ブルース

ブルース
1960年のアメリカのブルースミュージシャン、ミシシッピ・フレッド・マクダウェル
文体の起源
文化的起源1860年代、[ 2 ] アメリカ合衆国南部
派生形
サブジャンル
フュージョンジャンル
地域の情勢
その他のトピック

ブルースは、1860年代頃にアメリカ合衆国のディープサウスのアフリカ系アメリカ人の間で生まれた音楽ジャンル[ 3 ]および音楽形式です。 [ 2 ]ブルースは、アフリカ系アメリカ人文化から、霊歌、労働歌、野外唱歌、叫び声、チャント、押韻されたシンプルな物語バラードなど を取り入れています。ブルースの形式は、ジャズ、リズム＆ブルース、ロックンロールのいたるところで見られ、コールアンドレスポンスのパターン、ブルーススケール、特定のコード進行（12小節ブルースが最も一般的）が特徴的です。ブルーノート（または「ウォーリードノート」）は、通常、ピッチが3度、5度、または7度低く、サウンドに不可欠な要素です。ブルースシャッフルやウォーキングベースは、トランスのようなリズムを強調し、グルーヴとして知られる反復効果を生み出します。

ブルース音楽は、歌詞、ベースライン、楽器編成によって特徴づけられる。初期の伝統的なブルースの詩は、1 行を 4 回繰り返すものであった。20 世紀初頭になってようやく、現在の最も一般的な構成であるAAB パターンが標準となった。これは、最初の 4 小節で 1 行を歌い、次の 4 小節でその繰り返し、そして最後の小節で長い結びの行を歌うものである。初期のブルースは、しばしば緩やかな物語の形をとり、アフリカ系アメリカ人が経験した人種差別やその他の課題を語ることが多かった。[ 4 ]この頃には、ブルースはアフリカ系アメリカ人文化の重要な一面としてまとまり、黒人コミュニティの苦難と文化を表現している。[ 5 ] [ 6 ]これらの物語は、小作農の困難やワタミゾウムシによる経済破壊など、ディープサウス特有の厳しい現実を詳細に描写することが多かった。[ 7 ]

コールアンドレスポンスの形式やブルーノートの使用など、多くの要素は、アフリカの音楽に由来する。ブルースの起源は、アフリカ系アメリカ人コミュニティの宗教音楽であるスピリチュアルとも深く関係している。ブルースが初めて登場したのは奴隷制の終焉後とされることが多く、ジュークジョイントの発達はその後とされている。これは、元奴隷が新たに獲得した自由と関連している。年代記作家たちは、20世紀初頭にブルース音楽について報告し始めた。ブルースの楽譜が初めて出版されたのは1908年である。ブルースはその後、無伴奏の声楽や奴隷の口承から、多種多様なスタイルやサブジャンルへと進化してきた。ブルースのサブジャンルには、カントリー・ブルース、デルタ・ブルース、ピードモント・ブルースのほか、シカゴ・ブルースやウエスト・コースト・ブルースなどのアーバン・ブルースがある。第二次世界大戦は、アコースティック・ブルースからエレクトリック・ブルースへの移行期となり、ブルース音楽がより広い聴衆、特に白人リスナーに徐々に受け入れられるようになりました。1960年代から1970年代にかけては、ブルースとロックを融合させたブルース・ロックと呼ばれるハイブリッドな音楽形態が生まれました。

語源

「ブルース」という言葉は、憂鬱や悲しみを意味する「ブルー・デビルズ」に由来すると考えられています。この意味でのこの言葉の初期の用法は、ジョージ・コールマンの一幕喜劇『ブルー・デビルズ』（1798年）です。[ 8 ]また、「ブルー・デビルズ」という表現は、1600年代のイギリスで「重度のアルコール離脱に伴う強烈な幻覚」を指して使われていたことに由来する可能性もあります。[ 9 ]時が経つにつれ、この表現は悪魔というニュアンスを失い、興奮状態や抑うつ状態を意味するようになりました。1800年代のアメリカ合衆国では、「ブルース」という言葉は飲酒と結び付けられ、その意味は日曜日のアルコール販売を禁じる「ブルー・ロー」という表現に残っています。 [ 9 ]

1827年、ジョン・ジェームズ・オーデュボンは妻に「憂鬱だ」と書き送ったが、それは悲しい心境を表していた。 [ 10 ]

ヘンリー・デイヴィッド・ソローの著書『ウォールデン』の中で、彼は孤独な日々を振り返る章で「ブルース」について言及している。彼はこの個人的な探求の記録を1845年に執筆したが、出版されたのは1854年になってからである。[ 11 ]

「ブルース」という言葉は、当時25歳だったシャーロット・フォーテンが1862年12月14日の日記に記したものだ。ペンシルベニア出身の自由出生の黒人女性である彼女は、サウスカロライナ州で教師として奴隷と解放奴隷の両方を教えていた。彼女は孤独と自己憐憫を感じたため、「ブルースとともに帰宅した」と記している。彼女は鬱病を克服し、後に「プア・ロージー」など、奴隷の間で人気があった歌をいくつか書き留めている。自分が聞いた歌い方を説明できないことを認めながらも、フォーテンは「満たされた心と心を揺さぶられる感情なしには歌えない」と記しており、数え切れないほどのブルースにインスピレーションを与えてきた。[ 12 ]

アフリカ系アメリカ人の音楽でこのフレーズが使われるようになったのはもっと古いかもしれないが、1912年にハート・ワンドの「ダラス・ブルース」が著作権で保護された最初のブルース作品になって以来、印刷物で確認されている。[ 13 ] [ 14 ]歌詞では、このフレーズは憂鬱な気分を表現するのによく使われる。[ 15 ]

歌詞

アメリカのブルース歌手マ・レイニー（1886年 - 1939年）、「ブルースの母」

初期の伝統的なブルースの詩は、しばしば同じ行を4回繰り返すものであった。しかし、今日のブルースの歌詞で最も一般的な構成は、20世紀初頭の数十年間に確立された「AAB」パターンとして知られるものである。この構成は、最初の4小節で1行が歌われ、次の4小節でその繰り返し、そして最後の小節でより長い結びの行が歌われる。[ 16 ]このパターンは、「ダラス・ブルース」（1912年）や「セントルイス・ブルース」（1914年）など、初期に出版されたブルース曲のいくつかで聞くことができる。WCハンディによると、「AAB」パターンは3行繰り返す単調さを避けるために採用されたという。[ 17 ]歌詞はメロディーではなくリズミカルなトークスタイルで歌われることが多く、トーキング・ブルースに似ている。

初期のブルースは、しばしば緩やかな物語の形をとっていた。アフリカ系アメリカ人の歌手たちは、「厳しい現実の世界における個人的な苦悩：失恋、警官の残酷さ、白人による抑圧、そして苦難」を歌った。[ 18 ]この憂鬱さから、ブルースはイボ族起源ではないかという説が生まれた。これは、奴隷制下にあったアメリカ大陸のプランテーションにおいて、イボ族がメランコリックな音楽と人生観で知られていたためである。 [ 19 ] [ 20 ]他の歴史家は、サバンナ以西の西中央アフリカ音楽の特徴である「精巧なポリリズム、アフリカの太鼓による打楽器（ヨーロッパの太鼓とは対照的）、そして集団参加」が著しく欠如しているため、ブルースにはサヘル以南の影響を示す証拠はほとんどないと主張している。歴史家ポール・オリバーによると、「ブルースのルーツはアフリカの沿岸部や森林地帯には見出せない。むしろ…ブルースは…セネガンビアからマリ、ブルキナファソ、ガーナ北部、ニジェール、ナイジェリア北部に至るサバンナの奥地に根ざしている」とのことだ。さらに、民族音楽学者ジョン・ストーム・ロバーツは、「アフリカのサバンナ地帯の弦楽器演奏と多くのブルース・ギタリストのテクニックの類似点は注目に値する。セネガルとギニアのビッグ・コラは、絶えず変化するリズムを用いたリズミカルでメロディアスなスタイルで演奏され、複雑な高音パターンを重ねたグラウンド・ベースがしばしば用いられ、ボーカルが第三のリズム層を担う。同様のテクニックは、何百ものブルースのレコードに見られる」と述べている。[ 21 ]

歌詞はしばしばアフリカ系アメリカ人社会で経験された苦難を描いています。例えば、ブラインド・レモン・ジェファーソンの「ライジング・ハイ・ウォーター・ブルース」（1927年）は、 1927年のミシシッピ川大洪水について歌っています。

田舎が立ち上がる、南部の人々は時間を作ることができない 私は言った、田舎が立ち上がる、南部の人々は時間を作ることができない そして私はメンフィスの女の子から話を聞けない

ブルースは悲惨さや抑圧と結び付けられるようになったが、歌詞はユーモラスで下品なものになることもあった。[ 22 ]

レベッカ、レベッカ、その大きな足を私から離して、 レベッカ、レベッカ、その大きな足を私から離して、 あなたにベイビーを送っているのかもしれないけど、私はすごく心配なの。[ 23 ]

ホーカム・ブルースは、喜劇的な歌詞の内容と、騒々しく滑稽な演奏スタイルの両方を称賛した。[ 24 ]タンパ・レッドとジョージア・トムの「イッツ・タイト・ライク・ザット」（1928年）[ 25 ]は、誰かと「タイト」であるという意味と、よりみだらな肉体的な親密さを併せ持つ、巧妙な言葉遊びである。性的に露骨な歌詞のブルースはダーティ・ブルースとして知られていた。戦後のブルースでは歌詞の内容はやや単純化し、人間関係の悩みや性的な不安に焦点を当てる傾向があった。戦前のブルースで頻繁に登場した経済不況、農業、悪魔、ギャンブル、魔法、洪水、干ばつといった歌詞のテーマは、戦後のブルースではあまり見られなくなった。[ 26 ]

作家のエド・モラレスは、ヨルバ神話が初期のブルースに影響を与えたと主張し、ロバート・ジョンソンの「クロスロード・ブルース」を「十字路を司るオリシャであるエレグアへの薄っぺらな言及」として引用した。[ 27 ]しかし、キリスト教の影響の方がはるかに明白だった。[ 28 ]チャーリー・パットンやスキップ・ジェームスなど多くの独創的なブルース・アーティストのレパートリーには、宗教的な歌や霊歌が含まれていた。[ 29 ]ゲイリー・デイビス牧師[ 30 ]とブラインド・ウィリー・ジョンソン[ 31 ]は、歌詞が明らかに霊歌であるにもかかわらず、音楽的にブルース・ミュージシャンとして分類されることが多いアーティストの例である。

形状

ブルースでは、典型的には反復的なコード進行が用いられ、最も一般的には12小節のコード進行が用いられます。ボーカルと楽器のパターンは、アフリカやアフリカ系アメリカ人の音楽の伝統に根ざしたコール・アンド・レスポンスの構造を頻繁に示しています。[ 32 ] [ 33 ]

20世紀初頭の初期のブルースは、単一の標準化された構造に支配されていませんでした。民俗学者ハワード・W・オダムは、 1908年から1910年頃の世俗的な歌を記録しており、それらは自由に繰り返されたり、詩節が長くなったり、柔軟な節構成を特徴としていました。[ 34 ]デヴィッド・エヴァンスも同様に、初期のブルースは商業的な録音によってより標準化されるまで、かなりの構造的変化を許容していたと指摘しています。[ 35 ]

12小節ブルースのコード[ 36 ]
C C C C
F F C C
G G C C

ベッシー・スミスのようなブルー​​ス歌手の録音の台頭により、1920年代から1930年代にかけて12小節形式はますます一般的になった。[ 37 ] 8小節進行や16小節進行を含む他の構成も広く普及している。例としては、「ハウ・ロング・ハウ・ロング・ブルース」、「トラブル・イン・マインド」、ビッグ・ビル・ブルーンジーの「キー・トゥ・ザ・ハイウェイ」、レイ・チャールズの「スウィート16バーズ」、ハービー・ハンコックの「ウォーターメロン・マン」などが挙げられる。ウォルター・ヴィンソンの9小節「シッティング・オン・トップ・オブ・ザ・ワールド」のような、より珍しい形式も登場している。[ 38 ] [ 39 ]

典型的な12小節ブルースは4 4拍子記号は、3つの密接に関連するコードを一定の順序で並べたものです。これらの小節は、多くの場合、AABコールアンドレスポンスのパターンに沿った3つの4小節フレーズにグループ化されます。つまり、トニック（I）によるオープニングフレーズ、サブドミナント（IV）による繰り返しフレーズ、ドミナント（ V）による終結レスポンスで構成され、最後の小節はしばしばターンアラウンドを形成します。[ 40 ] [ 41 ] [ 42 ]これらのコードは一般的にドミナントセブンスとして演奏され、このジャンルの特徴的な和声的色彩に貢献しています。

「ブルーノート」が追加されたマイナーブルーススケール。遊ぶⓘ

メロディーラインは、典型的にはマイナーペンタトニックをベースにしながらブルーノートを強調し、メジャーとマイナーの要素を融合させることで表現力豊かな緊張感を生み出します。 [ 43 ]この柔軟性が表現力豊かなフレージングや即興演奏をサポートします。[ 44 ] [ 45 ]

リズミカルな動きはシャッフルパターンと安定したベースラインによって形作られ、前へ前へと進むグルーヴを生み出します。[ 46 ] [ 47 ]このうねりのある感覚はR&Bやスウィングミュージックの中心となりました。[ 48 ] [ 49 ]ブルースのリズムの特徴はバックビートであり、2拍目と4拍目のアクセントが音楽の特徴的なスウィングとドライブ感を強化しています。[ 50 ]

典型的なブルースのシャッフルリズム。遊ぶⓘ

歴史

起源

ハート・ワンドの『ダラス・ブルース』は1912年に出版され、WCハンディの『メンフィス・ブルース』も同年に出版された。アフリカ系アメリカ人歌手による最初の録音は、 1920年にマミー・スミスがペリー・ブラッドフォードの『クレイジー・ブルース』をカバーしたものだった。しかし、ブルースの起源はそれより数十年前、おそらく1890年頃に遡る。[ 51 ]この音楽は記録が乏しく、その理由の一つは学界を含むアメリカ社会における人種差別[ 52 ]と、当時の農村部のアフリカ系アメリカ人の識字率の低さである。[ 53 ]

南テキサスとディープサウスにおけるブルース音楽の記録は、20世紀初頭に記されています。チャールズ・ピーボディはミシシッピ州クラークスデールでブルース音楽が出現したことを記し、ゲート・トーマスは1901年から1902年頃に南テキサスで同様の歌が歌われたと報告しています。これらの観察は、1902年にニューオーリンズで初めてブルース音楽を聴いたと語るジェリー・ロール・モートンや、同年にミズーリ州で初めてブルースを聴いたと記憶しているマ・レイニーの回想とほぼ一致しています。 1903年にミシシッピ州タトウィラーで初めてブルースを耳にしたWCハンディもその一人です。この分野における最初の大規模な研究はハワード・W・オダムによって行われ、彼は1905年から1908年にかけてミシシッピ州ラファイエット郡とジョージア州ニュートン郡の民謡集を出版しました。 [ 54 ]ポール・オリバーによってプロト・ブルースと名付けられたブルース音楽の最初の非営利録音は、20世紀初頭にオダムによって研究目的で行われました。現在では失われています。[ 55 ]

音楽学者ジョン・ロマックス（左）が、アラバマ州サムタービルでミュージシャンの「アンクル」リッチ・ブラウンと握手している。

現在でも入手可能な録音には、1924年にローレンス・ゲラートが作成したものがある。後に、議会図書館のアメリカ民謡アーカイブの責任者となったロバート・W・ゴードンがいくつかの録音を行った。図書館におけるゴードンの後任はジョン・ロマックスであった。1930年代に、ロマックスと息子のアランは、フィールド・ホラーズやリング・シャウトなど、ブルースの原型の非常に多様なスタイルを証明する非営利のブルース録音を多数作成した。[ 56 ] 1920年以前のブルース音楽の記録は、リード・ベリー[ 57 ]やヘンリー・トーマス[ 58 ]などのアーティストの録音の中にも見つけることができる。これらすべての資料は、 12小節、8小節、16小節とは異なる多くの異なる構造の存在を示している。[ 59 ] [ 60 ] ブルース出現の社会的・経済的理由は完全には解明されていない。[ 61 ]ブルースの最初の出現は、通常、1863年の奴隷解放法以降、[ 52 ] 1860年代から1890年代の間とされ[ 2 ] 、これは解放後、アフリカ系アメリカ人がハードな一日の労働の後に音楽を聴いたり、踊ったり、ギャンブルをしたりする場所としてジューク・ジョイントが設立された時期と一致する。 [ 62 ]この時期は、奴隷制から小作制への移行、小規模農業生産、そしてアメリカ南部の鉄道の拡張に該当する。1900年代初頭のブルース音楽の発展を、集団演奏から個人演奏への移行と特徴づける学者もいる。彼らは、ブルースの発展は奴隷の人々が新たに獲得した自由と関連していると主張している。[ 7 ] [ 63 ]

ローレンス・レヴィンによれば、「国家のイデオロギーにおける個人重視、ブッカー・T・ワシントンの教えの人気、そしてブルースの隆盛の間には直接的な関係があった」という。レヴィンは「心理的、社会的、経済的に、アフリカ系アメリカ人は奴隷制時代には不可能だったような形で文化変容を遂げており、彼らの世俗音楽が宗教音楽と同じくらいこれを反映していたことは驚くべきことではない」と述べた。[ 63 ]

ブルースというジャンルは個々の演奏者の特質から形成されたため、すべての音楽に共通する特徴はほとんどありません。[ 64 ]しかし、現代のブルースが生まれるずっと前から存在していた特徴もいくつかあります。コール・アンド・レスポンスのシャウトは、ブルース風音楽の初期の形態であり、「伴奏やハーモニーのない機能的な表現スタイルであり、特定の音楽構造の形式に縛られていません」。[ 65 ]このプレブルースの一形態は、奴隷の輪のシャウトやフィールド・ホラーに見られ、「感情的な内容に満ちたシンプルなソロソング」へと発展しました。[ 66 ]

ブルースは、西アフリカから輸入された奴隷や農村部の黒人アメリカ人の無伴奏の声楽と口承から、米国各地で地域差のある多種多様なスタイルとサブジャンルへと発展してきた。現在知られているブルースは、ヨーロッパの和声構造と、声とギターの相互作用へと変化したアフリカのコールアンドレスポンスの伝統に基づいた音楽スタイルとみなすことができるが、[ 67 ] [ 68 ]ブルースの形式自体は西アフリカのグリオの旋律スタイルとは全く類似点がない。[ 69 ] [ 70 ] さらに、ブルースの1小節あたり4拍子の構造は、ネイティブアメリカンのパウワウの太鼓の伝統に起源を持つという説もある。[ 71 ]一部の学者は、ブルースがサバンナやサヘルの特定の西アフリカの音楽スタイルの旋律構造に強い影響を受けていると考えている。ルーシー・デュランはバンバラ族のメロディーとの類似点を見出し、また程度は低いもののソニンケ族やウォロフ族のメロディーとも類似点を見出しているが、マンディンカ族のメロディーとの類似点はそれほど多くない。[ 72 ]ジェラルド・クビックは西アフリカのサバンナと中央アフリカのメロディースタイルとの類似点を見出している。どちらも奴隷の供給源であった。[ 73 ]

ブルースの直接の祖先として特定できるアフリカの音楽形式は存在しない。[ 74 ]しかし、コール・アンド・レスポンスの形式はアフリカの音楽に遡ることができる。ブルーノートがブルースで使用される以前から存在し、アフリカに起源を持つことは、イギリスの作曲家サミュエル・コールリッジ＝テイラーが1898年に作曲したピアノのためのアフリカ組曲に収録されている「黒人の恋歌」によって証明されている。この曲にはブルーの3度音符と7度音符が含まれている。[ 75 ]

ディドリー・ボウ（アメリカ南部の一部で見つかった、20世紀初頭にはジッターバグやワンストリングとも呼ばれた手作りの1弦楽器）とバンジョーはアフリカ由来の楽器で、アフリカの演奏技法が初期のブルースの楽器語彙に伝わる一因となった可能性がある。[ 76 ]バンジョーは西アフリカ音楽から直接輸入されたようだ。グリオやイボ族などの他のアフリカ人が演奏していた楽器に似ている（ウォロフ族、フーラ族、マンディンカ族などのアフリカの民族からはハラムまたはアコンティングと呼ばれている）。[ 78 ]しかし、1920年代にカントリー・ブルースが録音され始めた頃、ブルースにおけるバンジョーの使用は非常に少数で、パパ・チャーリー・ジャクソンや後のガス・キャノンなどの個人に限られていた。[ 79 ]

ブルース音楽は、エチオピアの歌、ミンストレルショー、黒人霊歌などの要素も取り入れており、器楽や和声の伴奏も含まれている。[ 80 ]このスタイルは、ほぼ同時期に発展したラグタイムとも密接な関係があるが、ブルースは「アフリカ音楽の本来の旋律パターン」をよりよく保存している。[ 81 ]

現在ブルースと現代のカントリーミュージックとみなされている音楽形式とスタイルは、19世紀にアメリカ南部の同じ地域で生まれました。ブルースとカントリーミュージックの録音は、レコード業界が黒人による黒人向けの音楽と白人による白人向けの音楽を販売するために、「レースミュージック」と「ヒルビリーミュージック」というマーケティングカテゴリーをそれぞれ作った1920年代にまで遡ります。当時、「ブルース」と「カントリー」の間には、演奏者の民族性以外に明確な音楽的区分はなく、レコード会社によって民族性さえも誤って記録されることがありました。[ 82 ] [ 83 ]

音楽学者は現在では、ブルースを西アフリカ起源と考えられる特定のコード構造と歌詞の形式に基づいて狭義に定義しようと試みているが、聴衆は当初、この音楽をはるかに一般的な意味で聴いていた。それは単に南部の田舎、特にミシシッピ・デルタの音楽だった。黒人ミュージシャンと白人ミュージシャンは同じレパートリーを共有し、自分たちをブルース・ミュージシャンではなく「シンガー」と認識していた。ブルースを独立したジャンルとする概念は、 1920年代に黒人が田舎から都市部へ移住し、同時にレコード産業が発展した時期に生まれた。ブルースは黒人リスナー向けに販売することを目的としたレコードのコードワードとなった。[ 84 ]

ブルースの起源は、アフリカ系アメリカ人コミュニティの宗教音楽であるスピリチュアルと密接に関係しています。スピリチュアルの起源はブルースよりもはるかに古く、通常は18世紀半ばに遡ります。奴隷たちがキリスト教に改宗し、キリスト教の賛美歌、特にアイザック・ワッツの賛美歌を歌い演奏し始めた頃です。[ 85 ]ブルースがコード進行の観点から正式な定義を得る以前は、スピリチュアルの世俗的な版として定義されていました。それは田舎の黒人が演奏する下品な音楽でした。[ 28 ]

ミュージシャンが属する宗教共同体によって、この低俗な音楽を演奏することは罪とみなされることが多く、ブルースは悪魔の音楽とされていました。そのため、ミュージシャンはゴスペル歌手とブルース歌手、ギターの説教者と歌い手という二つのカテゴリーに分けられていました。しかし、1920年代に田舎の黒人音楽が録音され始めると、どちらのカテゴリーのミュージシャンもコール・アンド・レスポンス、ブルーノート、スライドギターといった類似の技法を用いていました。それでもゴスペル音楽はキリスト教の賛美歌と調和する音楽形式を用いており、世俗的な賛美歌ほどブルースの影響は受けていませんでした。[ 28 ]

戦前のブルース

アメリカの楽譜出版業界はラグタイム音楽を大量に生み出した。1912年までに、楽譜業界はブルース風の人気曲を3曲出版しており、ティン・パン・アレーがブルースの要素を取り入れるきっかけとなった。ベイビー・フランクリン・シールズの「ベイビー・シールズ・ブルース」 （アーティー・マシューズ編曲）、ハート・ワンドの「ダラス・ブルース」、そしてWCハンディの「メンフィス・ブルース」である。[ 86 ]

「セントルイス・ブルース」（1914年）の楽譜

ハンディは正式な訓練を受けた音楽家、作曲家、編曲家で、バンドやシンガーと共にブルースをほぼ交響曲的なスタイルで編曲・オーケストレーションすることで、ブルースの普及に貢献した。彼は人気と多作さを兼ね備えた作曲家となり、「ブルースの父」を自称した。しかし、彼の作品はブルースとラグタイム、そしてジャズの融合とも言えるもので、ラグタイムに長く取り入れられていたキューバのハバネラのリズムを用いることで、より融合が促進された。 [ 27 ] [ 87 ]ハンディの代表作は「セントルイス・ブルース」である。

1920年代、ブルースはアフリカ系アメリカ人とアメリカのポピュラー音楽の主要な要素となり、ハンディのアレンジや古典的な女性ブルース歌手を通じて白人聴衆にも広まった。これらの女性歌手はおそらく最初のアフリカ系アメリカ人「スーパースター」となり、彼女たちのレコードの売り上げは「黒人によって、そして黒人のために作られたレコードへの大きな需要」を示していた。[ 88 ] ブルースはバーでの非公式な演奏から劇場での娯楽へと進化した。ブルースの演奏は、劇場オーナー予約協会によってコットンクラブなどのナイトクラブやメンフィスのビールストリート沿いのバーなどの酒場で企画された。アメリカンレコードコーポレーション、オーケーレコード、パラマウントレコードなど、いくつかのレコード会社がアフリカ系アメリカ人の音楽を録音し始めた。

レコード産業が成長するにつれ、ボー・カーター、ジミー・ロジャース、ブラインド・レモン・ジェファーソン、ロニー・ジョンソン、タンパ・レッド、ブラインド・ブレイクといったカントリー・ブルースの演奏家がアフリカ系アメリカ人コミュニティで人気を博した。ケンタッキー州生まれのシルベスター・ウィーバーは1923年に、ナイフの刃かボトルの首をのこぎりで切ってギターのフレットに付けるスライド・ギターのスタイルを初めて録音した。 [ 89 ]スライド・ギターはデルタ・ブルースの重要な部分となった。[ 90 ] 1920年代の最初のブルースの録音は、伝統的な田舎のカントリー・ブルースと、より洗練された都市またはアーバン・ブルースに分類される。

カントリー・ブルースの演奏者は、伴奏なし、あるいはバンジョーやギターのみで即興演奏をすることが多かった。20世紀初頭、カントリー・ブルースの地域的なスタイルは多岐に渡った。ミシシッピ・デルタ・ブルースは、情熱的なボーカルとスライドギターの伴奏による、ルーツに根ざした簡素なスタイルだった。録音の少ないロバート・ジョンソン[ 91 ]は、都会的なブルースと田舎風ブルースの要素を組み合わせた。ロバート・ジョンソンに加え、このスタイルの影響力のある演奏者には、彼の先駆者であるチャーリー・パットンやサン・ハウスなどがいた。ブラインド・ウィリー・マクテルやブラインド・ボーイ・フラーといった歌手は、ラグタイムをベースとした精巧なフィンガーピッキング・ギターのテクニックを用いた、南東部の「繊細で叙情的な」ピードモント・ブルースの伝統を演奏した。ジョージア州にも初期のスライド・ブルースの伝統があり[ 92 ] 、カーリー・ウィーバー、タンパ・レッド、"バーベキュー・ボブ"・ヒックス、ジェームズ・"ココモ"・アーノルドなどがこのスタイルの代表者であった[ 93 ] 。

1920年代から1930年代にかけてテネシー州メンフィス近郊で発展した、活気あふれるメンフィス・ブルース・スタイルは、メンフィス・ジャグ・バンドやガス・キャノンズ・ジャグ・ストンパーズといったジャグ・バンドの影響を受けています。フランク・ストークス、スリーピー・ジョン・エステス、ロバート・ウィルキンス、カンサス・ジョー・マッコイ、ケーシー・ビル・ウェルドン、メンフィス・ミニーといった演奏家は、ウォッシュボード、フィドル、カズー、マンドリンといった様々な珍しい楽器を使用しました。メンフィス・ミニーは、その卓越したギター・スタイルで有名でした。ピアニストのメンフィス・スリムはメンフィスでキャリアをスタートさせましたが、彼の独特のスタイルはより滑らかで、スウィングの要素も多少ありました。メンフィスを拠点に活動していた多くのブルース・ミュージシャンは、1930年代後半から1940年代前半にかけてシカゴに移り、アーバン・ブルース運動の一部となりました。[ 94 ] [ 95 ]

力強い声で知られる初期のブルース歌手、ベッシー・スミス

アーバンブルース

都市ブルースのスタイルは、演者がもはや地元のすぐそばのコミュニティに留まらず、より大規模で多様な聴衆の美的感覚に適応する必要があったため、より体系化され、精巧になった。[ 96 ] 1920年代には、古典的な女性都市ブルース歌手やボードビル・ブルース歌手が人気を博し、その中には「ビッグスリー」と呼ばれるガートルード・「マ」・レイニー、ベッシー・スミス、ルシール・ボーガンがいた。ブルース・アーティストというよりはボードビル・パフォーマーであったマミー・スミスは、1920年にブルースの曲を録音した最初のアフリカ系アメリカ人であり、彼女の2枚目のレコード「クレイジー・ブルース」は発売初月に7万5000枚を売り上げた。[ 97 ] 「ブルースの母」マ・レイニーとベッシー・スミスはそれぞれ「おそらく部屋の後方に声を届けやすくするために、センタートーンを中心に歌った」。スミスは「珍しいキーで歌を歌い、美しく力強いコントラルトで音を曲げたり伸ばしたりして独自の解釈に合わせる彼女の芸術性は比類のないものでした」[ 98 ] 。

1920年、ヴォードヴィル歌手のルシール・ヘガミンは「ザ・ジャズ・ミー・ブルース」を録音し、ブルースを録音した2人目の黒人女性となった[ 99 ]。また、クイーン・ヴィクトリアやザ・ズー・ガールとも呼ばれたヴィクトリア・スパイヴィーは、1926年から40年にわたりレコーディング活動を行った。これらの録音は、白人聴衆向けのレコードと区別するために、通常「人種レコード」とラベル付けされていた。しかしながら、古典的な女性ブルース歌手の録音の中には、白人の購入者もいた。[ 100 ]これらのブルースウーマンがこのジャンルに貢献したのは、「メロディーラインの即興性の向上、歌詞の強調とインパクトを変える珍しいフレージング、そして叫び声、うめき声​​、うめき声​​、泣き声を使ったボーカルのドラマチックさなどです。ブルースウーマンはこうして他のタイプのポピュラーソングにも変化をもたらし、それがジャズ、ブロードウェイミュージカル、1930年代と1940年代のトーチソング、ゴスペル、リズムアンドブルース、そして最終的にはロックンロールへと波及しました。」[ 101 ]

都市部の男性演奏者には、タンパ・レッド、ビッグ・ビル・ブルーンジー、リロイ・カーといった当時の人気黒人ミュージシャンが含まれていた。この時代の重要なレーベルの一つは、シカゴに拠点を置くブルーバード・レコードだった。第二次世界大戦前、タンパ・レッドは「ギターの魔術師」と呼ばれることもあった。カーはピアノで自ら伴奏し、スクラッパー・ブラックウェルがギターを弾いた。このスタイルは1950年代まで続き、チャールズ・ブラウンやナット・キング・コールといったアーティストにも演奏された。[ 90 ]

典型的なブギウギのベースライン遊ぶⓘ

ブギウギは、 1930年代から1940年代初頭にかけてのアーバン・ブルースにおけるもう一つの重要なスタイルでした。このスタイルはソロピアノと関連付けられることが多いですが、歌手の伴奏や、バンドや小規模なコンボにおけるソロパートとしても用いられました。ブギウギの特徴は、規則的なベース音型、オスティナートまたはリフ、左手の音量変化、そして右手によるコードやトリル、装飾音の緻密な表現です。ブギウギは、シカゴを拠点とするジミー・ヤンシーとブギウギ・トリオ（アルバート・アモンズ、ピート・ジョンソン、ミード・ルクス・ルイス）によって開拓されました。[ 102 ]シカゴのブギウギ演奏者には、クラレンス・「パイン・トップ」・スミスやアール・ハインズがおり、「ラグタイム・ピアニストの推進力のある左手のリズムと、アームストロングの右手のトランペットに似た旋律型を結びつけた」。[ 96 ]プロフェッサー・ロングヘアや、より最近ではドクター・ジョンの滑らかなルイジアナ・スタイルは、古典的なリズム・アンド・ブルースとブルース・スタイルを融合している。

この時期のもう一つの発展はビッグバンド・ブルースであった。カンザスシティを拠点に活動する「テリトリー・バンド」 、ベニー・モーテン・オーケストラ、ジェイ・マクシャン、カウント・ベイシー・オーケストラもブルースに力を入れており、ベイシーの「ワン・オクロック・ジャンプ」や「ジャンピン・アット・ザ・ウッドサイド」といった12小節のブルース・インストゥルメンタルや、ジミー・ラッシングによる「ゴーイング・トゥ・シカゴ」や「セント・フォー・ユー・イエスタデイ」といった曲での陽気な「ブルース・シャウティング」などがその例である。ビッグバンド・ブルースの有名な曲としては、グレン・ミラーの「イン・ザ・ムード」が挙げられる。1940年代にはジャンプ・ブルースというスタイルが生まれた。ジャンプ・ブルースはブギウギの波から発展し、ビッグバンド・ミュージックから強い影響を受けた。リズム・セクションにサックスなどの金管楽器とギターを用い、ジャズ風でアップテンポなサウンドと朗々としたボーカルを特徴とする。ミズーリ州カンザスシティを拠点に活動したルイ・ジョーダンとビッグ・ジョー・ターナーによるジャンプ・ブルースの楽曲は、ロックンロールやリズム・アンド・ブルースといった後のスタイルの発展に影響を与えた。[ 103 ]ダラス生まれのTボーン・ウォーカーはカリフォルニア・ブルース・スタイルとしばしば結び付けられるが、[ 104 ]ロニー・ジョンソンやリロイ・カー風の初期のアーバン・ブルースからジャンプ・ブルース・スタイルへの移行を成功させ、1940年代のロサンゼルスのブルース・ジャズ界を席巻した。[ 105 ]

1950年代

1920年代に始まったカントリー・ブルースからアーバン・ブルースへの移行は、経済危機と好景気の波が続き、多くの農村部の黒人が都市部へ移住するという「大移動」と呼ばれる運動によって推進された。第二次世界大戦後の長期にわたる好景気は、アフリカ系アメリカ人の人口のもう一つの大規模な移動「第二次大移動」を引き起こし、それに伴って都市部の黒人の実質所得が大幅に増加した。新しい移民は音楽業界にとって新しい市場を形成した。音楽業界で当初アフリカ系アメリカ人の音楽に対して使用されていた「レース・レコード」という用語は、「リズム・アンド・ブルース」という用語に置き換えられた。この急速に進化する市場は、ビルボード誌のリズム・アンド・ブルース・チャートに反映された。このマーケティング戦略は、電子楽器や増幅の使用やブルースのビートの一般化、ブルース・シャッフルなど、アーバン・ブルース音楽のトレンドを強化し、ブルース・シャッフルはリズム・アンド・ブルース (R&B) のいたるところで見られるようになった。この商業的な流れはブルース音楽に重要な影響を及ぼし、ブルースはジャズやゴスペル音楽とともにR&Bの構成要素となった。[ 106 ]

ジョン・リー・フッカー

第二次世界大戦後、新しいスタイルのエレクトリック・ブルースがシカゴ[ 107 ] 、メンフィス[ 108 ] 、デトロイト[ 109 ] [ 110 ]、セントルイスなどの都市で人気を博した。エレクトリック・ブルースはエレキギター、ダブルベース（徐々にベースギターに取って代わられた）、ドラム、ハーモニカ（または「ブルース・ハープ」）を使用し、マイクとPAシステムまたはオーバードライブされたギターアンプを通して演奏した。シカゴは、マディ・ウォーターズが最初のヒット曲「I Can't Be Satisfied」を録音した1948年以降、エレクトリック・ブルースの中心地となった。[ 111 ]シカゴ・ブルースは、多くの演奏者がミシシッピ州地域 から移住してきたため、デルタ・ブルースの影響を大きく受けている。

ハウリン・ウルフ、マディ・ウォーターズ、ウィリー・ディクソン、ジミー・リードは皆ミシシッピ州で生まれ、大移動の時代にシカゴに移住した。彼らのスタイルは、エレキギター、時にはスライドギター、ハーモニカ、そしてベースとドラムのリズムセクションの使用が特徴である。[ 112 ]サックス奏者のJTブラウンは、エルモア・ジェイムスやJBレノアが率いるバンドで演奏したが、サックスはリード楽器というよりも、リズムをサポートするバック楽器として使われていた。

リトル・ウォルター、ソニー・ボーイ・ウィリアムソン（ライス・ミラー）、ソニー・テリーは、初期シカゴ・ブルース界でよく知られたハーモニカ（ブルースミュージシャンからは「ハープ」と呼ばれていました）奏者です。ビッグ・ウォルター・ホートンといった他のハープ奏者も影響力を持っていました。マディ・ウォーターズとエルモア・ジェイムスは、スライド・エレキギターの革新的な使用法で知られていました。ハウリン・ウルフとマディ・ウォーターズは、深く「しわがれた」声で知られていました。

ベーシストであり、多作な作詞家・作曲家でもあるウィリー・ディクソンは、シカゴ・ブルース界で重要な役割を果たしました。彼は当時のスタンダード・ブルースの名曲を数多く作曲・作詞しました。その中には「フーチー・クーチー・マン」「アイ・ジャスト・ウォント・トゥ・メイク・ラヴ・トゥ・ユー」（どちらもマディ・ウォーターズに提供）、「ワン・ダン・ドゥードゥル」「バック・ドア・マン」（ハウリン・ウルフに提供）などがあります。シカゴ・ブルース・スタイルのアーティストのほとんどは、シカゴを拠点とするチェス・レコードとチェッカー・レコードでレコーディングを行いました。この時代の小規模なブルース・レーベルには、ヴィージェイ・レコードやJOBレコードなどがありました。 1950年代初頭、シカゴで支配的だったレーベルは、メンフィスのサム・フィリップスのサン・レコード社に挑戦されました。この会社は、彼が1960年にシカゴに移住する前に、 BBキングやハウリン・ウルフをレコーディングしていました。 [ 113 ]フィリップスが1954年にエルヴィス・プレスリーを発見した後、サン・レーベルは急速に拡大していた白人聴衆に目を向け、主にロックンロールのレコーディングを始めました。[ 114 ]

1950年代、ブルースはアメリカの主流ポピュラー音楽に大きな影響を与えました。チェス・レコードでレコーディングを行ったボ・ディドリー[ 109 ]やチャック・ベリー[ 115 ]といった人気ミュージシャンはシカゴ・ブルースの影響を受けていましたが、彼らの情熱的な演奏スタイルはブルースの憂鬱な側面とはかけ離れていました。シカゴ・ブルースはルイジアナのザディコ音楽にも影響を与え、[ 116 ]クリフトン・シェニエ[ 117 ]はブルースのアクセントを用いていました。ザディコのミュージシャンは、エレクトリック・ソロギターやケイジャン風にアレンジしたブルースのスタンダード曲を用いていました。

イギリスでは、1958年に大成功を収めたマディ・ウォーターズのツアー中にエレクトリック・ブルースが定着しました。ウォーターズは、観客がアコースティックで柔らかなブルースであるスキッフルを好むとは知らず、アンプのボリュームを上げて、シカゴ流のエレクトリック・ブルースを演奏し始めました。観客はこの演奏に大いに衝撃を受けましたが、この演奏はアレクシス・コーナーやシリル・デイヴィスといった地元のミュージシャンに影響を与え、この派手なスタイルを真似るようになり、ローリング・ストーンズやヤードバーズのブリティッシュ・インヴェイジョンへと発展しました。[ 118 ]

1950年代後半、シカゴのウエストサイドで、コブラ・レコードのマジック・サム、バディ・ガイ、オーティス・ラッシュらが開拓した新しいブルース・スタイルが生まれた。[ 119 ]「ウエストサイド・サウンド」は、リズムギター、ベースギター、ドラムによる力強いリズムのサポートがあり、ガイ、フレディ・キング、マジック・スリム、ルーサー・アリソンらによって完成され、アンプリファイされたエレクトリック・リードギターが主流となった。[ 120 ] [ 121 ]表現力豊かなギターソロがこの音楽の重要な特徴であった。

ジョン・リー・フッカーのような他のブルース・アーティストは、シカゴ・スタイルとは直接関係のない影響を受けています。ジョン・リー・フッカーのブルースはより「パーソナル」で、フッカーの深く荒々しい声とエレキギター1本をベースとしています。ブギ・ウギに直接影響を受けているわけではありませんが、彼の「グルーヴィー」なスタイルは「ギター・ブギ」と呼ばれることもあります。彼の最初のヒット曲「ブギー・チレン」は1949年にR&Bチャートで1位を獲得しました。[ 122 ]

1950年代後半には、バトンルージュ近郊でスワンプ・ブルースというジャンルが発展し、ライトニン・スリム[ 123 ]、スリム・ハーポ[ 124 ]、サム・マイヤーズ、ジェリー・マッケインといった演奏家が、プロデューサーのJD「ジェイ」ミラーとエクセロ・レーベルを中心に活躍した。ジミー・リードの影響を強く受けたスワンプ・ブルースは、リトル・ウォルターやマディ・ウォーターズといったシカゴ・ブルース・スタイルの演奏家よりもテンポが遅く、ハーモニカの使い方もシンプルである。このジャンルの曲には「スクラッチ・マイ・バック」、「シーズ・タフ」、「アイム・ア・キング・ビー」などがある。アラン・ローマックスのミシシッピ・フレッド・マクダウェルの録音は、ブルースとフォーク・ミュージック界の両方で彼をより広く注目させることになり、マクダウェルのドローン・スタイルは北ミシシッピのヒル・カントリー・ブルースのミュージシャンに影響を与えた。[ 125 ]

1960年代と1970年代

ブルースの伝説的人物、BBキングと彼のギター「ルシール」

1960年代初頭までに、ロックンロールやソウルなど、アフリカ系アメリカ人の音楽に影響を受けたジャンルが主流のポピュラー音楽の一部となっていた。ローリング・ストーンズやビートルズといった白人アーティストは、アメリカ国内外でアフリカ系アメリカ人の音楽を新たな聴衆に届けた。しかし、マディ・ウォーターズなどのアーティストを前面に押し出したブルースの波は終焉を迎えていた。ビッグ・ビル・ブルーンジーやウィリー・ディクソンといったブルースマンは、ヨーロッパに新たな市場を求め始めた。ディック・ウォーターマンと彼がヨーロッパで主催したブルース・フェスティバルは、ブルース音楽を海外に広める上で大きな役割を果たした。イギリスでは、アメリカのブルースのレジェンドを模倣したバンドが結成され、イギリスのブルース・ロックをベースにしたバンドは1960年代を通じて影響力を持った。[ 126 ]

ジョン・リー・フッカーやマディ・ウォーターズといったブルース・パフォーマーは熱狂的な観客の前で演奏を続け、ニューヨーク生まれのタージ・マハルなど、伝統的なブルースにどっぷり浸かった新しいアーティストたちにインスピレーションを与えた。ジョン・リー・フッカーは自身のブルース・スタイルにロックの要素を融合させ、若い白人ミュージシャンと共演することで、1971年のアルバム『エンドレス・ブギー』で聴けるような音楽スタイルを生み出した。B.B .キングの歌声と卓越したギターテクニックは、彼に「ブルースの王」という称号を与えた。キングは、流動的な弦のベンディングときらめくビブラートを基調とした洗練されたギターソロ・スタイルを創り出し、後の多くのエレクトリック・ブルース・ギタリストに影響を与えた。[ 127 ]シカゴ・スタイルとは対照的に、キングのバンドはスライド・ギターやハープではなく、サックス、トランペット、トロンボーンによる力強い金管楽器のサポートを採用した。テネシー州生まれのボビー・"ブルー"・ブランドも、B.B.キングと同様に、ブルースとR&Bのジャンルをまたいで活動した。この時期、フレディ・キングとアルバート・キングはロックやソウルのミュージシャン（エリック・クラプトンやブッカー・T & ザ・MG's）と頻繁に演奏し、それらの音楽スタイルに大きな影響を与えました。

「ブルースの女王」として知られるココ・テイラー[ 128 ] [ 129 ]は、しわがれた力強いボーカルでよく知られていました。[ 130 ] [ 131 ] [ 132 ]

米国における公民権運動[ 133 ]や言論の自由運動の音楽は、アメリカのルーツミュージックや初期のアフリカ系アメリカ人音楽への関心の再燃を促した。また、ニューポートフォークフェスティバル[ 134 ]などのフェスティバルは、伝統的なブルースを新たな聴衆にもたらし、それが戦前のアコースティックブルースや、ソンハウス、ミシシッピジョンハート、スキップジェームス、レヴァレンドゲイリーデイビス[ 133 ]などのパフォーマーへの関心を蘇らせるのに役立った。戦前のブルースの古典をまとめた多くのコンピレーションがヤズーレコードによって再出版された。1950年代のシカゴブルース運動のJBレノアは、アコースティックギターを使用して数枚のLPを録音し、時にはウィリーディクソンがアコースティックベースやドラムを演奏することもあった。当初はヨーロッパでのみ流通していた彼の曲[ 135 ]は、人種差別やベトナム戦争問題などの政治問題について言及しており、これはこの時期には珍しいことであった。彼のアルバム『アラバマ・ブルース』には次のような歌詞の曲が収録されている。

アラバマには二度と戻りません。そこは私の居場所ではありません。 アラバマには二度と戻りません。そこは私の居場所ではありません。 ご存知の通り、彼らは私の姉と弟を殺しました。 そして、世界中の人々が自由にそこへ行かせたのです。

テキサスのブルースギタリスト、スティーヴィー・レイ・ヴォーン、1983年

1960年代、シカゴを拠点に活動し、ギタリストのマイケル・ブルームフィールドとシンガーソングライターのニック・グレイヴナイツを擁したポール・バターフィールド・ブルース・バンドと、ブリティッシュ・ブルース運動によって、白人聴衆のブルースへの関心が高まった 。ブリティッシュ・ブルースのスタイルは、シリル・デイヴィス、アレクシス・コーナーズ・ブルース・インコーポレイテッド、フリートウッド・マック、ジョン・メイオール&ザ・ブルースブレイカーズ、ローリング・ストーンズ、アニマルズ、ヤードバーズ、エインズレー・ダンバー・リタリエーション、[ 136 ]チキン・シャック、[ 137 ]初期のジェスロ・タル、クリーム、アイルランド人ミュージシャンのロリー・ギャラガーといったミュージシャンが、デルタ・ブルースやシカゴ・ブルースの伝統に由来する古典的なブルースの曲を演奏したことで、英国で発展した。

1963年、当時はルロイ・ジョーンズとして知られていたアミリ・バラカは、 「ブルース・ピープル：白人アメリカにおける黒人音楽」でブルースの社会史に関する最初の本を執筆した。1960年代初頭のイギリスとブルースのミュージシャンは、キャンド・ヒート、ジャニス・ジョプリン、ジョニー・ウィンター、J・ガイルズ・バンド、ライ・クーダー、オールマン・ブラザーズ・バンドなど、多くのアメリカのブルースロック演奏家に影響を与えた。ジミ・ヘンドリックスというブルースロック演奏家は、当時、サイケデリック・ロックを演奏する黒人としては珍しい存在だった。ヘンドリックスは熟練したギタリストであり、音楽においてディストーションとオーディオ・フィードバックを革新的に使用した先駆者でもあった。 [ 138 ]これらのアーティストや他のアーティストを通じて、ブルース音楽はロック音楽の発展に影響を与えた。1960年代後半には、イギリスの歌手ジョー・アン・ケリーがレコーディングのキャリアを開始した。アメリカでは1970年代から、女性歌手のボニー・レイットやフィービー・スノーがブルースを歌った。[ 139 ]

1970年代初頭、ギターをソロとリズムの両方で用いるテキサス・ロック・ブルース・スタイルが登場した。ウエストサイド・ブルースとは対照的に、テキサス・スタイルはイギリスのロック・ブルース運動の影響を強く受けている。テキサス・スタイルの代表的なアーティストには、ジョニー・ウィンター、スティーヴィー・レイ・ヴォーン、ファビュラス・サンダーバーズ（ハーモニカ奏者でシンガーソングライターのキム・ウィルソン率いる）、ZZトップなどがいる。これらのアーティストはいずれも1970年代に音楽キャリアをスタートさせたが、国際的な成功を収めたのは1970年代に入ってからである。[ 140 ]

1980年代から現在まで

イタリアの歌手ズッケロは「イタリアン・ブルースの父」と呼ばれ、現在でも国際的な成功を収めている数少ないヨーロッパのブルース・アーティストの一人である。[ 141 ]

1980年代以降、ミシシッピ州ジャクソンをはじめとするディープサウス地域を中心に、アフリカ系アメリカ人の一部の間でブルースへの関心が再燃している。「ソウル・ブルース」や「サザン・ソウル」と呼ばれることも多いこのムーブメントの中心を成す音楽は、ジャクソンを拠点とするマラコ・レーベルから発表された2枚のレコードの予想外の成功によって新たな命を吹き込まれた。[ 142 ] ZZヒルの『ダウン・ホーム・ブルース』（1982年）とリトル・ミルトンの『ザ・ブルース・イズ・オールライト』（1984年）である。このスタイルのブルースを演奏する現代のアフリカ系アメリカ人の演奏家には、ボビー・ラッシュ、デニス・ラサール、サー・チャールズ・ジョーンズ、ベティ・ラヴェット、マーヴィン・シース、ペギー・スコット・アダムス、クラレンス・カーター、チャールズ・ブラッドリー、[ 143 ]トゥルーディ・リン、ロイ・C、バーバラ・カー、ウィリー・クレイトン、シャーリー・ブラウンなどがいる。

1980年代には、ブルースも伝統的な形態と新しい形態の両方で継続しました。1986年、アルバム『ストロング・パースエイダー』でロバート・クレイはブルース界の巨匠として名を馳せました。スティーヴィー・レイ・ヴォーンの最初のアルバム『テキサス・フラッド』は1983年にリリースされ、テキサスを拠点とするこのギタリストは国際的な舞台へと躍り出ました。ジョン・リー・フッカーの人気は、1989年のアルバム『ザ・ヒーラー』で再燃しました。ブルース・ブレイカーズやクリームでの演奏で知られるエリック・クラプトンは、 1990年代にアルバム『アンプラグド』でカムバックを果たし、アコースティックギターでスタンダードなブルースナンバーを演奏しました。

しかし、1990年代に入ると、デジタルマルチトラックレコーディングなどの技術の進歩やビデオクリップ制作などの新たなマーケティング戦略によってコストが増加し、ブルース音楽の重要な要素である自発性と即興性が損なわれるようになった。[ 144 ] 1980年代と1990年代には、『リビング・ブルース』や『ブルース・レヴュー』などのブルース雑誌が創刊され、大都市でブルース協会が結成され始め、野外ブルースフェスティバルが一般的になり、テデスキ・トラックス・バンドやガヴァメント・ミュールがブルースロックアルバムをリリースした。ボニー・レイット、スーザン・テデスキ、スー・フォーリー、シャノン・カーフマンなどの女性ブルース歌手もアルバムをレコーディングした。

1990年代には、これまでほとんど無視されていたヒル・カントリー・ブルースが、ミシシッピ州北部出身のアーティスト、 RLバーンサイドとジュニア・キンブローの登場により、ブルースとオルタナティブ・ロックの両界でわずかに認知されるようになった。[ 125 ]ブルースの演奏者は、毎年開催されるブルース・ミュージック・アワード（旧称WCハンディ賞）[ 145 ]やグラミー賞の最優秀コンテンポラリー・アンド・トラディショナル・ブルース・アルバム賞の幅広いノミネート作品など、幅広い音楽ジャンルを探求した。ビルボードのブルース・アルバム・チャートは、現在のブルースのヒット曲の概要を提供している。コンテンポラリー・ブルース音楽は、アリゲーター・レコード、ラフ・レコード、セヴァーン・レコード、チェス・レコード（ MCA ）、デルマーク・レコード、ノーザンブルース・ミュージック、ファット・ポッサム・レコード、ヴァンガード・レコード（アルテミス・レコード）など、いくつかのブルース・レーベルによって育まれてきた。いくつかのレーベルはブルースの珍しい音源を再発見し、リマスターすることで有名で、その中にはArhoolie Records、Smithsonian Folkways Recordings ( Folkways Recordsの後継)、Yazoo Records ( Shanachie Records ) などがあります。

テーマと感情表現

多くのブルースの曲は、罪と贖罪という概念を用いて歌手の感情世界を表現しています。これは必ずしも音楽が宗教的であることを意味するわけではありません。むしろ、歌手たちは教会用語を用いていました。それは彼らのコミュニティで馴染み深く、罪悪感、葛藤、そして欲望を表現するのに役立ったからです。貧困と差別が日常生活の一部であったミシシッピ・デルタでは、罪というテーマは、壊れた関係、不当な扱い、そして生き残りについて語るミュージシャンにとって一つの手段でした。[ 146 ]

ブルースは罪の概念を用いて、厳格な社会規範に疑問を投げかけることもしました。歌手はギャンブル、飲酒、不正行為を単に悪い行為としてではなく、困難な状況への反応として表現するかもしれません。これは、ブルースが道徳的な期待にどのように挑戦したかを示しています。ブルースは人々を批判するのではなく、演奏者に自分たちの人生について正直に語る手段を与えました。アラン・ロマックスやアミリ・バラカのような学者は、この正直な感情表現がブルースのサウンドと感覚を形作るのに貢献したと指摘しています。ブルースは、人々が罰せられたり無視されたりする恐れなく、個人的な真実を表現できる空間を作り出しました。ロバート・パーマーが述べたように、アフリカのリズムと物語の伝統もまた、ミュージシャンが個人の経験をより広いコミュニティと結びつけるのに役立ちました。[ 147 ] [ 148 ]

音楽的影響

ブルースの音楽スタイル、形式（12小節ブルース）、メロディー、そしてブルース・スケールは、ロックンロール、ジャズ、ポピュラー音楽など、他の多くのジャンルの音楽に影響を与えてきました。[ 149 ]ルイ・アームストロング、デューク・エリントン、マイルス・デイビス、ボブ・ディランなどの著名なジャズ、フォーク、ロックの演奏家たちは、重要なブルースのレコーディングを行っています。ブルース・スケールは、ハロルド・アーレンの「ブルース・イン・ザ・ナイト」などのポピュラーソングや、「シンス・アイ・フェル・フォー・ユー」や「プリーズ・センド・ミー・サムワン・トゥ・ラヴ」などのブルースバラード、さらにはジョージ・ガーシュインの「ラプソディ・イン・ブルー」や「コンチェルト・イン・ヘ」などの管弦楽曲でもよく使用されています。ガーシュインのピアノ独奏のための2番目の「プレリュード」は、アカデミックな厳格さを保ちながら形式を維持した、古典的なブルースの興味深い例です。ブルース・スケールは現代のポピュラー音楽に広く用いられ、多くの旋法フレーム、特にロック音楽で用いられるラダー・オブ・サース（例えば「ハード・デイズ・ナイト」）に影響を与えています。ブルース形式は、テレビドラマ『バットマン』のテーマ曲、ティーンアイドルのファビアン・フォルテのヒット曲「ターン・ミー・ルース」、カントリーミュージックのスター、ジミー・ロジャースの楽曲、そしてギタリスト兼ボーカリストのトレイシー・チャップマンのヒット曲「ギヴ・ミー・ワン・リーズン」にも用いられています。

ブルースの歌唱は感情に関するものである。そのポピュラーな歌唱への影響は広範囲に及び、少なくとも男性の間では、歌うことと感情を表現することはほぼ同一視されている。つまり、音符を正確に当てるというよりも、発声の問題なのである。[ 150 ]

スキップ・ジェームス、チャーリー・パットン、ジョージア・トム・ドーシーなどの初期のカントリー・ブルースマンは、カントリーやアーバン・ブルースを演奏し、スピリチュアルな歌唱から影響を受けていた。ドーシーはゴスペル音楽の普及に貢献した。[ 151 ]ゴスペル音楽は1930年代にゴールデン・ゲート・カルテットによって発展した。1950年代には、サム・クック、レイ・チャールズ、ジェームス・ブラウンによるソウル・ミュージックがゴスペルとブルースの要素を取り入れた。1960年代と1970年代には、ゴスペルとブルースがソウル・ブルースに融合した。 1970年代のファンク音楽はソウルの影響を受けており、ファンクはヒップホップや現代のR&Bの前身と見なすことができる。

R&Bの起源は、スピリチュアルとブルースに遡ります。音楽的に言えば、スピリチュアルはニューイングランドの合唱の伝統、特にアイザック・ワッツの賛美歌に、アフリカのリズムとコール・アンド・レスポンスの形式が融合した流れを汲んでいます。アフリカ系アメリカ人コミュニティにおけるスピリチュアルや宗教的な聖歌は、「ローダウン」ブルースよりもはるかに多くの記録が残っています。スピリチュアル・シンギングが発展したのは、アフリカ系アメリカ人コミュニティがミサや礼拝のために集まることができたためです。これらの集会はキャンプ・ミーティングと呼ばれていました。

エドワード・P・コメンターレは、ブルースが芸術や自己表現の媒体としてよく使われていたことを指摘し、次のように述べています。「デルタの小屋からシカゴの長屋、ハーレムのキャバレーまで、ブルースは、その苦難に満ちた起源にもかかわらず、驚くほど柔軟な媒体であり、アイデンティティとコミュニティを形成するための新しい舞台であることが証明されました。」[ 152 ]

デューク・エリントンはビッグバンドとビバップのジャンルをまたいで活動した。エリントンはブルースの形式を多用した。[ 153 ]

第二次世界大戦以前は、ブルースとジャズの境界は明確ではありませんでした。通常、ジャズはブラスバンドに由来する和声構造を持ち、ブルースは12小節ブルースなどのブルース的な形式を持っていました。しかし、1940年代のジャンプ・ブルースは両方のスタイルを融合させました。第二次世界大戦後、ブルースはジャズに大きな影響を与えました。チャーリー・パーカーの「ナウズ・ザ・タイム」のようなビバップの名曲は、ペンタトニック・スケールとブルーノートを用いたブルース的な形式を採用しています。

ビバップは、ジャズの役割を大きく転換させました。ダンスミュージックとしての人気から、​​「高尚な芸術」であり、より親しみやすく知的な「ミュージシャンの音楽」へと変化させたのです。ブルースとジャズの聴衆は分裂し、ブルースとジャズの境界線はより明確になりました。[ 153 ] [ 154 ]

ブルースの12小節構成とブルース・スケールは、ロックンロールに大きな影響を与えました。ロックンロールは「バックビートのブルース」と呼ばれ、カール・パーキンスはロカビリーを「カントリービートのブルース」と呼びました。ロカビリーは、ブルーグラスのビートで演奏される12小節ブルースとも言われました。「ハウンド・ドッグ」は、ハーモニーと歌詞の両方において、そのままの12小節構成と、主音の3度フラット（および下属音の7度フラット）を中心としたメロディーを持つ、ブルースをロックンロールへと変貌させた楽曲です。ジェリー・リー・ルイスのロックンロールのスタイルは、ブルースとその派生であるブギウギに大きく影響を受けています。彼の音楽スタイルは厳密にはロカビリーではありませんでしたが、しばしば「真のロックンロール」と呼ばれてきました（これは、彼と他の多くのアフリカ系アメリカ人ロックンロール・パフォーマーが共通して持つ呼称です）。[ 155 ] [ 156 ]

初期のロックンロールの曲の多くはブルースに基づいています。「ザッツ・オール・ライト・ママ」「ジョニー・B・グッド」 「ブルー・スエード・シューズ」「ホール・ロッタ・シェイキン・ゴーイン・オン」「シェイク・ラトル・アンド・ロール」「ロング・トール・サリー」などです。初期のアフリカ系アメリカ人ロックミュージシャンは、ブルース音楽の性的なテーマやほのめかしを保持していました。「スーという女の子がいて、何をすればいいか知っている」（リトル・リチャードの「トゥッティ・フルッティ」）や「赤いドレスを着た女の子を見て。バードランドを一晩中踊れる」（レイ・チャールズの「ホワット・ド・アイ・セイ」）などです。12小節のブルース構造は、ボブ・ディランの「オービィヴリー・ファイヴ・ビリーヴァーズ」や、エスターとアビ・オファリムの「シンデレラ・ロックフェラー」といった斬新なポップソングにも見られます。

初期のカントリーミュージックにはブルースが浸透していた。[ 157 ]ジミー・ロジャース、ムーン・マリカン、ボブ・ウィルス、ビル・モンロー、ハンク・ウィリアムズはいずれも自らをブルース歌手と称しており、彼らの音楽は、少なくとも一見したところでは、エディ・アーノルドなどの後期カントリーポップのアーティストとは異なるブルースの雰囲気を持っている。しかし、さらに遡ると、アーノルドも「I'll Hold You in My Heart」のようなブルー​​ジーな曲を歌い始めていた。ウィリー・ネルソンやウェイロン・ジェニングスによる1970年代の「アウトロー」カントリーミュージックの多くもブルースから影響を受けている。ジェリー・リー・ルイスは、1950年代風のロックンロールの衰退後にカントリーミュージックに復帰した際、ブルースの雰囲気で歌い、アルバムにはブルースのスタンダード曲を頻繁に収録した。

1972 年の映画『サウンダー』でタージ・マハルが担当した音楽は、アコースティック ブルースへの関心の復活を象徴するものでした。

他の多くのジャンルと同様に、ブルースは「悪魔の音楽」や「悪魔の音楽」と呼ばれ、暴力やその他の悪行を扇動するものとさえ言われてきました。[ 158 ] 20世紀初頭、特に1920年代に白人の聴衆がブルースを聴き始めたことで、ブルースは評判の悪いものとみなされました。[ 87 ]悪魔との密接な結びつきは、1920年代から1960年代にかけてのブルースの歌詞と文化のよく知られた特徴でした。それ以来、悪魔とブルースのつながりは、ロバート・ジョンソンが十字路で悪魔に魂を売ったという狭義の意味以外にも、いくつかの理由から人々の記憶から薄れていきました。ブルースにおける悪魔の役割に関する研究書『Beyond the Crossroads: The Devil & The Blues Tradition』が2017年に出版されました。[ 159 ]

1960年代から1970年代にかけてのブルース復興期、アコースティック・ブルース・アーティストのタージ・マハールとテキサス・ブルースマンのライトニン・ホプキンスは、批評家から絶賛された映画『サウンダー』（1972年）で重要な楽曲を作曲・演奏しました。この映画でマハールはグラミー賞の映画音楽賞と英国アカデミー賞にノミネートされました。それから約30年後、マハールは2001年公開の映画『ソングキャッチャー』でブルースを作曲し、バンジョーをクローハンマー・スタイルで演奏しました。この映画は、アパラチア地方のルーツ・ミュージックの保存に焦点を当てた物語です。

1982年、映画「ブルース・ブラザース」の脚本家兼出演者であるダン・エイクロイドの写真。[ 160 ]

20世紀後半のブルーススタイルの音楽の最も目立った例は、おそらく1980年にダン・エイクロイドとジョン・ベルーシが公開した映画『ブルース・ブラザース』だろう。この映画には、レイ・チャールズ、ジェームス・ブラウン、キャブ・キャロウェイ、アレサ・フランクリン、ジョン・リー・フッカーなど、リズム・アンド・ブルースというジャンルに現在も影響を与えている大物たちが一堂に会した。結成されたバンドもブルース・ブラザースの看板を背負ってツアーを開始し、成功を収めた。1998年には続編の『ブルース・ブラザース2000 』が公開され、批評的にも商業的にもそれほど大きな成功ではなかったものの、B.B.キング、ボ・ディドリー、エリカ・バドゥ、エリック・クラプトン、スティーヴ・ウィンウッド、チャーリー・マッスルホワイト、ブルース・トラベラー、ジミー・ヴォーン、ジェフ・バクスターなど、はるかに多くのブルースアーティストが出演している。

2003年、マーティン・スコセッシはブルースをより多くの聴衆に広めるために多大な努力を払った。彼はクリント・イーストウッドやヴィム・ヴェンダースといった著名な監督たちに、 PBSのドキュメンタリー映画シリーズ『ザ・ブルース』への参加を依頼した。[ 161 ]また、彼はブルース界の主要アーティストの楽曲を集めた高品質CDシリーズの制作にも携わった。ブルースギタリスト兼ボーカリストのケブ・モは、 2006年にテレビシリーズ『ザ・ウェスト・ウィング』の最終シーズンの最後を飾る「アメリカ、ザ・ビューティフル」をブルースで演奏した。

ブルースは、2012年シーズンの『イン・パフォーマンス・アット・ザ・ホワイトハウス』第1話「レッド、ホワイト、そしてブルース」で大きく取り上げられました。バラク・オバマとミシェル・オバマが司会を務めたこの番組では、 B.B.キング、バディ・ガイ、ゲイリー・クラーク・ジュニア、ジェフ・ベック、デレク・トラックス、ケブ・モなどがパフォーマンスを披露しました。[ 162 ]

タイラー・ペリー監督の『ジャズマンズ・ブルース』（2022年）は、1940年代のディープサウスを背景に、ブルースを映画的に表現した作品である。禁じられた恋、家族の価値観、自己解放といった問題を、何世代にもわたる物語をベースとし、ブルース音楽が流れる中で描いている。音楽はオリジナル曲と伝統的なブルースのヒット曲をミックスしたもので、ルース・B、ジョシュア・ブーン、アミラ・ヴァンといったアーティストが参加し、その瞬間の真の感情的な効果を捉えている。 [ 163 ]楽器の演奏とアレンジは、苦難と生存によって生み出された表現方法としてのブルースの文化的・歴史的背景を観客に感じさせる。映画は音楽に加えて、物語の手段としてのブルース、アメリカ南部全般の社会的・人種的プロセスに関連する登場人物の個人的な苦難にも焦点を当てている。ブルースを単なる娯楽ではなく、世代を超えて愛、喪失、生存のメッセージを伝える文化的かつ感情的な表現の一形態として提示したとして 批評家から賞賛された[ 164 ] 。

2025年のヴァンパイアホラー映画「Sinners」では、1930年代のミシシッピデルタを舞台にした超自然的な物語を通してブルースというジャンルを探究している。[ 165 ]ライアン・クーグラー監督は​​、アフリカ系アメリカ人の音楽的伝統と中国の宇宙的神話の両方を織り合わせた「Sinners」の監督を務めている。1930年代のミシシッピデルタを舞台にしたこの映画は、リズム、儀式、神話が絡み合う超自然的な方法でブルースの起源を再発明している。これは、孫悟空が登場するときに示されている。両方の文化を映画に組み込むことで、東と西が融合する2つの異なる世界の間で文化的対話を生み出し、言葉ではなく音楽によって人種的、歴史的、精神的な障壁を打ち破る。これを通じて、「Sinners」では、ブルースを単なる道から生まれた芸術的表現の形としてではなく、人々、祖先、霊界を結びつける精神的な入り口として提示している。[ 166 ] [ 167 ] [ 168 ]映画のサウンドトラックは、デルタ・ブルースと中国音楽の影響を融合させ、文化の融合を反映した独特のサウンドを生み出しています。批評家たちは、『Sinners』が超自然的な要素を用いて、アイデンティティ、回復力、そして文化を超えた繋がりといったテーマを探求していると評価しています。民間伝承、歴史、神話を融合させることで、音楽が人々を互いに、祖先と、そして霊界と結びつける様子が描かれています。このアプローチは、ホラーとミュージカル・ストーリーテリングの両方に新たな視点をもたらしたとして高く評価されています。

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参考文献

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