォーの両方に登場した主題が一つありました。アメリカのダンサー、ロイ・フラーは、フランスとオーストリアの画家やポスター作家によって描かれました。[ 44 ]

アール・ヌーヴォー時代、特にブリュッセルで人気を博した様式の一つにスグラッフィートがあります。これはルネサンス時代に発明された技法で、着色した漆喰を層状に塗り重ねて住宅のファサードに壁画を描くものです。特にベルギーの建築家ポール・ハンカーは、友人である二人の芸術家、ポール・コーシーとアルベール・チャンベルラーニのために住宅を建てる際に、 この技法を用いました。

ガラス工芸

ガラス芸術は、アール・ヌーヴォーが新しく多様な表現方法を見出した媒体であった。透明と不透明の新しい効果を見つけるために、特にフランスで熱心な実験が続けられた。彫刻では、ウィンカメオ、二重層、および連続生産を可能にする技術である酸彫刻が使用された。ナンシー市はフランスのガラス産業の重要な中心地となり、エミール・ガレの工房や、オーギュストとアントナン・ドームが率いるドーム・スタジオがそこにあった。彼らは、エルネスト・ビュシエール、アンリ・ベルジェ（挿絵画家）、アマルリック・ウォルターなど、多くの著名なデザイナーと仕事をした。彼らは、異なる色のガラスの破片を未完成品に押し付けることによってガラスを覆う新しい手法を開発した。彼らは、ナンシーに住居と工房を置いていた家具デザイナーのルイ・マジョレルとしばしば共同作業を行った。アール・ヌーヴォーのもう1つの特徴は、特にナンシーのアール・ヌーヴォー様式の住宅で、そのスタイルの花のテーマのステンドグラスの窓が使用されたことである。多くはマジョレル邸やその他の住宅の窓を製作したジャック・グルーバーの作品である。 [ 192 ]

ベルギーでは、ヴァル・サン・ランベールのガラス工場が主導的な企業であり、有機的および花の形をした花瓶を製作しており、その多くはフィリップ・ヴォルファースがデザインしたものである。ヴォルファースは、金属装飾が施されることが多かった象徴主義的なガラス作品の製作で特に知られていた。当時オーストリア＝ハンガリー帝国の一部であったボヘミアでは、クリスタル製造で知られ、J. & L. ロブマイヤー社とヨー・ロッツ・ヴィトヴェ社も新しい着色技術を実験し、より鮮明で豊かな色を生み出した。ドイツでは、カール・ケッピングが実験を主導し、吹きガラスを使用して極めて繊細な花の形のガラスを製作したが、その繊細さゆえに今日残っているものはほとんどない。[ 193 ]

ウィーンでは分離派のガラスデザインはフランスやベルギーのものよりはるかに幾何学的であり、オットー・プルッチャーはこの運動で最も厳格なガラスデザイナーだった。[ 193 ]イギリスでは、マーガレット・マクドナルド・マッキントッシュが「芸術愛好家の家」と呼ばれる建築展示のために数多くの花のステンドグラスのデザインを制作した。

米国では、ルイス・コンフォート・ティファニーと彼のデザイナーたちは、ガラスのシェードに共通の花のモチーフを複雑に組み合わせたランプで特に有名になった。ティファニーのランプは、1893年にシカゴで開催された世界コロンビアン博覧会でティファニーがビザンチン風の礼拝堂にランプを展示した後に人気を博した。ティファニーはガラスの着色方法を広範囲に実験し、1894年にファブリルガラス法の特許を取得した。これは、金属酸化物を使って溶けたガラスの内部を着色し、虹彩効果を与える方法である。彼の工房では、ステンドグラスの窓、衝立、花瓶、さまざまな装飾品とともに、異なる花のモチーフのティファニーランプのいくつかの異なるシリーズが生産された。彼の作品は最初にドイツに輸入され、その後、ジークフリート・ビングによってフランスに輸入され、1900年の博覧会の装飾センセーションの一つとなった。ティファニーのライバル企業であるアメリカのステューベン・グラスは、1903年にニューヨーク州コーニングでフレデリック・カーダーによって設立されました。カーダーもティファニーと同様に、フェブリル法を用いて虹彩色のガラス面を作り出しました。もう一人の著名なアメリカ人ガラス職人はジョン・ラ・ファージで、宗教的なテーマと純粋に装飾的なテーマの両方で、精巧で色彩豊かなステンドグラスを制作しました。 [ 193 ]

教会のステンドグラスの例については、アール・ヌーヴォーの宗教建築の記事をご覧ください。

金属芸術

19世紀の建築理論家ヴィオレ＝ル＝デュクは、近代建築の鉄骨構造を隠すのではなく見せることを提唱したが、アール・ヌーヴォー建築家のヴィクトール・オルタとエクトル・ギマールはさらに一歩進んで、建物の内外装に、花や植物の形に着想を得た曲線を描く鉄装飾を加えた。それは、室内では階段の手すり、照明器具などの細部、そして屋外ではバルコニーなどの装飾に用いられた。これらはアール・ヌーヴォー建築の最も特徴的な特徴の一部となった。植物の形を象った金属装飾は、すぐに銀食器、ランプ、その他の装飾品にも見られるようになった。[ 194 ]

アメリカでは、デザイナーのジョージ・グラント・エルムズリーが、シカゴの建築家ルイス・サリバンの建物の手すりやその他の室内装飾用に、極めて複雑な鋳鉄のデザインを制作しました。

フランスやアメリカのデザイナーが花や植物の形を用いたのに対し、ジョセフ・マリア・オルブリッヒや他の分離派の芸術家たちは、より幾何学的で落ち着いたスタイルでティーポットやその他の金属製の物をデザインした。[ 195 ]

ジュエリー

アール・ヌーヴォーのジュエリーの特徴は、繊細な曲線と直線です。そのデザインには、花、動物、鳥などの自然物がしばしば描かれています。女性の体も人気があり、カメオによく描かれています。真珠やスターリングシルバーのチェーンで作られたロングネックレスが多く見られ、ガラスビーズがアクセントになっていたり、シルバーやゴールドのペンダントで留められていたりします。ペンダント自体は、アメジスト、ペリドット、シトリンなどのファセットカットされた一粒の宝石を留める装飾品としてデザインされることがよくありました。[ 196 ]

アール・ヌーヴォーのジュエリーは、自然や神話との深いつながりを体現する、細かくて象徴的なモチーフを多用していることが特徴です。主なモチーフには、変容と美を象徴するトンボや孔雀の幽玄な姿や、自然の循環と成長を強調する植物や花の詳細な描写などがあります。蝶やスカラベなどの精巧にデザインされた昆虫は、多くの場合、細心の注意を払ったエナメル加工で描かれ、再生と保護を象徴し、神秘的な雰囲気を醸し出しています。このスタイルでは、しなやかな女性の姿も頻繁に登場し、官能性と大地とのつながりを暗示しています。蛇などの不吉な形や、メデューサやキメラなどの神話上の生き物は、自然界と神話界の暗い側面を想起させるために使用されました。これらのモチーフは単なる装飾のためではなく、それぞれに意味が込められており、芸術、自然、精神的象徴を統合するというアール・ヌーヴォーの哲学を反映している。[ 197 ]

アール・ヌーヴォー時代は、主にパリの大手ジュエリーメーカーが主導し、ジュエリー業界に顕著な様式的革命をもたらした。それ以前の2世紀にわたり、高級ジュエリーはダイヤモンドを美しくセッティングすることに重点が置かれていた。アール・ヌーヴォー時代、ダイヤモンドは脇役に過ぎなかった。宝石職人たちは、瑪瑙、ガーネット、オパール、ムーンストーン、アクアマリンなどの半貴石、エナメル加工などの様々な新技法、そして角、成型ガラス、象牙などの新素材を駆使して実験を重ねた。これらの素材を用いることで、有機的なフォルムと精緻なディテールを創造することが可能となり、伝統的なジュエリーデザインからより芸術的で表現力豊かな作品へと時代が移行したことを浮き彫りにした。プリカジュール・エナメル加工などの技法は、ステンドグラスのような半透明の効果を生み出すために用いられ、作品に深みと輝きを与えた。[ 198 ]

アール・ヌーヴォー様式の初期の著名なパリの宝石商には、1821年創業の家族経営の宝石店を営むルイ・オーコックがい​​る。アール・ヌーヴォー期の最も有名なデザイナー、ルネ・ラリックは、1874年から1876年までオーコックのスタジオで徒弟として働いた。ラリックは、トンボから草まで自然界をモデルに用い、アール・ヌーヴォーのジュエリーとガラスの中心人物となった。家具デザイナーとして最もよく知られているポール・フォロなど、伝統的なジュエリーの世界以外のアーティストも、ジュエリーデザインの実験を行った。他の著名なフランスのアール・ヌーヴォーのジュエリーデザイナーには、ジュール・ブラトーやジョルジュ・アンリがいる。米国で最も有名なデザイナーはルイ・コンフォート・ティファニーで、彼の作品はジークフリート・ビングの店と1900年のパリ万博で展示された。ジークフリート・ビングがパリに構えたギャラリー「メゾン・ド・ラル・ヌーヴォー」は、アール・ヌーヴォー・ジュエリーの普及に重要な役割を果たしました。ルネ・ラリック、アンリ・ヴェヴェール、エドワード・コロンナといった前衛的な宝石職人の作品を展示することで、ビングはジュエリーを美術の地位にまで高め、このスタイルに対する国際的な評価を高めました。[ 198 ]

イギリスで最も著名なのは、リバティ社とウェールズ語圏のデザイナー、アーチボルド・ノックスで、彼はシルバーのベルトバックルなど、様々なアール・ヌーヴォー様式の作品を制作しました。C・R・アシュビーは孔雀の形をしたペンダントをデザインしました。多才なグラスゴー出身のデザイナー、チャールズ・レニー・マッキントッシュも、伝統的なケルトのシンボルを用いたジュエリーを制作しました。ドイツでは、ユーゲントシュティール・ジュエリーの中心地はプフォルツハイムで、テオドール・ファーナーを含むドイツのジュエリーメーカーのほとんどがここに拠点を置いていました。彼らは新しいスタイルの需要に応えるべく、迅速に作品を制作しました。[ 196 ]

建築と装飾

アール・ヌーヴォー建築は、19世紀後半のヨーロッパ建築を支配した折衷的な様式に対する反動として生まれた。アール・ヌーヴォーは、装飾（花や植物をモチーフにした装飾、例えばアザミ、[ 199 ]アイリス、 [ 200 ]シクラメン、蘭、睡蓮など）や彫刻（以下の各セクションを参照）によって表現された。人物の顔（またはマスカロン）は装飾と呼ばれるが、人物を様々な形態の彫刻（彫像やレリーフ：以下の各セクションを参照）に使用することも、アール・ヌーヴォーのいくつかの形式では一般的であった。ウィーン分離派以前は、ユーゲントシュティールや国民ロマン主義様式のさまざまな形式のファサードは非対称で、多色のセラミックタイルで装飾されることが多かった。装飾は通常、動きを連想させ、構造と装飾の間に区別はなかった。[ 201 ]植物や花の形に基づいたカールや「むち打ち」のモチーフは、初期のアール・ヌーヴォーで広く使用されていましたが、ウィーン分離派や、ブリュッセルのストクレ宮殿（1905-1911）に見られるように、この様式の後継では装飾がより抽象的で対称的になりました。[ 202 ]

この様式は、ブリュッセルのポール・ハンカールによるハンカール館（1893年）とヴィクトール・オルタのタッセル館（1892年 - 1893年）に初めて登場した。タッセル館にはエクトール・ギマールが訪れ、彼の最初の主要作品であるベランジェ城（1897年 - 1898年）に同じ様式を用いた。オルタとギマールは家具や室内装飾、ドアノブやカーペットに至るまでデザインした。1899年、ベランジェ城の名声をもとに、ギマールは1900年に開通した新しいパリの地下鉄の駅の入口のデザインを依頼された。オリジナルはほとんど残っていないが、これらはパリのアール・ヌーヴォー運動のシンボルとなった。

パリでは、この建築様式は、ナポレオン3世の下でパリの総督を務めたジョルジュ・ウジェーヌ・オスマンが建物のファサードに課した厳しい規制に対する反応でもあった。 1903年にようやく弓形の窓が許可され、アール・ヌーヴォーの建築家たちは正反対の極端な方向に進み、最も顕著なのはジュール・ラヴィロットの住宅で、これらの住宅は実質的に装飾で覆われた巨大な彫刻作品であった。アール・ヌーヴォーの住宅が立ち並ぶ重要な地区がフランスの都市ナンシー、家具デザイナーのルイ・マジョレルの邸宅であったヴィラ・マジョレル（1901-02年）の周辺に現れた。それはアンリ・ソヴァージュによって、マジョレルの家具デザインを展示する場として設計された。[ 201 ]

多くのアール・ヌーヴォー様式の建物が、都市中心部の一部としてユネスコ世界文化遺産に登録されています（ベルン、ブダペスト、リヴィウ、パリ、ポルト、プラハ、リガ、サンクトペテルブルク、ストラスブール（ノイシュタット） 、ウィーン）。それらに加え、独立した対象物として登録された建物もあります。

彫刻

彫刻はアール・ヌーヴォーの芸術家にとってもう一つの表現手段であり、陶芸と融合することもあった。アガトン・レオナール作の磁器の置物「スカーフの踊り子」は、1900年のパリ万博で陶芸と彫刻の両方で高い評価を得た。他国の彫刻家も陶芸彫刻を制作した。ボヘミアのスタニスラフ・スチャルダとラディスラフ・サルーン、ベルギーのシャルル・ファン・デル・スタッペン、カタルーニャのランベール・エスカレルは多色テラコッタの彫像を制作した。当時のもう一人の著名な彫刻家はカタルーニャ出身のアウグスティ・ケロル・スビラツで、スペイン、メキシコ、アルゼンチン、キューバで彫像を制作した。[ 204 ]

建築彫刻では、彫像だけでなくレリーフも用いられた。アール・ヌーヴォーの建築家や彫刻家たちは、動物のモチーフ（蝶、[ 205 ]孔雀、[ 206 ]白鳥、[ 207 ]フクロウ、 [ 208 ]コウモリ、[ 209 ]龍、[ 210 ]熊[ 211 ]）にインスピレーションを見出していた。アトランティス、[ 212 ]カリアティード、[ 213 ]プットー、[ 214 ]ガーゴイル[ 215 ]なども用いられた。

家具

アール・ヌーヴォー時代の家具デザインは、建物の建築様式と密接に結びついていました。建築家は、家具、カーペット、照明器具、ドアノブ、その他の装飾的な細部までをデザインすることが多かったのです。家具は複雑で高価なものが多く、通常は磨き仕上げやニス塗りといった繊細な仕上げが不可欠とされていました。また、コンチネンタルデザインは曲線を描く複雑な形状が多く、製作コストも高額でした。また、家の所有者が家具を交換したり、異なるスタイルの家具を追加したりすると、部屋全体の印象が損なわれるという欠点もありました。そのため、アール・ヌーヴォー建築が廃れていくと、家具のスタイルもほぼ消滅しました。

フランスでは、家具デザインと製造の中心地はナンシーにあり、エミール・ガレとルイ・マジョレルという2人の大物デザイナーがスタジオと工房を構え、 1901年にはナンシー美術産業連盟（のちのナンシー派と呼ばれる）が設立された。両デザイナーとも、アール・ヌーヴォー・デザインで人気のモチーフであるトンボなど、花や昆虫など自然界から取り入れた形状を基に構造と装飾を考案した。ガレは、風景画や詩的なテーマを浮き彫りにした寄木細工を特に使用していたことで知られていた。マジョレルは、エキゾチックで高価な木材を使用し、植物をテーマに彫刻したブロンズを家具に取り付けることで知られていた。両デザイナーとも製造の初期段階では機械を使用したが、仕上げはすべて手作業で行われた。ナンシー派の他の著名な家具デザイナーには、ウジェーヌ・ヴァランとエミール・アンドレがいた。両者とも建築家の教育を受けており、装飾が少なく、曲線を描く植物や花に沿った、オルタやヴァン・デ・ヴェルデなどのベルギー人デザイナーによる家具に似た家具をデザインしました。

その他の著名なフランス人デザイナーには、ヴィオレ＝ル＝デュクのネオゴシック様式からインスピレーションを得たアンリ・ベルリー＝デフォンテーヌ、美術商ジークフリート・ビングと共同で新しいテーマでフランスの家具産業を活性化させたジョルジュ・ド・フュール、ウジェーヌ・ガイヤール、エドゥアール・コロンナなどがいた。彼らの作品は「抽象自然主義」、直線と曲線の統一性、ロココ調の影響で知られた。ビング館のド・フュールの家具は、1900年のパリ万博で金メダルを受賞した。最も独特で絵になるフランス人デザイナーはフランソワ＝リュペール・カラバンで、彼は彫刻家出身で、家具にはアール・ヌーヴォーの要素と象徴主義を組み合わせた裸婦像や象徴的な動物、特に猫をあしらったものがあった。その他の影響力のあるパリの家具デザイナーには、シャルル・プリュメ、アレクサンドル・シャルパンティエがいた。[ 216 ] 18世紀フランスの古典的なロココ家具の古い語彙と技術は、多くの点で新しいスタイルで再解釈されました。[ 10 ]

ベルギーでは、アール・ヌーヴォー運動の先駆的な建築家であるヴィクトール・オルタとアンリ・ファン・デ・フェルデが、力強い曲線と最小限の装飾を用いて、自宅の家具をデザインしました。ベルギーのデザイナー、ギュスターヴ・セルリエ＝ボヴィは、曲線を描く真鍮の帯を用いて、より装飾的な装飾を加えました。この様式が「ニュー・クンスト」 （新芸術）と呼ばれたオランダでは、H・P・ベルラーク、リオン・カシェ、テオドール・ニューウェンハウスは、より幾何学的で合理的な形態を特徴とする、イギリスのアーツ・アンド・クラフツ運動とは異なる道を歩みました。

イギリスでは、チャールズ・レニー・マッキントッシュの家具は純粋なアーツ・アンド・クラフツで、簡素で幾何学的、長い直線と直角で装飾は最小限であった。[ 217 ]大陸のデザインははるかに精巧で、作品の基本形と装飾モチーフの両方に曲線がよく使われていた。ドイツでは、ペーター・ベーレンスとユーゲントシュティールの家具は大部分が合理主義で、幾何学的な直線と表面に付けられた装飾があった。彼らが目指したのはフランスのアール・ヌーヴォーとは正反対で、構造と材料の単純さ、安価で簡単に大量生産できる家具だった。オットー・ワーグナー、ヨーゼフ・ホフマン、ヨーゼフ・マリア・オルブリッヒ、コロマン・モーザーに率いられたウィーン工房のデザイナーたちの家具についても同じことが当てはまった。家具は幾何学的で装飾は最小限であったが、スタイル的には国の歴史的な前例、特にビーデマイヤー様式に従うことが多かった。 [ 218 ]

イタリアとスペインの家具デザインはそれぞれ独自の道を歩み始めました。イタリアのカルロ・ブガッティは、1902年のトリノ万博のために、木製の表面に羊皮紙と銅板を塗装した、異例の「カタツムリ椅子」をデザインしました。スペインでは、アントニ・ガウディとモダニズム運動に倣い、家具デザイナーのガスパール・オマールが、カタルーニャの歴史的様式を取り入れた自然のフォルムにインスピレーションを得た作品をデザインしました。[ 136 ]

アメリカ合衆国では、家具デザインはアール・ヌーヴォーよりも、アーツ・アンド・クラフツ運動やアメリカの歴史的モデルに影響を受けていることが多かった。アール・ヌーヴォーのテーマを導入したデザイナーの一人に、ニューヨーク州バッファローのチャールズ・ロルフスがいる。彼のアメリカンホワイトオーク家具のデザインは、ケルト美術やゴシック美術のモチーフの影響を受けており、家具に施された金属の装飾にはアール・ヌーヴォーの要素が見られる。[ 136 ]

陶磁器

ファイアンス焼きを含む陶芸は、英語圏の国々でアール・ヌーヴォー芸術家たちのもう一つの栄えた領域であり、より広範なアート・ポタリー運動の傘下にあった。19世紀後半には陶芸の製造において多くの技術革新が見られ、特に結晶化したマットな釉薬を用いた高温（グラン・フー）陶器の開発が目立った。同時に、サン・ド・ブフ釉薬など、いくつかの失われた技法が再発見された。アール・ヌーヴォー陶器は、植物や花のモチーフがアール・ヌーヴォー様式によく合致する、日本と中国の伝統的および現代的な陶磁器の影響も受けていた。フランスでも、芸術家たちが伝統的な炻器（グレ）の技法を再発見し、新たなモチーフで再発明した。[ 223 ]

ナンシーのエミール・ガレは、植物や昆虫といった自然主義的なテーマを描いた、自然な土色の陶器作品を制作しました。陶器は建築においても重要な新たな用途を見出しました。アール・ヌーヴォーの建築家、ジュール・ラヴィロットやエクトール・ギマールらは、建物のファサードを建築用陶器で装飾し始めました。その多くはアレクサンドル・ビゴ社によって制作され、独特のアール・ヌーヴォー彫刻的な外観を呈していました。[ 223 ]

フランスのアール・ヌーヴォー陶芸の先駆者の一人、エルネスト・シャプレは、30年にわたる陶芸のキャリアを築きました。彼は日本と中国の原型に影響を受け、炻器の制作を始めました。1886年からは、画家ポール・ゴーギャンと共同で、人物像や複数の取っ手、彩色と部分的な釉薬を施した炻器のデザインを手掛け、彫刻家フェリックス・ブラックモン、ジュール・ダルー、オーギュスト・ロダンとも共同制作を行いました。彼の作品は1900年の万国博覧会で高く評価されました。

1900年のパリ万博では、主要な国内陶磁器メーカーが重要な位置を占めていた。パリ郊外のセーヴル陶器製作所、ドイツのニンフェンブルク、マイセン、ビレロイ＆ボッホ、そしてイギリスのドルトンなどである。その他のフランスの著名な陶芸家には、タクシル・ドー、ピエール＝アドリアン・ダルパイラ、エドモン・ラシュナル、アルベール・ダムーズ、オーギュスト・ドラエルシュなどがいた。[ 224 ]

フランスでは、アール・ヌーヴォー陶芸は彫刻の領域に踏み込むこともあった。アガトン・レオナールがセーヴル陶器工房のために制作した磁器の置物「スカーフを巻いた踊り子」は、1900年のパリ万博で両方の部門で高い評価を得た。

ハンガリーのペーチにあるゾルナイ工場は、 1853年にミクローシュ・ゾルナイ（1800–1880）によって設立され、息子のヴィルモス・ゾルナイ（1828–1900）がチーフデザイナーのタデ・シコルスキ（1852–1940）とともに、石器やその他の陶磁器を生産するために経営しました。1893年、ゾルナイはエオシン製の磁器製品を発表しました。彼は、1873年のウィーン万国博覧会、そして1878年のパリ万国博覧会を含む世界博覧会や国際展示会で革新的な製品を披露することで、工場を世界的に認知させました。パリ万国博覧会では、ゾルナイはグランプリを受賞しました。耐霜性のあるゾルナイの建築装飾は、特にアール・ヌーヴォー運動の時代に、数多くの建物で使用されました。[ 225 ]

セラミックタイルもまた、ポルトガルの 長いアズレージョの伝統を継承したポルトガルのアルテ・ノヴァの特徴的な要素でした。

モザイク

モザイクは、さまざまな運動の多くのアール ヌーボー芸術家、特にカタルーニャモダニズムの芸術家によって使用されました(サン パウ病院、カタルーニャ音楽堂、カサ ジェオ モレラなど)。アントニ・ガウディは、廃セラミック片を使用した トレンカディスと呼ばれる材料処理の新しい技術を発明しました。

色鮮やかな花柄のマヨリカタイルは、オットー・ワーグナー設計のウィーンのマヨリカハウス（1898 年）や、ロシアのアブラムツェヴォ植民地の建築物、特にミハイル・ヴルーベリ設計の建物の特徴的な特徴でした。

織物と壁紙

テキスタイルと壁紙は、アール・ヌーヴォーの黎明期から重要な媒体であり、アール・ヌーヴォーのインテリアデザインにおいて不可欠な要素でした。イギリスでは、ウィリアム・モリスのテキスタイルデザインがアーツ・アンド・クラフツ運動、そしてアール・ヌーヴォーの勃興を促しました。ロンドンのリバティ百貨店のために多くのデザインが制作され、ヨーロッパ全土にアール・ヌーヴォー様式が普及しました。そのようなデザイナーの一つがシルバー・スタジオで、色鮮やかで様式化された花柄を提供しました。その他の特徴的なデザインは、グラスゴー派やマーガレット・マクドナルド・マッキントッシュによって生み出されました。グラスゴー派は、様式化された卵、幾何学模様、「グラスゴーのバラ」など、いくつかの独特なモチーフを導入しました。

フランスでは、デザイナーのウジェーヌ・グラッセが1896年に『植物とその装飾的応用』を出版し、様々な花や植物をモチーフにしたアール・ヌーヴォーのデザインを提案し、大きな貢献を果たした。多くの図柄が、ミュルーズ、リール、リヨンにあるフランスの大手織物メーカーのために、ドイツやベルギーの工房でデザイン・製作された。ドイツ人デザイナーのヘルマン・オブリストは花柄、特にシクラメンや、このスタイルの主要なモチーフとなる花の茎をモチーフにした「むち打ち」スタイルを専門とした。ベルギー人のアンリ・ファン・デ・ヴェルデは、ブリュッセルのサロン・ラ・リブル・エステティックで、ポール・ゴーギャンやナビ派の象徴主義に着想を得た織物作品『天使のヴェイユ』を発表した。オランダでは、織物は東インドのオランダ植民地のバティック図柄にインスピレーションを受けることが多かった。民俗芸術は、中央ヨーロッパやスカンジナビアのタペストリー、カーペット、刺繍、織物にも影響を与え、ノルウェーではゲルハルト・ムンテやフリーダ・ハンセンの作品がその一例です。オットー・エックマンの「五羽の白鳥」のデザインは、100種類以上の異なるバージョンで登場しました。ハンガリーのデザイナー、ヤーノシュ・ヴァザリは、アール・ヌーヴォーの要素と民俗的なテーマを融合させました。[ 227 ]

美術館

アール・ヌーヴォーの遺産を展示する美術館には4つの種類があります。

  • 広域美術館（アール・ヌーヴォーに特化しているわけではないが、この様式の作品を多数収蔵している）。アール・ヌーヴォーの建造物は斜体で表記されています
  • アールヌーボー芸術家の家博物館（アルフォンス・ミュシャ美術館以外はすべてアールヌーボーの記念碑です）。
  • 地元のアールヌーボー運動を専門とする美術館（すべてアールヌーボーの記念碑です）。
  • 美術館の地位を持つ、または内部に美術館があるその他のアールヌーボー様式の建物（地元のアールヌーボー運動や特定のアーティストに特化していないもの）。
カントリー 幅広い分野の美術館 アール・ヌーヴォーの芸術家のハウスミュージアム 地元のアール・ヌーヴォー運動に特化した美術館 美術館の指定を受けている、または内部に美術館があるその他のアールヌーボー様式の建物
オーストリアウィーン応用美術館ウィーン分離派会館ウィーンのカールス広場とヒーツィングのワーグナー パビリオン
アルゼンチンマル・デル・プラタのフアン・カルロス・カスタニーノ市立美術館
ベルギーブリュッセルの世紀末博物館、ヘミクセムのジリオット＆ロランツ・タイル博物館ブリュッセルのメゾン・アンド・アトリエ・オルタとコーシー・ハウスベルギー漫画センター、楽器博物館、オート リックハウス
チリバルパライソのバブリッツァ宮殿
チェコ共和国フラデツ・クラーロヴェの東ボヘミア博物館プラハのアルフォンス・ミュシャ美術館オロモウツ近代美術館
デンマークスケルベックのスンデユラン博物館
フランスオルセー美術館、装飾美術館、カルナヴァレ美術館、パリのプティ・パレ;アグノーの歴史博物館;ストラスブール近代・現代美術館、ナンシー美術館ナンシーのVilla Majorelle ;ヴィンゲン・シュル・モデールのラリック美術館ナンシーのナンシー派博物館パリのマキシムレストランの上にあるマキシムのアール ヌーヴォー「コレクション 1900」（20 名以上のグループのみ）
フィンランドヘルシンキのアテネウムとフィンランド国立博物館、トゥルクのトゥルク美術館キルッコヌンミのフヴィトレスク（ヘルマン・ゲセリウス、アルマス・リンドグレーン、エリエル・サーリネンの家）とエスポーのガレン・カレラ博物館
ドイツベルリンのブローハン美術館、カールスルーエのマヨリカ美術館、マインツの州立美術館、ヴィースバーデンのヴィースバーデン美術館ダルムシュタットのダルムシュタット植民地博物館ハーゲンのオストハウス博物館
ハンガリーブダペストの応用美術館とその分館、ヴィラ・ジェルジ・ラート、ゲドゥレーの市立博物館ブダペストのミクサ・ロート・ハウス博物館ブダペストのハンガリー人セーセシオの家ブダペスト地質学博物館
イタリアカザーレ・モンフェッラートの市立博物館チェルノッビオのヴィラ・ベルナスコーニ
ラトビアリガのアール・ヌーヴォー美術館
メキシコメキシコシティの オブジェクト博物館
ノルウェーオーレスンにあるユーゲントシュティール・センターオスロにあるノルウェー現代美術館
ポルトガルアヴェイロのアルテ・ノヴァ美術館リスボンのアナスタシオ・ゴンサルベス博士の住居博物館
ルーマニアスフントゥ・ゲオルゲのセーケイ国立博物館、シナヤのペリショル城オラデアのダルヴァス・ラ・ロシュの家
ロシアモスクワ州のアブラムツェヴォ・コロニー、モスクワの全ロシア装飾美術館とゴーリキー美術館、サンクトペテルブルクの国立ロシア美術館、ロシア政治史博物館ウリヤノフスクのフョードル・リヴチャクの家博物館[ 228 ]スモレンスク州フレノヴォにあるタラシキノ芸術コロニー博物館（ロシア語のみ） モスクワの「銀の時代」ロシア文学博物館、サマーラの近代博物館、タンボフの「アセーエフ邸宅」、沿海地方の市立博物館、ガッチナの「シェルボフ邸宅博物館」（いずれもレニングラード州）、タガンログの「タガンログ建築都市博物館」 、ウリヤノフスクの「ベル・エポック建築博物館」
セルビアベオグラード応用美術館ベオグラードのヨヴァン・ツヴィイッチの家、ベオグラードのウロス・プレディッチのアトリエ、ノヴィ・サドのシナゴーグ、スボティツァのシナゴーグ、スボティツァのライヒレ宮殿
スペインバルセロナのカタルーニャ国立美術館、マドリードのカイシャ・フォーラム、サラマンカのアール・ヌーヴォー・アール・デコ博物館、コルネリャ・デ・リョブレガートのアグバール・デ・レス・アイグエス美術館[ 229 ]バルセロナのガウディの家博物館、カネ・デ・マルのルイス・ドメネク・イ・モンタネールの家博物館バルセロナのカタルーニャ近代美術館、ノベルダのアールヌーボー美術館バルセロナのサグラダ・ファミリア、サン・パウ病院、カサ・ビセンス
スウェーデンストックホルムの生物学博物館、ヨーテボリのロースカ博物館
 スイスラ・ショー・ド・フォン美術館
イギリスロンドンのヴィクトリア＆アルバート博物館、グラスゴーのケルビングローブ博物館、アクリントンのハワース美術館[ 230 ]グラスゴーのハンテリアン博物館・美術館にあるマッキントッシュ・ハウスロンドンのホーニマン博物館
ウクライナチェルニウツィ美術館、ポルタヴァ郷土博物館
アメリカ合衆国フロリダ州ウィンターパークのチャールズ・ホズマー・モース美術館、ニューヨーク市のメトロポリタン美術館、ロサンゼルスのゲッティ・センター、ニューヨーク市のクーパー・ヒューイット・スミソニアン・デザイン博物館、シカゴの シカゴ美術館

他にも、美術館指定はされていないものの、公式には有料、非公式には無料で見学できるアールヌーボー様式の建物や構造物が数多くあります (例: 鉄道駅、教会、カフェ、レストラン、パブ、ホテル、店舗、オフィス、図書館、墓地、噴水、現在も人が住んでいる多数のアパートなど)。

後世

アール・ヌーヴォーは「原始的な贅沢さ」を批判され、1911年以降衰退し始めました。[ 231 ] 20世紀のヨーロッパ建築史、1930年代から1950年代にかけて、ニコラウス・ペヴスナー、ジークフリート・ギーディオン、ヘンリー＝ラッセル・ヒッチコックといった影響力のある歴史家たちは、アール・ヌーヴォーを考慮に入れていませんでした。そのため、ペヴスナーの『ヨーロッパ建築の天才』の初版には、エクトル・ギマールやアントニ・ガウディについて言及されていませんでした。 アール・ヌーヴォーを扱った最初の主要な著作は、1950年代末にジョニー・ワツァーによって出版されました

アールデコへの影響

アール・ヌーヴォーは、アール・デコにつながる要因の一つでした。アール・デコは、1910年頃に複数のフランス人デザイナーが共同で新しいモダンスタイルを生み出そうとした様式です。アール・ヌーヴォーが19世紀の復興主義と折衷主義の優位性を破り、アカデミックな慣習に反対したからです。アール・ヌーヴォーは、その様々な現れを通して、もはや歴史的な公式に依存しない新しい装飾システムを発明しました。世界のほとんどで曲線的な植物の形、オーストリア・ハンガリー帝国とイギリスで幾何学的な装飾、そして北欧、中央、東ヨーロッパの国々で国民的伝統の再解釈が見られました。新しい装飾と形状で新しい様式を創造するというアイデアは、アール・ヌーヴォーがアール・デコの発明に大きく貢献しました。アール・ヌーヴォーから受け継いだもう一つの側面は、家庭内の贅沢さに重点が置かれていることです。

アール・ヌーヴォーの繊細なディテールやしなやかなラインの一部は、1920年代のアール・デコ建築やデザインにも見られますが、若干簡略化されています。同様に、アール・ヌーヴォーのポスターで普及したフラットな色彩と輪郭線は、アール・デコのイラストレーションに非常に多く用いられています。アール・ヌーヴォーのデザインの多くは、植物のモチーフが物体や建築装飾の上で成長し、変化していくように見えますが、アール・デコの作品の多くは、新古典主義に似た明確な構成構造を有しています。

フランス・ベルギーのアール・ヌーヴォーから着想を得たアイデアに加え、イギリスやウィーンに見られる幾何学的なモチーフや立体感からも影響を受けています。ここで見られる花、螺旋、正方形は、アール・デコに見られるものと非常に類似しています。チャールズ・レニー・マッキントッシュは、後期の作品においてアール・デコの形態を予見していました。この様式を最もよく予見した分離派の作品の一つは、ブリュッセルのストクレ宮殿です。ジッグラト型のセットバック、階段窓の垂直スリット、そして全体的なシンプルさと控えめな装飾が特徴です。[ 237 ]

復活

1960年代にはポストモダニズムが誕生しました。これは、第二次世界大戦後のモダニズムの現状に疑問を投げかけ、歴史的な様式の要素を新しいデザインに取り入れ、再解釈することを促進した運動であり、当時も今も続いています。1950年代にはアール・ヌーヴォーに関する国際博覧会が数多く開催されましたが、1960年代、特にポストモダニズムの台頭とともに、アール・ヌーヴォーは成功を収め、復活を遂げました。展覧会以外にも、この復活は、当時の雰囲気を決定づけた「フラワーパワー」世代と関連している可能性があります。彼らは、1900年頃の花の装飾や、エロティックで「解放された」芸術テーマに、自らの人生の理想を見出していました。

アール・ヌーヴォーは、同時代のサイケデリック・ロックの多くのポスターの主要なインスピレーション源の一つでもありました。1960年代のサイケデリック・アート運動の主導的な推進者は、リック・グリフィン、ビクター・モスコソ、ボニー・マクリーン、スタンリー・マウス、アルトン・ケリー、ウェス・ウィルソンといったサンフランシスコのポスターアーティストたちでした。アール・ヌーヴォーの特徴であるアースカラーと比較すると、これらのポスターは彩度の高い色彩とコントラストをなしており、文字も高度に様式化されており、時に読みにくいものもありました。このスタイルは1966年から1972年頃にかけて流行しました。

グスタフ・クリムトの象徴的な絵画は、今日ではマグカップ、皿、ナプキン、キーホルダーなど、キッチュなお土産品に多く見られます。「接吻」は無数のサイズと素材で印刷されてきました。アルフォンス・ミュシャのポスター も同様です。

アール・ヌーヴォーに大きなインスピレーションを見出していた芸術家の一人に、オーストリアの画家であり建築家でもあったフリーデンスライヒ・フンデルトヴァッサーがいます。彼はエゴン・シーレ、バロックやペルシアの細密画、アール・ヌーヴォーの曲線的な装飾など、様々なものからインスピレーションを得ました。[ 239 ]

関連項目

注釈

  1. ^一部の研究者は、ジャセデ館（1893年）もアール・ヌーヴォーの作品であると考えている[ 45 ]
  2. ^ドイツ工作連盟のアーカイブなど、いくつかの資料では、ファン・デ・ヴェルデが創立メンバーの一人であるとされている。 [ 83 ]
  3. ^ロシア皇帝ニコライ2世が妻に贈ったイースターの贈り物として作られた

参考文献

  1. ^ハイルブルン美術史年表、メトロポリタン美術館、アール・ヌーヴォー
  2. ^ a b cゼンバッハ、クラウス＝ユルゲン、ラル ヌーヴォー(2013)、8–30 ページ
  3. ^スターナー（1982）、6。
  4. ^ a b Victor Horta Archived 19 April 2019 at the Wayback Machine – Encyclopædia Britannica
  5. ^ a b c dユネスコ世界遺産センター. 「建築家ヴィクトル・オルタの主要なタウンハウス（ブリュッセル）」 . whc.unesco.org . 2013年5月13日時点のオリジナルよりアーカイブ。 2019年12月26日閲覧。
  6. ^ Oudin、Bernard、 Dictionnaire des Architectes Victor Hortaの記事
  7. ^「アール・ヌーヴォー」、ハイルブルン美術史年表、メトロポリタン美術館
  8. ^ヴィーニュ、ジョルジュ、エクトール ギマール – Le geste magnifique de l'Art Nouveau、(2016)、Editions du Patrimoine、Centre des Monuments National、p. 194
  9. ^ a b c d eダンカン（1994）、23-24頁。
  10. ^ a b c d e fゴンタル、キュベレー。アール・ヌーヴォー。ハイルブルン美術史年表、2021年5月15日アーカイブ。ニューヨーク：メトロポリタン美術館、2000年（2006年10月）
  11. ^ a bマドセン、S. チューディ (1977)。アールヌーボー(ルーマニア語)。エディトゥラ・メリディアン。 7、71ページ。
  12. ^ a b c dミシェル・ラヴァレ、「アール・ヌーヴォー」、グローブ・ディクショナリー・オブ・アート、オックスフォード大学出版局、2008 年 4 月 11 日アクセス。
  13. ^アレクサンドラ・ギャラン (2023 年 8 月 23 日)。「Secesja – ハーモニア、完璧な音、デリカトノシッチ」。audycjekulturalne.pl (ポーランド語) 。2024 年9 月 29 日に取得。
  14. ^デミアン (2019 年 5 月 7 日)。「アールヌーボー研究 – ヨーロッパの伝統的な建築、オラデアの経験」。2020年7月9日のオリジナルからアーカイブ。2020 年5 月 6 日に取得。
  15. ^ファールベッカー 2015、335–358 ページ。
  16. ^ジャン＝ポール・ブイヨン、 Journal de l'Art Nouveau (1985)、p. 6
  17. ^ “Chair | Mackmurdo, Arthur Heygate | V&A Explore the Collections” . 1883年. 2020年2月27日時点のオリジナルよりアーカイブ。 2020年2月27日閲覧。
  18. ^ Lingenheim, Claire. Art nouveau and Industrie (PDF) (フランス語). Accadémie Strasbourg. 2022年1月20日時点のオリジナルよりアーカイブ(PDF) 。 2022年1月20日閲覧。ヴィオレ・ル・デュクは、建築が真の科学となり、形態が機能から生まれる合理主義運動のスポークスマンである。
  19. ^ Froissart-Pesone、Rossella (2005)。芸術の宣伝。パリ: CNRS 版。
  20. ^ローランド、レヒト (2000)。「ヴィオレ・ル・デュクとゴットフリート・ゼンパー：記念碑的なパトリモワーヌの概念」。Revue Germanique Internationale (フランス語) (13): 155–168 . doi : 10.4000/rgi.780。2022 年 1 月 20 日のオリジナルからアーカイブ。2022 年1 月 20 日に取得。モデルとしての自然
  21. ^ブレッサーニ、マーティン (2014).ヴィオレ・ル・デュック著『材料と建築技術』（フランス語）. パリ: Editions du Patrimoine.建築家にとって建築とは、材料の品質と性質に基づいて使用することである
  22. ^ローレンス・ポーリアック (2005)。ヴィオレ・ル・デュクとポリクロミのレストラン（フランス語）。モントリオール: モントリオール大学。彼のノートルダム大聖堂の壁画のスタイルがアール ヌーヴォーの先駆けであることは興味深いです。
  23. ^ヴィオレ・ル・デュク、 Entretiens sur l'architecture
  24. ^ブイヨン 1985、24ページ。
  25. ^ 1891年12月28日、『L'Écho de Paris』でのインタビュー
  26. ^ブイヨン 1985、26ページ。
  27. ^ラホール 2007、30ページ。
  28. ^ファールベッカー 2015、91–93 ページ。
  29. ^ Oudin、Bernard、 Dictionnaiare des Architectes (1994)、p. 237
  30. ^ゼンバッハ、アール ヌーボーp. 47
  31. ^ a b Culot と Pirlot、ブリュッセル アール ヌーボー(2005)、74–75 ページ。
  32. ^ベカールト、ギアルト (1985)。1900 年のベルギーとペイ・バの建築におけるヴィオレ・ル・デュクの影響。セプテントリオン。 p. 38.
  33. ^ヴィクター、オルタ (1925)。ベルギー王立アカデミーのヴィクトル・オルタに関するディスクール。
  34. ^ゼンバッハ、『アール・ヌーボー - 和解の理想』 (1991) pp. 46–47
  35. ^ラホール 2007、127ページ。
  36. ^キュロット＆ピルロー 2005、p. 74.
  37. ^キュロット＆ピルロー 2005、p. 74〜75。
  38. ^ファール・ベッカー 2015、143ページ。
  39. ^ Sachar , Brian (1984). 『ヨーロッパ建築アトラス』 . Van Nostrand Reinhold. p.  27. ISBN 978-0-4422-8149-6。
  40. ^シャンピニェール、ベルナール (1976).アール・ヌーヴォー. バロンズ教育シリーズ. pp. 115, 121. ISBN 978-0-8120-5111-7。
  41. ^引用元：ユネスコウェブサイト 2020年5月28日アーカイブ Wayback Machine
  42. ^キュロットとピルロー (2005)、p. 20
  43. ^ファール・ベッカー 2015、152ページ。
  44. ^ a bブイヨン 1985 .
  45. ^エクトール・ギマールArchived 25 February 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
  46. ^ Fahr-Becker 2015、74ページ。
  47. ^ Martin EidelbergとSuzanne Henrion-Giele、「Horta and Bing: An Unwritten Episode of L'Art Nouveau」、 The Burlington Magazine、第119巻、1890年以降のヨーロッパ美術特集号（1977年11月）、747–752ページ。
  48. ^ダンカン（1994年）、15～16頁、25～27頁。
  49. ^ファールベッカー 2015、391–413 ページ。
  50. ^サルニッツ、アウグスト、オットー・ワーグナー（2018年）、49～50頁
  51. ^サルニッツ、アウグスト、ホフマン、(2016)、14ページ
  52. ^ファールベッカー 2015、296–27 ページ。
  53. ^ファールベッカー 2015、179–188 ページ。
  54. ^テクシエ 2012、86～87頁。
  55. ^ラホール 2007年、104ページ。
  56. ^ダンカン（1994）、37ページ。
  57. ^ファール・ベッカー 2015、136ページ。
  58. ^ファールベッカー 2015、136–137 ページ。
  59. ^ファール・ベッカー 2015年、140頁。
  60. ^キュロット＆ピルロー 2005、p. 87.
  61. ^ラホール 2007、91ページ。
  62. ^スターナー（1982年）、38-42ページ。
  63. ^ a bライリー 2004、323ページ。
  64. ^ a b Fahr-Becker 2015、p. 171。
  65. ^ a b Fahr-Becker 2015、170–171頁。
  66. ^ファールベッカー 2015、166–167 ページ。
  67. ^ホッジ、スージー（2020年）『女性芸術家の短編小説』ローレンス・キング出版、21頁。ISBN 978-1786276551。
  68. ^グーディー、ラクラン（2020年）『スコットランド美術史』テムズ＆ハドソン社、250頁。ISBN 978-0-500-29695-0。
  69. ^ 「V&A・アーツ・アンド・クラフツ：入門」。2020年2月15日時点のオリジナルよりアーカイブ。2020年2月29日閲覧
  70. ^ロザリンド・オーミストンとマイケル・ロビンソンによるアール・ヌーヴォー、58
  71. ^ “Art Nouveau – Art Nouveau Art” . 2013年2月22日.オリジナルより2013年2月22日時点のアーカイブ。
  72. ^アール・ヌーヴォー、オーミストンとロビンソン著、61
  73. ^ラホール 2007年、160ページ。
  74. ^ミューター、グラント (1985). 「レオン・ソロンとジョン・ワズワース」.装飾芸術協会誌(9): 41–49 . JSTOR 41809144 . 
  75. ^彼は、トーマス・ウォードル＆カンパニー、バーナード・ウォードル＆カンパニーとして取引していた染色・印刷業者のウォードル家から依頼を受けた。「ウォードル・パターン・ブックス」は2013年12月3日にウェイバックマシンでアーカイブされた。
  76. ^ A.フィリップ・マクマホン、「F.シュマーレンバッハ著『ユーゲントシュティール』評」、パルナッソス、第7巻（1935年10月）、27ページ。
  77. ^ラインホルト・ヘラー「ウィーンの『黄金時代』、グスタフ・クリムト、エゴン・シーレに関する最近の研究」『アート・ブレティン』第59巻（1977年3月）、111-118頁。
  78. ^ a b「ウィーン分離派視覚芸術家協会 – 公式ウェブサイト」。2019年4月25日時点のオリジナルよりアーカイブ。2019年8月16日閲覧。
  79. ^ラホール 2007、52ページ。
  80. ^バート・ナウハイムArchived 16 July 2019 at the Wayback Machine – アール・ヌーヴォー・ヨーロッパ・ルート
  81. ^モスクワアーカイブ済み2021年4月11日 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
  82. ^ a bユンハンス、クルト (1982)。ドイツ工作連盟。 Sein erstes Jahrzehnt (ドイツ語)。ヘンシェルフェルラーク クンストとゲゼルシャフト。 p. 140.ISBN​ 388520097X。
  83. ^ヘンリー・ファン・デ・ヴェルデ 2019年8月8日アーカイブ- Werkbundarchiv
  84. ^ニコラウス・ペヴスナー、ジョン・フレミング、ヒュー・オナー編 (1999). 『建築とランドスケープの辞典』（ペーパーバック）（第5版）. ロンドン: ペンギンブックス. p. 880. ISBN 978-0-14-051323-3。
  85. ^ベルリンアーカイブ済み2021年4月11日 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
  86. ^ラホール 2007、63ページ。
  87. ^ 「The "Coup de Fouet" magazine, vol. 27 (2016), pp. 14–25」(PDF)。2019年7月28日時点のオリジナルよりアーカイブ(PDF) 。 2019年7月28日閲覧。
  88. ^ラホール 2007、120ページ。
  89. ^ a b Oudin、Bernard、Dictionnaire des Architectes (1994)、33–34 ページ
  90. ^ a bゼンバッハ、ラル ヌーヴォー(2013)、203–213 ページ
  91. ^ a b「ストクレト・ハウス」ユネスコ世界遺産センター2009年7月4日オリジナルより2016年7月21日時点のアーカイブ。 2019年7月24日閲覧。
  92. ^ 「都市」。アール・ヌーヴォー・ヨーロッパ街道。
  93. ^ a b c d「The "Coup de Fouet" magazine, vol. 23 (2014), pp. 2–35」(PDF)。2020年7月14日時点のオリジナルよりアーカイブ(PDF) 。 2019年7月7日閲覧。
  94. ^オドン・レヒナーArchived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
  95. ^ “The Coup de Fouet magazine, vol. 8 (2006), pp. 37–41” (PDF) . 2019年8月23日時点のオリジナルよりアーカイブ(PDF) . 2019年7月7日閲覧。
  96. ^ “The Coup de Fouet magazine, vol. 14 (2009), p. 16” (PDF) . 2020年7月16日時点のオリジナルよりアーカイブ(PDF) . 2019年7月7日閲覧。
  97. ^ Aladár Körösfői-Kriesch 2021 年 4 月 11 日にウェイバック マシンにアーカイブ– アール ヌーボー ワールド
  98. ^ [1] 2019年7月10日アーカイブ、Wayback MachineよりThe Gödöllő Artists' Colony – David A. Hillの記事
  99. ^プラハアーカイブ済み2021年4月11日 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
  100. ^ a b c “The Coup de Fouet magazine, vol. 13 (2009), pp. 36–41” (PDF) . 2020年7月16日時点のオリジナルよりアーカイブ(PDF) . 2019年7月7日閲覧。
  101. ^コンスタンティン、ポール (1972)。Arta 1900 în România (ルーマニア語)。エディトゥラ・メリディアン。 p. 93.
  102. ^ “Turist în Bucureřti: Lipscani 72 si 74” . 2022 年10 月 12 日に取得。
  103. ^ a b Celac、Carabella、Marcu-Lapadat 2017、p. 85.
  104. ^フロレア、ヴァシル (2016). Arta Românească de la Origini până în Prezent。リテラ。 297、302、305、306、313、317ページ。ISBN 978-606-33-1053-9。
  105. ^エレナ・オラリウ…16ページ
  106. ^ “オラデア、首都アール ヌーボー、ロマニエイ、セレブリアザ「ジウア インターナショナル アール ヌーボー 2019」" . infooradea.ro . 2019年6月7日. 2021年5月23日時点のオリジナルよりアーカイブ。 2021年5月23日閲覧。
  107. ^ “Heritage of Timisoara – Cladiri” . heritageoftimisoara.ro . 2021年5月16日時点のオリジナルよりアーカイブ。2021年5月23日閲覧。
  108. ^ウングヴァーリ、ズリーニ・イムレ。「トゥルグ・ムレシュのアールヌーボー様式の公共建築物」。ワンダーソフトトランシルバニア.com 。2021年5月23日のオリジナルからアーカイブ。2021 年5 月 23 日に取得。
  109. ^ “Str. Mitropoliei nr. 20” . Patrimoniu.Sibiu.ru . 2021年5月23日時点のオリジナルよりアーカイブ。2020年5月23日閲覧。
  110. ^ 「シチリアの自由 – イタリア風アールヌーボー – ベスト・オブ・シチリア・マガジン」 Bestofsicily.com。2020年1月29日時点のオリジナルよりアーカイブ。 2022年2月15日閲覧。
  111. ^ヘンリー・R・ホープ、H・レニング著『アール・ヌーヴォー』の書評、アート・ブレティン誌、第34巻（1952年6月）、168～171ページ（特に168～169ページ）：1952年、アール・ヌーヴォーの現状について論じた著者は、アール・ヌーヴォーはまだ本格的な美術史の研究対象として受け入れられるものではなく、主要な美術館の展覧会やそれぞれのカタログにふさわしい主題でもないと指摘した。彼は、近い将来に変化が起こると予言した。
  112. ^ “Storia di Milano ::: Palazzi e case liberty” . 2012 年 6 月 15 日のオリジナルからアーカイブ。2019 年8 月 2 日に取得。
  113. ^ライリー 2004、310ページ。
  114. ^ 「アール・ヌーヴォーの世界 - セルビア」 。 2022年9月8日閲覧。
  115. ^ 「セルビアにおけるアール・ヌーヴォーの顔と花」 2019年6月9日。 2022年9月8日閲覧。
  116. ^ a b年表Archived 25 July 2019 at the Wayback Machine - カサ・ミラ公式サイト
  117. ^ユネスコ世界遺産におけるグエル公園の引用
  118. ^ジェームズ・グレイディ「特別書誌補足：アール・ヌーヴォー書誌」『建築歴史家協会誌』第14巻（1955年5月）、18～27頁。
  119. ^ Cronologia Archived 19 September 2020 at the Wayback Machine – パラウ・グエルの公式ウェブサイト
  120. ^ a b cダンカン（1994）、52ページ。
  121. ^ a b “世界遺産リスト: カタルーニャ音楽堂とバルセロナのサンパウ病院” .ユネスコ。2022年1月6日のオリジナルからアーカイブ。2022 年3 月 19 日に取得。
  122. ^マッカリー、マリリン（1978年）『エルス・クァルテ・ガッツ：1900年頃のバルセロナの美術』プリンストン大学出版局、64頁。
  123. ^ライリー 2004、311ページ。
  124. ^ Casa do Major Pessoa 2020 年 8 月 11 日にウェイバック マシンにアーカイブ- Património Arquitetónico に関する情報システム
  125. ^ a b c d e “The Coup de Fouet magazine, vol. 11 (2008), pp. 2–7” (PDF) . 2020年7月18日時点のオリジナルよりアーカイブ(PDF) . 2019年7月7日閲覧。
  126. ^ Francisco Augusto da Silva Rocha Archived 31 October 2020 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
  127. ^リスボンArchived 17 March 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
  128. ^ポルトアーカイブ2021年3月5日 ウェイバックマシン– アールヌーボーワールド
  129. ^ “アール・ヌーヴォーの世界” . 2021年3月21日時点のオリジナルよりアーカイブ。2021年4月11日閲覧。
  130. ^ Martin, T. & Pusa, E. 1985, p.12.
  131. ^フィンランド国立博物館アーカイブ済み2019年7月26日 ウェイバックマシン– Museums of EU
  132. ^ a b「アール・ヌーヴォー・ヨーロピアン・ルート：ヘルシンキ」www.artnouveau.eu . 2016年4月26日時点のオリジナルよりアーカイブ。2016年1月2日閲覧。
  133. ^ “マグヌス・シェルフベック” .フィンランド建築博物館. 2020年2月15日時点のオリジナルよりアーカイブ。 2020年2月15日閲覧。
  134. ^ Palmberg, Albert (1908年4月). 「フィンランドにおける結核の制御」 . British Journal of Tuberculosis . 2 (2): 109– 114. doi : 10.1016/S0366-0850(08)80065-8 . 2022年2月15日時点のオリジナルよりアーカイブ。 2019年3月26日閲覧。
  135. ^フォン・ボンズドルフ、アクセル (1926). 「フィンランドのヌンメラ療養所でのサノクリシン治療の経験」。アクタ メディカ スカンジナビカ。64 : 123–130 .土井: 10.1111/j.0954-6820.1926.tb14017.x。
  136. ^ a b cライリー 2004、312ページ。
  137. ^ a b「アール・ヌーヴォー・ヨーロピアン・ルート：オーレスン」www.artnouveau.eu . 2016年6月4日時点のオリジナルよりアーカイブ。2016年1月2日閲覧。
  138. ^ストックホルムアーカイブ2021年4月11日 ウェイバックマシン– アールヌーボーワールド
  139. ^オーフスArchived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
  140. ^ “Baltiska utställningen 1914” . 2020年10月24日のオリジナルからアーカイブ。2020 年11 月 24 日に取得。
  141. ^ダンカン、アリスター『アール・デコ』テムズ・アンド・ハドソン（1988年）、147～148頁
  142. ^ a b Fahr-Becker 2015、189–192頁。
  143. ^ 「ウクライナの近代建築」 。 2013年4月16日時点のオリジナルよりアーカイブ。2023年12月8日閲覧。
  144. ^ 「アール・ヌーヴォー・ヨーロピアン・ルート：リガ」www.artnouveau.eu . 2020年7月23日時点のオリジナルよりアーカイブ。 2019年7月7日閲覧。
  145. ^ 「リガ歴史地区」 .ユネスコ. 2020年6月22日時点のオリジナルよりアーカイブ。2016年3月11日閲覧。
  146. ^ a b “The Coup de Fouet magazine, vol. 16 (2010), pp. 2–10” (PDF) . 2019年7月25日時点のオリジナルよりアーカイブ(PDF) . 2019年7月7日閲覧。
  147. ^ジャーナル 2015、49ページ。
  148. ^エコール・ダール・エ・スタイル・サパン2019年7月26日にウェイバックマシンでアーカイブ– ラ・ショー・ド・フォン
  149. ^ “Fondation Le Corbusier” . 2014年3月14日時点のオリジナルよりアーカイブ。2019年7月28日閲覧。
  150. ^ラホール 2007、167ページ。
  151. ^ Koeper, HF 「ルイス・サリバン」。ブリタニカ百科事典。2019年7月27日時点のオリジナルよりアーカイブ。 2019年7月27日閲覧。
  152. ^ Craven, Jackie (2018年11月15日). 「建築家ルイス・サリバンについて」 . ThoughtCo . 2019年7月27日時点のオリジナルよりアーカイブ。 2019年7月27日閲覧。
  153. ^ファールベッカー 2015、325–330 ページ。
  154. ^ a b c d「アール・ヌーヴォー・ヨーロピアン・ルート：ブエノスアイレス」www.artnouveau.eu . 2020年7月23日時点のオリジナルよりアーカイブ。2019年7月7日閲覧。
  155. ^ “アール・ヌーヴォー・ヨーロピアン・ルート：地図” . www.artnouveau.eu . 2019年4月17日時点のオリジナルよりアーカイブ。 2019年7月7日閲覧。
  156. ^ “アール・ヌーヴォー・ヨーロピアン・ルート：ロザリオ” . www.artnouveau.eu . 2020年7月23日時点のオリジナルよりアーカイブ。2019年7月7日閲覧。
  157. ^ a b “The Coup de Fouet magazine, vol. 10 (2012), pp. 44–47” (PDF) . 2020年7月16日時点のオリジナルよりアーカイブ(PDF) . 2019年7月7日閲覧。
  158. ^ DK Eyewitness Top 10 Mexico City . London: DK / Penguin. 2012. ISBN 9780756694562 2022年2月12日時点のオリジナルよりアーカイブ。2022年2月12日閲覧– Googleブックス経由
  159. ^ラフガイドスナップショット：メキシコシティ。ロンドン：ラフガイド／ペンギン。2016年。ISBN 9780241290705 2022年2月15日時点のオリジナルよりアーカイブ。2022年2月12日閲覧
  160. ^ 「アール・ヌーヴォー・ヨーロピアン・ルート：ハバナ」www.artnouveau.eu . 2020年7月23日時点のオリジナルよりアーカイブ。2019年7月7日閲覧。
  161. ^ “The Coup de Fouet magazine, vol. 12 (2008), pp. 28–29” (PDF) . 2019年7月15日時点のオリジナルよりアーカイブ(PDF) . 2019年7月15日閲覧。
  162. ^ “アール・ヌーヴォー・ヨーロピアン・ルート：リューデリッツ” . www.artnouveau.eu . 2020年7月23日時点のオリジナルよりアーカイブ。 2019年7月7日閲覧。
  163. ^ 「アール・ヌーヴォー・ヨーロピアン・ルート：バルパライソ」www.artnouveau.eu . 2020年7月23日時点のオリジナルよりアーカイブ。2019年7月7日閲覧。
  164. ^ Villino Silveira Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
  165. ^ハルビンArchived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
  166. ^ “The Coup de Fouet magazine, vol. 30 (2018), pp. 77–83” (PDF) . 2022年2月15日時点のオリジナルよりアーカイブ(PDF) . 2019年7月7日閲覧。
  167. ^パラシオ・デ・ベジャス・アルテス（Wayback Machineで2021年4月11日にアーカイブ） – アール・ヌーヴォー・ワールド
  168. ^ “AATC Artists – Ze'ev Raban” . 2004年5月10日時点のオリジナルよりアーカイブ。2020年1月12日閲覧。
  169. ^ミショフィ、アレック (2019). 『聖なるものの世俗化』ブリル社。
  170. ^リチャード (2018 年 9 月 10 日)。「ペール・ラシェーズの墓 - エルネスト・カイヤ」。パリストリック.com。 2020年8月3日のオリジナルからアーカイブ。
  171. ^ a bクロイトル・トンシウ、モニカ (2022).アルフレッド・ポッパー - 1874-1946 - (再)デススコープレア・ウヌイ建築家（ルーマニア語）。シメトリア。 p. 60.ISBN​ 978-973-1872-51-3。
  172. ^ a b Ducher, Caractéristique des Styles (1989), pp. 198–199
  173. ^ a b cダンカン（1994）、27–28頁。
  174. ^ Renault and Lazé、(2006) Les Styles de l'architecture et du Moblier、pp. 108–109
  175. ^ファールベッカー 2015、74–85 ページ。
  176. ^ "Maison" . pop.culture.gouv.fr . 2023年9月8日閲覧。
  177. ^コンスタンティン、ポール (1972)。Arta 1900 în România (ルーマニア語)。エディトゥラ・メリディアン。 p. 93.
  178. ^ 「ロダン、日本の夢」(PDF) 。 2011年7月26日時点のオリジナル(PDF)からアーカイブ。 2010年6月30日閲覧。エドモン・ラシュナルはロダンの彫刻の版画を制作した。
  179. ^ジェニファー・オピー、「A Dish by Thorvald Bindesbøll」、 The Burlington Magazine、第132巻（1990年5月）、356ページ。
  180. ^クレア・セルカート、「新古典主義：1920年代のデンマークのデザイン」、『装飾・プロパガンダ芸術ジャーナル』第4巻（1987年春）、16～29頁（特に18項4）。
  181. ^ Danuta A. Boczar、「The Polish Poster」、 Art Journal、第44巻（1984年春）、16～27頁（特に16頁）。
  182. ^ Danuta Batorska、「Zofia Stryjeńska: Princess of Polish Painting」、 Woman's Art Journal、第19巻（1998年秋～1999年冬）、pp. 24～29（特に24～25）。
  183. ^ペント、ヴォルフガング（1973年）『表現主義建築』テムズ・アンド・ハドソン、 ISBN 0-500-34058-7、19ページ。タウトによる「地殻建築」についての言及と、ペルツィヒが「地球の表面を彫刻的に作り変えることが重要」とみなしたもの
  184. ^ラホール 2007、99ページ。
  185. ^アルフォンス・ミュシャとアール・ヌーヴォーの作品入門Archived 18 January 2012 at the Wayback Machine 、ブリティッシュコロンビア州ナナイモのマラスピナ大学カレッジのイアン・C・ジョンストンによる講義。
  186. ^フレイザー、ジュリー。H.「リサイクルアート」Wayback Machine style2000.comに2015年4月11日アーカイブ。
  187. ^ラホール 2007年、112ページ。
  188. ^ラホール 2007年、120～121頁。
  189. ^ a b佐藤 2015、p. 43。
  190. ^ダフネ・ベタール、「ナビと装飾の革命」、『ナビと装飾』、ボザール編集、8–21ページ
  191. ^ “The Coup de Fouet magazine, vol. 31 (2019), p. 34” (PDF) . 2019年8月7日時点のオリジナルよりアーカイブ(PDF) . 2019年8月15日閲覧。
  192. ^ライリー 2004、318ページ。
  193. ^ a b cライリー 2004、320ページ。
  194. ^ライリー 2004、322ページ。
  195. ^ライリー 2004、324ページ。
  196. ^ a b「アール・ヌーヴォー・ジュエリー」。2016年11月23日時点のオリジナルよりアーカイブ。2016年11月22日閲覧。
  197. ^ミシオロウスキー, エリーゼ・B.; ディルラム, ドナ・M. (1986年1月1日). 「アール・ヌーヴォー：宝石と宝石商」.宝石と宝石学. 22 (4): 209– 228. Bibcode : 1986GemG...22..209M . doi : 10.5741/GEMS.22.4.209 . ISSN 0016-626X . S2CID 67802910 .  
  198. ^ a b「アール・ヌーヴォー・ジュエリーの台頭」 DSFアンティークジュエリー. 2024年10月27日閲覧。
  199. ^ Thistleアーカイブ2021年3月15日Wayback Machine – Art Nouveau World
  200. ^ Iris Archived 15 March 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
  201. ^ a bルノーとラゼ、建築とモビリエのスタイル(2006)、107–111 ページ
  202. ^ボニー、アン、 L'Architecture Moderne (2012)、pp. 36–40
  203. ^ 「世界遺産リスト：アントニ・ガウディの作品」 . UNESCO. 2021年10月5日時点のオリジナルよりアーカイブ。2022年3月19日閲覧。
  204. ^アグスティ・ケロル・スビラッツ、 2021年4月11日にウェイバックマシンにアーカイブ– アール・ヌーボー・ワールド
  205. ^バタフライアーカイブ2021年2月28日 ウェイバックマシン– アール・ヌーヴォー・ワールド
  206. ^ピーコックアーカイブ2021年3月16日 ウェイバックマシン– アールヌーボーワールド
  207. ^スワンアーカイブ済み2021年4月11日 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
  208. ^ Owl Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
  209. ^ Batアーカイブ済み2021年4月11日 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
  210. ^ Dragon Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
  211. ^ Bear Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
  212. ^ Atlantアーカイブ済み2021年4月11日 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
  213. ^カリアティードArchived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
  214. ^ Puttiアーカイブ済み2021年1月21日 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
  215. ^ガーゴイルアーカイブ済み2021年4月11日 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
  216. ^ライリー 2004、302ページ。
  217. ^ルーシー・スミス、160
  218. ^ライリー 2004、308ページ。
  219. ^ヴァン・レメン、ハンス（2013年）『タイルの5000年』大英博物館出版局、p.223、ISBN 978-0-7141-5099-4。
  220. ^ 「Immeuble」 . pop.culture.gouv.fr . 2023年9月8日閲覧
  221. ^ "Magasin" . pop.culture.gouv.fr . 2024年1月16日閲覧。
  222. ^マリアナ・チェラック、オクタヴィアン・カラベラ、マリウス・マルク=ラパダット (2017)。ブカレストの建築 - 注釈付きガイド。ルーマニアの建築家。 p. 85.ISBN​ 978-973-0-23884-6。
  223. ^ a bライリー 2004、314～315ページ
  224. ^エドモンド・ラシュナルとその遺産、マーティン・アイデルバーグ、クレア・キャス著、ハドソンヒルズ出版社、イラスト入り版（2007年2月25日）
  225. ^タイムラインは2013年8月19日にWayback Machineにアーカイブされ、2008年1月23日にアクセスした。
  226. ^ウラルNIIプロジェクトRAASNジャーナル – 2014. – № 2. – p. 27—32。 – ISSN 2074-2932 (ロシア語)
  227. ^ライリー 2004、328ページ。
  228. ^ “レーニン生誕地博物館保護区公式ウェブサイト” . 2022年2月15日時点のオリジナルよりアーカイブ。2020年5月31日閲覧。
  229. ^マセド、ギセラ (2019 年 3 月 21 日)。「ガウディの初期の作品を取り戻す」。エル・ペリオディコ。2021 年6 月 3 日に取得。
  230. ^「ハワース美術館」 ハインドバーン自治区議会ウェブサイト上のWayback Machineで2017年6月21日にアーカイブ
  231. ^クリティコス、ミハエラ (2009)。Art Deco sau Modernismul Bine Temperat - アールデコまたは平均律モダニズム(英語とルーマニア語)。シメトリア。 p. 79.ISBN​ 978-973-1872-03-2。
  232. ^クリティコス、ミハエラ (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat - アール・デコまたは平均律のモダニズム（英語とルーマニア語）。SIMETRIA. p. 80. ISBN 978-973-1872-03-2。
  233. ^シミナ・スタン (2022 年 5 月 9 日)。「ヴィラ・バジーレ・G・アッサン・ディン・ブクレシュティ」。ジウア モンディアーラ アールヌーボー。2023 年4 月 14 日に取得。
  234. ^クリティコス、ミハエラ (2009)。Art Deco sau Modernismul Bine Temperat - アールデコまたは平均律モダニズム(英語とルーマニア語)。シメトリア。 p. 81.ISBN​ 978-973-1872-03-2。
  235. ^ウィルハイド、エリザベス（2022年）『デザイン - その全貌』テムズ＆ハドソン社、105ページ。ISBN 978-0-500-29687-5。
  236. ^ 「モンテーニュ通り26番地」pss-archi.eu。2023年9月27日閲覧
  237. ^クリティコス、ミハエラ (2009)。Art Deco sau Modernismul Bine Temperat - アールデコまたは平均律モダニズム(英語とルーマニア語)。シメトリア。ページ 79–80。ISBN​​ 978-973-1872-03-2。
  238. ^ “Boekhandel Intellect en stadswoning” . inventaris.onroerenderfgoed.be。 2023 年 6 月 20 日。2024 年2 月 11 日に取得。
  239. ^ウルフ、ノーバート (2015).アールヌーボー。プレステル。 p. 277.ISBN​ 978-3-7913-8155-8。

参考文献

  • ボニー、アンヌ著『近代建築』パリ、ラルース（2012年）ISBN 978-2-03-587641-6
  • ブイヨン、ジャン＝ポール（1985年）。『アール・ヌーヴォージャーナル』パリ：Skira。ISBN 2605000699。
  • マリアナ・ツェラック、オクタヴィアン・カラベラ、マリウス・マルク＝ラパダット（2017年）。『ブカレスト建築 - 注釈付きガイド』ルーマニア建築家協会。ISBN 9789730238846。
  • キュロット、モーリス。ピルロット、アンマリー (2005)。ブリュッセル アール ヌーボー(フランス語)。ブリュッセル: 近代建築アーカイブ。ISBN 2-87143-126-4。
  • ダンカン、アラステア著『アール・ヌーヴォー』、ワールド・オブ・アート、ニューヨーク：テムズ・アンド・ハドソン、1994年。ISBN 0500202737
  • ファール＝ベッカー、ガブリエーレ（2015年）。『アール・ヌーヴォー』（フランス語）。HFウルマン。ISBN 9783848008575。
  • スティーブン・ヘラー、シーモア・クワスト共著『ビクトリア朝からデジタルへのグラフィックスタイル』新版。ニューヨーク：ハリー・N・エイブラムス社、2001年。53～57ページ
  • ユイゲ、ルネ、『芸術と近代』第 1 巻、ラルース図書館、パリ、1​​970 年
  • ジャーナル、ギルメット・モレル（2015）。ル・コルビュジエ - Construire la Vie Moderne (フランス語)。 Editions du Patrimoine: Centre des Monument Nationaux。ISBN 978-2-7577-0419-6。{{cite book}}: CS1 maint: 発行者の所在地 (リンク)
  • ラホール、ジャン (2007) [1901].アール・ヌーヴォー（フランス語）. ベースライン株式会社. ISBN 9781859956670。
  • オーミストン、ロザリンド、ロビンソン、マイケル (2013)。アール・ヌーヴォー ― ポスター、イラストレーション、そしてファインアート。フレイム・ツリー・パブリッシング。ISBN 9781847862808。
  • プラム、ジル（2014年）『ベル・エポックのパリ建築』（フランス語）。パリグラム版。ISBN 9782840968009。
  • ルノー、クリストフ、ラゼ、クリストフ著『建築と移動の様式』、ジャン＝ポール・ジセロ版、2006年（フランス語）。ISBN 9782877474658
  • ライリー、ノエル（2004年）。装飾芸術のグラメール（フランス語）。フラマリオン
  • サルニッツ、8月（2018年）。オットー・ワグナー（フランス語）。ケルン：タッシェン。ISBN 9783836564328。
  • 佐藤珠子（2015年）『アルフォンス・ミュシャ：幻想的な芸術家』ケルン：タッシェン社、ISBN 9783836550093。
  • ゼンバッハ、クラウス＝ユルゲン (2013). 『アール・ヌーヴォー：和解のユートピア』（フランス語）. Taschen. ISBN 9783822830055。
  • シュテルナー、ガブリエーレ『アール・ヌーヴォー、変遷の芸術：個人主義から大衆社会へ』、英語初版（原題：Jugendstil: Kunstformen zwischen Individualismus und Massengesellschaft）、フレデリック・G・ピーターズとダイアナ・S・ピーターズ訳、ニューヨーク州ウッドベリー：バロンズ・エデュケーショナル・シリーズ、1982年。ISBN 0812021053
  • テクシエ、シモン（2012年）。パリ：Panorama de l' architecture。Parigramme。ISBN 9782840966678。
  • ティエボー、フィリップ（2018年）『ミュシャとアール・ヌーヴォー』（フランス語）。パリ：エディション・デュ・シェーヌ。ISBN 9782812318061。
  • ジョージ・ヴィーニュ（2016）。エクトル・ギマール: Le geste magnifique de l'Art Nouveau (フランス語)。パリ: Editions du Patrimoine - Centre des Monumentsnationaux。ISBN 9782757704943。

さらに詳しい情報

「 https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=アール・ヌーヴォー&oldid=1332063045 」より取得