絵画

レオナルド・ダ・ヴィンチによる「モナ・リザ」 （1503年 - 1517年）は、世界で最も有名な絵画の一つです。

絵画は視覚芸術であり、絵の具、顔料、色、またはその他の媒体を固体表面に塗布する行為を特徴とします。 [ 1 ]媒体は通常、筆で下地に塗布されます。パレットナイフ、スポンジ、エアブラシ、アーティストの指、さらには重力を利用したドリッピング技法など、他の道具も使用されることがあります。絵画を制作する人は画家と呼ばれます。

芸術において、「絵画」という用語は、行為とその行為の結果の両方を表します（最終的な作品は「絵画」と呼ばれます）。絵画の支持体には、壁、紙、キャンバス、木材、ガラス、漆、陶器、箔、銅、コンクリートなどの表面が含まれます。また、絵画には、砂、粘土、紙、段ボール、新聞紙、石膏、金箔、さらには物体全体など、単一または複数の形態で他の素材が組み込まれることもあります。

絵画は視覚芸術の重要な形態であり、デッサン、構成、身振り、物語、抽象化などの要素を取り入れています。[2] 絵画には、自然主義的、具象的（肖像画、静物画、風景画など。ただし、これらのジャンルは抽象的になることもあります）、写真的、抽象的、物語的、象徴主義的（象徴主義芸術）、感情的（表現主義）、政治的（芸術主義）などがあります。

東洋と西洋の美術史において、絵画史の大きな部分は宗教美術によって占められています。この種の絵画の例としては、陶器に描かれた神話上の人物、システィーナ礼拝堂の天井画に描かれた聖書の場面、仏陀の生涯を描いた場面（あるいは東洋の宗教に由来するその他の絵画）などが挙げられます。

歴史

スラウェシ島マロス・パンケップ・カルスト地帯のイノシシ狩りを描いた洞窟壁画は、少なくとも4万3900年前のものと推定されています（2014年）。この発見は、「人類史上最古の物語描写であり、最古の具象芸術の例」と認められました。
マロス・パンケップ・カルストの洞窟の狩猟風景の再描画
2018年にインドネシアのルバン・ジェリジ・サレ遺跡で発見された雄牛の絵画は、世界最古の具象絵画として知られています。この絵画は、約4万年から5万2千年前、あるいはそれ以前に制作されたと推定されています。

最も古い絵画は4万年から6万年以上前のもの（後期旧石器時代の美術）で、インドネシア・スラウェシ島マロス地区の洞窟で発見されています。最古の壁画は、多くの場合、手刷りのステンシルと単純な幾何学的形状で描かれています。[ 3 ] [ a ]

2021年、インドネシア・スラウェシ島レアン・テドンゲで、研究者らが少なくとも4万5500年前のものと推定される古代の洞窟壁画を発見しました。イボイノシシの豚を描いたこの作品は、世界最古の具象芸術として知られています。

2018年11月、科学者たちはインドネシアのボルネオ島にあるルバン・ジェリジ・サレの洞窟で、4万年以上（おそらく5万2千年）前の未知の動物を描いた当時最古の具象芸術の壁画が発見されたと報告した。[ 5 ] [ 6 ] 2019年12月、スラウェシ島のマロス・パンケップ・カルスト地域で豚狩りを描いた洞窟壁画がさらに古く、少なくとも4万3900年前のものであると発見された。この発見は「人類史上最古の物語の描写であり、最古の具象芸術の例」と認められた。 [ 7 ] [ 8 ] 2021年には、インドネシアのスラウェシ島で4万5500年以上前のものとされる豚の洞窟壁画が発見されたと報告されている。[ 9 ] [ 10 ] 2024年7月3日、ネイチャー誌は、レアン・カランプアンにある、豚と交流する擬人化された人物を描いた36×15インチ（91×38cm）の洞窟壁画が約51,200年前のものであり、世界最古の壁画であることを示す研究結果を発表しました。[ 11 ] [ 12 ]

洞窟壁画の例は世界中に存在し、インドネシア、フランス、スペイン、ポルトガル、イタリア、中国、インド、オーストラリア、メキシコなどが挙げられる[ 13 ]。西洋文化では、油絵と水彩画は、その様式と主題において豊かで複雑な伝統を持っている。東洋では、歴史的にインクと色インクが画材として主流であり、同様に豊かで複雑な伝統を持っている。

写真の発明は絵画に大きな影響を与えました。1829年に最初の写真が撮影されてから数十年の間に、写真撮影技術は向上し、より広く使用されるようになりました。その結果、絵画は観察可能な世界の正確な記録を提供するという歴史的目的の多くを失いました。19世紀後半から20世紀初頭にかけて、印象派、ポスト印象派、フォーヴィスム、表現主義、キュビスム、ダダイズムといった一連の芸術運動が、ルネサンス期の世界観に挑戦しました。しかし、東洋とアフリカの絵画は、様式化の長い歴史を継続し、同時に同様の変革を経験することはありませんでした。

近代美術と現代美術は、技術と記録の歴史的価値から概念へと移行してきました。しかし、現存する画家の大多数は、作品全体、あるいはその一部として、絵画制作を続けています。21世紀における絵画の活力と多様性は、かつて絵画の終焉を「宣言」したものとは一線を画しています。多元主義という概念が特徴的なこの時代において、時代を代表する様式についてコンセンサスは存在しません。芸術家たちは、多様な様式と美的気質を持つ重要な芸術作品を作り続けています。その真価は、観客と市場に委ねられています。

フェミニスト芸術運動[ 14 ]は、1960年代の第二波フェミニズムの時代に始まりました。この運動は、国際的に女性アーティストの平等な権利と機会の獲得を目指しました。

絵画の要素

陳紅寿（1598–1652）、葉アルバム画（明時代）
トロンボーンのソリストを描いた点描画です。
ジョルジュ・スーラ『サーカスの余興』（仏：Parade de cirque）（1887–88）

色とトーン

色は色相、彩度、明度で構成され、画面全体に散りばめられており、絵画の本質です。それは、音程とリズムが音楽の本質であるのと同じです。色は非常に主観的ですが、文化によって異なるものの、目に見える心理的効果があります。西洋では黒は喪と関連付けられ、東洋では白は喪と関連付けられていません。ゲーテ[ 15 ] 、カンディンスキー[ 16 ]、ニュートン[ 17 ]など、一部の画家、理論家、作家、科学者は、独自の色彩理論を著しています。

さらに、言語の使用は、色の等価性の抽象化に過ぎません。例えば「赤」という言葉は、可視光線のスペクトルにおける純粋な赤から、幅広いバリエーションを包含します。音楽におけるFやC#といった異なる音程の統一された表現のように、異なる色を形式的に表すレジスターは存在しません。画家にとって、色は単純に基本色（原色）と派生色（補色または混色）（赤、青、緑、茶など）に分けられるわけではありません。

画家は実際には顔料を扱っているので[ 18 ]、画家にとっての「青」は、フタロシアニンブルー、プルシアンブルー、インディゴ、コバルトブルー、ウルトラマリンなど、あらゆる青を指します。色の心理的および象徴的な意味は、厳密に言えば絵画の手段ではありません。色は意味の潜在的な、派生的な文脈を付加するだけであり、このため、絵画の認識は非常に主観的です。音楽との類似性は非常に明確です。音楽の音（C音など）は絵画の「光」に、「陰影」は強弱に、「色彩」は絵画に、楽器の特定の音色が音楽に似ているようなものです。これらの要素は、必ずしもそれ自体で（音楽において）メロディーを形成するわけではなく、むしろメロディーに異なる文脈を付加することができます。

非伝統的な要素

現代の芸術家は絵画の技法を著しく拡張し、例えばコラージュなどを含むようになりました。コラージュはキュビズムに端を発するもので、厳密な意味での絵画ではありません。現代の画家の中には、質感を表現するために金属、プラスチック、砂、セメント、藁、葉、木など、様々な素材を取り入れる人もいます。ジャン・デュビュッフェやアンゼルム・キーファーの作品がその例です。Adobe Photoshop、Corel Painterなどのプログラムを用いて、コンピュータでデジタルの「キャンバス」に色を「描く」芸術家のコミュニティも増えています。これらの画像は、必要に応じて従来のキャンバスに印刷することもできます。

リズム

ジャン・メッツィンガー、ラ・ダンス（バッカンテ）（ 1906年頃）、キャンバスに油彩、73 x 54 cm、クレラー・ミュラー美術館

ジャン・メッツィンガーのモザイクのような分割主義の技法は文学にも類似点があり、象徴主義の作家と新印象派の芸術家 との連携の特徴となっています。

筆遣いの分割において私が求めるのは、光の客観的な表現ではなく、虹彩や、絵画にとって未だ馴染みのない色彩の特定の側面である。私は一種の色彩的韻律を創り、音節には、自然が喚起する多様な感情を表現するための絵画的表現法のリズムを変えることなく、大きさを変えることのできない筆致を用いる。（ジャン・メッツィンガー、 1907年頃）[ 19 ]

ピエト・モンドリアン「ルージュ、ジョーヌ、ブルーとノワールの作曲」（1921年）、デン・ハーグ市立美術館

ピエト・モンドリアン[ 20 ] [ 21 ]のような芸術家にとって、リズムは音楽と同様に絵画においても重要です。リズムを「一連の流れに組み込まれた休止」と定義するならば、絵画にもリズムが存在する可能性があります。これらの休止は、創造力が介入し、新たな創造物――形態、旋律、色彩――を加えることを可能にします。形態やあらゆる種類の情報の配分は、特定の芸術作品において極めて重要であり、その作品の美的価値に直接影響を与えます。これは、美的価値が機能性に依存し、つまり知覚の自由（運動の自由）が美しさとして認識されるためです。芸術だけでなく、他の形態の「テクネ」においても、エネルギーの自由な流れは美的価値に直接貢献します。[ 20 ]

音楽は抽象芸術の誕生において重要な役割を果たしました。音楽は本質的に抽象的であり、外界を表そうとするのではなく、魂の内なる感情を直接的に表現するからです。ワシリー・カンディンスキーは自身の作品を識別するためにしばしば音楽用語を用い、最も即興的な絵画を「即興」と呼び、より精巧な作品を「作曲」と表現しました。カンディンスキーは「音楽は究極の教師である」[ 22 ]という理論を提唱し、その後、10点の「作曲」のうち最初の7点に着手しました。絵を描きながら音色や和音を聴きながら、カンディンスキーは（例えば）黄色は金管楽器のトランペットのミドルCの色であり、黒は閉幕、つまり物事の終わりの色であり、色の組み合わせはピアノで演奏される和音に似た振動周波数を生み出すという理論を導き出しました。1871年、若きカンディンスキーはピアノとチェロの演奏を習得しました。[ 23 ] [ 24 ]カンディンスキーがムソルグスキーの「展覧会の絵」の公演のためにデザインした舞台装置は、形、色彩、音楽の音が普遍的に一致するという彼の「共感覚」の概念を示している。[ 25 ]

音楽はモダニズムの抽象絵画の多くを特徴づける要素です。ジャクソン・ポロックは1950年の絵画「秋のリズム（No.30）」でその関心を強調しています。[ 26 ]

美学と理論

キャンプ用の椅子に座り、少年が持つパネルにディオニュソス像またはプリアポス像を描いている女性画家。ポンペイのフレスコ画、1世紀

美学は芸術と美の研究で、18世紀と19世紀のカントやヘーゲルといった哲学者にとって重要な課題でした。プラトンやアリストテレスといった古典哲学者も、特に芸術、絵画について理論化しました。プラトンは自身の哲学体系において画家（彫刻家も同様）を無視し、絵画は真実を描写することはできず、絵画は現実のコピー（イデアの世界の影）であり、靴作りや鋳鉄と同じように単なる工芸品に過ぎないと主張しました。[ 27 ]レオナルドの時代までに、絵画は古代ギリシャにおける絵画よりも真実をより正確に表現するものとなっていました。一方、レオナルド・ダ・ヴィンチは「絵画は心のものである」（イタリア語：La Pittura è cosa mentale）と述べています。[ 28 ]カントは美と崇高を区別し、明らかに前者を優先させた。彼は特に絵画に言及したわけではないが、この概念はJMWターナーやカスパー・ダーヴィト・フリードリヒといった画家たちにも取り入れられた。

壁のレリーフには、衣服を体にかけたまま両手を伸ばしている髭を生やした男性が描かれています。
ニーノ・ピサーノ『アペレス、あるいは細部の絵画芸術』 （1334–1336年） 、イタリア、フィレンツェのジョットの鐘楼のレリーフ

ヘーゲルは、普遍的な美の概念に到達できなかったことを認識し、美学に関するエッセイの中で、絵画は、その象徴的で高度な知的な目的のために、詩と音楽とともに3つの「ロマン主義的」芸術の1つであると書いた。[ 29 ] [ 30 ]絵画に関する理論的な著作を書いた画家には、カンディンスキーとパウル・クレーがいる。[ 31 ] [ 32 ]カンディンスキーはエッセイの中で、絵画には精神的な価値があると主張し、ゲーテや他の作家がすでに試みていたように 、本質的な感情や概念に原色を結び付けている。

図像学とは、絵画の様式ではなく、その内容を研究する学問です。エルヴィン・パノフスキーをはじめとする美術史家たちは、まず描かれたものを理解しようとし、その後、当時の鑑賞者にとっての意味を考察し、最後に、より広範な文化的、宗教的、社会的意味を分析します。[ 33 ]

1890年、パリの画家モーリス・ドニは有名な言葉を残しています。「絵画とは、軍馬や裸婦、あるいは何らかの物語である以前に、本質的には、ある一定の順序で集められた色彩で覆われた平面であるということを忘れてはならない」[34]。このように、キュビズムをはじめとする20世紀の絵画における多くの発展は、それまで絵画の中心的主題であった外界、すなわち自然ではなく、絵画の手段に関する考察であった。絵画についての考察に近年貢献したのは、画家であり作家でもあるジュリアン・ベルである。ベルは著書『絵画とは何か？ 』の中で、絵画が感情や思想を表現できるという概念が歴史的に発展してきた経緯について論じている。[ 35 ]ベルは『世界の鏡』の中で次のように書いている。

芸術作品はあなたの注意を引きつけてそれを固定しようとします。一方、芸術の歴史はそれをさらに前進させ、想像力の家に高速道路をブルドーザーで切り開きます。[ 36 ]

絵画媒体

異なるタイプの塗料は通常、顔料が懸濁または埋め込まれている媒体によって識別され、粘度、混和性、溶解性、乾燥時間など の塗料の一般的な動作特性が決まります。

ホットワックスまたはエンカウスティック

エジプトの聖カタリナ修道院のエンカウスティックによるイコン（6世紀）

エンカウスティック画（ホットワックスペインティングとも呼ばれる）では、加熱した蜜蝋に有色の顔料を加えて描きます。この液体/ペーストを表面（通常は木材）に塗りますが、キャンバスやその他の素材もよく使われます。最も単純なエンカウスティック混合物は蜜蝋に顔料を加えて作ることができますが、他の種類のワックス、ダマー樹脂、亜麻仁油、またはその他の成分を含むものなど、他にもいくつかのレシピがあります。純粋な粉末顔料を購入して使用できますが、油絵の具や他の形態の顔料を使用した混合物もあります。塗料が冷める前に金属製の道具と特殊なブラシを使用して絵の具を成形したり、ワックスが表面で冷えてから加熱した金属製の道具を使用してワックスを操作したりできます。エンカウスティック媒体を使用して他の素材を表面に包み込んだり、コラージュしたり、層状に重ねたりして、表面に接着することもできます。

この技法は古代ギリシャ・ローマの壁画では一般的なものであり、東方正教会のアイコンの伝統にも引き続き使われています。

水彩

ジョン・マーティン、「ユングフラウのマンフレッド」（1837年）、水彩画

水彩画は、水溶性の媒体に分散した顔料で絵の具を作る絵画法です。水彩画の伝統的かつ最も一般的な支持体は紙です。他の支持体には、パピルス、樹皮紙、プラスチック、上質紙または革、布、木、キャンバスなどがあります。東アジアでは、インクを使用した水彩画は筆画または巻物画と呼ばれています。中国、韓国、日本の絵画では、黒または茶色の単色で描かれることが多い主要な媒体でした。インド、エチオピアなどの国にも長い伝統があります。水彩絵の具を使用したフィンガーペインティングは、中国で始まりました。アーティストが使用する水彩絵の具には様々な種類があります。例としては、パン水彩絵の具、液体水彩絵の具、水彩筆ペン、水彩色鉛筆などがあります。水彩色鉛筆（水溶性色鉛筆）は、濡れた状態でも乾いた状態でも使用できます。

グアッシュ

ルドルフ・レシュライター、ブリック・フォン・デア・ヘレンタランガーヒュッテ・ツム・ヘレンタルグレッチャー・ウント・デン・リッフェルヴァントシュピッツェン、ガッシュ（1921年）

グアッシュは、顔料とその他の材料からなる水性塗料で、不透明な絵画技法で用いられるように設計されている。グアッシュは水彩画とは異なり、粒子が大きく、顔料と水の比率がはるかに高く、チョークなどの不活性な白色顔料も含まれている。そのため、グアッシュはより重く不透明で、反射率が高い。他の水性画材と同様に、水で薄めて用いる。[ 37 ] グアッシュはエジプト人が好んで用いた塗料であり、[ 38 ]フランソワ・ブーシェなどの画家もこの画材を用いていた。この塗料はセーブルの筆で塗るのが最適です。

陶磁器釉

グレージングは​​、一般的に溶融した液体ガラスとして知られています。この釉薬は、浸漬または刷毛塗りで塗布できます。この釉薬は白亜質の外観を呈し、最初の状態と最終的な状態には大きな差があります。釉薬をかけた陶器を活性化させるには、窯に入れて焼成する必要があります。これにより、釉薬中のシリカガラスが溶解し、鮮やかな光沢のある状態へと変化します。[ 39 ] [ 40 ]

インク

雪舟等容『四季山水図』 （1486年） 、紙本墨画淡彩

水墨画は、顔料または染料を含む液体を用いて、表面に色を塗り、画像、文字、またはデザインを表現する技法です。インクは、ペン、筆、または羽根ペンで描画する際に用いられます。インクは、溶剤、顔料、染料、樹脂、潤滑剤、可溶化剤、界面活性剤、微粒子物質、蛍光剤、その他の物質からなる複雑な媒体です。インクの成分は多岐にわたります。インクのキャリア、着色剤、その他の添加剤は、インクの流れや粘度、そして乾燥後の外観を制御します。

エナメル

ジャン・ド・コート（伝承）、リモージュのエナメル皿の細部を描いた絵画（16世紀半ば）、ワデスドン遺贈、大英博物館

エナメルは、主に金属などの基質に粉末ガラスを塗ることで作られる。着色酸化物と呼ばれる鉱物が色をつける。750～850℃（1380～1560°F）の温度で焼くと、ガラスと金属が融合した積層体となる。ほとんどの塗装技法と異なり、表面を扱ったり濡らしたりすることができる。エナメルは伝統的に貴重品の装飾に使われてきたが、[ 41 ]他の目的にも使われてきた。リモージュ・エナメルはルネッサンス期のエナメル絵画の中心地で、小さな宗教的・神話的場面が装飾された周囲を取り囲んで、銘板や塩や小箱などの物体に描かれた。18世紀、エナメル絵画はヨーロッパで、特に肖像画のミニチュアの媒体として流行した。[ 42 ] 20世紀後半には、金属に磁器エナメルを施す技法が屋外壁画の耐久性のある媒体として使われている。[ 43 ]

テンペラ

サンドロ・ボッティチェリ『ヴィーナスの誕生』テンペラ画（1485–1486年）

テンペラ（卵テンペラとも呼ばれる）は、着色顔料と水溶性バインダー媒体（通常は卵黄などの粘着性物質、またはその他のサイズ剤）を混ぜて構成される、耐久性があり速乾性の絵画媒体です。テンペラは、この媒体で描かれた絵画も指します。テンペラ画は非常に長持ちし、紀元後1世紀からの作品が今でも残っています。卵テンペラは、1500年以降に油絵の具の発明に取って代わられるまで、主要な絵画技法でした。一般にテンペラと呼ばれる（ただしテンペラではない）絵の具は顔料と糊サイズで構成されており、一般的に使用されており、アメリカの一部のメーカーはポスター ペイントと呼んでいます。

フレスコ画

白い天使（フレスコ画、1235年頃）、ミレシェヴァ修道院、セルビア

フレスコ画は、壁や天井の漆喰の上に描かれる、関連するいくつかの種類の壁画です。フレスコという言葉は、イタリア語のaffresco [afˈfresːko]に由来し、これはラテン語で新鮮なという意味の言葉に由来しています。フレスコ画は、ルネッサンス時代やその他の初期の時代によく作られました。 ブオン・フレスコ技法では、水で溶いた顔料を使って、湿った新鮮な石灰モルタルまたは漆喰の薄い層に絵を描くことで構成されます。漆喰には、イタリア語で漆喰を意味するintonacoが使われます。一方、セッコ画は乾いた漆喰の上に描かれます（ seccoはイタリア語で「乾いた」という意味です）。顔料を壁に付着させるには、 卵（テンペラ）、接着剤、油などの結合媒体が必要です。

油

オノレ・ドーミエ『画家』 （1808–1879年） 、筆跡が見えるパネルに油彩

油絵は、近世ヨーロッパで広く用いられた亜麻仁油やケシ油などの乾性油を媒体として顔料を結合させた絵画技法です。この油は、松脂や乳香などの樹脂と煮詰めて作られることが多く、これらは「ワニス」と呼ばれ、その粘り気と光沢が高く評価されていました。油絵具の利点が広く知られるようになると、油絵具はやがて芸術作品の制作に用いられる主要な媒体となりました。この変遷は北ヨーロッパの初期フランドル絵画から始まり、ルネサンス期の絶頂期には、ヨーロッパの大部分でテンペラ絵具は油絵具に ほぼ完全に取って代わられました。

パステル

モーリス・クエンティン・ド・ラ・トゥール、フランス王ルイ15世の肖像（1748年）、パステル

パステルは棒状の画材で、純粋な粉末顔料と結合剤からなる。[ 44 ]パステルに使われる顔料は、油絵具を含むあらゆる色の画材を作るのに使われる顔料と同じで、結合剤は中間色で彩度が低い。パステルの色彩効果は、他のどの技法よりも天然の乾燥顔料に近い。[ 45 ]パステル画の表面は壊れやすく汚れやすいため、保存にはガラスで額装するなどの保護手段が必要である。また、定着剤を吹き付けることもある。とはいえ、永久顔料を使って適切に手入れすれば、パステル画は何世紀にもわたって変わらないまま保存できる。パステルは、流動性のある画材で描かれた絵画のように、乾燥するにつれて画材の色、不透明度、寸法が変化することによって生じるひび割れや変色の影響を受けにくい。

アクリル

レイ・バーググラフ、「ジャングル・アーク」（1998年）、木にアクリル絵具

アクリル絵の具は、アクリルポリマーエマルジョンに顔料を懸濁させた速乾性の絵の具です。アクリル絵の具は水で薄めることができますが、乾くと耐水性になります。絵の具をどの程度（水で）薄めるか、またはアクリルゲル、メディウム、またはペーストで調整するかによって、完成したアクリル絵画は水彩画や油絵に似たものになるか、または他のメディウムでは実現できない独自の特徴を持つようになります。ほとんどのアクリル絵の具と油絵の具の主な実用的な違いは、乾燥時間です。[ 46 ]油絵の具を使用すると、色を混ぜたり、下塗りの上に均一に釉薬を塗ったりするのに時間がかかります。油絵の具のこの遅い乾燥性は、特定の技法では利点と見なされますが、アーティストが迅速に作業する能力を妨げることもあります。もう1つの違いは、水彩画は多孔質の表面、主に水彩紙に描く必要があることです。アクリル絵の具はさまざまな表面に使用できます。[ 46 ] [ 47 ]アクリルと水彩はどちらも水で簡単に洗浄できます。アクリル絵の具は使用後すぐに石鹸と水で洗浄する必要があります。水彩絵の具は水だけで洗浄できます。[ 48 ] [ 49 ] [ 50 ]

1946年から1949年にかけて、レオナルド・ボクールとサム・ゴールデンは、マグナペイントというブランド名で溶液型アクリル塗料を発明しました。これはミネラルスピリットをベースとした塗料でした。水性アクリル塗料はその後、ラテックス住宅用塗料として販売されました。[ 51 ] 1963年、ジョージ・ロウニー（ 1983年よりダレル・ロウニーに所属）は、「クリラ」というブランド名でヨーロッパで初めてアーティスト用アクリル塗料を発売しました。[ 52 ]アクリルは、このタイプの塗料の登場とともに用いられるようになったシュルレアリスムの技法であるグラタージュで最もよく使われる塗料です。アクリルがグラタージュに使われるのは、表面から簡単に削り取ったり剥がれたりするためです。[ 53 ]

スプレーペイント

エアゾール塗料（スプレー塗料とも呼ばれる）[ 54 ]は、密閉された加圧容器に入った塗料の一種で、バルブボタンを押すと微細な霧状に噴射されます。スプレー塗装の一種であるエアゾール塗料は、滑らかで均一な塗膜を形成します。標準サイズの缶は持ち運びに便利で、安価で保管も容易です。エアゾールプライマーは、むき出しの金属や多くのプラスチックに直接塗布できます。

スピード、携帯性、そして耐久性も、エアゾール塗料をグラフィティの一般的な媒体にしています。1970年代後半には、ストリート・グラフィティ・ライターのサインや壁画はより精巧になり、エアゾールという媒体と違法な作業に必要なスピードを要因として、独特のスタイルが生まれました。現在では、グラフィティやストリート・アートは独自の芸術形式として認識され、グラフィティ・アーティストのために特別に製造されたエアゾール塗料も存在します。ステンシルは、描くべき特定の形状を除いて表面を保護します。ステンシルは、移動可能な文字として購入することも、プロにロゴとして注文することも、アーティストに手作業でカットしてもらうこともできます。

水混和性油絵具

水溶性油絵具（「水溶性」または「水混和性」とも呼ばれる）は、テレピン油などの化学薬品を使用する代わりに、水で薄めて洗い流せるように設計された現代の油絵具の一種です。 [ 55 ] [ 56 ]従来の油性塗料と同じ方法で混ぜて塗布できますが、まだ乾いていないうちに、普通の石鹸と水で筆、パレット、布巾から効果的に落とすことができます。水溶性は、分子の一端が溶液のように水分子と緩く結合するように改変された油性媒体を使用しているためです。

砂

サンドペインティングは、色のついた砂、鉱物や結晶から作った粉末顔料、あるいは他の天然または合成源から作った顔料を表面に注ぎ、固定された、または固定されていない砂絵を描く芸術です。

デジタルペインティング

デジタルペインティングとは、芸術作品（絵画）をデジタルで制作する方法、あるいはコンピュータ上でデジタルアートを制作する技術です。芸術作品の制作方法としては、アクリル絵の具、油絵の具、インク、水彩絵の具などの伝統的な画材を用い、産業用ロボットや事務機器（プリンター）をソフトウェアで操作することで、織物、キャンバス、紙、ポリエステルなどの伝統的な支持体に顔料を塗布します。技術としては、仮想キャンバスと仮想の画箱（筆、色、その他の画材）を使用するコンピュータグラフィックスソフトウェアプログラムを指します。仮想の画箱には、コンピュータの外部には存在しない多くの道具が含まれており、デジタルアート作品に従来の方法で制作された作品とは異なる外観と感触を与えます。さらに、デジタルペインティングは「コンピュータ生成」アートではありません。コンピュータが何らかの数学的計算を用いて画面上に画像を自動的に作成するわけではないからです。一方、アーティストは独自の画技法を用いてコンピュータ上で特定の作品を制作します。[ 57 ]

その他のメディア

体液は絵画の媒体​​として用いられてきました。アンディ・ウォーホルは、キャンバスにメタリックペイントを塗り、アシスタントや友人にまだ乾いていないペイントの上に排尿させることで、「Oxidization」シリーズを制作しました。 [ 58 ]月経血は絵画に用いられてきました。[ 59 ]現代美術家のサラ・メイプルは、月経に関するタブーを払拭するために、自身の月経血を使って肖像画を制作しました。

絵画のスタイル

様式は2つの意味で用いられます。それは、個々のアーティストの作品を特徴づける特徴的な視覚的要素、技法、手法を指す場合と、アーティストが所属する運動や流派を指す場合もあります。これは、アーティストが意識的に関わっていた実際のグループに由来する場合もあれば、美術史家が画家を分類したカテゴリーを指す場合もあります。後者の意味で「様式」という言葉は、現代絵画に関する学術的な議論では好まれなくなっていますが、一般的な文脈では依然として使用されています。そのような運動や分類には、以下のものがあります。

西洋

モダニズム

モダニズムとは、19世紀後半から20世紀初頭にかけて西洋社会に生じた広範かつ広範な変化から生まれた、一連の文化潮流とそれに関連する文化運動の両方を指す。モダニズムは、リアリズムの保守的な価値観に対する反乱であった。[ 60 ] [ 61 ]この用語は、新興の完全工業化世界の新たな経済的、社会的、政治的状況において、芸術、建築、文学、宗教的信仰、社会組織、そして日常生活における「伝統的な」形態が時代遅れになりつつあると感じた人々の活動と成果を包括する。モダニズムの顕著な特徴は自己意識である。これはしばしば形態の実験や、使用されるプロセスや素材（そしてさらなる抽象化の傾向）に注目を集める作品へとつながった。[ 62 ]

印象派

クロード・モネの1872年の「印象・日の出」がこの運動の名前の由来となった。

絵画におけるモダニズムの最初の例は印象派である。この絵画流派は当初、スタジオではなく戸外 ( en plein air ) での制作に重点を置いていた。印象派の絵画は、人間は物体を見るのではなく光そのものを見ていることを示した。この流派は、指導的な実践者の間で内部分裂があったにもかかわらず信奉者を集め、次第に影響力を持つようになった。印象派は当初、当時最も重要な商業展覧会である政府主催のパリのサロンから拒否されたが、1870年代と1880年代には、公式のサロンと時期を合わせて、商業施設で毎年グループ展を開催した。1863年の重要な出来事は、ナポレオン3世がパリのサロンに拒否されたすべての絵画を展示するために創設した落選展である。

抽象的なスタイル

抽象絵画は形、色、線の視覚言語を用いて、世界の視覚的参照からある程度独立して存在する構成を作り出す。[ 63 ] [ 64 ]抽象表現主義は第二次世界大戦後のアメリカの芸術運動であり、ドイツ表現主義者の感情の激しさと自己否定と、未来派、バウハウス、キュビズムなどのヨーロッパの抽象学校の反具象的な美学、そして反抗的で無政府主義的で非常に特異で、一部の人には虚無主義的だと感じられるイメージを組み合わせたものである。 [ 65 ]

アクション・ペインティングは、ジェスチュラル・アブストラクションとも呼ばれ、絵の具をキャンバスに丁寧に塗るのではなく、自然発生的に垂らしたり、飛び散らせたり、塗り付けたりする絵画様式である。[ 66 ]結果として得られる作品は、しばしば絵画という物理的な行為そのものを、完成作品の本質的な側面、あるいはアーティストの関心事として強調する。この様式は1940年代から1960年代初頭まで広く普及し、抽象表現主義と密接に関連している（一部の批評家は「アクション・ペインティング」と「抽象表現主義」という用語を互換的に使用している）。

その他のモダニズムスタイルには以下のものがあります:

アウトサイダーアート

アウトサイダーアートという用語は、1972年に美術評論家のロジャー・カーディナルによって、アール・ブリュット（フランス語: [aʁ bʁyt]、「生の芸術」または「粗野な芸術」）の英語の同義語として造語された。アール・ブリュットは、フランス人芸術家 ジャン・デュビュッフェが、公式文化の境界外で創作された芸術を表現するために作った用語であり、デュビュッフェは特に精神病院の受刑者による芸術に焦点を当てていた。[ 67 ]アウトサイダーアートは、成功した芸術マーケティングのカテゴリーとして浮上してきた（1992年以来、ニューヨークで毎年アウトサイダーアートフェアが開催されている）。この用語は、状況や作品の内容に関係なく、主流の「芸術界」の外にいる人々によって創作された芸術に対する包括的なマーケティングラベルとして誤用されることがある。

フォトリアリズム

フォトリアリズムとは、カメラや写真を用いて情報を収集し、その情報から写真のように非常に写実的な絵画を創造する絵画のジャンルである。この用語は、主に1960年代後半から1970年代初頭に始まったアメリカの芸術運動における絵画に適用される。本格的な芸術運動としてのフォトリアリズムは、ポップアート[ 68 ] [ 69 ] [ 70 ]から発展し、抽象表現主義へのカウンターとして発展した。

ハイパーリアリズムは、高解像度の写真のような絵画や彫刻のジャンルです。ハイパーリアリズムは本格的な芸術流派であり、絵画や彫刻の制作手法においてフォトリアリズムの発展形と見なすことができます。この用語は、主に2000年代初頭以降にアメリカ合衆国とヨーロッパで発展した独立した芸術運動および芸術様式を指します。[ 71 ]

シュルレアリスム

シュルレアリスムは1920年代初頭に始まった文化運動であり、シュルレアリスム運動に携わった人々の芸術的・文学的作品で最もよく知られています。シュルレアリスムの作品は、驚き、不気味さ、無意識、予期せぬ並置、そして非論理的な要素を特徴としています。しかし、多くのシュルレアリスムの芸術家や作家は、自らの作品を何よりもまず哲学運動の表現と捉え、作品そのものは単なる工芸品であると考えています。指導者アンドレ・ブルトンは、シュルレアリスムは何よりも革命的な運動であると明言しました。

シュルレアリスムは第一次世界大戦中のダダ運動から発展し、その運動の最も重要な中心地はパリでした。1920年代以降、この運動は世界中に広がり、多くの国の視覚芸術、文学、映画、音楽、そして政治思想と実践、哲学、社会理論にも影響を与えました。

東アジア

東南アジア

イスラム教

インド人

細密画

植民地時代以前のインドでは、細密画が主要な絵画様式でした。これらはワスリと呼ばれる特殊な紙に、鉱物や天然の顔料を用いて描かれました。細密画は単一の様式ではなく、ムガル様式、パハリ様式、ラージャスターン様式、カンパニー様式など、複数の流派の様式をまとめたものです。

ムガル細密画は南アジア、特に北インド（より具体的には現代のインドとパキスタン）の特定のスタイルであり、本の挿絵として、またはアルバム（ muraqqa ）に収められる単独の作品として、細密画に限定された絵画である。 [ 72 ]ペルシアの細密画（それ自体も部分的に中国起源）から派生し、16世紀から18世紀のムガル帝国の宮廷で発展した。ムガル絵画はすぐに、ペルシアの細密画に典型的であったよりもはるかに写実的な肖像画に大きな関心を寄せるようになった。動物や植物は多くのアルバム用の細密画の主な主題であり、より写実的に描かれた。 [ 73 ] [ 74 ] [ 75 ]

クリシュナとラーダーは、ラージプート絵画のキシャンガル派の巨匠、ニハル・チャンドの作品である可能性がある。

ラージャスターン絵画は、主に17世紀に北インドのラージプターナ王宮[ 76 ]で発展し、繁栄しました。ムガル帝国のミニアチュールの伝統で訓練を受けた芸術家たちはムガル帝国の宮廷から散り散りになり、地元の絵画の伝統、特にサンスクリット叙事詩、マハーバーラタ、ラーマーヤナを描くものから影響を受けたスタイルを発展させました。主題は多岐にわたりましたが、狩猟や日常生活に従事していることが多い統治者一家の肖像画は一般的に人気があり、叙事詩やヒンドゥー教の神話の物語場面、風景画や人物画などの風俗画も。 [ 77 ] [ 78 ]

パンジャブ丘陵絵画またはパハリ絵画では、カングラ、グラ、バショリが主要なサブスタイルでした。カングラ絵画はカングラの絵画芸術であり、この芸術を後援したかつての藩王国、ヒマーチャル・プラデーシュ州のカングラにちなんで名付けられました。18世紀半ばにバショリ絵画派が衰退するとともに普及しました。 [ 79 ] [ 80 ]カングラ絵画の中心的なテーマはシュリンガル（官能的な感情）です。カングラ絵画に見られる主題は、その時代社会の趣味や生活様式の特徴を示しています。[ 81 ]芸術家たちは、バクティを原動力としてラーダーとクリシュナの愛を恍惚とした形で書いたジャヤデーヴァとケーシャヴ・ダスの愛の詩からテーマを採用しました。 [ 82 ] [ 83 ]

バハドゥル・カーンとその一族の兵士たち、1815年頃、フレイザー・アルバム「カンパニー・スタイル」より

カンパニー様式とは、インドで制作されたインド・ヨーロッパ混合様式の絵画を指す用語で、インド人芸術家の多くは18世紀から19世紀にかけてイギリス東インド会社やその他の外国会社でヨーロッパのパトロンのために働いていました。 [ 84 ]イギリスの3つの権力中心地であるデリー、カルカッタ、マドラスでは、3つの異なるカンパニー絵画のスタイルが生まれました。西洋のパトロンのために制作されたカンパニー絵画の主題は、想像力よりも記録的なものであることが多く、その結果、インドの芸術家は伝統的に普通だったよりも自然主義的な絵画アプローチを採用する必要に迫られました。[ 85 ] [ 86 ]

シク教様式とデカン様式は、インドの他の著名なミニチュア絵画のスタイルです。

ピチワイ絵画

ピチワイ画は布地に描かれた絵画で、通常はクリシュナ神の生涯の物語を描いています。[ 87 ]これらは大型で制作され、寺院や家庭の主要な偶像の背景としてよく使われました。ピチワイ画は主にインドのラジャスタン州で制作され、現在も制作されています。デカン地方で制作されたものはごくわずかで、非常に希少です。ピチワイの目的は、芸術的な魅力以外に、読み書きのできない人々にクリシュナ神の物語を語ることです。寺院には様々な絵が描かれたセットがあり、神を祝う祭りの暦に合わせて変更されます。[ 88 ]

民俗芸術と部族芸術

パタチトラは、インド東部のオリッサ州と西ベンガル州を拠点とする、伝統的な布製の巻物絵画の総称です。[ 89 ]パタチトラ絵画の伝統は、オリッサ州のジャガンナート神の崇拝と密接に関連しています。[ 90 ]パタチトラの主題は宗教的なテーマに限定されています。パタチトラの芸術形式は、複雑な詳細と、そこに刻まれた神話の物語と民話で知られています。絵画で使用される色はすべて天然色で、絵画はチトラカラ、つまりオリッサの画家によって完全に古い伝統的な方法で作られています。パタチトラ様式の絵画は、オリッサで最も古く、最も人気のある芸術形式の一つです。パタチトラは古代ベンガルの物語芸術の構成要素であり、もともとは歌の演奏中の視覚的装置として機能していました。[ 91 ] [ 92 ] [ 93 ]

マドゥバニ美術は、インドとネパールのミティラー地方で実践されているインド絵画の様式です。複雑な幾何学模様を特徴とするこの様式は、祭りや宗教儀式などの特定の機会に用いられる儀式的な内容を表現することで有名です。[ 94 ]

ワルリは、インドのもう一つの民族芸術です。

ベンガル学校

ベンガル派[ 95 ]は、ベンガル、主にコルカタとシャンティニケタンで生まれ、20世紀初頭のイギリス領時代にインド亜大陸全土で栄えたインド絵画の芸術運動およびスタイルである。 [ 96 ]ベンガル派は、ラージャ・ラヴィ・ヴァルマなどのインド人芸術家やイギリスの美術学校によって以前にインドで推進されていたアカデミックな芸術スタイルに反発する前衛的で民族主義的な運動として起こった。同派は、土着の文化遺産を称える独自のインドスタイルを確立しようとした。アバニンドラナート・タゴールは、植民地時代の美学を拒絶するために、汎アジア的な美学を推進する目的で中国と日本にも目を向け、日本の水彩画技法などの極東美術の要素を取り入れた。[ 97 ] [ 98 ] [ 99 ]

その他

19世紀のマイソール絵画、サラスワティ女神

アフリカ

現代美術

1950年代

1960年代

1970年代

1980年代

1990年代

2000年代

絵画の種類

フランシスコ・デ・スルバラン、陶器の壺のある静物画（スペイン語：Bodegón de Recipees）（1636年）、キャンバスに油彩、46 x 84 cm、プラド美術館、マドリッド

アレゴリー

寓意とは、文字通りの意味とは異なる意味を伝える比喩的な表現方法です。寓意は、象徴的な人物、行動、あるいは象徴的な表現を用いてメッセージを伝えます。寓意は一般的に修辞技法の一つとして扱われますが、必ずしも言語で表現される必要はありません。視覚に訴えかけるものもあり、写実的な絵画によく見られます。単純な視覚的寓意の例として、死神のイメージが挙げられます。鑑賞者は、死神のイメージが死の象徴的な表現であることを理解します。

ボデゴン

レザ・アッバシ『二人の恋人』（1630年）

スペイン美術において、ボデゴンとは、食料や狩猟肉、飲み物などの食料貯蔵室の品物を描いた静物画であり、多くの場合、簡素な石板の上に配置されたもの、また1人以上の人物を描いた絵画であるが、重要な静物要素があり、典型的には台所や居酒屋を舞台としている。バロック時代から、このような絵画は17世紀の第2四半期にスペインで人気となった。静物画の伝統は、同時代のネーデルラント連邦共和国、今日のベルギーとオランダ（当時はフランドル人とオランダ人の芸術家）で始まり、南ヨーロッパよりもはるかに人気があったようである。北方の静物画には多くのサブジャンルがあった。朝食の作品は、トロンプ・ルイユ、花束、ヴァニタスによって補完された。スペインでは、この種のもののパトロンはかなり少なかったが、テーブルの上にいくつかの食べ物と食器を置いた タイプの朝食の作品が人気となった。

人物画

人物画とは、衣服を着ていても裸体であっても、人物を主な主題とするあらゆる絵画媒体を用いた芸術作品です。人物画は、そのような作品を制作する活動を指すこともあります。人物は、最初の石器時代の洞窟壁画以来、芸術における対照的な主題の一つであり、歴史を通じて様々な様式で再解釈されてきました。[ 101 ]人物画でよく知られている画家には、ピーテル・パウル・ルーベンス、エドガー・ドガ、エドゥアール・マネなどがいます。

イラスト画

イラストレーションとは、書籍、雑誌、舞台や映画のポスター、漫画本などの挿絵として用いられる絵画のことです。今日では、原画を収集し鑑賞することへの関心が高まっています。様々な美術館の展覧会、雑誌、美術館が、過去のイラストレーターにスペースを割いてきました。視覚芸術の世界では、イラストレーターは、美術家やグラフィックデザイナーと比較して重要性が低いと見なされることもありました。しかし、コンピューターゲームや漫画業界の成長により、特に韓国、日本、香港、米国 では、イラストレーションは他の二者よりも広い市場を獲得できる、人気があり収益性の高い芸術作品として評価されるようになっています。

中世の写本（コーデックス）の挿絵はイルミネーションと呼ばれ、1枚1枚手描きで彩色されていました。15世紀に印刷機が発明されると、書籍はより広く流通するようになり、木版画が用いられることも多くなりました。[ 102 ] [ 103 ]アメリカでは、これが1880年代以前から20世紀初頭にかけての「挿絵の黄金時代」につながりました。少数のイラストレーターが大きな成功を収め、彼らの生み出したイメージは当時のアメリカの大志を描いた肖像画とみなされました。[ 104 ]その時代の最も有名なイラストレーターには、ブランディワイン派のNCワイエスとハワード・パイル、ジェームズ・モンゴメリー・フラッグ、エリザベス・シッペン・グリーン、JCライエンデッカー、バイオレット・オークリー、マックスフィールド・パリッシュ、ジェシー・ウィルコックス・スミス、ジョン・リア・ニールなどがいます。 1905年、フランスでは、現代図書協会がポール・ジューヴにラドヤード・キプリングの『ジャングル・ブック』の挿絵を依頼しました。ポール・ジューヴは10年をかけて130点の挿絵を描き上げ、愛書家たちの傑作の一つとして永遠に語り継がれることになります。[ 105 ]

風景画

アンドレアス・アッヘンバッハ「シチリア海岸の晴れ間」（1847年）、ウォルターズ美術館[ 106 ] [ 107 ]

山水画とは、山、谷、樹木、川、湖、森林といった自然の風景を描写する芸術を指す用語であり、特に広大な景色を主題とし、その要素が一貫した構図に配置されている芸術を指します。他の作品では、人物の背景となる風景画が作品の重要な部分を占めることもあります。空はほぼ常に風景画に含まれており、天候も構図の要素となることがよくあります。詳細な風景画を独立した主題として描くことは、すべての芸術的伝統に見られるわけではなく、他の主題を表現する洗練された伝統が既に存在する場合に発展します。2つの主要な伝統は、西洋絵画と中国美術に端を発し、どちらも千年以上もの歴史があります。

肖像画

ネッド・ビティンガー、議会におけるエイブラハム・リンカーンの肖像（2004年）、米国議会議事堂

肖像画は人物を描写するものであり、顔とその表情が主役となる。その目的は、人物の容姿、性格、さらには感情までも表現することである。肖像画芸術は古代ギリシャ、特にローマ彫刻において栄え、モデルたちは個性的で写実的な肖像画、たとえそれがあまり魅力的でないものであっても、それを要求した。西洋世界で最も有名な肖像画の一つは、レオナルド・ダ・ヴィンチの『モナ・リザ』で、フランチェスコ・デル・ジョコンドの妻リザ・ゲラルディーニの肖像画であると考えられている。[ 108 ]

ウォーホルは20世紀で最も多作な肖像画家の一人であった。マリリン・モンローを描いた『オレンジ・ショット・マリリン』は1960年代の初期の作品の象徴的な例であり、ポップシンガーのプリンスを描いた『オレンジ・プリンス』（1984年）は後期の作品であり、どちらもウォーホル独特のグラフィックな肖像画スタイルを示している。[ 109 ] [ 110 ] [ 111 ]

静物

オットー・マルセウス・ファン・シュリーク、林床の静物画(1666)

静物画は、主に無生物を題材とした芸術作品で、典型的にはありふれた物、つまり自然物（食べ物、花、植物、岩、貝殻）または人工物（コップ、本、花瓶、宝石、硬貨、パイプなど）を描いています。中世および古代ギリシャ/ローマ美術に起源を持つ静物画では、風景画や肖像画など他の主題の絵画よりも、構図内のデザイン要素の配置に自由度が与えられています。特に1700年以前の静物画には、描かれた物に関連する宗教的および寓意的な象徴性が含まれていることが多かったです。現代の静物画の中には、2 次元の壁を打ち破り、3 次元の混合メディアを採用し、ファウンド オブジェクト、写真、コンピューター グラフィックス、ビデオ、サウンドを使用するものもあります。

ヴェドゥータ

ヴェドゥータとは、都市景観やその他の景観を描いた、非常に精緻で、通常は大規模な絵画です。この風景画のジャンルはフランドル地方で生まれ、ポール・ブリルなどの画家たちは16世紀初頭からヴェドゥータを描いていました。グランドツアーの旅程がある程度標準化されるにつれ、フォロ・ロマーノや大運河といった馴染み深い風景を描いたヴェドゥータは、イギリス貴族にとって大陸への初期の冒険を思い起こさせるものでした。19世紀後半には、都市景観に対するより個人的な印象が、地形の正確さへの欲求に取って代わり、パノラマ絵画によって満たされるようになりました。

参照

注記

  1. ^チベットでは約20万年前の手形が発見されている。 [ 4 ]

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さらに読む

ウィキメディア・コモンズには、絵画に関連するメディアがあります。
Wikiquoteに絵画に関する引用句があります。
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英語版ウィキソースにはこの記事に関連する原文があります:
  • ハワード・ダニエル（1971年）『絵画のテーマと主題事典：神話、聖書、歴史、文学、寓話、そして時事』ニューヨーク：ハリー・N・エイブラムス社
  • W・スタンレー・タフト・ジュニアとジェームズ・W・メイヤー（2000年）『絵画の科学』シュプリンガー・フェアラーク。
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