詩
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詩（ギリシア語のpoiesis「作る」[注 1 ]に由来）は、言語の美的性質やしばしばリズム的性質[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ]を用いて、文字通りの意味や表面的な意味に加えて、あるいはそれらの意味に代えて、意味を呼び起こす文学芸術の一形態である。詩のあらゆる具体例は詩と呼ばれ、詩人によって書かれる。詩人は、類韻、頭韻、子音、ユーフォニーとカコフォニー、擬音語、韻律（韻律による）、押韻構成（音素グループのタイプと配置のパターン）、音象徴など、詩的技法と呼ばれる様々な技法を用いて、音楽的またはその他の芸術的効果を生み出す。また、詩人はこれらの技法を詩的構造に体系づけることもしばしばあるが、それは厳密なものも緩いものも、慣習的なものも詩人によって創作されたものも様々である。詩の構造は言語や文化慣習によって大きく異なりますが、多くの場合、韻律的な韻律、すなわち音節の強勢や音節（またはモーラ）の重みのパターンに依存しています。また、音素、音素群、声調、単語、あるいは句全体の繰り返しパターンが用いられることもあります。詩の構造は意味的な場合もあります（例えば、ペトラコフのソネットで必要とされるボルタ）。

書き言葉の詩のほとんどは、詩節、つまり詩の構造に従ったページ上の一連の行または行の積み重ねの形式でフォーマットされています。このため、詩節は詩の同義語(換喩)にもなっています。 [注 2 ]詩の種類によっては、特定の文化やジャンルに特有であり、詩人が書いた言語の特徴に対応しています。ダンテ、ゲーテ、ミツキェヴィチ、ルーミーを詩の代表例と考える読者は、詩が押韻と規則的な韻律に基づいた行で書かれていると考えるかもしれません。しかし、聖書の詩や頭韻詩など、他の手段を使ってリズムや響きを作り出す伝統もあります。ソマリアの詩など他の伝統は、筆記とは独立した複雑な頭韻法や韻律のシステムに依存しており、古代ギリシャや中世ヨーロッパの口承詩に構造的に匹敵すると言われています。[ 4 ]現代詩の多くは詩の伝統に対する批判を反映しており、[ 5 ]音韻の原理そのものを試したり、押韻や定型的なリズムを完全に放棄したりしている。[ 6 ] [ 7 ]一人称詩では、歌詞は「私」、つまり話し手と呼ばれる人物によって語られ、詩人（作者）とは区別されます。例えば、ある詩が「私はリノで敵を殺した」と主張している場合、殺人者は詩人ではなく話し手です（ただし、この「告白」が比喩の一種で、より詳細な文脈、つまり精読によって考察する必要がある場合を除きます）。

詩は、言葉の多様な解釈を示唆したり、感情的な反応を引き起こしたりするために、形式や慣習を用いています。詩的な言葉遣いにおける曖昧さ、象徴性、皮肉、その他の文体的要素の使用は、しばしば詩を複数の解釈に開かれたものにします。同様に、隠喩、直喩、換喩[ 8 ]といった比喩表現は、本来は異なるイメージの間に共鳴を生み出し、意味を重層化することで、これまで認識されていなかったつながりを形成します。個々の詩節間には、押韻やリズムのパターンにおいて、 類似した共鳴形態が存在する場合があります。

詩には長く多様な歴史があり、世界各地でそれぞれ異なる進化を遂げてきました。詩の歴史は、少なくともアフリカの狩猟詩や、ナイル川、ニジェール川、ボルタ川流域の帝国の宮廷詩における賛美歌や哀歌とともに、先史時代にまで遡ります。 [ 9 ]アフリカで最も古い詩の一部は、紀元前25世紀に書かれたピラミッド・テキストの中に見られます。現存する西アジア最古の叙事詩であるギルガメシュ叙事詩は、シュメール語で書かれています。ユーラシア大陸の初期の詩には、中国の『詩経』などの民謡、宗教賛美歌（サンスクリットの『リグ・ヴェーダ』、ゾロアスター教の『ガタス』 、フルリ人の歌、ヘブライ語の『詩篇』など）があります。そして口承叙事詩の再話（エジプトのシヌヘ物語、インドの叙事詩、ホメロスの叙事詩、イリアスとオデュッセイアなど）もあった。アリストテレスの『詩学』などに代表される古代ギリシャにおける詩の定義は、修辞学、演劇、歌、喜劇における話し言葉の用法に焦点を当てたものであった。後の試みは反復、詩節形式、押韻といった特徴に集中し、より客観的な情報提供を目的とした学術的あるいは典型的な文章（散文）の形式と詩を区別する美学を強調した。ギリシア語で「言語の作り手」を意味する詩人は、自らの言語の言語的、表現的、そして実用的性質の進化に貢献してきた。ますますグローバル化する世界では、詩人は多様な文化や言語の形式、様式、技法を取り入れることが多い。西洋の文化的伝統（少なくともホメロスからリルケにまで及ぶ）では、詩の創作はインスピレーションと結び付けられている。インスピレーションとは、多くの場合、ミューズ（古典的または現代的）によるもの、あるいは何らかの模範や挑戦を示す他の（多くの場合、聖典化された）詩人の作品を通して得られるものである。

歴史

初期の作品

一部の学者は、詩の芸術は識字よりも古く、民話叙事詩やその他の口承のジャンルから発展したと考えています。[ 10 ] [ 11 ] しかし、他の学者は、詩は必ずしも文字よりも古くはなかったと主張しています。[ 12 ]

現存する最古の叙事詩である『ギルガメシュ叙事詩』は紀元前3千年紀のシュメール（メソポタミア、現在のイラク） で楔形文字で粘土板に書かれ、後にパピルスに記された。[ 13 ]紀元前2000年頃のイスタンブールの粘土板2461号には、豊穣と繁栄を祈願するため、王が女神イナンナと象徴的に結婚・交尾する毎年の儀式が記されており、世界最古の愛の詩と呼ぶ人もいる。[ 14 ] [ 15 ]エジプトの叙事詩の例として『シヌヘの物語』（紀元前1800年頃）がある。[ 16 ]  

その他の古代叙事詩には、ギリシャの『イリアス』と『オデュッセイア』、ペルシャのアヴェスター語巻（ヤスナ）、ローマの国民叙事詩であるウェルギリウスの『アエネイス』（紀元前29年から19年の間に執筆）、そしてインドの叙事詩である『ラーマーヤナ』と『マハーバーラタ』などがあります。叙事詩は、古代社会において、暗記や口承の補助として詩の形で創作されたようです。[ 12 ] [ 17 ]

インドのサンスクリット語リグ・ヴェーダ、アヴェスター語ガター、フルリ人の歌、ヘブライ語詩篇といった古代の宗教賛美歌集を含む他の形式の詩は、民謡から直接発展した可能性がある。現存する最古の中国詩集『詩経』 （詩経）の最初期の項目は、当初は歌詞であった。[ 18 ]詩と民謡を集めた『詩経』は、哲学者孔子に高く評価され、儒教の公式古典の一つとみなされている。この主題に関する孔子の発言は、古代音楽理論における貴重な資料となっている。[ 19 ]

古代の思想家たちは、詩を形式として特徴づけるものは何か、また良い詩と悪い詩を区別するものは何かを探ろうと努力した結果、「詩学」、すなわち詩の美学を研究する学問が生まれた。[ 20 ]古代社会の中には、例えば中国の『詩経』を通じた社会では、儀式的な重要性と美的重要性を持つ詩作品の規範が発達した。[ 21 ]近年では、思想家たちは、チョーサーの『カンタベリー物語』と松尾芭蕉の『おくのほそ道』の間に見られるような大きな形式の違い、さらにはタナハの宗教詩、恋愛詩、ラップに及ぶ内容の違いを包含する定義を見つけようと苦心している。[ 22 ]

最近まで、強勢詩の最古の例はロマノス・メロディスト（ 6世紀頃）の作品であると考えられていました。しかし、ティム・ウィットマーシュは、碑文に刻まれたギリシャ詩がロマノスの強勢詩よりも古い時代にあったと記しています。[ 23 ] [ 24 ] [ 25 ]

西洋の伝統

アリストテレス

西洋の古典思想家たちは、詩の質を定義し評価する方法として分類法を用いていました。特に、現存するアリストテレスの『詩学』断片では、詩を叙事詩、喜劇詩、悲劇詩の3つのジャンルに分け、それぞれのジャンルの根底にある目的に基づいて、各ジャンルで最も質の高い詩を区別するための規則が提示されています。[ 26 ]後の美学者たちは、叙事詩、抒情詩、劇詩という3つの主要なジャンルを特定し、喜劇と悲劇を劇詩のサブジャンルとして扱いました。 [ 27 ]

ジョン・キーツ

アリストテレスの著作はイスラムの黄金時代の中東全域に影響を与えた[ 28 ]。またルネサンス期のヨーロッパでも影響を与えた[ 29 ] 。後の詩人や美学者は詩を散文と区別し、散文と対比して定義した。散文は論理的な説明と直線的な物語構造を志向する文章として一般的に理解されていた[ 30 ] 。

これは詩が非論理的であるとか、物語性に欠けているという意味ではなく、むしろ詩とは、論理的あるいは物語的な思考過程に縛られることなく、美しさや崇高さを表現しようとする試みであるという意味です。イギリスのロマン派詩人ジョン・キーツは、この論理からの逃避を「否定的能力」と呼びました。[ 31 ]この「ロマン主義的」アプローチは、形式が抽象的であり、根底にある概念的な論理とは区別されるため、形式を詩の成功の重要な要素と見なします。このアプローチは20世紀まで影響力を持ち続けました。[ 32 ]

18世紀と19世紀には、ヨーロッパの植民地主義の拡大とそれに伴う世界貿易の増加により、様々な詩の伝統の間での交流が大幅に増加しました。[ 33 ]翻訳ブームに加えて、ロマン主義時代には多くの古代の作品が再発見されました。[ 34 ]

20世紀と21世紀の紛争

アーチボルド・マクリッシュ

20世紀の文学理論家の中には、散文と詩という表向きの対立にあまり依拠せず、詩人は単に言語を用いて創造する者であり、詩は詩人が創造するものであると焦点を当てる者もいる。[ 35 ]詩人を創造者とみなす根底にある概念は珍しくなく、モダニスト詩人の中には、言葉による詩の創造と他のメディアによる創造行為を本質的に区別しない者もいる。また、詩を定義しようとする試み自体が誤りであると異議を唱えるモダニストもいる。[ 36 ]

20世紀前半に始まった詩の伝統的な形式や構造の拒絶は、詩の伝統的な定義の目的と意味、そして詩と散文の区別に対する疑問、特に散文詩と散文詩の例が問われたことと一致した。多くのモダニズム詩人は非伝統的な形式、あるいは伝統的に散文と考えられていた形式で詩を書いたが、彼らの作品には一般に詩的な言葉遣いが吹き込まれ、しばしば韻律によらない手段でリズムとトーンが確立されていた。モダニズムの流派内には構造の崩壊に対する形式主義的な反発がかなりあったが、この反応は古い形式や構造の復活と同じくらい、新しい形式構造と統合の発展にも焦点を当てていた。[ 37 ]

ポストモダニズムは、モダニズムが強調した詩人の創造的な役割を超えて、テキストの読者の役割（解釈学）を強調し、詩が読まれる複雑な文化的網に光を当てています。[ 38 ]今日、世界中で、詩は他の文化や過去の詩の形式や言葉遣いを取り入れることが多く、かつては西洋の正典のような伝統の中で意味をなしていた定義や分類の試みをさらに混乱させています。[ 39 ]

21世紀初頭の詩的伝統は、ホイットマン、エマーソン、ワーズワースなどによって始められた、より古い先駆的な詩的伝統に強く依拠し続けているように見える。文芸評論家のジェフリー・ハートマン（1929-2016）は、「需要の不安」という表現を用いて、古い詩的伝統に対する現代の反応を「事実がもはや形式を持たないことへの恐れ」と表現した。[ 40 ]これはエマーソンによって導入された比喩に基づいている。エマーソンは、「形式」と「事実」のどちらかが優勢になる可能性がある詩の構造に関する議論では、「形式を事実に求めよ」とだけ主張していた。これに対して、ハロルド・ブルーム（1930-2019）などの文学研究者は様々なレベルで異議を唱えてきた。ブルームは「今、共に立ち上がり、成熟し、21世紀のアメリカの主要な詩を書く準備ができている詩人の世代は、スティーブンスが『偉大な影の最後の装飾』と呼んだもの、つまりエマーソンの影と見なされるかもしれない」と述べている。[ 41 ]

2020年代には、人工知能（AI）、特に大規模言語モデルの進歩により、特定のスタイルと形式で詩を生成できるようになりました。[ 42 ] 2024年の研究では、AI生成の詩は、専門家ではない読者から、著名な人間の作家が書いた詩よりもリズミカルで美しく、人間らしいと評価されました。この評価は、AI生成の詩が比較的シンプルで読みやすいため、一部の参加者が理解しやすいと感じたことに起因している可能性があります。[ 43 ]

要素

韻律

プロソディとは、詩の韻律、リズム、イントネーションを研究する学問です。リズムと韻律は密接に関連していますが、異なる概念です。 [ 44 ]韻律は詩節に確立された明確なパターン（例えば、弱強五歩格）であり、リズムは詩の一行から生じる実際の音です。プロソディは、より具体的には、韻律を示すために詩行を走査することを指す場合もあります。 [ 45 ]

リズム

ロビンソン・ジェファーズ

詩的なリズムを作り出す方法は、言語や詩の伝統によって異なります。言語は、リズムがどのように確立されるかに応じて、主にアクセント、音節、またはモーラによってタイミングが設定されると言われることがよくありますが、言語は複数のアプローチの影響を受ける可能性があります。日本語はモーラタイミングの言語です。ラテン語、カタロニア語、フランス語、レオネ語、ガリシア語、スペイン語は音節タイミングの言語と呼ばれます。強勢タイミングの言語には、英語、ロシア語、そして一般的にはドイツ語が含まれます。[ 46 ]イントネーションの変化も、リズムの認識方法に影響します。言語はピッチまたはトーンのいずれかに依存する場合があります。ピッチアクセントを持つ言語には、ヴェーダ語サンスクリット語や古代ギリシャ語があります。声調言語には、中国語、ベトナム語、ほとんどのサハラ以南の言語が含まれます。[ 47 ]

韻律のリズムは、一般的に、行内のフィートと呼ばれる繰り返しパターンに強勢または音節を正確に配置することから成ります。現代英語の詩では、強勢のパターンが主にフィートを区別するため、現代英語の韻律に基づくリズムは、強勢のある音節と強勢のない音節（単独または省略）のパターンに基づいていることがほとんどです。[ 48 ]一方、古典言語では、韻律の単位は似ていますが、強勢ではなく母音の長さが韻律を定義します。[ 49 ]古英語の詩では、各行の音節数はさまざまですが、強い強勢の数は固定された韻律パターンが使用されていました。[ 50 ]

マリアンヌ・ムーア

多くの詩篇を含む古代ヘブライ語聖書詩の主な技法は平行法、すなわち連続する行が文法構造、音響構造、概念的内容、またはこれら3つすべてにおいて互いに反映し合う修辞構造であった。平行法は交唱やコール・アンド・レスポンスの演奏に適しており、イントネーションによって強調することもできた。したがって、聖書詩はリズムを作り出すのに韻律的な脚にあまり頼らず、代わりに行、句、文というはるかに大きな音響単位に基づいてリズムを作り出している。[ 51 ]タミル語のヴェンパ語などの一部の古典詩形式には、（文脈自由文法として表現できるほど）厳格な文法があり、それがリズムを​​保証していた。[ 52 ]

中期中国語の音調体系に基づく中国古典詩学では、平平音（ひゃくぴんぐ）と斜音（しゃくじょう）の2種類の声調が認識されていました。斜音は、上昇音（かっこう）、去調（きょうきょう） 、入調（いんきょう）から構成されます。詩の特定の形式では、どの音節が平音でどの音節が斜音であるべきかという制約がありました 。

現代英語の詩でリズムを作り出すために用いられた正式な韻律パターンは、もはや現代英語詩を支配しているわけではない。自由詩の場合、リズムは規則的な韻律ではなく、より緩やかな抑揚の単位に基づいて構成されることが多い。ロビンソン・ジェファーズ、マリアンヌ・ムーア、ウィリアム・カルロス・ウィリアムズは、規則的なアクセント韻律が英語詩にとって不可欠であるという考えを否定した著名な詩人である。[ 53 ]ジェファーズは、アクセント韻律の代替として、スプリング・リズムを試みた。 [ 54 ]

メーター

紀元前470年頃のアッティカ赤絵式カタロスのサッポー絵画[ 55 ]

西洋の詩の伝統では、韻律は特徴的な韻律的脚と1行あたりの脚の数によってグループ分けされるのが通例である。 [ 56 ]行内の韻律的脚の数はギリシャ語の用語で表され、例えば4フィートはテトラメーター、6フィートはヘキサメーターと呼ばれる。 [ 57 ]つまり、「弱強五歩格」は1行あたり5フィートの韻律で、その中で支配的な脚は「ヤムブ」である。この韻律体系は古代ギリシャの詩に由来し、ピンダロスやサッポーなどの詩人や、アテネの偉大な悲劇詩人たちによって用いられた。同様に、「ダクティルス六歩格」は1行あたり6フィートの韻律で、その中で支配的な脚は「ダクティルス」である。ダクティルス六歩格はギリシャ叙事詩の伝統的な韻律で、現存する最も古い例はホメロスとヘシオドスの作品である。[ 58 ]弱強五歩格と弱強六歩格は後に、ウィリアム・シェイクスピアやヘンリー・ワズワース・ロングフェローなど多くの詩人によって使われました。[ 59 ]英語で最も一般的な韻律の脚は以下のとおりです。[ 60 ]

ホメロス：ギリシャのオリジナルに基づくローマの胸像[ 61 ]
  • 弱強母音– 強勢のない音節1つに強勢のある音節が続く（例：des- describe、in- include、re- tract）
  • trochee — 1つの強勢音節の後に強勢のない音節が続く（例：pic -ture、flow -er）
  • ダクティル– 1つの強勢音節の後に2つの強勢のない音節が続く（例：an -no-tate、sim -i-lar）
  • anapaest —2つの強勢のない音節の後に1つの強勢のある音節が続く（例：com-pre- hend）
  • 強勢音節2つが連続する（例：heart - beat、four - teen）
  • pyrrhic — 強勢のない2つの音節をつなげたもの（まれ、通常はダクティルス六歩格の終わりに使われる）

他の種類の韻律にも様々な名称があり、例えば、強勢音節の後に強勢のない2つの音節が続き、最後に強勢音節で終わる4音節の韻律韻律であるコリアム（choriamb）がある。コリアムは古代ギリシャ語とラテン語の詩に由来する。[ 58 ]オスマン・トルコ語やヴェーダ語など、韻律を決定する際に音節アクセントではなく、あるいはそれに加えて母音の長さやイントネーションを用いる言語では、長音と短音の一般的な組み合わせを表すために、ヤムビやダクティルに似た概念がしばしば用いられる。[ 62 ]

これらの脚韻はそれぞれ、単独でも他の脚韻と組み合わせても、独特の「感触」を持っています。例えば、ヤムブは英語で最も自然なリズムであり、一般的に繊細でありながら安定した詩を生み出します。[ 63 ]スキャニング・メーターは、詩の根底にある基本的なパターンを示すことはできますが、強勢の度合いや音節のピッチや長さの違いは示しません。[ 64 ]

韻律を記述する上で、複数の異なる「脚」がどれほど有用であるかについては議論がある。例えば、ロバート・ピンスキーは、古典詩ではダクティルが重要であるものの、英語のダクティル詩ではダクティルが非常に不規則に用いられており、言語に自然であると考えられる脚であるヤムビとアナペストのパターンに基づいてより適切に記述できると主張した。[ 65 ]実際のリズムは、上記の基本的な走査韻律よりもはるかに複雑であり、多くの学者がそのような複雑さを走査するシステムの開発を目指してきた。ウラジミール・ナボコフは、詩行における強勢のある音節と強勢のない音節の規則的なパターンの上に、話し言葉の自然なピッチに起因する別のアクセントパターンが重ねられていることを指摘し、「スカッド」という用語を使用して、強勢のない強勢と強勢のある強勢を区別することを提案した。[ 66 ]

サンスクリットの詩はチャンダに従って構成されており、チャンダは多様で、いくつかの南アジア言語の詩に影響を与え続けています。

韻律パターン

ルイス・キャロルの『スナーク狩り』（1876年）は主にアナペスティック四歩格で構成されている。

詩の伝統やジャンルによって、シェイクスピアの弱強五歩格やホメロスのダクティルス六歩格から多くの童謡で使われるアナペスティック四歩格まで、異なる韻律が使われる傾向がある。しかし、特定の脚や行に強調や注目を集めるため、また退屈な繰り返しを避けるために、確立された韻律にいくつかのバリエーションが使われるのが一般的である。たとえば、脚の強勢が反転したり、休止（または間）が（脚や強勢の代わりに）追加されたり、行の最後の脚に女性的な語尾が付けられて柔らかくなったり、スポンディーに置き換えられて強調されて強い終止が作られたりすることがある。いくつかのパターン（弱強五歩格など）はかなり規則的である傾向があるが、ダクティルス六歩格など他のパターンは非常に不規則である傾向がある。[ 67 ]規則性は言語によって異なる場合があります。さらに、言語によって異なるパターンが明確に発達することが多く、例えばロシア語の弱強四歩格では、韻律を強化するためにアクセントの使用に規則性が見られるのが一般的ですが、英語ではこのような規則性は見られないか、あっても非常に少ないです。[ 68 ]

アレクサンドル・プーシキン

一般的な韻律パターンと、それを使用した詩人や詩の有名な例には次のものがあります。

韻、頭韻、共鳴

古英語の叙事詩『ベオウルフ』は頭韻法の詩である。

押韻、頭韻、類韻、子音は、音の反復パターンを作り出す手法です。これらは詩の中で独立した構造要素として、リズムパターンの強化、あるいは装飾的な要素として用いられます。[ 74 ]また、反復する音のパターンとは別の意味を持つこともあります。例えば、チョーサーは古英語の詩を揶揄し、登場人物を古風な人物として描くために、多用した頭韻法を用いました。[ 75 ]

押韻は、行末または行内（「内韻」）に置かれた同一の音（「硬韻」）または類似の音（「軟韻」）で構成される。言語によって押韻構造の豊かさは異なる。例えばイタリア語は、長い詩全体を通して限られた数の押韻を維持できる豊かな押韻構造を持っている。この豊かさは、規則的な語尾の形式に由来する。英語は、他の言語から取り入れた不規則な語尾を持つため、押韻の豊かさはそれほど豊かではない。[ 76 ]言語の押韻構造の豊かさの度合いは、その言語で一般的に使用される詩の形式を決定する上で重要な役割を果たしている。[ 77 ]

頭韻法は、直後に続く、または短い間隔をあけた二つ以上の単語の冒頭で、文字または文字音を繰り返すこと、あるいは単語のアクセントのある部分に同じ文字が繰り返されることである。頭韻法と類韻語は、初期のゲルマン語、北欧語、古期英語の詩の構成において重要な役割を果たした。初期ゲルマン詩の頭韻法のパターンは、韻律と頭韻法をその構造の重要な部分として織り交ぜており、そのため、韻律パターンによって、聞き手は頭韻法がいつ現れるかを予測する。これは、頭韻法が形式的ではなく、完全なスタンザを通して行われない、ほとんどの現代ヨーロッパ詩における装飾的な頭韻法の使用と比較することができる。頭韻法は、押韻構造が豊かでない言語で特に有用である。

類音韻法とは、単語の最初や最後で似た音を使うのではなく、単語の中で似た母音を使う方法で、スカルド詩では広く使われていたが、その起源はホメーロスの叙事詩に遡る。[ 78 ]英語では動詞がピッチの多くを担うので、類音韻法は中国の詩の音調的要素をゆるやかに想起させることができ、中国の詩を翻訳する際に有用である。[ 79 ]子音韻法は、子音が単語の先頭だけに音を置くのではなく、文中で繰り返される場合に生じる。子音韻法は頭韻法よりも微妙な効果を生み出すため、構造要素としてはあまり有用ではない。[ 77 ]

押韻構成

神曲：ダンテとベアトリーチェは神を光の点として見る。

アラビア語や現代ヨーロッパの言語を含む多くの言語では、詩人はバラードやソネット、押韻二行連句など特定の詩の形式の構造要素として決まったパターンで押韻を用いる。しかし、構造的押韻の使用はヨーロッパの伝統においても普遍的ではない。多くの現代詩は伝統的な押韻方式を避けている。古典ギリシャ語やラテン語の詩は押韻を用いなかった。[ 80 ]押韻は中世盛期にアル・アンダルスにおけるアラビア語の影響によりヨーロッパの詩に入り込んだ。[ 81 ]アラビア語の詩人は6世紀の文学的アラビア語の発達だけでなく、長い押韻カシダなどのはるか昔の口承詩でも押韻を広範に用いた。[ 82 ]一部の押韻方式は特定の言語、文化、時代と結びついているが、他の押韻方式は言語、文化、時代を超えて用いられるようになった。詩には、王家の歌やルバイヤートのように一貫した明確な押韻体系を持つものもあれば、変化する押韻体系を持つものもあります。[ 83 ]

ほとんどの押韻方式は、押韻の集合に対応する文字を使用して記述されるため、四行詩の1行目、2行目、4行目が互いに押韻し、3行目が押韻しない場合、その四行詩はAA BA押韻方式を持つと言われます。この押韻方式は、例えばルバイヤート形式で使用されています。[ 84 ]同様に、A BB A四行詩（いわゆる「囲み韻」）は、ペトラルカのソネットなどの形式で使用されています。[ 85 ]より複雑な押韻方式の中には、「a-bc」規則とは別に、オッタヴァ・リーマやテルツァ・リーマなど、独自の名前が付けられているものもあります。[ 86 ]さまざまな押韻方式の種類と使用法については、本文でさらに詳しく説明します。

詩の形式

モダニズム詩とポストモダニズム詩では、詩の形式はより柔軟であり、以前の文学時代に比べて構造化されていない。多くの現代詩人は、認識可能な構造や形式を避け、自由詩で詩を書く。しかし、自由詩は「無形」ではなく、より繊細で柔軟な韻律要素の集合から構成されている。[ 87 ]このように、詩はあらゆる様式において、形式によって散文とは区別される。[ 88 ]詩の基本的な形式構造に対する一定の配慮は、たとえどれほど無視されているように見えても、あらゆる自由詩の形態に見られる。[ 89 ]同様に、古典的な様式で書かれた優れた詩には、強調や効果のために厳格な形式から逸脱するものがある。[ 90 ]

詩の主要な構成要素には、行、スタンザ（節） 、あるいは詩節（段落）、そしてカント（歌）などのスタンザや行のより大きな組み合わせがあります。また、言葉やカリグラフィによるより広範な視覚的表現も用いられることがあります。これらの詩的形式の基本単位は、しばしばソネットのように、詩的形式または詩的旋法（次のセクションを参照）と呼ばれるより大きな構造へと組み合わされます。

行と節

詩はしばしば行分割（lineation）と呼ばれる手法で、ページ上で行に分割されます。これらの行は、韻律的な脚の数に基づいて分割される場合もあれば、行末の押韻パターンを強調する場合もあります。特に詩が正式な韻律パターンで書かれていない場合、行は他の機能を果たすこともあります。行は、異なる単位で表現された考えを分離、比較、対比したり、語調の変化を強調したりすることができます。[ 91 ]行間の区切り方については、改行に関する記事を参照してください。

詩の行はしばしばスタンザ（連）に編成され、スタンザは行数によって区分されます。例えば、2行の詩は連句（または二行連）、3行の詩は三行連（または三行連）、4行の詩は四行連などです。これらの行は、韻やリズムによって互いに関連している場合もあれば、そうでない場合もあります。例えば、連句は、同じ韻律を持つ2行が韻を踏んでいる場合もあれば、共通の韻律だけで繋がれている場合もあります。[ 92 ]

ライデンの壁にあるブロークのロシアの詩「Noch、ulitsa、fonar、apteka 」（「夜、街路、ランプ、薬局」）

他の詩は、確立されたリズムを持つ規則的な押韻は使用されず、段落形式で確立されたリズム、頭韻、押韻の集合によって詩的な調子が確立される、詩の段落で構成される場合があります。 [ 93 ]多くの中世の詩は、規則的な押韻とリズムが使用されている場合でも、詩の段落で書かれていました。[ 94 ]

多くの詩の形式では、スタンザは連動しており、あるスタンザの押韻体系やその他の構造要素が後続のスタンザのそれらを決定づける。このような連動スタンザの例としては、例えばガザルやヴィラネルが挙げられ、最初のスタンザでリフレイン（ヴィラネルの場合はリフレイン）が確立され、それが後続のスタンザで繰り返される。連動スタンザの使用に関連して、詩の主題部分を区切るためにスタンザが使用される。例えば、オード形式のストロフェ、アンティストロフェ、エポードは、多くの場合、1つまたは複数のスタンザに分割される。[ 95 ]

叙事詩のような長めの形式詩では、スタンザ自体が厳格な規則に従って構成され、その後組み合わされる場合もある。スカルド詩では、ドロットクヴェットのスタンザは8行から成り、各行には頭韻または同音韻によって3つの「リフト」が設けられていた。2つまたは3つの頭韻に加えて、奇数行は子音と異なる母音による部分押韻を有していたが、これは必ずしも語頭に現れる必要はなく、偶数行は音節単位で内押韻を有していたが、これは必ずしも語末に現れる必要はなかった。各半行はちょうど6音節で構成され、各行はトロカイで終わる。ドロットクヴェットの配置は、個々のドロットクヴェットの構成よりもはるかに緩やかな規則に従っていた。[ 96 ]

視覚的なプレゼンテーション

アンソロジーからの詩。左チーム・馬内侍「あうことはこれやかぎりの旅ならむ草の枕も下がれにけり」：梅内侍の肖像
詩はしばしば韻文で書かれ、詩の構造を反映する構成が用いられます。右馬内侍のこの歌は散らし書きで書かれています。文字は意図的に順序が乱れています。歌の最初の部分は右から3番目の列に書かれ、右から2番目の列は歌の後半に来ます。[ 97 ]散らし書きは順序を保ちながらも、文字を非慣例的に分割し、詩の行や単語の途中で改行することもあります。これにより、読む速度が遅くなり、直線性が失われ、読むリズムが変わります。[ 98 ]また、高価な便箋を効率的に使用する便利な方法でもありました。[ 97 ]

印刷術の出現以前から、詩の視覚的表現はしばしば意味や深みを増していました。頭韻詩（アクロスティック詩）は、詩の行頭の文字や詩中の特定の箇所の文字で意味を伝えました。[ 99 ]アラビア語、ヘブライ語、中国語の詩では、精巧に書道された詩の視覚的表現が、多くの詩の全体的な効果において重要な役割を果たしてきました。[ 100 ]

印刷技術の出現により、詩人は大量生産された作品の視覚的表現をより強力にコントロールできるようになりました。視覚的要素は詩人の道具箱の重要な部分となり、多くの詩人が視覚的表現を幅広い目的で利用しようと努めてきました。モダニズム詩人の中には、ページ上の個々の行または行のグループの配置を詩の構成の不可欠な要素とする人もいます。時には、これは様々な長さの視覚的な休止を通して詩のリズムを補完したり、意味、曖昧さ、皮肉を強調するために並置を生み出したり、あるいは単に美的に心地よい形式を作り出したりします。最も極端な形では、これはコンクリート詩や無詩的著作につながる可能性があります。[ 101 ] [ 102 ]

言葉遣い

詩的語彙は言語の使用方法を扱い、音だけでなく、その根底にある意味や音と形式の相互作用も指します。[ 103 ]多くの言語と詩の形式には非常に特殊な詩的語彙があり、詩に特有の文法や方言が使用されることもあります。[ 104 ] [ 105 ]詩のレジスターは、20世紀後半の韻律で好まれた通常の話し言葉のパターンを厳密に使用したものから、[ 106 ]中世やルネサンスの詩に見られるような非常に華麗な言語の使用まで多岐にわたります。[ 107 ]

詩的な言葉遣いには、直喩や隠喩といった修辞技法や、皮肉といった語調が含まれる。アリストテレスは『詩学』の中で、「最も偉大なことは、比喩の達人になることだ」と記している。 [ 108 ]モダニズムの台頭以来​​、一部の詩人は修辞技法を軽視し、代わりに事物や経験の直接的な提示と語調の探求を試みる詩的言葉遣いを選択するようになった。[ 109 ]一方、シュルレアリストは修辞技法を限界まで押し広げ、カタクレシスを頻繁に用いた。[ 110 ]

寓話は多くの文化において詩的表現の中心であり、西洋では古典時代、中世後期、ルネサンス期に顕著であった。紀元前500年頃に初めて記録されて以来、韻文と散文の両方で繰り返し翻案されてきたイソップ寓話は、おそらく古今東西の寓話詩の最も豊かな単一の情報源であろう。[ 111 ]その他の注目すべき例としては、13世紀フランスの詩『薔薇物語』 、14世紀のウィリアム・ラングランドの『農夫ピアズ』、 17世紀のジャン・ド・ラ・フォンテーヌの『寓話集』（イソップ寓話の影響を受けたもの）などがある。しかし、詩は完全に寓話的であるのではなく、完全な寓話を構築することなく、言葉の意味や効果を深める象徴や暗示を含むことがある。[ 112 ]

詩的な語彙のもう一つの要素は、効果を狙って鮮やかなイメージを用いることです。例えば、予期せぬ、あるいはあり得ないイメージの並置は、シュルレアリスムの詩や俳句において特に顕著です。[ 113 ]鮮やかなイメージはしばしば象徴性や隠喩を帯びています。多くの詩的な語彙は、効果を狙って繰り返しのフレーズを用いています。短いフレーズ（ホメロスの「バラ色の指の夜明け」や「ワインのように暗い海」など）や、より長いリフレインなどです。このような繰り返しは、詩に陰鬱な雰囲気を添えたり、言葉の文脈の変化に応じて皮肉を織り交ぜたりすることができます。[ 114 ]

フォーム

カレリア州ソルタヴァラのコルミクルマンプイスト公園にあるルーン文字歌手ペトリ・シェメイッカの像

多くの文化において、独自の詩の形式が発展してきました。より発達した、閉鎖的、あるいは「受容された」詩の形式では、押韻、韻律、その他の詩の要素は、エレジーの構成を規定する比較的緩やかな規則から、ガザルやヴィラネルの高度に形式化された構造まで、一連の規則に基づいています。[ 115 ]以下では、多くの言語で広く用いられている一般的な詩の形式をいくつか説明します。その他の詩の形式については、特定の文化や時代の詩に関する議論や用語集をご覧ください。

ソネット

ウィリアム・シェイクスピア

中世後期以降に人気があった最も一般的な詩の形式にソネットがあり、13 世紀までには決まった押韻方式と論理構造に従う 14 行の詩として標準化された。14 世紀のイタリア・ルネサンスまでに、この形式はペトラルカの筆によってさらに結晶化し、そのソネットは 16 世紀にトーマス・ワイアット卿によって翻訳され、ワイアット卿は英語文学にソネット形式を導入したとされている。[ 116 ]伝統的なイタリアのソネット、つまりペトラルカ風のソネットは押韻方式 に従っているが、多少のバリエーション、おそらく最も一般的なのは、特に最後の 6 行 (またはセステット) 内である。[ 117 ]英語(またはシェークスピア) のソネットは押韻方式に従っており、3 番目の四行連句(4 行のグループ) と最後の二行連句を導入し、イタリアの先行作品に通常見られるよりも押韻に多様性がある。慣例により、英語のソネットでは典型的には弱強五歩格が使用され、ロマンス諸語では十一音節韻律とアレクサンドリア韻律が最も広く使用されています。 あBBあ、あBBあ、CDECDE{\displaystyle \mathrm {ABBA,ABBA,CDECDE} }CDCDCD{\displaystyle \mathrm {CDCDCD} }あBあBCDCDEFEFGG{\displaystyle \mathrm {ABAB\,\,CDCD\,\,EFEF\,\,GG} }

あらゆる種類のソネットは、しばしば「転換」、つまり詩の中で考えが逆転したり、疑問が解決（または提起）されたり、主題がさらに複雑化したりする箇所、つまり「転換」を多用します。この「転換」は、しばしば「しかし」という表現の形をとり、前の行の内容を矛盾させたり複雑化させたりします。ペトラルカ風のソネットでは、転換は最初の2つの四行連句とセステットの境界付近に見られるのに対し、英語のソネットでは通常、最後の連句の冒頭またはその付近に見られます。

キャロル・アン・ダフィー

ソネットは、高度な詩的語彙、鮮明なイメージ、ロマンチックな愛と特に関連付けられており、これは主にペトラルカや、エドマンド・スペンサー（スペンサー風ソネットに自分の名前の由来となった）、マイケル・ドレイトン、シェークスピアなどの初期のイギリス人詩人の影響によるもので、シェークスピアのソネットはイギリス詩の中でも最も有名なものの一つであり、20 編が『オックスフォード英詩集』に収録されている。[ 118 ]しかし、ボルタに関連する紆余曲折により、多くの主題に適用できる論理的な柔軟性が生まれている。[ 119 ]ソネットの最も初期の世紀から現在まで、詩人はこの形式を使用して、政治（ジョン・ミルトン、パーシー・ビッシュ・シェリー、クロード・マッケイ）、神学（ジョン・ダン、ジェラルド・マンリー・ホプキンス）、戦争（ウィルフレッド・オーウェン、E・E・カミングス）、ジェンダーとセクシュアリティ（キャロル・アン・ダフィー）に関連するトピックを扱ってきた。さらに、テッド・ベリガンやジョン・ベリーマンなどのポストモダン作家は、ソネット形式の伝統的な定義に異議を唱え、韻や明確な論理的展開、さらには 14 行という一貫した数さえも欠いた「ソネット」の連続全体を表現しました。

市

杜甫「老子廟を訪ねて」

詩（簡体字：詩、繁体字：詩、ピンイン：shī、ウェード・ジャイルズ表記：shih）は、中国古典詩の主要な形式である。[ 120 ]この形式の詩の中で最も重要なバリエーションは、「民謡」風の詩（岳夫）、「古風」の詩（古詩）、および「現代風」の詩（金詩）である。いずれの場合も、押韻は必須である。岳夫は民謡または民謡風の詩であり、行数や行の長さは不規則である。その他の詩のバリエーションでは、一般的に4行詩（四行詩または求聚詩）または8行詩が一般的であり、いずれの場合も偶数行は押韻する。行の長さは、1文字が1音節に相当するという慣例に従い、対応する文字数で区切られ、主に5文字または7文字の長さで、最後の3音節の前に休止が置かれる。行は一般的に終止符で結ばれ、連句として扱われ、重要な詩的技法として言葉の対句法が用いられている。[ 121 ]「古詩」（古詩）は、新詩（新式）という名称にもかかわらず、実際にはその理論的根拠は神越（441-513年）にまで遡るが、陳子（661-702年）の時代まで完全には発展しなかったと考えられている。[ 122 ] 「古詩」で知られる詩人の好例として、李白（701-762年）が挙げられる。金鶏詩の規則の中には、詩の中の声調の変化を規定するものもあり、中世中国語の4つの声調の定型の使用も含まれる。金鶏詩（寿司）の基本形式は4つの連句で8行で構成され、2番目と3番目の連句の行は平行している。平行行の連句は内容は対照的だが、語句間の文法関係は同一である。金鶏詩はしばしば豊かな詩的語彙を持ち、暗示に満ち、歴史や政治を含む幅広い主題を扱うことができる。[ 123 ] [ 124 ]この形式の達人の一人は杜甫である。（712-770年）唐代（8世紀）に著述した。[ 125 ]

ヴィラネル

WHオーデン

ヴィラネルは19行の詩で、5つの三連詩と最後の四行詩から構成されています。この詩は2つのリフレインを持つのが特徴で、最初のスタンザの1行目と3行目に最初に使用され、その後は各スタンザの終わりに交互に使用され、最後の四行詩は2つのリフレインで締めくくられます。詩の残りの行はAB交互韻です。[ 126 ]ヴィラネルは19世紀後半から英語で、ディラン・トマス[ 127 ] 、WHオーデン[ 128 ]、エリザベス・ビショップ[ 129 ]などの詩人によって頻繁に使用されています。

リムリック

リメリックは5行からなる詩で、ユーモラスな表現が多い。リメリックではリズムが非常に重要で、1行目、2行目、5行目は7音節から10音節でなければならない。しかし、3行目と4行目は5音節から7音節で済む。1行目、2行目、5行目は互いに韻を踏み、3行目と4行目も互いに韻を踏む。リメリックを創作した人物には、エドワード・リア、アルフレッド・テニスン卿、ラドヤード・キプリング、ロバート・ルイス・スティーブンソンなどがいる。[ 130 ]

短歌

柿本人麻呂

短歌は、 5-7-5-7-7の韻律で構成された、5つの節からなる31音（音韻単位）からなる無押韻の日本の詩です。 [ 131 ]一般的に、上の5-7-5句と下の7-7句では、調子と主題が異なります。短歌は、飛鳥時代には柿本人麻呂（ 7世紀後半頃活躍）などの歌人によって早くも詠まれました。当時、日本の詩の多くは中国の詩の形式に倣っていました。[ 132 ]短歌はもともと、日本の正式な詩（一般的に「和歌」と呼ばれていました）の短縮形であり、公的なテーマよりも個人的なテーマを探求するために多用されました。10世紀までに、短歌は日本の詩の主流となり、当初一般的な用語であった「和歌」（日本の詩）は、短歌のみを指すようになりました。短歌は今日でも広く詠まれています。[ 133 ]

俳句

俳句は、17世紀に発句（連句の冒頭の詩）から発展した、日本の詩の形式の一つである。[ 134 ]俳​​句は通常、縦一行で書かれ、5-7-5のパターンで構成された17拍子の三つの節から構成される。伝統的に、俳句には切れ字（通常は詩の三つの節の末尾に置かれる）と季語（季節を表す言葉）が含まれる。[ 135 ]俳句の最も有名な作者は松尾芭蕉（1644-1694）である。彼の作品の例：[ 136 ]

日本語ローマ字英語

富士の風や扇にのせて江戸土産

富士の風 や大木にのせて 江戸みやげ

富士山の風 扇子 持ってきた！ 江戸からの贈り物

クローン

クロン（โคลง , [kʰlōːŋ] ）は最古のタイ詩形式の一つである。これは、特定の音節にマイ・エク（ไม้เอก、タイ語発音：[máj èːk] , ◌่）またはマイ・トー（ไม้โท , [ máj tʰōː] , ◌้ ）という声調記号を付すという要件に反映されている。これは、タイ語に3つの声調があった時代（現在の5つの声調とは異なり、アユタヤ王朝時代に分裂した）に由来すると考えられ、そのうち2つが前述の記号に直接対応していた。これは通常、高度で洗練された詩形式とみなされている。[ 137 ]

khlongでは、スタンザ ( bot、บท、タイ語の発音: [bòt] ) は、種類に応じて、いくつかの行 ( bat、บาท、タイ語の発音: [bàːt]、パーリ語およびサンスクリット語のpādaに由来)で構成されます。batは2 つのwak ( วรรค、タイ語の発音: [wák]、サンスクリット語のvargaに由来) に分割されます。[注 3 ]最初のwakは 5 つの音節から成り、2 番目のwakは種類によって異なる数の音節を持ち、オプションの場合もあります。khlong の種類は、スタンザ内のbatの数で決まります。また、クロン スパップ( โคลงสุภาพ , [kʰlōːŋ sù.pʰâːp] ) とクロン ダン( โคลงดั้น , [kʰlōːŋダン]）。この 2 つは、最後のバットの 2 番目のワクの音節数とスタンザ間の押韻ルールが異なります。[ 137 ]

クロン・シー・サップ

khlong si suphap ( โคลงสี่สุภาพ , [kʰlōːŋ sìː sù.pʰâːp] ) は、現在でも使用されている最も一般的な形式です。1スタンザあたり4つのbatがあります( si は4と翻訳されます)。各batの最初のwakは5音節です。2番目のwakは、1番目と3番目のbatが2音節または4音節、2番目が2音節、4番目が4音節です。以下に示すように、 7音節の場合はMai ek が必要で、 4音節の場合はMai thoが必要です。「デッドワード」音節は、 mai ek が必要な音節の代わりに使用でき、基準を満たすように単語のスペルを変更することは通常許容されます。

頌歌

ホレス

頌歌は、ピンダロスなどの古代ギリシャ語やホラティウスなどのラテン語で詩を書く詩人によって初めて発展した。頌歌の形式は、ギリシャ人やラテン人の影響を受けた文化の多くに見られる。[ 138 ]頌歌は一般に、ストロフェ、アンティストロフェ、エポードの3つの部分から成る。頌歌のストロフェとアンティストロフェは類似した韻律構造を持ち、伝統によっては類似した押韻構造を持つ。対照的に、エポードは異なる構成と構造で書かれている。頌歌は形式的な詩的な言葉遣いをしており、一般に深刻な主題を扱っている。ストロフェとアンティストロフェは、主題を異なる、しばしば矛盾する観点から検討し、エポードは、根底にある問題を検討または解決するためにより高いレベルに進む。頌歌は、2つの合唱団（または個人）によって朗読または歌われることが多く、最初の合唱団がストロフェを朗読し、2番目がアンティストロフェを朗読し、2人が一緒にエポードを朗読する。[ 139 ]頌歌は、時を経て、形式や構造にかなりのバリエーションを持つ様々な形態へと発展してきたが、概してピンダロスやホラティウスの頌歌の影響を示している。西洋以外の頌歌に類似した形態としては、アラビア詩のカシーダが挙げられる。[ 140 ]

ガザル

ガザル（ガゼル、ガゼル、ガザル、ゴゾルとも呼ばれる）は、アラビア語、ベンガル語、ペルシャ語、ウルドゥー語でよく使われる詩の一形式である。古典的なガザルは、 5から15の押韻二行連で構成され、 2行目の末尾にリフレイン（繰り返し）が続く。このリフレインは1音節または複数音節で構成され、その前に韻が置かれる。各行は同一の韻律と長さを持つ。[ 141 ]ガザルはしばしば、到達不可能な愛や神性といったテーマを扱っている。[ 142 ]

多くの言語で長い歴史を持つ他の形式と同様、ガザルにも多くのバリエーションが開発されており、ウルドゥー語で準音楽的な詩的語法を持つものもある。[ 143 ]ガザルはスーフィズムと古典的な親和性があり、スーフィズムの主要な宗教作品の多くはガザル形式で書かれている。比較的安定した韻律とリフレインの使用は呪文のような効果を生み出し、スーフィズムの神秘的なテーマをうまく引き立てている。[ 144 ]この形式の巨匠には、13世紀の有名なペルシャの詩人ルーミー[ 145 ] 、ルーミーが師とみなしていた12世紀のイランのスーフィズム神秘主義詩人アッタール[ 146 ] 、そして彼らと同じくらい有名な同時代のハーフィズがいる。ハーフィズはガザルを用いて偽善や世俗性の落とし穴を暴いているが、その形式を巧みに利用して愛の神聖な深淵と世俗的な機微も表現している。内容と形式の複雑さを意味ある形で捉えた翻訳を作成することは非常に困難ですが、英語でそれを試みた賞賛された作品としては、ガートルード・ベルの『ハーフィズのディヴァンからの詩』[ 147 ]や『Beloved: ハーフィズの81の詩』（Bloodaxe Books）などがあります。これらの本の序文では、ガザルの翻訳の問題点が詳細に述べられており、その訳本は（ローシャン・ペルシア研究研究所のファテメ・ケシャヴァルツによれば）「原文に見られる大胆で多層的な豊かさ」を保っています。[ 148 ]実際、ハーフィズのガザルは多くの分析、注釈、解釈の対象となっており、14世紀以降のペルシア語の著作に他のどの作家よりも影響を与えています。[ 149 ] [ 150 ]ヨハン・ヴォルフガング・フォン・ゲーテの叙情詩集『西方詩集』はペルシャの詩人ハーフェズにインスピレーションを得たものである。[ 151 ] [ 152 ] [ 153 ]

ジャンル

詩は特定の形式に加えて、様々なジャンルやサブジャンルの観点から考察されることが多い。詩のジャンルとは、一般的に、主題、様式、その他のより広範な文学的特徴に基づいた詩の伝統または分類である。[ 154 ]ジャンルを文学の自然な形態と見なす評論家もいる。一方、ジャンル研究とは、異なる作品が他の作品とどのように関連し、言及しているかを研究することであると考える評論家もいる。[ 155 ]

物語詩

チョーサー

物語詩は物語を語る詩の一ジャンルです。広義には叙事詩を包含しますが、「物語詩」という用語は、一般的に人間の関心をより強く訴える、より短い作品を指すことが多いです。物語詩はおそらく最も古いタイプの詩です。ホメロスの多くの研究者は、彼の『イーリアス』と『オデュッセイア』は、個々のエピソードを語る短い物語詩の集大成である と結論付けています。

スコットランドやイングランドのバラッド、バルト海やスラヴの英雄詩など、多くの物語詩は、文字以前の口承伝統に根ざしたパフォーマンス詩である。韻律、頭韻法、ケニングなど、詩と散文を区別するいくつかの特徴は、かつて伝統的な物語を朗読する吟遊詩人にとって記憶の補助として機能していたのではないかと推測されている。[ 156 ]

著名な物語詩人には、オウィディウス、ダンテ、フアン・ルイス、ウィリアム・ラングランド、チョーサー、フェルナンド・デ・ロハス、ルイス・デ・カモンイス、シェイクスピア、アレクサンダー・ポープ、ロバート・バーンズ、アダム・ミツキェヴィチ、アレクサンダー・プーシキン、レティーシャ・エリザベス・ランドン、エドガー・アラン・ポー、アルフレッド・テニスン、アン・カーソンなどがいます。

抒情詩

クリスティーヌ・ド・ピザン（左）

抒情詩は、叙事詩や劇詩とは異なり、物語を語ろうとするのではなく、より個人的な性質を持つジャンルです。このジャンルの詩は、短く、旋律的で、瞑想的な傾向があります。登場人物や行動を描写するのではなく、詩人自身の感情、心の状態、そして認識を描写します。[ 157 ]このジャンルの著名な詩人には、ハーフェズ、クリスティーヌ・ド・ピザン、ジョン・ダン、シャルル・ボードレール、ジェラード・マンリー・ホプキンス、アントニオ・マチャード、エドナ・ミレイなどがいます。

叙事詩

カモンエス

叙事詩は詩の一ジャンルであり、物語文学の主要な形式である。このジャンルは、当時の文化において英雄的あるいは重要な出来事を扱った長編詩と定義されることが多い。叙事詩は、英雄的あるいは神話上の人物、あるいは集団の生涯と業績を、連続した物語として語る。[ 158 ]

叙事詩の例としては、ホメーロスの『イリアス』と『オデュッセイア』、ウェルギリウスの『アエネイス』、ニーベルンゲンの歌、ルイス・デ・カモンイスの『オズ・ルシアダス』 、私の歌『シッドの歌』 、ギルガメシュ叙事詩、マハーバーラタ、リョンロートの『カレワラ』、ヴァールミーキの『ラーマーヤナ』、フェルドウスィーの『シャー・ナーマ』 、ニザーミー（またはネザーミー）の『カムセ』（五書）、そしてゲサル王の叙事詩などがあげられる。サンスクリット語で叙事詩に相当するのは『マハーカーヴィヤ』である。

20世紀初頭以降、西洋では叙事詩、とりわけ長編詩の創作は一般的には少なくなったものの、いくつかの著名な叙事詩は書き続けられてきた。エズラ・パウンドの『カントス』、H・Dの『エジプトのヘレン』、ウィリアム・カルロス・ウィリアムズの『パターソン』などは、近代叙事詩の例である。デレク・ウォルコットは1992年にノーベル賞を受賞したが、その功績の大部分は、彼の叙事詩『オメロス』によるものである。[ 159 ]

風刺詩

ジョン・ウィルモット

詩は風刺を表現する強力な手段となり得る。ローマ人は風刺詩の強い伝統を有し、しばしば政治的な目的で書かれた。注目すべき例としては、ローマの詩人ユウェナリスの風刺詩が挙げられる。[ 160 ]

同じことはイギリスの風刺詩の伝統にも当てはまる。最初の桂冠詩人ジョン・ドライデン（トーリー党員）は1682年に『マック・フレックノー』を著し、副題は「真のプロテスタント詩人TSへの風刺」（トーマス・シャドウェルへの言及）とした。[ 161 ]イギリス国外の風刺詩人としては、ポーランドのイグナツィ・クラシツキ、イランのウバイド・ザカニ、アゼルバイジャンのサビール、ポルトガルのマヌエル・マリア・バルボサ・デュ・ボカージュ、そして特に『ギサンド』で知られる韓国のキム・キリムなどがあげられる。

エレジー

トーマス・グレイ

エレジーとは、悲しみに満ちた、物憂げな、あるいは哀愁を帯びた詩であり、特に死者への哀悼や葬送歌に用いられます。「エレジー」という用語は、もともと詩の韻律（エレギアック・メーター）の一種を指し、一般的には喪の詩を指します。エレジーは、作者にとって奇妙または神秘的と感じられる何かを反映することもあります。死、より一般的には悲しみ、あるいは神秘的な何かを反映するエレジーは、抒情詩の一種に分類されることがあります。[ 162 ] [ 163 ]

哀歌詩の著名な作者としては、プロペルティウス、カカニ、ホルヘ・マンリケ、ヤン・コハノフスキ、チディオック・ティクボーン、エドマンド・スペンサー、ベン・ジョンソン、ジョン・ミルトン、トーマス・グレイ、シャーロット・スミス、ウィリアム・カレン・ブライアント、パーシー・ビッシュ・シェリー、ヨハン・ヴォルフガング・フォン・ゲーテ、エフゲニー・バラティンスキー、アルフレッド・テニスン、ウォルト・ホイットマン、アントニオ・マチャド、フアン・ラモン・ヒメネス、ウィリアム・バトラー・イェイツ、ライナー・マリア・リルケ、ヴァージニア・ウルフなどがいます。

詩の寓話

クラシツキ

寓話は古代の文学ジャンルであり、しばしば（必ずしもそうではないが）韻文で語られる。寓話は、擬人化された動物、伝説上の生き物、植物、無生物、あるいは自然の力を題材に、道徳的な教訓（「道徳」）を示す簡潔な物語である。韻文寓話は、様々な韻律と押韻様式を用いている。[ 164 ]

著名な詩の捏造作家には、イソップ、ヴィシュヌ・サルマ、パイドルス、マリー・ド・フランス、ニザミ・ガンジャヴィ、ルーミ、ロバート・ヘンリーソン、ルブリンのビエルナ、ジャン・ド・ラ・フォンテーヌ、イグナシー・クラシツキ、フェリックス・マリア・デ・サマニエゴ、トマス・デ・イリアルテ、イワン・クリロフ、アンブローズが含まれる。ビアス。

劇詩

ゲーテ

劇詩は、話されたり歌われたりするために韻文で書かれた劇であり、多くの文化でさまざまな、時には関連した形式で登場します。韻文のギリシャ悲劇は紀元前6世紀に遡り、サンスクリット演劇の発展に影響を与えた可能性があります。[ 165 ]同様に、インドの演劇は、中国の北京オペラの前身である韻文劇の発展に影響を与えたようです。[ 166 ]東アジアの韻文劇には、日本の能も含まれます。ペルシャ文学の劇詩の例には、ニザーミーの2つの有名な劇作品、『ライラとマジュヌーン』と『ホスローとシーリーン』、フェルドウスィーの悲劇『ロスタム』や『ソフラブ』、ルーミーの『マスナヴィー』、ゴルガニの『ヴィスとラミーンの悲劇』 、ヴァフシの『ファルハドの悲劇』などがあります。 20世紀のアメリカの詩人たちは劇詩を復活させた。エズラ・パウンドの『セスティーナ：アルタフォルテ』[ 167 ] 、 T・S・エリオットの『J・アルフレッド・プルーフロックの恋の歌』[ 168 ] 、 [ 169 ]などである。

思索的な詩

ポー

スペキュレイティブ・ポエトリー（空想詩とも呼ばれ、奇怪詩や不気味詩もその主要な下位分類の一つ）は、SF小説のように外挿的に、あるいはホラー小説のように奇妙で恐ろしいテーマを通して、 「現実を超えた」主題を扱う詩のジャンルである。このような詩は、現代のSFやホラー小説の雑誌に定期的に掲載されている。

エドガー・アラン・ポーは、「思索詩の父」と呼ばれることもある。[ 170 ]ポーのこのジャンルにおける最も注目すべき業績は、1848年に発表したエッセイ『ユーリカ：散文詩』（その思索的な性質から、ポーはこれを「散文詩」と呼んだ）の中で、宇宙の起源に関するビッグバン理論を75年も前に予見していたことである。[ 171 ] [ 172 ]

散文詩

ボードレール

散文詩は、散文と詩の両方の特質を示す混合的なジャンルです。ミクロストーリー（いわゆる「ショートショート」「フラッシュフィクション」）と区別がつかない場合もあります。初期の散文の中には現代の読者に詩的に響くものもありますが、散文詩は一般的に19世紀フランスで生まれたと考えられており、アロイジウス・ベルトラン、シャルル・ボードレール、ステファーヌ・マラルメ、アルチュール・ランボーなどがその作者でした。[ 173 ]

ヨーロッパの詩的伝統とは独立して、サンスクリットの散文詩（ガディヤカヴィヤ）は7世紀頃から存在しており、その代表作にはカダンバリがある。[ 174 ]

特に1980年代後半以降、散文詩の人気が高まり、散文詩とその混成作品を専門とする雑誌『 The Prose Poem: An International Journal 』 [ 175 ] 、『Contemporary Haibun Online』 [ 176 ] 、『Haibun Today』[ 177 ]などが刊行されました。20世紀のラテンアメリカの詩人で散文詩を書いた人には、オクタビオ・パスやアレハンドラ・ピサルニクなどがいます。

軽い詩

ルイス・キャロル

軽詩、あるいはライトヴァースは、ユーモラスさを追求した詩です。「軽」とされる詩は通常短く、軽薄なものから深刻なものまで様々な主題を扱い、しばしば言葉遊び（しゃれ、大胆な押韻、重厚な頭韻法など）を特徴とします。正式な詩の伝統から外れた軽詩で優れた才能を発揮した自由詩人も少数いますが、英語の軽詩は通常、少なくともいくつかの正式な慣習に従います。一般的な形式には、リメリック、クレリヒュー、ダブルダクティルなどがあります。

軽詩は時に下手な詩として非難されたり、気楽に作られた詩だと考えられたりすることもありますが、ユーモアはしばしば、微妙な、あるいは破壊的な方法で深刻な主張を表明します。最も著名な「真面目な」詩人の多くは、軽詩でも優れた才能を発揮しています。軽詩の著名な作家には、ルイス・キャロル、オグデン・ナッシュ、X・J・ケネディ、ウィラード・R・エスピー、シェル・シルヴァスタイン、ギャビン・エワート、ウェンディ・コープなどがいます。

スラム詩

スミス

スラム詩というジャンルは、1986年にイリノイ州シカゴでマーク・ケリー・スミスが最初のスラム詩を主催したことに端を発する。 [ 178 ] [ 179 ]スラム詩のパフォーマーは、観客の前で、個人的な事柄、社会的な事柄、その​​他の事柄について、感情を込めて声に出してコメントする。スラム詩は、言葉遊び、イントネーション、声の抑揚といった美学に焦点を当てている。スラム詩は、専用の「ポエトリー・スラム」コンテストで競い合うことが多い。[ 180 ]

パフォーマンス詩

パフォーマンス詩は、観客の前で行われるという点でスラム詩に似ており、ダンス、音楽、その他のパフォーマンスアートの側面など、テキストのパフォーマンスにおいて様々な分野を融合する詩のジャンルである。[ 181 ] [ 182 ]

言語イベント

ハプニングという用語は1950年代の前衛運動によって普及し、自発的で場所に特化したパフォーマンスを指します。 [ 183 ]​​ 2018年に詩人集団OBJECT:PARADISEによって名付けられた言語ハプニングは、規範的な文学ジャンルとしての詩よりも、記述的な言語行為およびパフォーマンスに焦点を当てたイベントであり、その瞬間に詩が読まれたり作成されたりする間、より広範な形態のパフォーマンスアートが組み込まれることがよくあります。[ 184 ] [ 185 ]

参照

注記

  1. ^ポイエテス、詩人、つまり「創造者」は、それぞれの言語の「創造」（形成）に大きく貢献してきました。そのため、最も記憶に残る詩人の多くは初期の詩人です。
  2. ^ここでの「詩」という語は、詩的要素を芸術形式全体を代表するものとして捉える提喩として機能している。「詩」という語は、詩の形式を、他の多くの文章に典型的な形式である散文と対比させる際にしばしば用いられる。
  3. ^文学研究において、西洋詩における「line」は「bat」と訳されます。しかし、いくつかの形態では、この単位は「wak」と同義です。混乱を避けるため、この記事では「line」ではなく「wak」と「bat」の2つの単語を用います。「line」はどちらを指す場合もあります。

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参考文献

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