肖像画
ヴィンチェンツォ・ジュスティニアーニの肖像画を描くニコラ・レニエの自画像、1623～24年、フォッグ美術館蔵。

肖像画は絵画の一ジャンルであり、特定の人物像を描写することを意図しています。「肖像画」という用語は、実際に描かれた肖像画を指すこともあります。肖像画家は、公的または私的な人物からの依頼を受けて作品を制作する場合もありますが、被写体への憧れや愛情からインスピレーションを得て制作する場合もあります。肖像画は、国家や家族の重要な記録として、また追悼の場としての役割も担うことが多いです。

歴史的に、肖像画は主に富裕層や権力者を記念するものでした。しかし、時が経つにつれ、中流階級のパトロンが家族や同僚の肖像画を依頼することが一般的になりました。今日でも、肖像画は政府、企業、団体、クラブ、個人などから依頼されています。肖像画は絵画だけでなく、版画（エッチングやリトグラフを含む）、写真、ビデオ、デジタルアートなど、他の媒体でも制作されます。

フランス・ハルス作、後にピーテル・コッデが仕上げ。デ・マヘレ社所蔵。1637年。油彩・カンヴァス、209×429cm。 オランダ黄金時代の絵画において、集団肖像画は重要な役割を果たした。

今日では、肖像画は、被写体の肖像を、見た人が認識できるほどの、そして理想的にはその容姿を非常によく記録したものにすることを意図している、と思われがちです。しかし実際には、この概念はゆっくりと発展し、異なる伝統を持つ芸術家たちが、肖像画を巧みに描くための独自の技術を習得するまでには何世紀もかかりました。

技術と実践

アンソニー・ヴァン・ダイクの「三つの姿勢のチャールズ一世」（1635年 - 1636年）には、横顔、正面、斜め下からの姿が描かれており、ローマのベルニーニに送られ、ベルニーニはこのモデルから胸像を彫刻することになりました。

巧みに描かれた肖像画は、単なる文字通りの似顔絵ではなく、（画家の視点から見た）被写体の内面の本質、あるいは魅力的な表現を示すことが期待されます。アリストテレスは「芸術の目的は、事物の外観ではなく、その内なる意味を提示することである。なぜなら、外見的な様式や細部ではなく、内なる意味こそが真の現実を構成するからである」と述べています。[ 1 ]画家は被写体を描く際に、写真のような写実性や印象派的な類似性を求めることがありますが、これは、身体的特徴を誇張することで人物像を表現しようとする風刺画とは異なります。画家は一般的に、人物の代表的描写を試みますが、エドワード・バーン＝ジョーンズは「偉大な肖像画において許される唯一の表現は、一時的なもの、つかの間のもの、あるいは偶発的なものではなく、人物の性格と道徳的資質の表現である」と述べています。[ 2 ]

ほとんどの場合、これは真剣な表情で唇を閉じた視線となり、かすかな微笑み以上の表情は歴史的に見て稀です。チャールズ・ディケンズの言葉を借りれば、「肖像画には真剣さと薄笑いの2つの様式しかない」のです。[ 3 ]このような制約があるにもかかわらず、静かな威嚇から穏やかな満足感まで、幅広い微妙な感情を表現することが可能です。しかし、口元は比較的無表情であるため、顔の表情の多くは目と眉毛によって作り出されます。作家であり芸術家でもあるゴードン・C・アイマーは、「目は、対象について最も完全で、信頼性が高く、適切な情報を求める場所である」と述べています。そして眉毛は、「ほぼ単独で、驚き、哀れみ、恐怖、苦痛、皮肉、集中、物思い、不快感、期待といった感情を、無限のバリエーションと組み合わせで表すことができる」のです。[ 4 ]

肖像画は主題を描くことができる」全身（全身）半身丈（頭から腰またはヒップまで）頭と肩（バスト）、または頭部のみ。被写体の頭部は「正面から見るプロファイルビュー（側面図）;「四分の三面図（「三分の二面図」）はその中間に位置し、ほぼ正面からほぼ横顔までの範囲をとっています（この割合は横顔（顔の半分）と反対側の「四分の一の顔」の合計です。 [ 5 ]あるいは、 2 ⁄ 3と数値化され、この部分的な図が顔の半分以上であることを意味します）。時には、複数の方向からの眺めを組み合わせた合成画を制作するアーティストもいます。例えば、アンソニー・ヴァン・ダイクの「スリー・ポジショニングズ」のチャールズ1世の三面肖像画がそうです。 [ 6 ]被写体の正面が全く見えない肖像画もいくつかあります。 アンドリュー・ワイエスの「クリスティーナの世界」（1948年）は有名な例で、背を向けた障害を持つ女性のポーズが、彼女が置かれている環境と融合し、アーティストの解釈を伝えています。 [ 7 ]

シャルパンティエ夫人とその子供たち、1878年、メトロポリタン美術館、ニューヨーク

その他の可能な変数としては、被写体は服を着ていても裸でも、屋内でも屋外でも、立っていても座っていても横たわっていても、さらには馬に乗っていても構いません。肖像画の題材は、個人、カップル、親子、家族、あるいは団体のグループです。油彩、水彩、ペンとインク、鉛筆、木炭、パステル、ミクストメディアなど、様々な媒体で制作できます。ピエール＝オーギュスト・ルノワールの『シャルパンティエ夫人とその子供たち』 （1878年）のように、画家は幅広い色彩のパレットを用いることもあれば、ギルバート・スチュアートの『ジョージ・ワシントンの肖像』 （1796年）のように、主に白か黒のみで表現することもあります。

肖像画の全体的なサイズは、時に重要な考慮事項となります。 チャック・クローズが美術館展示用に制作した巨大な肖像画は、自宅に収まるように、あるいはクライアントが手軽に持ち運べるようにデザインされた多くの肖像画とは大きく異なります。多くの場合、アーティストは最終的に肖像画をどこに飾るか、そして周囲の装飾の色彩やスタイルを考慮します。[ 8 ]

肖像画の制作にはかなり時間がかかり、通常は複数回の着席が必要となる。極端な例として、セザンヌは、被写体に100回以上着席することを要求した。[ 9 ]一方、ゴヤは1日の長い着席を好んだ。[ 10 ]平均は約4日である。[ 11 ]肖像画家は、ジョシュア・レイノルズ卿が行ったように、モデルにデッサンや写真のポートフォリオを提示し、モデルが好みのポーズを選択することがある。ハンス・ホルバイン・ザ・ヤンガーのように、顔のデッサンをしてからモデルなしで残りの絵を完成させる人もいる。[ 12 ]肖像画の制作時間は、一般的に、画家と肖像画の範囲によって異なる。18世紀には、完全に完成した肖像画を納品するのに通常1か月かかった。

肖像画家にとって、モデルの期待と気分をうまくコントロールすることは重要な課題です。肖像画がモデルの容姿に忠実であることに関しては、肖像画家は概して一貫したアプローチをとっています。ジョシュア・レイノルズ卿を依頼したクライアントは、モデルにふさわしい仕上がりを期待していましたが、トーマス・エイキンズを依頼したクライアントは、写実的で容赦のない肖像画を期待していました。被写体の中には強い好みを表明する人もいれば、完全に画家に決めさせる人もいます。オリバー・クロムウェルは、肖像画に「私のあらゆる粗野な部分、ニキビ、イボ、そしてあなたが見る通りのすべてを描き出すこと。そうでなければ、私は一銭も払いません」と要求したという有名な話があります。[ 13 ]

画家は被写体をリラックスさせ、自然なポーズを促した後、被写体を観察し、様々な可能性の中から、自分が描く被写体の本質を捉えた唯一の表情を探します。被写体の姿勢もまた、衣装と同様に、被写体の感情的・身体的状態を明らかにするために綿密に考慮されます。熟練した画家は、被写体の関心とモチベーションを維持するために、しばしば心地よい態度と会話を維持します。エリザベート・ヴィジェ＝ルブランは、同時代の画家たちに、女性を褒め、容姿を褒めることで、絵画制作に協力を得るよう助言しました。[ 13 ]

肖像画を成功させる鍵は、人体解剖学の熟知です。人間の顔は非対称であり、熟練した肖像画家はそれを左右の微妙な違いで再現します。説得力のある肖像画を描くには、画家は骨や組織の構造に関する深い知識を必要とします。

トーマス・ゲインズバラ、アンドリュース夫妻の邸宅、1750年頃。

複雑な構図の場合、画家はまず鉛筆やインク、木炭、油彩で完全なスケッチを描くことがあります。これは、モデルの時間が限られている場合に特に有効です。そうでない場合は、まず全体の形を描き、次にキャンバスに鉛筆や木炭、薄い油彩で大まかな似顔絵を描きます。多くの場合、顔が最初に完成し、残りは後で仕上げます。多くの偉大な肖像画家のスタジオでは、師匠は頭部と手のみを描き、衣服と背景は主要な弟子が仕上げました。ジョセフ・ファン・アーケンのように、衣服や衣類などの特定のアイテムを扱う外部の専門家もいました。 [ 14 ]過去の画家の中には、ポーズや衣服の決定と実行を助けるために、人形や平民の人物像を使用する人もいました。[ 15 ]人物の周囲に象徴的な要素（標識、家庭用品、動物、植物など）を配置することで、絵画に人物の道徳的・宗教的性格、あるいは人物の職業、関心、社会的地位を表すシンボルを組み込むことがよくありました。背景は真っ黒で何も描かれていない場合もあれば、人物の社会的・娯楽的環境を描写する完全な情景が描かれている場合もあります。

自画像は通常、鏡を用いて描かれ、完成したものは鏡像の肖像画です。これは、モデルと画家が向かい合った通常の肖像画とは逆の構図です。自画像では、画家が意図的に修正を加えたり、描画中に別の鏡を使ったりしない限り、右利きの画家は左手に筆を持っているように見えます。

時には、依頼者やその家族が肖像画の出来栄えに満足せず、画家は修正ややり直しを余儀なくされるか、あるいは報酬を受けずに依頼を取り下げざるを得なくなり、失敗の屈辱を味わうことになる。ジャック＝ルイ・ダヴィッドの『マダム・レカミエの肖像』は展覧会で大人気だったが、モデルに拒否された。ジョン・シンガー・サージェントの悪名高い『マダムXの肖像』も同様である。ジョン・トランブルの全身肖像画『トレントンのジョージ・ワシントン将軍』は、依頼した委員会に拒否された。[ 16 ]気難しいことで有名なギルバート・スチュアートは、妻の肖像画に不満を持った依頼者に対し、「ジャガイモを持ってきたのに桃を期待するのか！」と言い返したことがある。[ 17 ]

しかし、肖像画が成功すれば、依頼人から生涯にわたる感謝を得られることもあります。バルタザール伯爵はラファエロが描いた妻の肖像画に大変満足し、画家にこう言いました。「あなたの肖像だけが、私の悩みを軽くしてくれます。その肖像こそが私の喜びです。私はその肖像に微笑みを向けます。それが私の喜びなのです。」[ 18 ]

歴史

古代世界

ローマ・エジプト時代の女性の葬儀の肖像画

肖像画の起源はおそらく先史時代に遡るが、今日残っている作品は少ない。肥沃な三日月地帯の古代文明、とりわけエジプトの美術には、支配者や支配者を神として描いたものが多い。しかし、そのほとんどは高度に様式化された方法で、ほとんどが横顔で、石や金属、粘土、石膏、水晶などに描かれている。エジプトの肖像画は、少なくとも紀元前14世紀のアケナテンの時代までは、肖像にあまり重点を置いていなかった。中国の著名人の肖像画は紀元前1000年以上前に遡ると思われるが、その時代のものは残っていない。現存する中国の肖像画は紀元後1000年頃のものだが[ 19 ] 、それ以降しばらくは肖像にはあまり重点が置かれていなかった。

文献から、古代ギリシャ絵画には肖像画が含まれていたことが分かっています。作家の称賛を信じるならば、肖像画はしばしば非常に正確でしたが、絵画作品は現存していません。統治者やソクラテスのような著名人の頭部彫刻はある程度残っており、硬貨に描かれたヘレニズム時代の統治者の個別の胸像と同様に、ギリシャの肖像画は肖像画の写実性を高めることができたことを示しています。そして、少なくとも文学上の人物については、主題は比較的お世辞を交えて描かれていませんでした。ソクラテスの肖像画は、彼がなぜ醜いという評判だったのかを物語っています。アレクサンドロス大王の後継者たちは、彼の頭部を（神格化された姿として）硬貨に描く習慣を始め、すぐに自らの頭部も使用するようになりました。

ローマの肖像画は、エトルリア人とギリシャ人の両方から肖像画の伝統を取り入れ、祖先の肖像画という宗教的使用やローマの政治と結びついた、非常に強い伝統を築き上げました。また、ローマ支配下のエジプトから出土したファイユームの肖像画、アリーネの墓、セウェルス朝のトンドといった、数少ない絵画作品は、ローマ様式ではなくギリシャ様式を反映した地方の作品であることは明らかですが、中流階級の墓から出土した個性的な肖像画を含む、彫刻された頭部や数千種類もの貨幣肖像画など、豊富な遺物が残っています。

肖像画の中で最も大規模なのは、エジプトのファイユーム地方の乾燥した気候の中で生き残った葬儀画（下図参照）で、紀元2世紀から4世紀にかけて制作された。フレスコ画を除けば、ローマ時代の絵画で現存するのはほぼこれだけである。しかし、大プリニウスの著作から、肖像画はギリシャ時代に確立され、男性画家と女性画家の両方によって制作されていたことが知られている。 [ 20 ]プリニウスは当時、ローマの肖像画芸術の衰退について次のように嘆いている。「人々の正確な肖像を時代を超えて伝えてきた肖像画は、完全に姿を消してしまった…怠惰が芸術を破壊したのだ。」[ 21 ] [ 22 ]ローマ時代エジプトのこれらの正面肖像画は、幸運な例外である。それらは、ある程度写実的な均整感と個々のディテールを示している（ただし、目は概して大きすぎ、芸術的技能は画家によって大きく異なる）。ファイユームの肖像画は、ワックスと樹脂の絵の具（エンカウスティック）またはテンペラで木や象牙に描かれ、ミイラの包帯の中に入れられ、永遠に遺体とともに残るようにした。

ローマでは、独立した肖像画が衰退する一方で、肖像画の芸術はローマの彫刻において栄え、肖像画を描く人物は、たとえ見栄えが悪くても写実性を求めた。4 世紀には、彫刻による肖像画が主流となり、その人物の外見を理想的に表すシンボルが好まれるようになった。(ローマ皇帝コンスタンティヌス 1 世とテオドシウス 1 世の肖像画を比較してください)後期古代には、個人の肖像への関心は大幅に低下し、後期ローマの貨幣や執政官のディプティクに描かれた肖像画のほとんどにはほとんど個性が見られませんが、同時に初期キリスト教美術では、イエスや、洗礼者ヨハネ、聖ペテロなどキリスト教美術の他の主要人物の描写において、かなり標準化されたイメージが発展していきました。

中世

1400 年頃、イングランド王リチャード 2 世のためにウィルトンが制作した小さな個人制作の二連祭壇画。金色の背景に刻印があり、ウルトラマリン色が多く使われています。

中世初期の肖像画のほとんどは寄進者の肖像画であり、当初はローマのモザイク画や装飾写本に描かれた教皇がほとんどであった。一例として、作家、神秘主義者、科学者、照明作家、音楽家であったヒルデガルト・フォン・ビンゲン（1152年）による自画像が挙げられる。[ 23 ] 同時代の硬貨と同様に、肖像を模倣しようとする試みはほとんど見られなかった。ロマネスク時代には石造の墓碑が普及した。1350年から1400年の間に、世俗の人物がフレスコ画や板絵に再び現れ始め、例えばテオドリック巨匠の「忠誠を受けるカール4世」などがあり、[ 24 ]肖像画は再び明らかな肖像画となった。

世紀末頃、ブルゴーニュとフランスで、小さな木製パネルに描かれた同時代の人物を描いた最初の油彩肖像画が登場しました。最初は横顔でしたが、後に他の角度から見るようになりました。 1400年頃のウィルトン・ディプティクは、同時代の作例が残る最古のイングランド王、 リチャード2世を描いた現存する2枚のパネル肖像画のうちの1枚です。

15世紀の中世末期には、初期フランドル絵画が個性的な肖像画の発展に重要な役割を果たした。巨匠にはヤン・ファン・エイク、ロベルト・カンピン、ロヒール・ファン・デル・ウェイデンなどがいた。実物大の半分にも満たない比較的小型の板絵の肖像画が、宮廷の人物だけでなく、比較的質素な服装から裕福な町民と見られる人物までも依頼された。装飾写本のミニアチュールにも、通常は依頼主の個性的な肖像画が含まれていた。宗教画では、寄進者の肖像画が、その場にいた人物として、または主要な聖なる場面に参加している人物として描かれるようになり、より私的な宮廷画では、主題が聖母マリアなどの重要人物として描かれることもあった。

ルネッサンス

詩人が、男たちを愛で燃え上がらせることができると言うならば… 画家にも同じことが可能な力がある…つまり、画家は 愛する人の真の姿を 恋人の前に置き、 しばしばその人物にキスをさせ、話しかけさせることもできるのだ。

–レオナルド・ダ・ヴィンチ[ 25 ]

レオナルドの『ジネヴラ・デ・ベンチ』 （ 1474年頃 - 1478年）は、イタリア美術における最初の半身像の肖像画の一つである。[ 25 ]

自然界への関心と古代ギリシャ・ローマの古典文化への関心から、絵画と彫刻の両方の肖像画はルネサンス社会において重要な役割を担い、オブジェとして、また現世での成功と地位を象徴するものとして高く評価されました。絵画は全体として、バランス、調和、そして洞察力において新たな境地に達し、偉大な芸術家たち（レオナルド、ミケランジェロ、ラファエロ）は「天才」とみなされ、商人の地位をはるかに超えて宮廷や教会の重用者へと昇格しました。[ 26 ]

この豊かな時代には、肖像画の様々な形態において多くの革新が起こりました。写真時代まで人気を博した肖像ミニチュアの伝統は、彩飾写本に描かれたミニチュア画家の技巧から発展しました。

ピエロ・デラ・フランチェスカ作、バシスタ・スフォルツァとフェデリコ・デ・モンテフェルトロの二連祭壇画（1465年） - ルネサンス初期のイタリアの横顔の肖像画

古代のメダリオンにインスピレーションを得た横顔の肖像画は、1450年から1500年にかけてイタリアで特に人気がありました。両面に絵が描かれたメダリオンは、ルネサンス初期に両面絵画の短命な流行にも影響を与えました。[ 27 ]ベルヴェデーレのアポロ などの古典彫刻も、ルネサンスの肖像画家が用いるポーズの選択に影響を与え、そのポーズは何世紀にもわたって使用され続けています。[ 28 ]

北ヨーロッパの芸術家たちは、世俗的な主題の写実的な肖像画において先駆者となった。15世紀の北方の芸術家たちの写実性と細部へのこだわりは、油絵の具によるより繊細な筆遣いと効果によるところが大きいが、イタリアやスペインの画家たちは依然としてテンペラ絵の具を使用していた。油彩技法を開発した最も初期の画家にヤン・ファン・エイクがいる。油絵の具は、より多様な質感と厚みの段階を表現でき、また、徐々に厚みを増していく層を重ねることで、より効果的に重ね塗りできる（画家たちは「薄い上に厚い」と呼んでいた）。また、油絵の具は乾燥が遅いため、顔の細部を変えるなどの変更が容易に行える。アントネッロ・ダ・メッシーナは、油絵の具を活用した最初のイタリア人の一人でした。ベルギーで修行を積んだ彼は、1475年頃にヴェネツィアに定住し、ジョヴァンニ・ベリーニと北イタリア派に大きな影響を与えた。 [ 29 ] 16世紀には、油彩画がヨーロッパ全土で人気を博し、衣服や宝飾品をより豪華に表現することが可能になりました。また、絵画の質に影響を与えたのが、木材からキャンバスへの移行です。これは16世紀初頭にイタリアで始まり、次の世紀にかけて北欧にも広がりました。キャンバスは木材よりもひび割れにくく、顔料の保持力も優れており、準備も比較的容易でしたが、当初は木材よりもはるかに希少でした。

北欧の画家たちは早い段階で横顔の描写を放棄し、写実的な立体感と遠近法を用いた肖像画を制作し始めました。ネーデルラントでは、ヤン・ファン・エイクが代表的な肖像画家でした。『アルノルフィーニ夫妻の結婚』（1434年、ロンドン・ナショナル・ギャラリー所蔵）は、西洋美術の金字塔であり、豊かな色彩と精緻な細部描写で描かれた、初期の夫婦の全身肖像画の好例です。しかし、この作品はファン・エイクが開拓した油彩技法という新しい技法を体現しており、この技法は芸術に革命をもたらし、ヨーロッパ全土に広まりました。[ 30 ]

ハンス・ホルバイン（小）、『サー・トーマス・モアの肖像』、1527年
アルブレヒト・デューラー、自画像、1500

ルーカス・クラナッハ、アルブレヒト・デューラー、ハンス・ホルバイン（子）など、油絵の技法を習得したドイツを代表する肖像画家がいた。クラナッハは等身大の肖像画を描いた最初の画家の一人で、この伝統はその後も人気を博した。 [ 31 ]当時、イギリスには一流の肖像画家がおらず、ホルバインのような画家がイギリスのパトロンに引っ張りだこだった。[ 32 ]イギリスでの最初の重要なパトロンであるサー・トマス・モア（1527年）を描いたホルバインの絵は、写真のような写実性がある。 [ 33 ]ホルバインはヘンリー8世などの王族を描いて大成功した。デューラーは傑出したデッサン家であり、全身像を含む一連の自画像を描いた最初の主要画家の一人でもあった。彼はまた、宗教画のいくつかに自画像（傍観者）を配置した。[ 34 ]デューラーは13歳で自画像を描き始めました。[ 35 ]後にレンブラントがその伝統を拡大しました。

イタリアでは、マサッチオがより写実的な遠近法を採用することでフレスコ画の近代化を先導しました。フィリッポ・リッピはよりシャープな輪郭線としなやかな線の開発に道を開き[ 36 ]、彼の弟子ラファエロはその後数十年間、記念碑的な壁画でイタリアの写実主義をはるかに高いレベルに引き上げました[ 37 ] 。この時期には、ロレンツォ・ロットの得意とする婚約肖像画が人気を博しました[ 38 ]。 初期ルネサンスでは、肖像画は一般的に小さく、蝶番式またはスライド式の保護蓋で覆われていることもありました[ 39 ] 。

ルネサンス期には、特にフィレンツェとミラノの貴族たちは、より写実的な自己表現を希求しました。説得力のある全身像や半身像を制作するという挑戦は、実験と革新を促しました。 サンドロ・ボッティチェッリ、ピエロ・デラ・フランチェスカ、ドメニコ・ギルランダイオ、ロレンツォ・ディ・クレディ、レオナルド・ダ・ヴィンチといった芸術家たちは、それに応じて技法を発展させ、伝統的な宗教画や古典絵画の主題に肖像画を加えました。レオナルドとピサネッロは、世俗的な肖像画に寓意的なシンボルを加えた最初のイタリア人芸術家の一人でした。[ 37 ]

レオナルド・ダ・ヴィンチ、モナ・リザまたはラ・ジョコンダ、1503–1505/1507

西洋世界で最も有名な肖像画の一つに、レオナルド・ダ・ヴィンチの『モナ・リザ』があります。この絵は、フィレンツェとトスカーナ地方のゲラルディーニ家の一員であり、裕福なフィレンツェの絹織物商フランチェスコ・デル・ジョコンドの妻であったリザ・デル・ジョコンドにちなんで名付けられました。[40 ] [ 41 ] [ 42 ]有名な「モナ・リザの微笑み」は、顔に微妙な非対称性を取り入れた優れた例です。レオナルドはノートの中で、肖像画における光の性質について次のように述べています。

暗い部屋の戸口に座る人々の顔には、光と影の非常に高い優美さが加えられる。観察者の目は、部屋の影に隠された顔の影の部分と、空気がもたらすより大きな輝きを持つ顔の光の部分を見る。この影と光の増大によって、顔はより一層の浮き彫りにされる。[ 43 ]

レオナルドはヴェロッキオの弟子でした。画家組合の会員となった後、彼は独立した依頼を受けるようになりました。幅広い関心と科学的な思考に基づき、完成作品は比較的少ないものの、素描や習作の制作量は膨大です。他に記憶に残る肖像画としては、貴族の女性ジネヴラ・デ・ベンチやチェチーリア・ガッレラーニの肖像画などがあります。[ 44 ]

ラファエロが依頼されて制作した肖像画は、レオナルドのものよりはるかに多く残っており、ポーズ、照明、技法も多岐にわたる。ラファエロの偉大な業績は、革命的な革新を生んだというよりは、むしろルネサンス美術の発展の潮流を強化し、洗練させたことである。[ 45 ]彼は特に集団肖像画を得意とした。代表作である『アテネの学堂』は、レオナルド、ミケランジェロ、ブラマンテ、そしてラファエロ自身が古代哲学者に扮した肖像画を含む、屈指の集団フレスコ画のひとつである。[ 46 ]これは芸術家による最初の集団肖像画ではなかった。それより数十年前、パオロ・ウッチェロがジョット、ドナテッロ、アントニオ・マネッティ、ブルネレスキを含む集団肖像画を描いていた。[ 34 ]ラファエロは名声を高めるにつれ、教皇たちのお気に入り肖像画家となった。ルネサンス期の多くの芸術家が肖像画の依頼を熱心に引き受けた一方で、少数の芸術家はそれを断った。最も有名なのはラファエロのライバルであるミケランジェロで、ミケランジェロは代わりにシスティーナ礼拝堂の巨大な肖像画の依頼を引き受けた。[ 37 ]

1500年頃のヴェネツィアでは、ジェンティーレ・ベリーニとジョヴァンニ・ベリーニが肖像画界を席巻していた。二人は国家の高官から最高峰の注文を受けていた。ベリーニによるドージェ・ロレダンの肖像画は、ルネッサンス期の最高傑作の一つとされ、当時到来したばかりの油絵の技法にベリーニが熟達していたことをよく示している。[ 47 ]ベリーニはヨーロッパで最初に作品に署名した画家の一人でもあるが、制作年を記すことはほとんどなかった。[ 48 ] 16世紀後半にはティツィアーノがほぼ同じ役割を担い、特に王族の主題のポーズや座り方のバリエーションを拡げた。ティツィアーノはおそらく最初の偉大な子供の肖像画家だろう。[ 49 ]ティツィアーノの後、ティントレットやヴェロネーゼがヴェネツィアを代表する画家となり、イタリア・マニエリスムへの移行を促した。マニエリスム派は、アニョーロ・ブロンズィーノやヤコポ・ダ・ポントルモの作品に見られるように、素材の豊かさと優雅で複雑なポーズを強調した、優れた肖像画を数多く残しました。ブロンズィーノはメディチ家の肖像で名声を博しました。大胆なコジモ1世・デ・メディチの肖像画は、鎧をまとった厳格な君主が右端を警戒する視線を向けている様子を描いており、肖像画の多くで描かれる温厚な君主像とは対照的です。[ 50 ]ヴェネツィアで12年間修行したエル・グレコは、スペインに到着後、より極端な方向性へと進み、肖像画の「内なるビジョン」を強調し、外見のリアリティを軽視するほどに表現しました。[ 51 ] 16世紀イタリア最高の肖像画家の一人はクレモナ出身のソフォニスバ・アングイッソラで、彼女は個人肖像画と集団肖像画に新たなレベルの複雑さを吹き込みました。

フランスにおける宮廷肖像画は、1525年頃にフランドルの画家ジャン・クルーエがフランス国王フランソワ1世の豪華な肖像画を描いたことに始まります。 [ 52 ]フランソワ1世は芸術家の大パトロンであり、貪欲な美術品収集家でもありました。晩年のレオナルド・ダ・ヴィンチをフランスに招き、モナ・リザはレオナルドがフランスで亡くなった後もフランスに留まりました。[ 52 ]

バロックとロココ

レンブラントの織物組合の総代たちの集合肖像画、1662年。

バロック時代とロココ時代（それぞれ17世紀と18世紀）には、肖像画は地位や立場を示す上でさらに重要な記録となりました。権力のある宮廷で世俗的な指導者がますます支配する社会において、豪華な衣装をまとった人物像は、重要な人物の権威を確証する手段となりました。フランドルの画家、サー・アンソニー・ヴァン・ダイクとピーテル・パウル・ルーベンスはこの種の肖像画に秀でており、ヤン・フェルメールは主に中流階級の人物、屋内での仕事や遊びの様子を描いた肖像画を制作しました。ルーベンスが自身と最初の妻を結婚式の衣装で描いた肖像画（1609年）は、夫婦肖像画の傑作です。[ 54 ]

ルーベンスの名声は芸術だけにとどまらず、宮廷人、外交官、美術収集家、そして成功した実業家でもありました。彼のアトリエは当時最大級の規模を誇り、肖像画に加え、静物画、風景画、動物画、風俗画の専門家を雇用していました。ヴァン・ダイクはそこで2年間修行しました。[ 55 ]イングランド王チャールズ1世は最初にルーベンスを雇い、その後ヴァン・ダイクを宮廷画家として迎え入れ、ナイトの称号を与え、宮廷の地位を与えました。ヴァン・ダイクはルーベンスの制作手法やビジネススキルだけでなく、優雅な振る舞いや容姿も取り入れました。「彼は常に豪華な衣装を身にまとい、数多くの勇敢な装束を身につけ、居室には豪華な食卓を用意していたため、ほとんどの王子は彼ほど多くの訪問を受け、また、より素晴らしいもてなしを受けた。」[ 56 ]フランスでは、イアサント・リゴーが5人のフランス国王の肖像画を描き、王室の歴史に関する優れた記録者として活躍しました。[ 57 ]

ルネサンス美術における革新の一つは、様々な感情を表現するための表情描写の改善でした。特に、オランダの画家レンブラントは、生涯で60点以上の自画像を残した第一人者として、人間の顔の多様な表情を探求しました。[ 58 ]この人間の顔への関心は、16世紀後半にイタリアのボローニャでカラッチ家の画家たちによって運営されていたアカデミア・デッリ・インカミナーティによるものとされる、最初の風刺画の創作を促しました。

ベラスケス作「教皇インノケンティウス10世」 、1650年頃、ドーリア・パンフィーリ美術館、ローマ。

バロック時代、特にネーデルラントでは、集団肖像画が大量に制作された。ヨーロッパの他の国々とは異なり、オランダの芸術家たちは、そのような肖像画を禁じていたカルヴァン派教会や、当時事実上存在しなかった貴族階級からの依頼は受けなかった。依頼は市民団体や企業団体からのものだった。オランダの画家フランス・ハルスは、鮮やかな色彩と流麗な筆致で、自身が所属していた治安部隊の肖像を含む集団肖像画に活気を与えた。レンブラントはこうした依頼と、肖像画だけでなく静物画や風景画も支持するブルジョワ階級の顧客による芸術への一般的な評価から大きな恩恵を受けた。さらに、当時のオランダでは最初の重要な美術市場と画商市場が栄えた。[ 59 ]

レンブラントは需要が高かったため、キアロスクーロなどの型破りな構図や技法を試すことができました。カラヴァッジョなどのイタリアの巨匠たちが開拓したこれらの革新を、レンブラントは有名な「夜警」（1642年）で実証しました。[ 60 ]「テュルプ博士の解剖学講義」（1632年）は、レンブラントが群像画に熟達したもう一つの好例です。この作品では、死体を明るい光で照らすことで絵の中央に注目を集め、衣服と背景を黒に溶け込ませることで外科医と学生の顔を際立たせています。これはまた、レンブラントがフルネームで署名した最初の作品でもあります。[ 61 ]

スペインでは、ディエゴ・ベラスケスが『ラス・メニーナス』（1656年）を描きました。これは、史上最も有名かつ謎めいた集団肖像画の一つです。画家自身とスペイン王室の子供たちを描いたこの作品には、鏡に映った王室夫妻の姿が描かれているようです。 [ 62 ]ベラスケスは主に風俗画家としてキャリアをスタートさせましたが、フェリペ4世の宮廷画家として急速に名声を博し、肖像画の芸術、特に集団肖像画の複雑さを拡張することに秀でていました。[ 63 ]

豊かで精緻な装飾に特に興味を持っていたロココ芸術家たちは、洗練された肖像画の達人でした。衣装や質感の細部への彼らの配慮は、フランソワ・ブーシェによる、ふわふわの絹のガウンをまとったポンパドゥール夫人の有名な肖像画に見られるように、肖像画を世俗的な富の証としてより効果的に表現しました。

トーマス・ゲインズバラ「青い少年」、1770年頃、ハンティントン図書館、サンマリノ、カリフォルニア州
1670年にジャン・ノクレが描いた絵画では、フランスのルイ14世とその家族がローマの神々として描かれている。[ 64 ]

英国派の最初の主要な肖像画家は、イギリスの画家トーマス・ゲインズバラとサー・ジョシュア・レイノルズであり、彼らもまた、被写体の目を引く衣装を描くことに長けていました。ゲインズバラの「青い少年」は、歴史上最も有名で認知度の高い肖像画の一つであり、青い衣装のきらめきを表現するために、非常に長い筆と薄い油彩を用いて描かれています。[ 65 ]ゲインズバラは、被写体の背景を精巧に描くことでも知られています。

二人のイギリス人画家は、アシスタントの活用に関して正反対の意見を持っていた。レイノルズはアシスタントを定期的に雇い（時には絵画の20%だけを自分で描くこともあった）、ゲインズバラはめったに雇わなかった。[ 66 ]依頼人が画家から誓約を求めることもあった。リチャード・ニューデゲート卿が肖像画家ピーター・レリー（イギリスにおけるヴァン・ダイクの後継者）から誓約を取り付けたように。レリーは肖像画を「最初から最後まで自分の手で描く」と約束した。[ 67 ]フランドルの巨匠たちが用いた正確さとは異なり、レイノルズは肖像画へのアプローチを「優美さ、そして付け加えれば肖像画の類似性は、あらゆる特徴の正確な類似性を観察することよりも、全体的な雰囲気を捉えることにある」と要約した。[ 68 ]同じくイギリスで著名な画家はウィリアム・ホガースで、彼は肖像画にユーモアのタッチを加えることで、従来の手法に敢えて抵抗した。彼の「パグとの自画像」は、自己満足的な絵画というよりも、明らかに彼のペットに対するユーモラスな解釈である。[ 69 ]

18世紀には、特に肖像画の分野で、女性画家の重要性が高まりました。著名な女性芸術家としては、フランスの画家エリザベート・ヴィジェ＝ルブラン、イタリアのパステル画家ロザルバ・カリエラ、スイスの画家アンジェリカ・カウフマンなどが挙げられます。また、写真技術が発明される前の18世紀には、驚くほど精巧に描かれ、金やエナメルのロケットに収められたミニチュア肖像画が高く評価されていました。

アメリカでは、洗練された英国風の教育を受けたジョン・シングルトン・コプリーが、等身大およびミニチュア肖像画の第一人者となり、サミュエル・アダムズやポール・リビアを描いたハイパーリアリズムの肖像画は特に高く評価された。コプリーはまた、肖像画とアカデミックでより尊敬を集める歴史画の芸術との融合を図ったことでも知られ、有名な軍人の集団肖像画でこの試みを行った。[ 70 ]同じくらい有名なのが、1,000点以上の肖像画を描き、特に大統領の肖像画で知られるギルバート・スチュアートである。スチュアートは、ジョージ・ワシントンだけでも100点以上の複製を描いた。[ 71 ]スチュアートは、コプリーよりも素早く、柔らかく、詳細を控えた筆遣いで、被写体の本質を捉えた。時には、顧客のために数バージョンを作り、モデルに好きなものを選ばせることもあった。[ 72 ]バラ色の頬で知られたスチュアートは、「肉体は天下のいかなる物質とも似ていない。絹織物店の華やかさを持ちながらその派手な光沢はなく、古いマホガニーの柔らかさを持ちながらその悲しみはない」と書いている。[ 73 ]植民地時代の他の著名なアメリカ人の肖像画家には、ジョン・スマイバート、トーマス・サリー、ラルフ・アール、ジョン・トランブル、ベンジャミン・ウェスト、ロバート・フェイク、ジェームズ・ピール、チャールズ・ウィルソン・ピール、レンブラント・ピールがいる。

19世紀

新古典主義ファッションの絶頂期に描かれたレカミエ夫人（1800年）、ジャック＝ルイ・ダヴィッド

18世紀後半から19世紀初頭にかけて、新古典主義の芸術家たちは、当時の女性にとって最新のファッションとは古代ギリシャ・ローマの衣装様式に由来する透け感のあるガウンを意味していたが、その伝統を引き継いだ。芸術家たちは、顔や手足の質感やシンプルな丸みを表現するために、光を当てた。フランスの画家、ジャック＝ルイ・ダヴィッドとジャン＝オーギュスト＝ドミニク・アングルは、この素描家のような技法と人物描写の鋭い洞察力を示した。ダヴィッドの弟子であるアングルは、人物の後ろ姿を表現するために背後に鏡を描いた肖像画で有名である。[ 74 ]彼が描いた玉座に座るナポレオンの肖像画は、王室肖像画の傑作である。（下のギャラリーを参照）

19 世紀前半に活躍したロマン主義の芸術家たちは、生き生きとした筆致とドラマチックで時に憂いのある照明を用いて、人々を鼓舞する指導者や美しい女性、興奮した主題の肖像画を描いた。フランスの芸術家ウジェーヌ・ドラクロワとテオドール・ジェリコーは、この種の特に素晴らしい肖像画を描き、とりわけ威勢のいい騎手を描いた。[ 75 ]ポーランドのロマン主義時代の芸術家として騎手の肖像画を描いた注目すべき例としては、ピオトル・ミハウォフスキ( 1800–1855) が挙げられる。また、ジェリコーによる精神病患者の肖像画シリーズ (1822–1824) も注目に値する。スペインの画家フランシスコ ・デ・ゴヤは、この時代で最も探求的で挑発的なイメージのいくつかを描いた

トーマス・エイキンズ『グロス診療所』1875年

ギュスターヴ・クールベなどの19世紀の写実主義の芸術家たちは、下層階級や中流階級の人々を客観的に描いた肖像画を制作した。ロマン主義を示すように、クールベは様々な気分や表情で自分自身を示す自画像をいくつか描いた。[ 76 ]他のフランスの写実主義者には、同時代の人々の風刺画を多数制作した オノレ・ドーミエがいる。アンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレックは、ジャンヌ・アヴリルなど有名な劇場の役者の一部を記録し、彼らの動きをとらえた。[ 77 ]フランスの画家エドゥアール・マネは、写実主義と印象派の間をゆらゆらと移動する重要な芸術家だった。彼は優れた洞察力と技術を備えた肖像画家であり、ステファーヌ・マラルメを描いた作品はその過渡期のスタイルの良い例である。同時代のエドガー・ドガは主に写実主義者で、彼の絵画「ベレッリ家の肖像」は不幸な家族を洞察力に富んで表現した、彼の最高傑作の肖像画の1つである。[ 78 ]

アメリカでは、トーマス・エイキンズが最高峰の肖像画家として君臨し、特に外科医の仕事風景を描いた2点の肖像画や、運動選手や音楽家たちの演技を描いた作品で、リアリズムを新たなレベルの率直さへと引き上げました。「エディス・マホン夫人の肖像」をはじめとする多くの肖像画において、エイキンズは悲しみや憂鬱といった、見苦しい感情を大胆に表現しています。[ 79 ]

フィンセント・ファン・ゴッホ、自画像、1887年

1870年代までに、写実主義派は主に印象派に取って代わられた。収入が乏しかったこともあり、印象派の画家の多くは家族や友人にモデルを頼み、親密なグループや一人の人物を屋外または明るい室内で描いた。きらめく画面と豊かな絵の具の塗りで知られる印象派の肖像画は、心を奪われるほど親密で魅力的であることが多い。フランスの画家クロード・モネとピエール＝オーギュスト・ルノワールは、個人やグループの最も人気のある画像をいくつか作成した。フランスで訓練を受けて活動したアメリカ人画家のメアリー・カサットは、ルノワールと同様に、今日でも母親と子供の魅力的な絵画で人気がある。[ 80 ]ポスト印象派のポール・ゴーギャンとフィンセント・ファン・ゴッホは、知っている人の率直な肖像画を描いた。色彩は渦巻いているが、必ずしも媚びているわけではない。彼らは、それ以上ではないにしても、同様に、その力強い自画像で称賛されています。

ジョン・シンガー・サージェントも世紀の変わり目に活躍したが、彼は露骨な印象派やポスト印象派を拒絶した。彼はその時代で最も成功した肖像画家であり、鮮やかな色彩を多用した写実的な技法を用いていた。個人の肖像画と集団の肖像画を等しく得意とし、特に上流階級の家族を描いた作品が多かった。サージェントはイタリアのフィレンツェでアメリカ人の両親のもとに生まれた。イタリア、ドイツ、そしてパリで学んだ。サージェントは、ヴァン・ダイクに始まる英国の肖像画の伝統の最後の主要な担い手と考えられている。[ 80 ]海外で修行したもう一人の著名なアメリカ人肖像画家には、ウィリアム・メリット・チェイスがいる。「女サージェント」と呼ばれたアメリカの社交界画家セシリア・ボーはフランス人の父親のもとに生まれ、海外で学び、母国で伝統的な手法を貫き成功を収めた。サージェントと同じく、その豊かな技法で比較される肖像画家には、ドガやホイッスラーの友人でもあったイタリア生まれのパリの画家ジョヴァンニ・ボルディーニがいる。

ジェームズ・アボット・マクニール・ホイッスラー、「灰色と黒の配置：芸術家の母」（1871年）、通称「ホイッスラーの母」

アメリカ生まれの国際主義者、ジェームズ・アボット・マクニール・ホイッスラーはヨーロッパの芸術家たちと良好な関係を築き、傑出した肖像画もいくつか描いています。中でも最も有名なのは、1871年に描かれた「灰色と黒の配置、芸術家の母」（ホイッスラーの母としても知られる）です。[ 81 ]ホイッスラーは、色調の風景画と同様に、肖像画においても、鑑賞者に絵画における形態と色彩の調和的な配置に注目してもらいたかったのです。ホイッスラーは、意図した効果を生み出すために、落ち着いた色調のパレットを用い、色彩のバランスと柔らかな色調を強調しました。彼は「音楽が音の詩であるように、絵画は視覚の詩であり、主題は音や色の調和とは無関係である」と述べています。[ 82 ]形態と色彩はセザンヌの肖像画でも中心的な役割を果たしましたが、アンドレ・ドランやアンリ・マティスの肖像画では、さらに極端な色彩と筆致が顕著でした。[ 83 ]

19世紀における写真技術の発達は肖像画に大きな影響を与え、それ以前にも絵画の補助として用いられていたカメラ・オブスキュラに取って代わりました。多くのモダニストが肖像画を制作するために写真スタジオに押し寄せました。ボードレールもその一人です。ボードレールは写真を「芸術の敵」と断言しながらも、写真の率直さと力に惹かれていました。[ 84 ]写真は安価な代替手段を提供することで、肖像画の低レベルなものの多くに取って代わりました。トーマス・エイキンズやエドガー・ドガといった写実主義の画家たちは、カメラ写真に熱中し、構図作りの助けとなることを見出しました。印象派以降、肖像画家たちは、写真に対抗できるよう、肖像画を再解釈する無数の方法を発見しました。[ 85 ]サージェントやホイッスラーは、カメラでは捉えられない効果を生み出すために、自らの技法を発展させるよう刺激を受けた画家たちです。

20世紀

ガートルード・スタインの肖像画、 1906年、メトロポリタン美術館、ニューヨーク市。 [ 86 ]

20世紀初頭の他の芸術家たちも、肖像画のレパートリーを新たな方向に広げた。フォーヴィスムの芸術家アンリ・マティスは、肌の色に非自然主義的でけばけばしい色さえも用いた力強い肖像画を制作した。セザンヌの肖像画は、細部を避けて色の並置を強調し、非常に単純化された形態に依存した。[ 87 ]オーストリアのグスタフ・クリムトの独特のスタイルは、印象的な肖像画にビザンチン様式のモチーフと金彩を用いたものである。彼の弟子オスカー・ココシュカは、ウィーン上流階級の重要な肖像画家であった。多作なスペインの芸術家パブロ・ピカソは多くの肖像画を描いたが、その中には愛人を描いたキュビズム風の肖像もいくつかある。これらの肖像では、通常の戯画の枠をはるかに超えた感情表現を実現するために、被写体の肖像が大幅に歪められている。[ 88 ] 20世紀初頭のフランス印象派を代表する女性肖像画家、オルガ・ボズナンスカ（1865–1940） は、その卓越した作品群に数えられる。表現主義の画家たちは、これまでに制作された中で最も印象的で心を揺さぶる心理学的研究の傑作をいくつか残した。オットー・ディックスやマックス・ベックマンといったドイツの画家たちは、表現主義の肖像画の傑作を残した。ベックマンは自画像を多く描いた画家で、少なくとも27点の作品を制作した。[ 89 ]アメデオ・モディリアーニは、形態と色彩の厳密な描写を重視し、「内面の人物」を軽視した、独自の長細い作風で多くの肖像画を描いた。この目的を達成するために、彼は表情豊かな目や眉毛を、黒く塗られた細長い線とシンプルなアーチへと落とし込んだ。[ 90 ]

イギリス美術は、20世紀初頭に著名な肖像画を描いたヴォーティシズムによって代表された。ダダの画家フランシス・ピカビアは、独自のスタイルで多数の肖像画を制作した。さらに、タマラ・ド・レンピッカの肖像画は、流線型の曲線、豊かな色彩、鋭い角度でアール・デコ時代を巧みに捉えている。アメリカでは、ロバート・アンリとジョージ・ベローズが、1920年代から1930年代にかけて活躍したアメリカン・リアリズム派の優れた肖像画家であった。 マックス・エルンストは、 1922年に制作した絵画『みんなで一緒に』で、近代的なコリーガル・ポートレートの例を示した。[ 91 ]

1930年から2000年にかけての肖像画の発展に大きく貢献したのは、主に写実主義と具象主義の伝統に則って活動したロシアの芸術家たちである。その中には、イサーク・ブロツキー、ニコライ・フェチン、アブラム・アルヒーポフなどが挙げられよう。[ 92 ]

1940年代から1950年代にかけて、ヨーロッパ（ロシアを除く）とアメリカ大陸における肖像画の制作は、抽象芸術や非具象芸術への関心の高まりを受けて、概して衰退しました。しかし、例外として、アメリカを代表する写実主義の肖像画家となったアンドリュー・ワイエスがいます。ワイエスにとって、写実主義は明白ではあるものの、絵画の色調や雰囲気に比べると二の次でした。これは、彼の画期的な連作「ヘルガ」シリーズによく表れています。これは、主要な画家による単独の肖像画としては最大規模のものです（1971年から1985年にかけて、隣人のヘルガ・テストルフを描いた、衣服姿と裸体、様々な環境を描いた247点の習作）。[ 93 ]

1960年代から1970年代にかけて、肖像画の復興が起こりました。ルシアン・フロイト（ジークムント・フロイトの孫）やフランシス・ベーコンといったイギリスの芸術家たちは、力強い絵画を制作しました。ベーコンの肖像画は、悪夢のような描写で知られています。2008年5月、フロイトの1995年の肖像画「眠る福利厚生管理職」がニューヨーク市でクリスティーズのオークションにかけられ、3,360万ドルで落札されました。これは、存命の芸術家による絵画の落札額として世界記録を樹立しました。[ 94 ]

アンディ・ウォーホル、アレックス・カッツ、チャック・クローズなど、多くの現代アメリカ人アーティストは、人間の顔を作品の焦点に据えてきました。

ウォーホルは20世紀で最も多作な肖像画家の一人であった。マリリン・モンローを描いた『オレンジ・ショット・マリリン』は1960年代初期の象徴的な作品であり、ポップシンガーのプリンスを描いた『オレンジ・プリンス』（1984年）は後期の作品であり、どちらもウォーホル独特のグラフィックな肖像画スタイルを示している。[ 95 ] [ 96 ] [ 97 ] [ 98 ]

クローズの得意分野は、写真画像を基にした、壁一面を覆うほどの巨大で超写実的な「頭部」の肖像画でした。ジェイミー・ワイエスは父アンドリューの写実主義の伝統を受け継ぎ、大統領から豚まで、幅広い題材の肖像画で有名です。

イスラム世界と南アジア

ムガル帝国の皇帝 ジャハーンギールは、しばしば前例のない大きさの光輪をまとって描かれていた。1620年頃

ペルシアのミニアチュールの伝統では、偶像崇拝の印象を与えないよう、宗教的な理由もあって、長きにわたり人物に個性的な顔の特徴を与えることは避けられてきた。イスラム世界の君主は、自らの肖像を硬貨に刻むことは決してなく、西洋のように、君主の肖像が広報活動の一部となることもなかった。たとえ、王子の宮廷が作品を発注している場面が明確に描かれている場合でも、主役の人物像は他の人物と同様に、やや中国風の顔立ちをしている。この長年続く慣習は、モンゴルのイルハン朝時代にミニアチュールの伝統が始まったことに由来していると思われるが、イルハン朝時代よりも長く存続した。

ペルシャの伝統がインドでムガル帝国のミニアチュールとして発展すると、状況は急速に変化した。ペルシャの先駆者とは異なり、ムガル帝国のパトロンたちは、動物、鳥、植物など、新しい帝国のあらゆる未知の自然形態の詳細な自然主義的な肖像を非常に重視した。彼らは人間の肖像画にも同じ態度をとり、通常は横顔の肖像画が伝統の重要な特徴となった。これは、失読症を患っていたようで、ほとんど読み書きができなかったアクバル大帝の治世下で特に重視された。彼は巨大な宮廷の主要人物全員の肖像画を収めた大きなアルバム（ムラッカ）を作成し、帝国各地での人事を顧問たちと検討する際にこれを用いた。[ 99 ]

後の皇帝、特にジャハーンギールとシャー・ジャハーンは、自らの理想化されたミニチュア肖像画をプロパガンダの一形態として多用し、重要な同盟者に配布しました。これらの肖像画には、宗教的人物に与えられるものよりも大きな光輪が描かれることが多かったのです。こうした肖像画は、君主の肖像画という概念を小規模な宮廷にも広め、18世紀までに多くの小君主が宮廷画家を抱え、型にはまらない荘厳さと気品を兼ね備えた、様式化された肖像画で君主らしい活動を楽しむ姿を描いていました。

オスマン帝国のミニアチュールは、ペルシアのミニアチュールに比べて顔の個性が乏しい人物像が一般的でしたが、皇族の男性を描いた小さな肖像画というジャンルが生まれました。これらの人物像は非常に個性的で、やや誇張された特徴を持ち、中には戯画に近いものもありました。おそらくごく限られた人々しか見ることができなかったのでしょう。

ペルシアのガージャール朝は1781年以降、油彩画、ミニチュア画、織物による壁掛け画など、大規模な王族の肖像画を制作しました。これらの作品は、シャーたちの豪華な衣装と長い髭が目立っていました。

中国の肖像画

中国の肖像画は、実際の肖像を描こうとしたり、それを実現したりするまでに時間がかかりました。多くの「肖像画」は過去の著名人を描いたもので、その人物がどうあるべきかというイメージを示すものでした。仏教僧侶、特に彫刻家は、この点では例外的な存在でした。皇帝の肖像画は長い間公の場で見られることはありませんでした。これは、肖像画を乱用すると皇帝の名誉を傷つけたり、不運をもたらしたりする恐れがあったためです。最高位の大臣は、特別な栄誉として、年に一度、皇室の祖先の肖像画を拝観することが許されていました。

漢王朝（紀元前206年～紀元220年）

漢王朝時代には、人間を宇宙と社会の中心とみなす儒教の台頭により、心理学的研究が重視されるようになりました。その一方で、道教の学者たちは人相学の研究を始めました。人間の心理的特徴と身体的特徴への関心が相まって、伝記と肖像画が発展しました。漢王朝時代に制作された肖像画は、中国初期の肖像画の原型とみなされており、そのほとんどは宮殿の広間、墓室、供物の祠などの壁に描かれていました。例えば、紀元前3世紀に遡る河南省西部の墓の瓦に彫られた男性の姿は、画家の観察眼と生き生きとした人物を描きたいという願望を示しています。しかし、壁画の主題のほとんどは、会話をしている匿名の人物です。身体的特徴や表情が鮮明に描写されているにもかかわらず、アイデンティティの欠如と物語の文脈との密接な結びつきのため、多くの学者はこれらの漢代の壁画を、特定の人物の実際の肖像ではなく、「行動中の人物像」として分類しています。[ 100 ]

晋王朝（265～410年）

晋王朝は古代中国史において最も激動の時代の一つでした。西暦184年から280年にかけて、魏、蜀、呉の三国間で数十年にわたる戦争が繰り広げられた後、司馬炎は西暦266年に西晋を建国しました。不安定な社会政治的環境と皇帝の権威の衰退により、儒教から新道教への移行が起こりました。社会階層や礼儀作法を打ち破る姿勢が広まるにつれ、知識層の間で自己表現と個人主義が芽生え始めました。

「竹林七賢と容其奇図」は、南京の晋代の煉瓦造り墓で発見されたタイルに描かれた糸浮き彫りの絵画である。この浮き彫りは縦96インチ、横35インチで、300個以上の煉瓦が使われている。これは、高度な職人技を反映した、晋代の糸浮き彫りの絵画の中でも最も保存状態の良いものの一つである。浮き彫りは2つの部分から成り、それぞれに4体の人物像が含まれている。人物の横に刻まれた名前によると、上から下、左から右の順に、容其奇、阮仙、劉凌、項秀、季康、阮季、善涛、王容である。容其奇を除く7人は、晋代の著名な道士で、「竹林の七賢」として知られていました。彼らは文学、音楽、哲学に秀でた知識人でした。このレリーフは、8人の教養ある紳士たちが竹林の地面に座り、様々な活動を行っている物語的な場面を描いています。彼らはゆったりとした衣服をまとい、裸足で、くつろいだ、そして自意識過剰な姿勢で描かれています。

人物の横には歴史的に記録された銘文が刻まれており、この浮彫は「肖像画は特定の人物を描写する」という機能を果たしている。 [ 101 ]また、伝記に基づいた各人物の図像的細部は、ある程度の個別化をもたらしている。例えば、『晋書』の劉霊伝には、彼が酒に執着していたことが記されている。浮彫の中で、劉霊は膝を曲げてゆったりとした姿勢で座り、二杯（酒を入れる器）を持ち、もう一方の手を杯に浸して酒を味わっている。肖像は劉霊の性格や気質の真髄を反映している。 『晋書』によると音楽の才能で有名だった阮仙は、肖像画の中で笛を吹いている。

東晋時代の最も有名な画家の一人である顧凱之は、 『画論』の中で、人物の身体的特徴を正確に描写することで、人物の特徴を反映させる方法を説いた。また、生き生きとした瞳の描写を通して、人物の精神を捉えることも強調した。[ 100 ]

唐代（618～907年）

唐代には肖像画における人間化と個性化が進んだ。仏教の流入により、肖像画、特に僧侶の肖像画はより写実的な特徴を帯びるようになった。大乗仏教における不滅の肉体の「不滅性」という信仰は、イメージにおける存在と現実における存在を結びつけた。肖像画は実在の人物の視覚的な具現化であり、代替物とみなされていた。したがって、仏画や仏像においては、肖像の真贋は高く評価された。[ 100 ]一方、墓壁画の肖像画では、精神的な質、すなわち「気運神通」（気運神通）が重視された。[ 102 ]

唐王朝の第2代皇帝である太宗は、肖像画を用いて王位継承の正当性を確認し、権力を強化した。彼は歴代王朝の13人の皇帝の肖像画を年代順に収めた「十三皇帝巻」を作らせた。選ばれた皇帝の共通点は、彼らが各王朝の創始者の息子であることだった。太宗の父である高祖は唐王朝の創始者であったため、太宗が自分と近い立場の皇帝を選んだことは政治的な含みを持たせるものであった。太宗は2人の兄弟を殺害し、父に無理やり帝位を譲らせたため、自身の継承は疑問視され批判されていた。太宗は歴代皇帝の集合肖像画を作らせることで、治世の継承の正当性を確保しようとした。また、描かれた皇帝の衣装の違いは、太宗の彼らに対する意見を暗示していた。普段着で描かれた皇帝は、弱者や暴力的な皇帝など、悪い統治者の典型とみなされ、正装した皇帝は文武両道の功績を残したと考えられていた。これは太宗が自らの功績が歴代の皇帝を凌駕していることを宣言する間接的な手段であった。太宗は即位前に著名な学者や知識人の肖像画を多数制作した。彼は知識人との親交を深めるため、それらの肖像画を平岩閣の壁に飾って敬意を表した。また肖像画は、描かれた著名な学者から政治的な支持を得ている証拠となり、敵対者を脅かす役割も果たした。太宗の治世中、太宗は自身の軍事的功績を称え、宣伝するために、征服した外国の大使から献上品を受け取る自らの肖像画を制作した。[ 103 ]

宋代（960～1279年）

宋代、高宗皇帝は白地に自筆の銘文を記した「孔子と七十二弟子の肖像」を制作させた。人物たちは生き生きとした線で描かれ、生き生きとした身振りで、表情は物語性を帯びていた。聖人と弟子たちの肖像は、学生を教育するための道徳規範として、帝国大学の壁に掲げられた石板に描かれていた。しかし、学者たちは、高宗皇帝がこの作品を制作した真の目的は、自身の政策が儒教によって支えられていること、そして儒教の伝統を支配していることを表明することにあったと主張した。[ 104 ]

元朝（1271～1368年）

元朝は中国史における転換期であった。モンゴル帝国が中国大陸を征服し、宋王朝を滅ぼした後、伝統的な中国の知識層は、外国政府からの隠遁か、新たな政治的キャリアを追求するかというジレンマに陥った。当時の「文化人」（文人化）の肖像画はこのジレンマを反映している。例えば、 『楊千肖像』は竹林に立つ楊千を描いている。竹は彼の道徳的正しさを象徴する一方、背景の半分閉じられ半分開けた空間は、隠遁かモンゴル政府への奉仕かという彼の選択の可能性を暗示している。[ 105 ]

皇帝の肖像画では、 1294年にモンゴルの皇帝画家アラニコが描いた「フビライの肖像画」と「チャビの肖像」は、中国の伝統的な皇帝の肖像画技法とヒマラヤ・モンゴルの美的価値の融合を反映している。フビライ・カーンは年配の男性として、一方チャビ皇后は若い姿で描かれ、両者ともモンゴルの伝統的な皇帝衣装を身に着けている。アラニコは、墨で輪郭を描き、色で強調するなど、中国の肖像画技法を採用したが、チャビの宝飾品のハイライトは同じ色調だが明度が薄い点は、ヒマラヤ様式の継承であることがわかる。人物の正面向きと中央に配置された瞳孔は、鑑賞者に対峙するような印象を与え、ネパールの美学と様式を反映している。高度に対称的な構図と、髪と衣服の厳格な描写は、それ以前の宋代の絵画様式とは異なっている。描かれた人物の道徳的価値や性格についてはほとんど触れられておらず、画家と人物が切り離されていることを示しており、これは精神の捕らえを重視した宋代の考え方と矛盾している。[ 106 ]

清朝（1636年～1912年）

清朝時代、18世紀のヨーロッパの仮面舞踏会肖像画が中国に輸入されました。そこには、様々な衣装をまとった貴族たちが様々な活動に従事する様子が描かれていました。雍正帝とその息子である乾隆帝は、様々な政治的意味合いを持つ仮面舞踏会肖像画を数多く制作させました。雍正帝の仮面舞踏会肖像画の多くでは、ヨーロッパ紳士のスーツなど、異国風の衣装を身にまとっています。肖像画に銘文がないため、雍正帝の意図は不明瞭ですが、異国風の衣装は異国文化への関心と天下統一への野望を反映していると考える学者もいます。雍正帝の曖昧な態度とは対照的に、乾隆帝は仮面舞踏会肖像画に銘文を記し、「統治の道」という自らの哲学を表明しました。それは、部下や敵に策略を察知されないように、隠蔽し欺くというものでした。雍正帝が異国的な衣装に熱中していたのに比べ、乾隆帝は儒学者、道士、僧侶に扮するなど、中国の伝統衣装に強い関心を示し、中国の伝統文化を征服したいという願望を表明した。

乾隆帝は父から帝位を継承した後、春秋和尚図を制作させた。これは、乾隆帝と父が伝統的な満州族の服ではなく儒教の学僧服を着て、竹の横に並んで立っている二重肖像画である。学者たちは、この制作は、顔立ちや同じ衣装、髪型など、父と乾隆帝の身体的類似性を強調することで、自身の帝位継承の正当性を示すことが目的だったと考えている。背景の竹林は、伝統的な儒教が提唱する道徳的正義を表している。この肖像では、雍正帝がより大きなスケールで乾隆帝に花の咲いた枝を手渡している様子が描かれており、これは皇帝の統治権の政治的メタファーである。乾隆帝はまた、謙虚な姿勢でポーズをとることで、儒教が提唱する孝行心もアピールしていた。[ 107 ]

イエズス会の画家ジュゼッペ・カスティリオーネは、1766年に亡くなるまでの50年間を宮廷で過ごし、3人の皇帝の宮廷画家を務めました。彼の肖像画においては、他のジャンルと同様に、中国の伝統的な様式と現代西洋絵画の要素を融合させています。

漢代から清代にかけての女性の肖像画

漢王朝から清王朝（紀元前206年～1912年）にかけての古代中国における女性の肖像画は、儒教の家父長制宇宙論の影響を大きく受けて発展しましたが、その主題やスタイルは各王朝の文化によって異なっていました。

漢王朝（紀元前206年～紀元後220年）においては、肖像画における女性は特定の個人ではなく、主に類型として描かれていました。主要な主題は、貞潔、父・夫・子への三従（三従）といった儒教に由来する美徳を備えた、理想化された模範的な女性（礼女）でした。漢王朝の直後に制作された 顧凱之の「礼女図」手巻は、このジャンルを代表する作品です。

唐代（618-906）には、宮廷の女性たちが日常の雑用や娯楽に従事する姿が人気の画題となりました。宮廷の女性たちの美しさや魅力は高く評価されましたが、「宮女」という絵画の名称のもと、その主題は曖昧なままでした。儒教が奨励した従順さや愛嬌といった特徴は美の基準として捉えられ、肖像画においても強調されました。画家たちは、描く人物の正確さと肖像性を追求し、魂の清らかさを表現することを目指しました。

宋代（960～1279年）には、宮廷詩人たちが詠んだ恋歌に基づいて女性の肖像画が制作されました。豪華な衣装と快適な住居に暮らす女性たちが描かれているにもかかわらず、絵画の中の女性は孤独で憂鬱な様子で描かれることが多くありました。夫たちが外で仕事に励んでいる間、彼女たちは孤独を感じ、家事に追われているからです。よく描かれる風景は、男性の不在を暗示する、誰もいない庭の小道や誰もいない長椅子などです。背景には、美しさと結び付けられる花木や、女性の脆さを象徴するバナナの木がよく描かれています。

明代（1368-1644）には、絵画、書道、詩文を融合させた文人画（文人画）が上流階級の間で流行した。文人画に描かれた女性の多くは、視覚的なメタファーとして用いられる抽象的な人物像であり、実体のない存在であった。清代（1644-1912）には、文人画は筆致の多様性と鮮やかな色彩を増した。[ 108 ]

参照

参考文献と注釈

参考文献
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注記

さらに読む

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