美術史

ホーレ・フェルスのヴィーナス
ラスコー洞窟群の馬の壁画
ツタンカーメンのマスク
ミロのヴィーナス、アンティオキアのアレクサンドロス
モナ・リザ、レオナルド・ダ・ヴィンチ
アヴィニョンの娘たち、パブロ・ピカソ

美術史は、人間が精神的、物語的、哲学的、象徴的、概念的、記録的、装飾的、さらには機能的など、様々な目的で制作した作品に焦点を当てていますが、その美的視覚形態に主眼を置いています。視覚芸術は、美術と応用芸術を区別すること、人間の創造性に包括的に焦点を当てること、建築、彫刻、絵画、映画、写真、グラフィックアートといった様々な媒体に焦点を当てることなど、多様な方法で分類することができます。近年では、技術の進歩により、ビデオアート、コンピューターアート、パフォーマンスアート、アニメーション、テレビ、ビデオゲームなどが生まれています。

美術史は、各文明で創作された傑作を年表として語られることが多い。したがって、世界七不思議に代表される高文化の物語として枠組みを定めることもできる。一方、地方特有の芸術表現も、民芸品や工芸品と呼ばれ、美術史の物語に組み込むことができる。美術史家が後者の低文化に深く関われば関わるほど、自分の研究を視覚文化や物質文化の研究、あるいは人類学や考古学など美術史に関連する分野への貢献と位置付ける可能性が高くなる。後者の場合、美術品は考古学的遺物と呼ばれることもある。

先史時代

先史時代の芸術には、文字の読み書きができなかった文化圏の画家や彫刻家によって制作された幅広い芸術作品が含まれており、その中には最古の人類の遺物も含まれています。最初期の芸術品の中には、中石器時代のアフリカの装飾品があります。[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ]南アフリカでは、10万年前まで遡る絵の具を保管するために使用されていた可能性のある、当時の容器も発見されています。[ 4 ]

先史時代の美術作品の一つで、特にヨーロッパで発見された、胸と腹を誇張した小さなヴィーナス像として知られる小像が作られました。中でも最も有名なのは、ドイツとオーストリアで発見されたホーレ・フェルスのヴィーナスとヴィレンドルフのヴィーナスです。多くのヴィーナスは頭が小さく、腰は広く、脚は先端に向かって細くなっています。腕と足はしばしば欠けており、頭部は小さく、顔のないものがほとんどです。

ホーレ・フェルスのヴィーナスは、ユネスコ世界遺産のシュヴァーベン・ジュラ地方の洞窟群と氷河期芸術で発見された数多くの遺物の一つである。この遺跡からは 、紀元前43,000年から35,000年頃の、動物や人間の形をした彫刻された像や、これまでに発掘された最古の楽器など、人類が作った最も古い非静止芸術作品が発見されている。[ 5 ] [ 6 ] [ 7 ] [ 8 ]

先史時代の芸術作品として最もよく知られているのは、ヨーロッパ大陸に生息する動物を描いた大規模な旧石器時代の洞窟壁画で、特にフランスのドルドーニュ地方にあるラスコー洞窟のものが有名です。後期旧石器時代（紀元前3万8000年頃～紀元前1万2000年）にかけて数百の洞窟壁画が知られています。ウクライナ、イタリア、イギリスにも例がありますが、そのほとんどはフランスとスペインにあります。この壁画の目的については様々な説が提唱されていますが、最も有力視されているのは、狩猟の成功を祈願するための宗教儀式の一部であったというものです。

古代

古代近東

古代近東は、西はトルコと地中海沿岸から、東はイランとアラビア半島まで広がっていた。時とともに、この地には多様な文明が出現し、生き、そして消滅した。重要な地域の一つがメソポタミアで、紀元前4千年紀に最初の都市と最古の文字が出現した。古代メソポタミアは、現在のイラク、シリア、トルコの一部を覆っている。その北半分は「肥沃な三日月地帯」の一部を形成し、初期の農業や恒久的な村落集落などの重要な新石器時代の発展が初めて現れた場所である。この地域はチグリス・ユーフラテス川のデルタ地帯に位置しているため、シュメール、アッカド、アッシリア、バビロニアなど、数多くの文明がここで生きていた。メソポタミア建築は、レンガ、まぐさ、円錐モザイクの使用が特徴である。注目すべき例としては、階段ピラミッドの形をした大きな寺院であるジッグラトがあります。

シュメール人の政治、経済、芸術、建築の伝統は、西洋文明の基盤へと繋がりました。シュメールでは、様々なものが初めて出現しました。ギルガメッシュ王が統治した最初の都市国家（ウルク） 、神々、人々、儀式の階層構造に基づく最初の組織化された宗教、世界初の文字である楔形文字、最初の灌漑システム、そして最初の車輪付き乗り物などです。小さな碑文やイラストが刻まれた円筒印章もここで出現しました。ここで発展したもう一つの文明は、世界初の大帝国 であるアッカド帝国です。

紀元前1千年紀初頭、アッカド人の後、アッシリアと呼ばれる帝国がペルシア湾から地中海に至る中東全域を支配しました。その都市は印象的な建造物と芸術で溢れていました。アッシリア美術は、宮廷生活、宗教儀式、狩猟、壮大な戦いを描いた精緻な石のレリーフで最もよく知られています。これらのレリーフは当初、鮮やかな色彩で彩色され、宮殿に設置されていました。その美しさに加え、アッシリア人の生活や世界観、そしてアッシリア人の衣装や家具なども描かれています。

その後、バビロニア人はアッシリア帝国を征服しました。紀元前6世紀、バビロンは世界最大の都市となりました。バビロンに入ると、訪問者を出迎えるのは印象的なイシュタル門です。鮮やかな青い彩釉レンガで覆われた壁と、竜、雄牛、ライオンを描いたレリーフが特徴です。この門は、戦争と愛の女神 イシュタルにちなんで名付けられました。

紀元前6世紀半ば、バビロニア帝国は、一連の軍事遠征の後、キュロス2世が統治するアケメネス朝に滅ぼされました。アケメネス朝は、エジプトからインダス川流域に至る中東と中央アジアにまたがる地域を支配していました。アケメネス朝の美術は、帝国全土の要素を取り入れ、その富と権力を称えるものでした。ペルセポリス（イラン）はアケメネス朝の首都であり、宗教的なイメージや帝国の人々を描いた印象的な彫刻が数多く残っています。また、ここには、客人を迎えるための大きな謁見の間を備えた宮殿の遺跡もあります。

メソポタミアとイラン以外にも、古代文明は芸術と建築を生み出しました。アナトリア（現在のトルコ）にはヒッタイト帝国が出現しました。古代、南アラビアは香料の生産と貿易で重要な位置を占め、この地域の王国に富をもたらしました。紀元前4000年頃以前は、アラビアの気候は現在よりも湿潤でした。南西部には、サバ王国のようないくつかの王国が出現しました。南アラビアの人物像は、長方形を基本に、細部まで精巧に様式化されているのが一般的です。[ 11 ] [ 12 ] [ 13 ]

エジプト

エジプトでは、最古の偉大な文明の一つが興り、専門の芸術家や職人によって精巧で複雑な芸術作品が生み出されました。エジプトの芸術は宗教的かつ象徴的なものでした。高度に中央集権化された権力構造と階層構造を持つ文化であったため、ファラオを称えるために多くの芸術が創作され、その中には偉大なモニュメントも含まれています。エジプトの芸術と文化は、不滅という宗教的概念を強調しました。後期エジプト芸術には、コプト美術やビザンチン美術が含まれます。

建築様式は、大きな石材、まぐさ、頑丈な柱で建てられた記念碑的建造物が特徴です。葬祭用記念碑には、マスタバ（長方形の墓） 、ピラミッド（階段ピラミッド（サッカラ）または滑らかな側面のピラミッド（ギザ）、そして地下墓（王家の谷））がありました。その他の大きな建造物には、スフィンクスとオベリスクの並木道が先行する記念碑的な複合施設であることが多い神殿がありました。寺院では、ピラミッドと台形の壁、ヒュパエトロスと列柱ホールと祠堂が使用されていました。カルナック神殿、ルクソール神殿、フィラエ神殿、エドフ神殿が良い例です。別のタイプの寺院は、アブ・シンベルとデイル・エル・バハリで発見された地下墓の形をした岩窟寺院です。

エジプト時代の絵画では、重なり合う平面が並置されていました。図像は階層的に表現されており、例えばファラオは、その傍らに描かれた一般的な主題や敵よりも大きく描かれていました。エジプト人は頭部と手足の輪郭を横顔で描き、胴体、手、目は正面から描きました。エジプトでは応用美術、特に木工と金属細工が発達していました。エジプト博物館の墓には、黒檀や象牙を象嵌した杉材の家具など、優れた例が展示されています。ツタンカーメンの墓から発見された作品も、芸術的に非常に価値のあるものです。 [ 19 ]

インダス文明

インダス文明、別名ハラッパー文明（紀元前2400～1900年頃）は、メソポタミアやエジプトといった同時代の文化よりずっと後の1922年に発見されましたが、現在では非常に進んでおり、いくつかの点でそれらの文化に匹敵すると認識されています。その遺跡は、現在のアフガニスタン北東部からパキスタンの大部分、インド西部および北西部に広がる地域に広がっています。この文化の主要都市には、パキスタン北部のパンジャブ州にあるハラッパーとモヘンジョダロ、そしてインドのグジャラート州にある港湾都市ロータルがあります。最も数が多い遺物は、正方形と長方形の印章と印影で、動物（通常は雄牛）と非常に短いハラッパー語のテキストが描かれています。ハラッパー遺跡からは、様式化されたテラコッタ製の像が数多く発見されており、陶器製のものよりも自然主義的な石や青銅の彫刻もいくつか発見されている。[ 24 ]

中国

兵馬俑の戦士；紀元前 214年頃；兵馬俑；身長（兵士平均）：約 1.8メートル；臨潼区（中国陝西省西安市）[ 26 ]

中国で最初に金属製品が作られたのは、夏王朝（紀元前2100～1700年頃）の約4000年前のことです。中国の青銅器時代（商王朝と周王朝）には、宮廷での執り成しや霊界との交信はシャーマン（おそらく王自身）によって行われていました。商王朝（紀元前1600～1050年頃）では、商帝が最高神でしたが、貴族の家庭では先祖の霊と交信することを好みました。彼らは先祖の霊のために豪華な食事と飲み物を用意し、温めて青銅の儀式用の器で提供しました。これらの青銅の器は、ワイン、水、穀物、肉など、目的に応じてさまざまな形があり、いくつかには判読可能な文字が刻まれており、文字の発達を示しています。この種の非常に高品質で複雑な容器は、河南省の黄河流域の二里頭、安陽、鄭州などの遺跡で発見されました。これらは商の権威を固めるための宗教儀式で使用され、商の首都が紀元前1050年頃に陥落した後も、それを征服した周（紀元前1050年頃～紀元前156年）はこれらの容器を宗教儀式で引き続き使用しましたが、主に飲み物ではなく食べ物のために使用されました。商の朝廷は過度の飲酒で非難されており、周は祖先ではなく皇帝の天（「天」）を主要な精神的力として推進し、宗教儀式でのワインを制限して食べ物を優先しました。儀式用の青銅器の使用は、漢王朝初期（紀元前206年～紀元後220年）まで続きました。

最もよく用いられたモチーフの一つは饕餮（饕餮）である。これは様式化された顔で、中央でほぼ鏡像の二等分に分けられ、鼻孔、目、眉毛、顎、頬、角が刻まれ、その周囲には刻まれた模様が描かれている。饕餮が実在の生き物を表しているのか、神話上の生き物を表しているのか、あるいは全くの想像上の生き物を表しているのかは定かではない。

四川省広漢近郊の三星堆で発見された謎めいた青銅器は、古代中国のどこにも見られない、安陽の同時代の商の芸術とはまったく異なる、神秘的な犠牲宗教システムの証拠である。1986年以来三星堆で行われた発掘調査で、青銅、玉、金の工芸品が入った4つの坑道が発見された。抽象的な象の頭で飾られた台座の上に立つ、大きな青銅製の人物像が発見された。この立像のほかに、最初の2つの坑道には50体以上の青銅製の頭部があり、いくつかは頭飾りを着け、3体は前面が金箔で覆われていた。ここでは、おそらく樹木を表している小さな枝の付いた管状の青銅片も発見され、青銅の葉、果物、鳥も含まれている。1986年には4000点以上の物品が三星堆で発見された。

殷王朝の後継である周王朝（紀元前1050年～紀元前221年）は、中国史上最も長く統治した王朝です。周王朝の最後の数世紀は暴力に特徴づけられ、戦国時代として知られています。この混乱の時代に、儒教、道教、法家といった哲学運動が生まれました。

戦国時代は、紀元前221年に中国を統一した秦の始皇帝によって終結しました。彼は兵馬俑で守られた巨大な陵墓の建設を命じました。もう一つの巨大な事業は、北方からの略奪民族を撃退するために建設された万里の長城の前身です。皇帝の死後、彼の王朝である秦（紀元前221年～206年）はわずか3年間続きました。秦の始皇帝の後には漢王朝（紀元前202年～220年）が続き、この時代にシルクロードが大きく発展し、中国に新たな文化的影響をもたらしました。[ 27 ] [ 28 ]

  • 龍文青銅水瓶、殷代後期（紀元前14世紀頃～11世紀半ば）
    龍文青銅水瓶、殷代後期（紀元前 14世紀頃～11世紀半ば）
  • 長方形の大釜、紀元前12～11世紀、ブロンズ、メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）
    長方形の大釜、紀元前12～11世紀、ブロンズ、メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）
  • 青銅製のサイ型のワイン容器、紀元前11世紀
    青銅製のサイ型のワイン容器、紀元前11世紀
  • 祭壇セット、紀元前11世紀後半、ブロンズ、メトロポリタン美術館
    祭壇セット、紀元前11世紀後半、ブロンズ、メトロポリタン美術館
  • 鳥虎図鼓、楚漆器、紀元前8世紀
    鳥虎図鼓、楚漆器、紀元前8世紀
  • 方磊作；紀元前925-875年頃；ブロンズ；高さ22.8cm；中国国立博物館（北京、中国）[27]
    方磊作；紀元前 925-875年頃；ブロンズ；高さ22.8cm；中国国家博物館（北京、中国）[ 27 ]
  • 飲み物を保存するために使われた、商王朝時代の青銅製の容器。紀元前2千年紀
    飲み物を保存するために使われた、商王朝時代の青銅製の容器。紀元前2千年紀
  • 「アクロバット」シリーズの「ストロングマン」。秦の始皇帝陵、紀元前210年。
    「アクロバット」シリーズの「ストロングマン」。秦の始皇帝陵、紀元前210年。
  • 漆塗り鳳凰図、楚国、紀元前5世紀頃
    漆塗り鳳凰図、楚国、紀元前5世紀頃
  • 曾の易侯の墓から出土した漆塗りの陶器（紀元前433年頃）
    曾の易侯の墓から出土した漆塗りの陶器（紀元前433年頃）
  • 楚国（紀元前 704 ～ 223 年）の荊門楚墓 (Jīngmén chƔ mù) の漆器箱
    楚国（紀元前 704 ～ 223 年）の荊門楚墓 (Jīngmén chƔ mù) の漆器箱
  • 透かし彫りの動物模様漆塗り屏風、戦国時代（紀元前4世紀頃）
    透かし彫りの動物模様漆塗り屏風、戦国時代（紀元前4世紀頃）
  • 哲学者孔子を描いた西漢の墓の壁画。紀元前1世紀頃。山東省東平県出土。
    哲学者孔子を描いた西漢の墓の壁画。紀元前1世紀頃。山東省東平県出土。
  • 真夜中と朝の守護霊の動物像、漢王朝（紀元前202年～紀元220年）の陶磁器タイル
    中国の衣装をまとった真夜中と朝の動物の守護霊、漢王朝（紀元前202年～紀元220年）の陶磁器タイル
  • 二匹の龍の指輪、商王朝初期（紀元前2千年紀）
    二匹の龍の指輪、商王朝初期（紀元前2千年紀）
  • 南越の玉透かし円盤（紀元前2世紀頃）
    南越の玉透かし円盤（紀元前2世紀頃）
  • 秦の始皇帝陵の近くで発見された秦王朝の双青銅龍。
    秦の始皇帝陵の近くで発見された秦王朝の双青銅龍。

ギリシャ語

エジプト、ギリシャ、ローマの彫刻や寺院は、今日私たちが目にするものとは異なり、当初は鮮やかな色で塗られていました。中世初期にキリスト教徒が「異教的」と見なし、偶像崇拝を助長すると信じたことから、数百年にわたる放置と破壊行為によって白くなってしまったのです。[ 29 ]

調和のとれたプロポーションと美学へのこだわりを通して、古代ギリシャ・ローマ美術は西洋美術全体の基盤とインスピレーションとなり、19世紀までほとんどのヨーロッパの芸術家が目指す基準となっていました。[ 30 ]ローマ皇帝アウグストゥス（紀元前1世紀から紀元後1世紀）の時代に著述したラテン語詩人ホラティウスは、戦場では征服されたものの、「捕らわれたギリシャは野蛮な征服者を打ち負かし、田舎のローマに芸術をもたらした」という有名な言葉を残しています。ギリシャ美術の力は、人間の姿を描き、人間と擬人化された神々を主要な主題として重視していることにあります。ギリシャ人の芸術作品は、寺院や公共の建物を装飾し、戦争での勝利や傑出した人物を称え、死者を偲ぶために作られました。また、神々への捧げ物としても捧げられました。

明確な変遷はなかったものの、芸術は様式的に幾何学様式、アルカイック様式、古典様式、ヘレニズム様式の4つの時代に分類されるのが一般的です。古典様式（紀元前5世紀から4世紀）には、写実主義と観念論が絶妙なバランスで調和していました。それと比較すると、それ以前の幾何学様式（紀元前9世紀から8世紀）やアルカイック様式（紀元前7世紀から6世紀）の作品は原始的に見えるかもしれませんが、これらの芸術家たちは異なる目標を持っていました。写実主義的な表現は必ずしも彼らの目指したものではありませんでした。ギリシャの芸術家たちはエジプトの芸術的基盤を基盤として、彫刻、絵画、建築、陶芸の芸術をさらに発展させました。彼らが完成させた技術の中には、彫刻の彫刻や鋳造、フレスコ画、壮大な建造物の建設などがあります。

ローマ美術愛好家たちは、古代ギリシャのオリジナル作品、ローマにおけるギリシャ美術の複製、あるいは様々なギリシャ様式で新たに創作された絵画や彫刻を収集し、そうすることで、失われつつあった美術作品を後世に残しました。壁画やパネル画、彫刻、モザイク画は公共空間や個人の家を飾りました。ギリシャのイメージは、ローマの宝飾品、金、銀、青銅、テラコッタの器、さらには武器や商業用の重りにも現れていました。古代ギリシャ美術はルネサンス初期に再発見され、ローマ帝国を通じて伝えられ、19世紀まで西洋美術の基礎となりました。[ 31 ]

紀元前5世紀のアテネ古典時代到来以来、古典建築様式は西洋の建築、そして文明そのものの理解に深く織り込まれてきた。[ 32 ]紀元前850年頃から紀元後300年頃まで、古代ギリシャ文化はギリシャ本土、ペロポネソス半島、エーゲ海の島々で栄えた。世界五大不思議のうちの5つはギリシャのものである。エフェソスのアルテミス神殿、オリンピアのゼウス像、ハリカルナッソスのマウソロス霊廟、ロードス島の巨像、アレクサンドリアの灯台である。しかし、古代ギリシャ建築は神殿で最もよく知られており、その多くは地域中に見られ、パルテノン神殿はその代表例である。後に、それらは18世紀後半から19世紀にかけて新古典主義建築家たちにインスピレーションを与えることになる。最も有名な神殿は、アテネのアクロポリスにあるパルテノン神殿とエレクテイオンです。古代ギリシャの重要な建造物には、劇場も挙げられます。神殿と劇場はどちらも、複雑な錯覚とバランスの取れた比率の組み合わせを用いていました。

古代の建築物の考古学的遺跡を見ると、灰色がかった茶色の石灰岩とコンクリートであると認識し、古代の建築物は単色であると想定するのは簡単です。しかし、古代世界の多くの建築物は多色でした。最も象徴的な古代建築物のひとつであるアテネのパルテノン神殿（紀元前447-432年頃）には、細部が鮮やかな赤、青、緑で塗装されていました。古代寺院は別として、中世の大聖堂は決して完全に白ではありませんでした。ほとんどは、柱頭と柱に色のハイライトがありました。[ 33 ]建物や芸術作品を着色するこの習慣は、ルネッサンス初期に廃止されました。これは、レオナルド・ダ・ヴィンチやミケランジェロなどのルネッサンスの芸術家が、中世に放置され絶えず朽ち果てたために、当初は色鮮やかであったにもかかわらず白くなってしまった古代ギリシャ・ローマの遺跡に触発された色彩パレットを推進したためです。古代世界で使用されていた顔料は繊細で、特に風化しやすいものでした。適切な手入れを怠ると、雨、雪、汚れなどにさらされた顔料は時間とともに消え去り、古代の建物や芸術作品は今日やルネサンス期のように白くなってしまいました。[ 34 ]

ケルト

ドイツのホッホドルフ族長の墓、紀元前530年頃、フランスのアグリスヘルメット、紀元前350年、イギリスのデスバラ鏡、紀元前50年～紀元後50年

複雑な模様、象徴的なモチーフ、そして独特のデザインで知られるケルト美術は、長い時間をかけて発展し、その起源は初期鉄器時代にまで遡ります。この豊かで多様な芸術的伝統は、数世紀にわたり、主に現在のアイルランド、イギリス、フランス、そして中央ヨーロッパと東ヨーロッパの一部に広がる地域に広がっています。ケルト美術の歴史は、大きく分けて2つの時期に分けられます。[ 42 ]

ハルシュタット文化（紀元前800～500年頃）：ケルト美術の最も古い形態は、現在のオーストリアとその周辺地域に分布していたハルシュタット文化と関連付けられています。この時代は、特に金、青銅、鉄といった金属加工技術の発達が顕著でした。この時代の工芸品には、幾何学模様、様式化された動物のモチーフ、抽象的な螺旋模様などが数多く見られます。[ 43 ]

ラ・テーヌ文化（紀元前500年頃～紀元後1年）：ラ・テーヌ文化は初期ケルト美術の絶頂期と考えられています。この時代、デザインの複雑さと精緻さが著しく増しました。ラ・テーヌの職人たちは、渦巻き模様、結び目、様式化された動物で装飾された武器、宝飾品、日用品を制作しました。この時代は、永遠と連続性を象徴する無限ループのデザインである「ケルトノット」が初めて顕著に用いられた時代としても知られています。[ 44 ]

ローマ

プリマ・ポルタのアウグストゥス（左：ポルトガルのブラガにある彩色復元像、右：イタリアのヴァチカン美術館にある大理石のオリジナル像、紀元前 20年頃、高さ2.06メートル）。 [ 45 ]

ローマ帝国ほど西洋美術に永続的かつ強力な影響を与えた文明は他にありません。古代ローマの遺産は中世および近世を通じて明白であり、ローマ美術は伝統主義的およびポストモダン美術の両方で現代においても再利用され続けています。[ 46 ]ローマ美術はギリシャの先例から派生したものとみなされることもありますが、独自の際立った特徴も持っており、その一部はエトルリア美術から受け継がれています。ローマ彫刻はギリシャの先例ほど理想化されておらず、非常に写実的です。ローマ建築はコンクリートを使用することが多く、円形アーチやドームなどの特徴が発明されました。金属細工、宝石彫刻、象牙彫刻、ガラスなどの贅沢品は、現代ではローマ美術のマイナーな形態と見なされることがあります。[ 47 ]ただし、同時代の人にとって必ずしもそうではありませんでした。ローマの吹きガラスの発達によって可能になった革新はカメオガラスです。まず白い「シェル」が作られ、その中に色ガラスが吹き込まれて内側のライニングが作られました。次に、白いシェルが切り取られ、暗い背景に白いレリーフ模様が作られました。彼らはまたモザイクも作りました。こうして、カットされた石の立方体（テッセラ）や色のついたテラコッタとガラスの破片、あるいはその両方で耐久性のある絵画芸術が作られました。裕福なローマ人の別荘の中には、客人を魅了して楽しませるために壁がフレスコ画で覆われているものもありました。現存するローマ時代の壁画の多くはナポリ湾周辺の遺跡、特にポンペイとヘルクラネウムから出土したものです。これらは西暦79年のベスビオ山の噴火で数メートルもの火山の残骸の下に保存された繁栄した町です。その結果、ローマ時代の壁画は4つの「ポンペイ様式」という観点から議論されることがよくあります。[ 48 ]

ローマ人は、ヘレニズム文化のあらゆる側面から深い影響を受けました。建築においても、他の芸術媒体と同様、彼らは基本的に古典言語を採用し、それを新しい状況や用途に合わせて適応させました。ローマ人は古典建築にも独自の革新をもたらしました。彼らはドーリア式、イオニア式、コリント式の様式をギリシャ人よりもはるかに自由に用い、独自のドーリア式を創り、コリント式をより頻繁に使用しました。また、彼らは2つの新しい様式をレパートリーに加えました。トスカーナ式はエトルリア建築から派生した、ドーリア式のより単純で重厚なバージョンであり、複合式はイオニア式の巻物のような渦巻きとコリント式のアカンサスの葉を組み合わせたものです。その他の重要な革新には、アーチとドームがあります。彼らはアーチを使用して、水道橋や記念碑的な凱旋門を建設しました。ローマ皇帝は征服を誇りとし、国内および征服地において凱旋門を建設してその偉業を記念しました。その好例がローマのコンスタンティヌス帝の凱旋門です。紀元前30年から15年にかけて、建築家であり土木・軍事技術者でもあったマルクス・ウィトルウィウス・ポリオは、大著『建築論』を出版し、何世紀にもわたって世界中の建築家に影響を与えました。[ 49 ] [ 50 ]

中世後、フィレンツェ（イタリア）で始まったルネサンスとともに、古代ローマへの関心が高まり始めました。この時代、古典古代以来初めて、芸術は現実味を帯びた写実的なものとなりました。ルネサンスは、美術や建築だけでなく、古代ギリシャ・ローマ文学への関心も呼び起こしました。[ 51 ]

ゲルマン語

（左：ドイツのシュヴァンベックの腓骨とビーズ、右：英国サットン・フーの7世紀のアングロサクソン人の船葬の肩章、ロンドンの大英博物館所蔵）。

ゲルマン民族大移動期（紀元300-900年頃）の美術は、ゲルマン民族がヨーロッパ中を移住し、現在のドイツを含む様々な地域に定住する中で、彼らの文化的、芸術的発展を反映している。西ローマ帝国の崩壊に伴い、またその崩壊後に続いたこの時期に、ゲルマン民族はローマ様式の影響を受けつつもそれとは異なる芸術的伝統に従事し、5世紀の西ローマ帝国の崩壊後、ヨーロッパと北アフリカに様々な非ローマ民族（主にゲルマン民族）によって建国された国家であるゲルマン王国を建国した。 [ 55 ] [ 56 ] [ 57 ]蛮族王国は中世初期、西ヨーロッパの主要政府であった。蛮族王国の時代はカール大帝が800年に皇帝に即位したことにより終焉したと考えられているが、少数の小さなアングロサクソン王国はアルフレッド大王とその後継者が9世紀後半以降に統一するまで存続した。[ 58 ] [ 59 ]

初期ゲルマン領土における重要な芸術様式の 1 つに動物様式があり、これはユーラシアステップ地帯に広がり、その後スカンジナビアや北ドイツで発展し、ヨーロッパ全土に影響を及ぼしました。[ 60 ] [ 61 ] 動物の複雑で抽象的な表現を特徴とするこの様式は、金属細工や個人の装飾品では一般的でした。現代のドイツでは、ライン川とオーバーライン川地域がこれらの作品の著名な中心地であり、ブローチ、バックル、ジュエリーなどに動物を模したパターンが使われていました。この様式の有名な例は、ラインラントで発見された装飾ブローチであるビンガーブルックのフィブラで、ゲルマン美術の特徴的な絡み合った動物の形がよく見られます。この様式は、サットン・フーの宝物からの遺物にも見られ、同様の動物のモチーフはアングロサクソン美術にも見られますが、北ヨーロッパ全域にわたるゲルマン美術のより広範な影響を反映しています。

黒海地方のゴート族によって発展した多色彩様式は、ゲルマン美術、特に南ドイツ、フランス、スペインの一部地域に大きな影響を与えました。金や宝石の使用で知られるこの様式は、ガーネットをちりばめたブローチやベルトのバックルなどに顕著に見られます。スペインで発見された西ゴート族のレチェスヴィントの王冠などの遺物は、この様式の広がりを示していますが、同様の多色彩金属細工の例はドイツ、特にフランク王国でも発見されており、これらの品々は装飾的であると同時に象徴的な役割も担っていました。

6世紀と7世紀には、ゲルマン民族がキリスト教を受け入れ始め、芸術的伝統に変化が起こりました。キリスト教の象徴がゲルマン美術に現れ始め、純粋に異教的なモチーフから離れ始めました。キリスト教の図像がゲルマンの金属細工や写本に取り入れられたことで、カロリング朝美術をはじめとするヨーロッパ各地の地方様式が発展しました。この時代、ドイツではフランク美術が隆盛を極め、特にカール大帝（在位 768～814年）の治世下では、ゲルマンの伝統とキリスト教のイメージが融合しました。

イスラム教

イスラム美術は、中世以来、精巧な幾何学模様、色鮮やかなタイル、様式化された自然のモチーフ、精緻なカリグラフィーの使用でよく知られています。レタリングが応用美術や建築にこれほど重大な影響を及ぼしたことはほとんどありません。イスラム教は、メッカの預言者ムハンマドに与えられた啓示を通じて、7世紀に西アラビアに出現しました。ムハンマドの死後1世紀以内に、イスラム帝国は中東、スペイン、アジアとアフリカの一部を支配しました。このため、ローマ美術と同様に、イスラム美術と建築には地域的なバージョンがありました。イスラム世界が後期古代文化の中心地へと広がるにつれて、哲学的および知的運動によって豊かになりました。ギリシャの作品のアラビア語への翻訳と、数学と科学の進歩は、初期のカリフによって奨励されました。これは、イスラム美術は独断的で不変であるという現代の認識とは対照的です。人間や動物の表現は珍しくありませんでした。特定の期間のみ、それが制限された（ビザンチン時代の聖像破壊運動と同様）。[ 62 ]

アメリカ大陸

メソアメリカ

アメリカ大陸における最初の偉大な文明のいくつかはメソアメリカ（「中央アメリカ」を意味する）で発展したが、最もよく知られているのはマヤ文明とアステカ文明である。

オルメカ文明（紀元前1400～400年頃）は、現代のメキシコで最初の主要な文明でした。ピラミッド建設の慣習、複雑な暦、神々のパンテオン、象形文字など、メソアメリカ文明の多くの要素は、オルメカ文化に起源を持っています。彼らは金属器を用いることなく、翡翠や陶器の像、巨像の頭部、頂上に神殿を備えたピラミッドを制作しました。彼らにとって、翡翠は金よりも貴重な石であり、神の力と豊穣の象徴でした。17体のオルメカ巨像の頭部が発見されており、それぞれ数トンの重さがあります。平らな鼻と厚い唇を持つそれぞれの頭部は、公式の球技で着用されるヘルメットに似ており、おそらく王や役員を表していると考えられます。

マヤ文明は紀元前1800年頃に始まり、1500年代にスペイン人入植者が到来するまで発展し、メキシコ南東部、グアテマラ、ベリーズ、ホンジュラスとエルサルバドルの一部を占領しました。マヤ人はテオティワカンなどの都市だけでなく、サポテカ人やメキシコ中部または沿岸部のその他のグループなど、多くのメソアメリカ文明や、カリブ海のタイノ族などメソアメリカ地域には居住していなかった人々とも交易していました。彼らは印象的な王の肖像画、多色陶器の容器、土器の像、木彫、石碑を制作し、ピラミッドを備えた複雑な都市を建設しました。保存状態の良い多色陶器の容器のほとんどは貴族の墓で発見されました。

アステカ人は遊牧民としてつつましい始まりを辿り、メソアメリカ史上最大の帝国を築き上げました。その帝国は1427年から1521年まで続きました。彼らは自らを「アステカ人」ではなく「メシカ」と呼びました。「アステカ人」という呼称は歴史家によって付与されました。彼らは帝国の首都テノチティトランを、メソアメリカの芸術家たちが新たな主人のために素晴らしい芸術作品を制作する場所へと変貌させました。現在のメキシコシティは、アステカの首都テノチティトランの上に築かれました。[ 67 ] [ 68 ] [ 69 ]

コロンビア

メソアメリカと同様に、現在のコロンビア領土はスペイン人入植者の到来以前に多様な文化が発達した地域です。ここでは金製のアクセサリーが作られ、その多くは金製でしたが、トゥンバガ製のものも数多くありました。トゥンバガとは、スペインの征服者たちが金と銅を混ぜ合わせた合金で、コロンブス以前の北米と南米のメソアメリカで広く使用されていたこれらの元素からなる金属に由来しています。

  • 動物頭像ペンダント（ヨトコ）；1～7世紀；金製；高さ6.35cm；メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）
    動物頭像ペンダント（ヨトコ）；1～7世紀；金製；高さ6.35cm；メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）
  • 石灰製の容器（キンバヤ）；5～9世紀；金製；高さ23cm；メトロポリタン美術館
    石灰製の容器（キンバヤ）；5～9世紀；金製；高さ23cm；メトロポリタン美術館
  • 男性像/トゥンジョ（ムイスカ）；10世紀～16世紀半ば；金製；高さ14.9cm；メトロポリタン美術館
    男性像/トゥンジョ（ムイスカ）；10世紀～16世紀半ば；金製；高さ14.9cm；メトロポリタン美術館
  • ペンダント（タイロナ）；10～16世紀；金；高さ14cm；メトロポリタン美術館
    ペンダント（タイロナ）；10～16世紀；金；高さ14cm；メトロポリタン美術館

アンデス地方

マント（パラカス）；西暦50～100年；刺繍入りウール；高さ1.01メートル；ボストン美術館（アメリカ）[ 75 ]

ペルーとボリビアの古代文明は、独特の芸術的伝統を育みました。その中には、世界で最も美しく印象的な繊維芸術の伝統の一つも含まれています。この地で生まれた最初の重要な文化には、チャビン文化とパラカス文化があります。

ペルー南海岸のパラカス文化は、複雑な模様の織物、特にマントルピースでよく知られています。モチェは北海岸の河川流域を支配し、ペルー南部のナスカは沿岸の砂漠と隣接する山脈に沿って勢力を誇っていました。ナスカは、ペルー南部の砂漠にある地上絵の集合体である、有名なナスカの地上絵で最もよく知られています。彼らはまた、パラカス文化の影響を受けた多色の陶器や織物を生産し、陶器には少なくとも10色のパレットを使用しました。どちらの文化も西暦100～800年頃に栄えました。モチェの陶器は世界でも最も多様性に富んだものの一つです。北部では、ワリ（またはワリ）帝国が石造建築と彫刻の偉業で知られています。

チムー族に先立って、シカン（西暦700～900年）として知られる簡素な陶器様式が発達していました。チムー族は金属、特に金、特に銀で優れた肖像画や装飾品を制作しました。その後、インカ帝国（1100～1533年）がアンデス山脈に広がりました。彼らは貴金属製の像を製作し、同地域に栄えた他の文明と同様に、複雑な織物も製作しました。ラマは毛皮と荷物の運搬に重要な動物でした。[ 76 ] [ 77 ] [ 78 ]

アジア人

東洋文明は広くアジアを含み、複雑な芸術制作の伝統も含んでいます。東洋美術史の一つのアプローチは、インド美術、中国美術、日本美術に焦点を当て、国ごとに分野を分けることです。大陸の広さから、芸術の文脈における東アジアと南アジアの区別は明確に見て取れます。アジアのほとんどの地域では、陶器が広く普及した芸術形態でした。陶器には、幾何学模様や動物、人物、植物の抽象的な表現が施されることがよくあります。その他、彫刻や絵画も広く普及した芸術形態であり、現在もなお広く用いられています。

中央アジア

中央アジア美術は中央アジア、すなわち現在のキルギスタン、カザフスタン、ウズベキスタン、トルクメニスタン、アゼルバイジャン、タジキスタン、アフガニスタン、パキスタン、および現在のモンゴル、中国、ロシアの一部にあたる地域で発展した。[ 82 ] [ 83 ]古代および中世中央アジアの美術は、多種多様な民族、宗教、生活様式が共存するこの広大な地域の豊かな歴史を反映している。この地域の芸術的遺跡は、中央アジア社会の多文化的性質を例証する、注目すべき影響の組み合わせを示している。シルクロードを通じた美術の伝播、スキタイ美術、ギリシャ・仏教美術、セリンディア美術、さらに近年ではペルシア文化はすべてこの複雑な歴史の一部である。中央アジアは常に文化交流の交差点であり、中国から地中海に伸びる複雑な交易路システムである、いわゆるシルクロードの中心地であった。青銅器時代（紀元前3千年紀と2千年紀）にはすでに、成長を続ける集落が、中央アジアとインダス川流域、メソポタミア、エジプトを結ぶ広範な貿易ネットワークの一部を形成していました。[ 84 ]

インド人

インドの初期仏教徒は、仏陀に関連するシンボルを発展させました。仏教美術の主要な現存は、マウリヤ朝以降の時代に始まり、北インドではクシャーナ美術、ガンダーラのグレコ仏教美術、そして最後にグプタ美術の「古典期」に至ります。さらに、ガンダーラ派より前に南インドを拠点としたアーンドラ派も存在しました。[ 89 ]サーンチー、バールハット、アマラヴァティといった主要な遺跡からは、多くの彫刻が現存しており、その一部は現地に、その他はインド国内および世界各地の博物館に所蔵されています。ストゥーパは、四方八方に面して、彫刻が豊かに施された4つのトラナ（装飾的な門）を備えた儀式用の柵で囲まれていました。これらは石造りですが、明らかに木造の形態を採り入れています。トラナとストゥーパの壁には、主に仏陀の生涯を描いたレリーフが重厚に装飾されています。徐々に等身大の像が彫られるようになり、最初は深い浮き彫りであったが、後に独立した像となった。[ 90 ]マトゥラ美術はこの発展における最も重要な中心地であり、仏教美術だけでなくヒンドゥー教やジャイナ教の美術にも適用された。[ 91 ]岩窟仏教寺院の礼拝堂や僧院の僧房のファサードや内部は、長い間ほとんどが木造であった他の場所の同様の独立した建造物よりもよく保存されている。アジャンタ、カール、バジャなどの石窟には初期の彫刻が残されており、仏陀や菩薩の象徴的な像など、少なくとも西暦100年より前には見つかっていない後の作品のほうが数が多いことが多い。

中国語

東アジアでは、絵画は書道の習慣から派生し、肖像画や風景画が絹布に描かれました。絵画の多くは風景画または肖像画です。最も壮麗な彫刻は、儀式用の青銅器と三星堆の青銅像です。中国美術の非常に有名な例として、中国の初代皇帝である秦の始皇帝の軍隊を描いた兵馬俑が挙げられます。これは紀元前210年から209年にかけて皇帝と共に埋葬された葬祭美術の一種で、皇帝の来世を守ることを目的としていました。

中国美術は世界最古の継続した伝統芸術の一つであり、その伝統における継続性と伝統に対する意識の高さが異例なほどである。西洋で古典様式の崩壊と漸進的な回復が見られなかったのとは対照的である。ルネッサンス以来、西洋では通常装飾芸術として分類される媒体は、中国美術において極めて重要であり、特に中国陶磁器においては、最高傑作の多くが大規模な工房や工場で、ほとんど無名の芸術家によって制作された。中国の宮殿や家庭、そしてそこに住む人々を飾った品々の種類と質は目を見張るほどである。材料は中国全土およびはるか遠くから、金や銀、螺鈿、象牙や犀の角、木材や漆、翡翠や石鹸石、絹や紙などが集められた。

日本語

日本の芸術は、古代の陶器、彫刻、絹や紙に描かれた水墨画や書道、浮世絵や木版画、陶芸、折り紙、そして最近ではマンガ（現代日本の漫画やコミック）など、さまざまな芸術スタイルと媒体を網羅しており、その他にも無数の形式があります。

日本に最初に定住したのは縄文人（紀元前 11,000年～300年頃）でした。彼らは豪華に装飾された土器の貯蔵容器や、土偶と呼ばれる埴輪を造りました。日本は突如として新しい思想の侵略にさらされ、その後長い間外界との接触が最小限にとどまりました。時を経るにつれ、日本人は自らの美的嗜好に合う外国文化の要素を吸収し、模倣し、最終的に同化する能力を発達させました。日本で最も古い複合芸術は、仏教に関連して7世紀と8世紀に作られました。9世紀には、日本人が中国から離れて独自の表現形式を開発し始めると、世俗芸術の重要性が高まり、15世紀後半まで、宗教芸術と世俗芸術の両方が栄えました。応仁の乱（1467～1477年）の後、日本は1世紀以上続く政治的、社会的、経済的混乱の時代に入りました。徳川幕府の指導の下で誕生した国家においては、組織化された宗教が人々の生活において果たす役割ははるかに小さくなり、生き残った芸術は主に世俗的なものとなった。

サハラ以南のアフリカ

サハラ以南のアフリカの芸術には、ベニン人、イボ・ウク、イファ王国の真鍮鋳造品に代表される彫刻、ジェンネ・ジェノ、イフェ、さらに古い時代のノク文化のテラコッタ、そして民芸品の両方が含まれる。ヨーロッパの中世と同時期の西暦11世紀には、壮大な建築物、金の彫刻、複雑な宝飾品を作る国家がグレート・ジンバブエに建国された。印象的な彫刻は、現在のナイジェリアにあたるヨルバ人によって同時期に真鍮から鋳造されていた。ほぼ同じ時期に建国された、同じくナイジェリア南部のベニン王国では、優美な祭壇の牙、真鍮の頭部、真鍮の飾り板、宮殿のような建築物が作られた。ベニン王国は1897年にイギリスによって滅ぼされ、現在ナイジェリアにはその文化の芸術作品はほとんど残っていない。現在、アフリカで最も重要な芸術の場はヨハネスブルグ・ビエンナーレです。

サハラ以南のアフリカは、文化の密度が高いのが特徴です。注目すべきものとしては、マリのドゴン族、ナイジェリアのエド族、ヨルバ族、イボ族、ノク文明、中央アフリカのクバ族とルバ族、ガーナのアシャンティ族、南アフリカのズールー族、赤道ギニア（85%）、カメルーン、ガボンのファン族、チャドのサオ文明、ガボン東部、コンゴ共和国、カメルーンのクウェレ族などが挙げられます。

多種多様なアフリカ美術は、世界で最も活気に満ち、感受性豊かな芸術的伝統の一部であり、アフリカの人々の生活に不可欠な存在です。特定の目的のために制作された芸術作品は、その外観と力を高める物理的な変容を通して、その永続的な重要性を明らかにします。多くの伝統的なアフリカ美術は、霊界への導管として創作され、その美しさと力を高めるために素材が加えられるにつれて、その外観が変化します。作品は、使用され、祝福されるほど、犠牲となる物質が蓄積され、元のディテールが磨耗することで、より抽象的なものへと変化していきます。

オセアニア

オセアニア美術には、ミクロネシア、ポリネシア、オーストラリア、ニュージーランド、メラネシアの地理的領域が含まれます。祖先、戦争、身体、性別、貿易、宗教、観光に焦点を当てて、テーマ別に地域を扱うアプローチがあります。残念ながら、オセアニアからは古代美術はほとんど残っていません。学者たちは、これはおそらく、芸術家が木材や羽毛などの熱帯気候では生き残れない腐りやすい素材を使用していたためであり、この素材のほとんどを参照する歴史的記録が存在しないと考えています。したがって、オセアニアの芸術文化の理解は、 18世紀のジェームズ・クック船長などの西洋人による文書化から始まります。20世紀初頭、フランス人芸術家のポール・ゴーギャンはタヒチでかなりの時間を過ごし、地元の人々と暮らしながら現代美術を制作しました。この事実は今日までタヒチの視覚文化と絡み合っています。オーストラリアの先住民族の芸術は抽象的な現代芸術のように見えることが多いですが、地元の文化に深く根ざしています。

オセアニア美術は、世界に広く認められた最後の偉大な芸術の伝統です。世界で最も長く続く芸術の伝統の一つであり、少なくとも5万年前に遡るにもかかわらず、20世紀後半まではあまり知られていませんでした。

オーストラリアのアボリジニ美術に用いられる素材は、しばしば一時的なものであるため、今日実践されている芸術形態の大部分の古さを判定することは困難です。最も耐久性の高い形態は、大陸全土で発見されている多数の岩絵や岩刻画です。アーネムランドの断崖では、ヨーロッパのアルタミラやラスコーの旧石器時代の岩絵よりも古い、5万年前にすでに絵画が描かれていたことを示唆する証拠があります。

ヨーロッパの

中世

西暦 300年頃のローマ帝国の衰退とともに、後に中世と定義される時代が始まりました。それは約1000年間続き、 1400年頃のルネサンスが始まるまで続きました。初期キリスト教美術はこの時代の初期の典型であり、その後、ビザンチン美術、アングロサクソン美術、ヴァイキング美術、オットー朝美術、ロマネスク美術、ゴシック美術が続き、イスラム美術が東地中海地域を席巻しました。中世美術は、ローマ帝国とビザンチン帝国の芸術的遺産と、北ヨーロッパの「蛮族」芸術文化が融合して発展しました。[ 115 ]

中世のビザンチン美術とゴシック美術では、教会の支配力が宗教美術の隆盛を招きました。絵画では金が多用され、人物像は簡略化されていました。

ビザンチン

アヤソフィア（イスタンブール、トルコ）、紀元前532-537年頃、トラレスのアンテミウスとミレトスのイシドロスによる[ 116 ]

ビザンチン美術は、東ローマ帝国（ビザンチン）のキリスト教ギリシャ美術作品の総体[ 117 ] [ 118 ]、および同帝国の文化的継承を受けた国家から構成される。ビザンチン帝国自体はローマ帝国の衰退から勃興し、1453年のコンスタンティノープル陥落まで存続したが[ 119 ] 、ビザンチン時代の開始時期は、いまだ不正確ではあるものの、政治史よりも美術史においてより明確である。東欧および中央ヨーロッパの多くの東方正教会諸国、そしてある程度は東地中海沿岸のイスラム教諸国が、帝国の文化と芸術の多くの側面をその後数世紀にわたって保存した。

現存するビザンチン美術は大部分が宗教的なものであり、特定の時代の例外はあるものの、非常に慣習化されており、厳密に管理された教会神学を芸術的用語に変換する伝統的なモデルに従っている。フレスコ画、装飾写本、木製パネル、および（特に初期の時代）モザイクが主要な媒体であり、具象彫刻は小さな象牙彫刻を除いて非常にまれにしか見られなかった。写本絵画は、より大きな作品には欠けていた古典的な写実主義の伝統の一部を最後まで保存した。[ 120 ]ビザンチン美術は西ヨーロッパで非常に名声が高く、求められており、中世の終わり近くまで中世美術に影響を与え続けた。 これは特にイタリアで当てはまり、ビザンチン様式は12世紀を通じて変形された形で存続し、イタリアルネサンス美術の形成に影響を与えた。 しかし、ビザンチン様式に影響を与えた外部からの影響はほとんどなかった。東方正教会の拡大とともに、ビザンチン様式は正教会世界とその外に広まりました。[ 121 ]ビザンチン建築、特に宗教建築の影響は、エジプトやアラビアからロシアやルーマニアまで、さまざまな地域で見られます。

ビザンチン建築はドームの使用で有名である。また、大理石の柱、格天井、金色の背景のモザイクを多用するなど、豪華な装飾も特徴としていた。ビザンチン建築家が使用した建築材料は、古代ギリシャ人が非常に高く評価した大理石ではなくなった。ビザンチン人は主に石とレンガを使用し、窓には薄いアラバスターシートも使用した。モザイクはレンガの壁や、フレスコ画では耐えられないその他の表面を覆うために使用された。プロトビザンチン時代のモザイクの良い例としては、テッサロニキ（ギリシャ）のアギオス・デメトリオス、サンタポリナーレ・ヌオーヴォ聖堂とサン・ヴィターレ聖堂（ともにイタリアのラヴェンナ）、イスタンブールのアヤソフィアが挙げられる。ギリシャ・ローマ神殿とビザンチン教会は、外観と内部の点で大きく異なっている。古代において、神殿の最も重要な部分は外観でした。なぜなら、神殿が建てられた神の祭像が安置された内部へは、司祭のみが立ち入ることができたからです。古代の神殿儀式は外部で行われ、参拝者が目にしたのは、柱、エンタブラチュア、そして二つのペディメントからなる神殿のファサードでした。対照的に、キリスト教の典礼は教会の内部で行われたため、外観にはほとんど装飾が施されていなかったか、全く装飾がありませんでした。[ 122 ] [ 123 ]

カロリング朝とオットー朝

アーヘン福音書、820年頃。聖エメラムの黄金写本、870年。宝石と大きなゼンクシュメルツを施したエッセン十字架、 1000年頃。オットー3世の神格化、リュータル福音書、1000年頃。

カロリング朝美術（8～9世紀）はカール大帝の統治下で出現し、ローマ、初期キリスト教、そしてゲルマン文化の影響を融合させ、独特の様式を生み出しました。この美術はカロリング朝ルネサンスを象徴するものであり、古代ローマ美術の伝統を復興しつつ、現地のゲルマン文化の要素を取り入れることに重点が置かれました。その主要な特徴としては、アーヘン福音書のような彩飾写本、宗教的図像、精巧な金属細工、そして建築などが挙げられます。注目すべき作品としては、アーヘンにあるカール大帝の宮殿礼拝堂が挙げられます。カロリング朝美術はキリスト教のテーマを重視し、聖人、聖書の場面、古典的なモチーフを精巧に描写し、西ヨーロッパにおける後の中世美術の基礎を築きました。

オットー朝美術は、ロマネスク以前ドイツ美術の様式であり、低地諸国、北イタリア、東フランスの作品も含まれる。美術史家フーベルト・ヤニチェクにより、919年から1024年にかけてハインリヒ1世、オットー1世、オットー2世、オットー3世、ハインリヒ2世の下でドイツと北イタリアを統治したオットー朝にちなんで名付けられた。[ 130 ]オットー朝建築とともに、オットー朝ルネサンス（951年頃-1024年）の重要な構成要素である。しかし、この様式はオットー朝の統治とぴったり一致するように始まったり終わったりしたわけではない。オットー朝の統治から数十年後に出現し、オットー朝皇帝の時代を過ぎて、初期のザリフ朝の治世まで存続したが、ザリフ朝には独自の芸術的「様式」のラベルがない。[ 131 ]美術史の伝統的な枠組みにおいて、オットー朝美術はカロリング朝美術に続き、ロマネスク美術に先行するが、この時代の両端における変遷は急激ではなく緩やかなものであった。前者と同様に、後者とは異なり、オットー朝美術は当時のいくつかの小都市、重要な修道院、そして皇帝とその有力な家臣たちの宮廷内に限られていた様式であった。

9世紀のカロリング朝の衰退後、神聖ローマ帝国はザクセン人のオットー朝の下で再建されました。これにより、帝国と改革された教会の理念への新たな信仰が生まれ、文化的で芸術的な熱狂が高まった時代が到来しました。こうした雰囲気の中で、オットー朝の芸術家たちがインスピレーションを得た伝統、すなわち後期古代、カロリング朝、ビザンチン様式をモデルに融合した傑作が生み出されました。現存するオットー朝美術は、装飾写本や金属細工といった宗教的なものが大部分を占め、宮廷内の限られたパトロンや教会の重要人物のために、少数の工房で制作されました。しかし、その多くはより広い人々、特に巡礼者に見せるためにデザインされました。[ 132 ]

そのスタイルは概して壮大で重厚であり、時に過剰で、当初はカロリング朝の同等の作品ほど洗練されておらず、ビザンチン美術からの直接的な影響も少なく、その古典的なモデルに対する理解も少なかったが、1000年頃には多くの作品に驚くべき強さと表現力が現れ、「荘厳な記念碑性と活気に満ちた内面性、現実に鋭い注意を払った超自然的で幻想的な性質、流れるような線の表面模様、情熱的な感情を伴う豊かで明るい色彩」が組み合わさった。[ 133 ]

ロマネスク様式

ローマ帝国滅亡後に出現した最初の汎ヨーロッパ様式であるロマネスク様式は、10世紀半ばから13世紀にかけて発展しました。この時代には、複雑な構造計画を備えた巨大な石造建築が復活しました。

ロマネスク様式の教会は、統一されたボリューム感と幾何学的な明瞭さを特徴としています。簡素な建築でありながら、柱頭や門扉の装飾彫刻、そしてフレスコ画で彩られた内部空間によって活気づけられています。幾何学模様や葉模様は、次第に立体的な具象彫刻へと変化していきます。

ドイツのヒルデスハイムにある聖ミヒャエル教会は1001年から1030年にかけて建てられたもので、プロトロマネスク様式の教会であると考える人もいます。[ 134 ]

11世紀半ばから13世紀初頭にかけて、ロマネスク絵画は平面的で、大胆な直線的な輪郭と幾何学模様、特に衣服の扱い方に特徴づけられ、画家たちは対称性と正面性を強調しました。西洋の教会のほぼすべてに壁画が描かれましたが、壁画を描いたのはおそらく修道士のごく一部で、代わりに巡回画家たちがほとんどの作業を行いました。基本的な下塗りは、乾いた漆喰の上に土色で施されました。視覚効果を最大限に高めるため、白、赤、黄土色、青紫色を主体とした限定的なパレットが用いられ、濃い色彩が帯状の背景を形成しました。この手法は、後期古典美術において、大地と空を区別する試みとして始まりました。

11世紀後半から12世紀にかけての西方修道院主義の黄金時代、ヨーロッパは前例のない経済、社会、政治の変化を経験し、修道院を含む地主たちの富が急増しました。書籍の需要が高まり、経済的豊かさは装飾豊かな写本の制作を促しました。

この時代を代表する傑出した工芸品の一つに、全長70メートルのバイユー・タペストリーがある。[ 135 ] [ 136 ] [ 137 ]このタペストリーは、ノルマンディー公ウィリアムとウェセックス伯ハロルド（後のイングランド王）を主人公に、ノルマン人によるイングランド征服に至るまでの出来事と、1066年のヘイスティングズの戦いで最高潮に達する様子を描いている。11世紀の作と考えられている。物語は征服者であるノルマン人の視点から語られているが、現在ではイングランドで制作されたことが認められている。おそらく女性による制作だが、作者は不明である。フランスに所蔵されている。

ゴシック

ゴシック美術は12世紀、北フランスでロマネスク様式から発展し、同時期に発展したゴシック建築に牽引されました。ゴシック美術は西ヨーロッパ全域、そして南ヨーロッパと中央ヨーロッパの大部分に広がり、イタリアにおけるより古典的な様式を完全には駆逐することはありませんでした。14世紀後半には、洗練された宮廷様式である国際ゴシックが発展し、15世紀後半まで発展を続けました。

ブリック・ゴシックは、ゴシック建築の特殊な様式であり、特にバルト海沿岸地域（特に岩盤資源に乏しい）でよく見られる北東ヨーロッパおよび中央ヨーロッパでよく見られる。建物は基本的にレンガを用いて建てられる。

彫刻的な装飾とステンドグラスを備えた堂々としたゴシック様式の大聖堂は、ゴシック様式の典型です。[ 143 ]ゴシック様式は、リブ状のヴォールトとオジーヴの使用によってロマネスク様式とは異なります。ロマネスク様式の厚い壁とは異なり、ゴシック様式の建物は薄く高くなっています。塔の螺旋階段はゴシック建築の特徴です。[ 144 ]

ゴシック絵画は、その多くがテンペラ画、後には板に描かれた油彩、そしてフレスコ画で描かれ、二次色のパレットもますます幅広くなったため、一般的にロマネスク絵画よりも「自然主義的」であると見なされている。宗教的な物語の人間性が強調され、登場人物の感情状態が個別化された。[ 145 ]中世経済の都市化の進展と聖職者および一般のパトロンの台頭により、美術市場の性質が変化し、これはゴシック写本の装飾の発展に見て取れる。工房では、人物や周縁の蔓のモチーフなど、ページの様々な要素を担当する専門家が雇用されていた。[ 146 ]

ルネッサンス

初期ルネサンス、北方ルネサンス、そして盛期ルネサンスを包括する「ルネサンス」という言葉は、ヨーロッパにおける古典古代への新たな関心の「復活」を表しています。古代以来初めて、芸術は説得力のある写実性を獲得しました。ルネサンスの芸術家たちは、古代の過去だけでなく、自然も研究し、人体、動物、植物、空間、遠近法、光の性質を理解しました。最も多く描かれたテーマは宗教的なものでした。しかし、神話の物語を描いた作品も制作されました。また、ルネサンスには統一された様式はなく、それぞれの芸術家が先人たちや同時代の芸術家の影響を受けながら、独自の視覚言語を発展させました。

初期ルネサンスは、芸術家たちがビザンチン美術の枠組みから完全に脱却した、創造的かつ知的活動が活発だった時代です。一般的には、15世紀初頭に現在のイタリアにあるフィレンツェで始まったと考えられています。古典文学、哲学、芸術への関心の高まり、商業の発展、新大陸の発見、そして新たな発明が特徴的です。古代ローマの芸術と文学への関心が再燃し、古代ギリシャ語とラテン語のテキストの研究から個人主義と理性の概念が生まれ、これらは人文主義として知られるようになりました。人文主義者たちは現代の生活を考え、個人の思考の重要性を強調し、それが芸術家のアプローチにも影響を与えました。

ルネサンスはイタリア、特にフィレンツェ、ローマ、ヴェネツィアとの結びつきが強いものの、西ヨーロッパの他の地域もルネサンスに参加した。[ 150 ]北方ルネサンスは15世紀初頭からアルプス山脈の北のヨーロッパで起こり、「国際ゴシック」として知られる南北間の芸術的交流の時代の後に起こった。北方ルネサンスとイタリアルネサンスには大きな違いがあった。北方の芸術家たちはイタリア人のように古代ギリシャやローマの価値観を復活させようとはしなかったが、南方ではイタリアの芸術家やパトロンたちは自然と人間社会の実証的な研究や、新たに開発された油絵の具という媒体で北方の芸術家たちが表現できる深い色彩に驚嘆した。宗教改革によって北方では肖像画や風景画などの世俗的な絵画への関心が高まった。北方の重要な芸術家としては、《快楽の園》のような異種の生き物を描いたシュールな絵画で知られるヒエロニムス・ボスと、版画という新しい芸術を新たなレベルに引き上げたアルブレヒト・デューラーの二人がいます。

盛期ルネサンスは15世紀後半から16世紀初頭にかけて起こり、ローマ教皇の権力が安定するにつれ、複数の教皇が都市のかつての栄光を再現しようと、芸術と建築を委託したことが影響を及ぼしました。ラファエロとミケランジェロは教皇のために壮大で壮大なプロジェクトを制作しました。このルネサンス期の最も有名な芸術作品は、おそらくシスティーナ礼拝堂の天井画でしょう。

マニエリスムは、盛期ルネサンスが理想としていた調和と芸術への合理的なアプローチから脱却し、誇張された形態、長いプロポーション、より鮮やかな色彩を取り入れた。1510年から1520年にかけてイタリアで、独創性を何よりも重視する芸術家たちの間で発展した。この運動の名称は、イタリア語で「様式」または「作法」を意味する「マニエラ」に由来する。この言葉は、盛期ルネサンス期に達成された卓越性の基準を表現することを意図しており、これは現在すべての芸術が従うべきものであるが、実際には様式化と「芸術を見せる」芸術へとつながり、時には大きな成功を収めた。その一例として、ラファエロの弟子ジュリオ・ロマーノが挙げられる。マニエリスムは、より一般的には、ルネサンス後、バロック期に先立つ時代を指す言葉としても用いられている。[ 151 ]

バロック

ヴェルサイユ宮殿（フランス、ヴェルサイユ）は、ルイ・ル・ヴォーとジュール・アルドゥアン＝マンサールによる、最も象徴的なバロック建築の一つで、 1660年頃～1715年にかけて建てられました。
大理石の庭
サロン・ド・エルキュール
ロイヤルチャペル
鏡の回廊
庭園

17世紀は、望遠鏡や顕微鏡といった発明や発展による科学の面でも、またカトリックの反宗教改革がプロテスタント信仰の拡大に反対するなど、激動の時代でした。プロテスタント宗教改革後、カトリック教会は反宗教改革でこれに対抗し、芸術は情熱的な宗教的テーマで鑑賞者を鼓舞すべきであると定めました。

マニエリスムの後継として、ヨーロッパ全土における宗教的緊張の結果として発展したバロック芸術は、16世紀後半に現れました。その名称は、いびつな真珠を意味するポルトガル語の「バロック」に由来すると考えられており、感情、ダイナミズム、ドラマを、力強い色彩、写実性、強い色調のコントラストと組み合わせた芸術を表しています。1545年から1563年の間に行われたトレント公会議では、宗教芸術は信心深さ、写実性、正確さを促進し、鑑賞者の注目と共感を引き付けることによってカトリック教会を称え、カトリックのイメージを強化しなければならないと決定されました。次の世紀には、バロック芸術の急進的で新しい様式が盛期ルネサンスのモデルを取り入れて発展させ、宗教芸術と新しい種類の世俗芸術、とりわけ風景画の両方で新境地を開きました。バロック様式とその後期変種であるロココ様式は、芸術における最初の真にグローバルな様式であり、1580年頃から1750年頃まで、ヨーロッパ、ラテンアメリカなどで2世紀以上にわたって芸術と建築を支配しました。 1580年代と1590年代にボローニャとローマの絵画スタジオで、また17世紀の20年から30年にはローマの彫刻と建築のアトリエで生まれたバロック様式は、イタリア、スペイン、ポルトガル、フランドル、フランス、オランダ、イギリス、スカンジナビア、ロシア、さらにミュンヘン（ドイツ）からビリニュス（リトアニア）までの中央ヨーロッパと東ヨーロッパの中心地に急速に広まりました。ポルトガル、スペイン、フランスの帝国とオランダの貿易ネットワークは、この2つのスタイルをアメリカ大陸や植民地時代のアフリカやアジア、リマ、モザンビーク、ゴア、フィリピンなどの場所に広める上で主導的な役割を果たしました。

絵画や彫刻と同様、バロック様式の大聖堂や宮殿もイリュージョンとドラマチックな表現が特徴的です。光と影の劇的な効果も頻繁に用いられ、建築、絵画、彫刻の境界が曖昧になるほど豪華で高度に装飾された内部を備えています。バロック建築のもう1つの重要な特徴は、曲線、ソロモンの円柱、楕円を駆使したダイナミズムの存在です。フランスでは、バロックは1643年から1715年のルイ14世の治世と同義です。彼の治世中にパリ、ヴェルサイユ、その他のフランスの各地に、ヴェルサイユ宮殿、メゾン城、ヴォー・ル・ヴィコント城、ルーブル美術館の列柱、アンヴァリッドのドームなど、多数の記念碑的な建造物が建てられたからです。建物自体に加えて、それが置かれる空間も役割を果たしています。バロック建築は、ローマのサン・カルロ・アッレ・クアトロ・フォンターネのように小規模であれ、街を見下ろすように設計されたサンティアゴ・デ・コンポステーラ大聖堂の新しいファサードのように大規模であれ、見る者の注意を引きつけ、周囲を支配するように努めた。応用芸術もこの時期に栄えた。バロック家具は、それが飾られる部屋と同じくらい派手なものとなり、そのモチーフや技法は、建築家の全体的な装飾プログラムと調和するように注意深く調整された。最も高名な家具職人の一人はアンドレ・シャルル・ブールで、べっ甲と真鍮の板を接着し、デザインを形成するように切断する寄木細工の技法で知られた。彼の作品はまた、金メッキのブロンズ製の台座で飾られていた。複雑なゴブラン織りのタペストリーは古典古代に触発された場面を特徴とし、サヴォンヌリー工房はルーブル美術館のために大きくて非常に精巧な絨毯を製作した。黒または黄色の背景には、中央に模様やメダリオンが描かれていました。中国の磁器、デルフト焼き、そしてフランスのサンゴバンで作られた鏡は、フランスのあらゆる王侯の宮殿や貴族の邸宅に急速に広まりました。ルイ14世の治世には、暖炉のマントルピースの上に大きな鏡が置かれるようになり、この傾向はバロック時代以降も長く続きました。[ 166 ]

ロココ

おしゃれな貴族の女性がトイレットの仕上げをしている様子を描いた『独立の髪飾り』、1778 年[ 175 ]

1720年頃のパリで生まれたロココ様式は、自然のモチーフ、柔らかな色彩、曲線、非対称性、そして愛、自然、気楽な娯楽といったテーマを特徴としています。その理想は、繊細さ、華やかさ、若々しさ、そして官能性でした。

ロココ様式は、ルイ14世のヴェルサイユ宮殿の宮廷の重厚なバロック様式の壮麗さに対する反動としてフランスで始まり、特に新国王ルイ15世（1710–1774）の愛妾で権力を握っていたポンパドゥール夫人（1721–1764）と結び付けられるようになった。このため、この様式は「ポンパドゥール」とも呼ばれている。この運動の名称はフランス語の「ロカイユ」（小石）に由来し、洞窟の内部を飾る石や貝殻を指す。同様の貝殻形状がロココ様式の一般的な特徴となったためである。ロココ様式はデザインおよび装飾芸術の様式として始まり、優雅で流れるような形状が特徴であった。その後、建築が続き、絵画や彫刻が続いた。ロココという言葉から最もよく連想されるフランスの画家はジャン＝アントワーヌ・ヴァトーで、 18世紀初頭には 田園風景、すなわち「祝祭」の絵画を多く描いた。

バイエルンにはこの様式の重要な教会がいくつかあり、例えばヴィース教会などがありますが、ロココ様式は世俗の建物、主に大宮殿や、教養あるエリートたちが文学や哲学の議論をするために集まったサロンと結び付けられることが多いです。パリでは、サロンが新しいタイプの社交の場として出現したのと時を同じくしてロココ様式が人気となり、サロンの会場はしばしばロココ様式で装飾されました。最も特徴的な優雅さと洗練さを備えた例として、パリで最も美しい18世紀の邸宅のひとつ、スービーズ館の「サロン・オーヴァル・ド・ラ・プリンセス」があります。ロココ様式はエリート向けの家具に劇的な変化をもたらし、細く筋ばったフレームと、より繊細で非対称の装飾が多く、シノワズリの要素を取り入れた小型の家具が好まれました。極東の物品 (主に中国のもの)への嗜好から、家具には中国の絵付けや漆塗りのパネルが使われるようになりました。

この運動は、カルトゥーシュ、アラベスク、貝細工、そして壁面パネルや暖炉のデザインを特徴とする装飾本のおかげで、ヨーロッパ全土、さらにはオスマン帝国トルコや中国にまで急速に広まりました。最も人気があったのは、ジュスト＝オーレル・メッソニエ（1695–1750）、ジャック＝フランソワ・ブロンデル（1705–1774）、ピエール＝エドメ・バベル（1720–1775）、フランソワ・ド・キュヴィリエ（1695–1768）の作品です。[ 176 ]

新古典主義

ホラティウスの誓い、ジャック＝ルイ・ダヴィッド作、1784 年、キャンバスに油彩、ルーヴル美術館[ 181 ]

1748年からの古代ローマ都市ポンペイとヘルクラネウムの発掘調査に触発され、古代美術への新たな関心が起こった。新古典主義は18世紀半ばから後半にかけて1830年代まで西洋美術を支配した。秩序と抑制を受け入れた新古典主義は、ロココの軽薄さ、享楽主義、退廃と見なされたことへの反応として発展し、「啓蒙時代」（別名「理性の時代」）の合理的思考を体現した。当初、この運動は芸術家ではなく啓蒙思想家によって発展させられた。彼らはロココに代わる合理的で道徳的で魂に捧げられた美術様式を求めた。[ 182 ]これは、古典美術がリアリズム、抑制、秩序の体現であるという認識とよく一致した。新古典主義は、古代ギリシャ・ローマ美術、フランス人芸術家ニコラ・プッサン（1594–1665）の古典歴史画、ドイツ人作家アントン・ラファエル・メングス（1728–1779）やドイツ人考古学者で美術史家ヨハン・ヨアヒム・ヴィンケルマン（1717–1768）の思想に触発されてローマで始まったが、すぐにヨーロッパ中に広まった。ローマは18世紀半ばまでにグランドツアーの主な目的地となり、貴族の旅行者たちは古典のビジョンを求めて田舎の領地で再現し、こうしてこの様式はヨーロッパ全土、特にイギリスとフランスに広まった。このツアーは古典古代の遺物を収集する機会でもあった。新古典主義の絵画には、考古学的な詳細に満ちた場所に、古典の彫像やレリーフのようなポーズの人物像が多く描かれる傾向があった。

1789年、フランスは最初の革命の瀬戸際にあり、新古典主義は国民の愛国心を表現しようとしました。この時代、政治と芸術は密接に絡み合っていました。芸術は真摯であるべきだと信じ、絵画よりも素描を重視しました。滑らかな輪郭と、筆致が目立たない色彩が究極の目標でした。絵画と彫刻はどちらも静謐さと抑制を保ち、英雄的なテーマに焦点を当て、自己犠牲や愛国心といった高貴な概念を表現しました。

この運動は、革命の理想主義が薄れ、ナポレオン時代が終焉を迎えた19世紀初頭に出現したロマン主義への道を開いた。しかしながら、新古典主義はロマン主義の対極にあるのではなく、ある意味ではロマン主義の初期の現れであると考えられる。 [ 183 ]​​ [ 184 ]

1770年以降の西洋美術

ノミの幽霊；ウィリアム・ブレイク作；1819年；金彩テンペラ、板；テート・ブリテン、ロンドン

多くの美術史家は近代美術の起源を18世紀後半としていますが、19世紀半ばとする人もいます。美術史家H・ハーバード・アーナソンは、「100年の間に緩やかな変容が起こった」と述べています。[ 192 ]啓蒙時代、アメリカとフランスにおける革命と民主主義、そして産業革命といった出来事は、西洋文化に広範な影響を及ぼしました。人、物、思想、情報はかつてない速さで国や大陸の間を移動できるようになり、これらの変化は芸術にも反映されました。1830年代の写真の発明は、芸術、特に絵画の特定の側面をさらに変化させました。 19世紀初頭までに、長く緩やかなパラダイムシフトが完了しました。ゴシック様式では、芸術家は教会や君主制に仕える職人とみなされていましたが、芸術のための芸術という考え方では、個々の芸術家の思想やビジョンが高く評価され、200年の間に台頭してきた、教養が高く、裕福で、都市に住む中流階級や上流階級（特にパリとロンドン）からの支援を受けました。18世紀後半には、新古典主義とロマン主義の二分法が始まり、それが現代美術のほぼすべての新しい潮流を細分化し、その後も続いてきました。「波のように広がるこれらの『主義』は、国家、民族、年代の境界を無視し、決して長く支配的な地位を占めることはなく、絶えず変化するパターンの中で互いに競い合い、融合し続けます。」[ 193 ]

近代美術は、オリエンタリズムのエキゾチックな好奇心から、ジャポニスムのより深い影響、そしてオセアニア、アフリカ、そしてアメリカ大陸の美術に至るまで、一貫して国際的な影響と交流へと向かってきました。一方で、近代美術は西ヨーロッパを越えてますます広がりを見せています。ロシアとアメリカ合衆国では、19世紀末までに、美術はヨーロッパの主要国に匹敵するほど発展していました。主要な運動の多くはラテンアメリカ、オーストラリア、そしてアジアでも起こり、時代を追うごとに地理や国籍はますます重要ではなくなっていきました。 20世紀になると、世界各地で重要かつ影響力のある芸術家が登場した。例えば、藤田（日本）、アルシル・ゴーリキー（アルメニア）、ディエゴ・リベラとフリーダ・カーロ（メキシコ）、ウィフレド・ラム（キューバ）、エドヴァルド・ムンク（ノルウェー）、ロベルト・マッタ（チリ）、マーク・ロスコ（リトアニア系アメリカ人）、フェルナンド・ボテロ・アングロ（コロンビア）、コンスタンティン・ブランクーシとヴィクトル・ブラウナー（ルーマニア）などである。[ 194 ] [ 195 ] [ 196 ] [ 197 ] [ 198 ]

19世紀

ロマン主義（1790年頃～1880年）

1740年代のストゥーヘッド（イギリス）のイギリス風景式庭園、ヘンリー・ホーア作[ 199 ]
霧の海の上の放浪者、1818年、カスパー・ダーヴィト・フリードリヒ作

ロマン主義は18世紀後半、ドイツのシュトゥルム・ウント・ドラング運動から生まれ、19世紀前半には音楽、文学、建築、そして視覚芸術において、重要かつ国際的な現象として隆盛を極めました。18世紀啓蒙主義の合理主義への幻滅から生まれたロマン主義は、しばしば新古典主義の対極と見なされていましたが、両運動には様式的に重なり合う部分があり、多くのロマン主義の芸術家が古典主義に感銘を受けました。この運動は、激しい感情、想像力、そして人間の力よりも大きく力強い、そして災害をもたらす可能性のある自然の圧倒的な力に焦点を当てていました。「新古典主義は古典古代の新たな復興であり…ロマン主義は特定の様式ではなく、様々な形で現れる精神態度を指す。」[ 200 ]

ロマン主義の最も初期の表現の一つは、イギリス式風景庭園であり、自然に見えるよう注意深く設計され、当時の形式庭園とは劇的な対照をなしていました。「自然な」イギリス式庭園という概念は、その後数十年にわたってヨーロッパとアメリカ全土で採用されました。建築において、ロマン主義者たちは、新古典主義者が賞賛したギリシャやローマの例以外の、代替的な源泉に頻繁に目を向けました。ロマン主義建築は、ゴシック様式や、エキゾチックな東洋のモデルなど、他の様式を復活させることがよくありました。ロンドンのウェストミンスター宮殿（国会議事堂）は、ゴシック・リバイバルとも呼ばれるロマン主義建築の例です。[ 200 ]絵画においてロマン主義の典型を示すものとしては、スペインのフランシスコ・ゴヤ、フランスのウジェーヌ・ドラクロワとテオドール・ジェリコー、イギリスのウィリアム・ブレイク、ヘンリー・フュースリ、サミュエル・パーマー、ウィリアム・ターナー、ドイツのカスパー・ダーヴィト・フリードリヒとフィリップ・オットー・ルンゲ、イタリアのフランチェスコ・アイエツ、ノルウェーのヨハン・クリスチャン・クラウセン・ダール、アメリカのトーマス・コールなどがあげられる。ロマン主義期の彫刻家としては、アントワーヌ＝ルイ・バリ、ジャン＝バティスト・カルポー、オーギュスト・プレオー、フランソワ・リュードなどがあげられる。ロマン主義が一段落するにつれ、この運動のいくつかの側面は象徴主義へと発展していった。[ 201 ] [ 202 ] [ 197 ] [ 203 ] [ 204 ]

アカデミズム

アカデミズムとは、芸術を芸術アカデミーで学べる規則へと体系化したものである。それは、古典主義的な美の理想と芸術的完成度を推進する。また、非常に厳格な主題の階層構造も存在した。頂点には、聖書や古典を含む歴史的出来事を描いた絵画があり、それに肖像画、風景画が続いた。階層の最下層には静物画と風俗画があった。ニコラ・プッサンは、その作品と理論がアカデミズムの発展に最も重要な役割を果たした芸術家である。アカデミズムの価値観は、芸術の基本原理と理想を発見するという 啓蒙主義運動の中心に位置づけられていた。

18世紀、ヨーロッパ全土で多くのアカデミーが設立され、後に19世紀の美術を支配することとなりました。美術アカデミーで学ぶためには、若い芸術家は入学試験を受けなければならず、入学後は数年間そこで学びました。19世紀フランスの芸術運動の多くは、アカデミズムの価値観から逸脱し、あるいは対立するものでした。

フランス・アカデミーの最も重要な芸術家には、ウィリアム・ブグロー（1825–1905）、ジャン＝レオン・ジェローム（1824–1904）、アレクサンドル・カバネル（1823–1889）、トマ・クチュール（1815–1879）などがいます。アカデミック芸術は、同じ場所で発展し、同様の古典主義的理念を掲げたボザール建築と密接な関係があります。ボザール様式は、パリのエコール・デ・ボザールにちなんで名付けられました。この様式はパリで発展し、多くの主要な芸術家がそこで学びました。[ 210 ] [ 211 ]

復興主義と折衷主義

建築と応用芸術に関して言えば、19 世紀は復興の世紀として最もよく知られています。最も有名な復興様式の 1 つは、ゴシック リバイバルまたはネオ ゴシックで、18 世紀半ばにロンドンのストロベリー ヒル ハウスなど、イギリスのいくつかの住宅で初めて登場しました。ただし、これらの住宅は孤立したケースでした。19 世紀初頭は新古典主義が主流だったからです。その後、1830 年から 1840 年の間に、中世から 18 世紀に至るまでの過去の様式を再発見する趣味と郷愁が、ロマン主義の影響を受けて発展しました。おおよそ第一次世界大戦まで、過去の焼き直しが建築と応用芸術の世界を支配していました。様式と建物の種類との関連が現れ、たとえば、刑務所はエジプト風、教会はゴシック風、銀行や取引所はルネサンス リバイバル風となっています。これらの選択は、ファラオと死と永遠、中世とキリスト教、メディチ家と銀行業および近代商業の隆盛といった、他の連想から生まれたものでした。これらの様式は、建築が国家の栄光を象徴するという考えに基づき、ナショナリズム的な視点から捉えられることもありました。イギリスやドイツ諸州におけるゴシック・リバイバルや、ルーマニアにおけるルーマニア・リバイバルのように、「国民様式」と見なされるものもありました。オーガスタス・ピューギンは、ゴシック様式がフランス起源であるにもかかわらず、ゴシック様式をイギリス建築家の「絶対的義務」[ 216 ]と呼びました。このように、建築と応用芸術は、高度に理想化された栄光の過去のオーラを醸し出すために用いられました。一部の建築家やデザイナーは、歴史的な様式、特に中世の様式を、理想化された幻想的な有機的な生命と結びつけ、それを当時の現実と比較しました[ 217 ] 。

復古主義がこれほど流行したとはいえ、これらの作品に独創性がなかったわけではありません。建築家、エベニスト、その他の職人たちは、特に19世紀後半に、特定の時代や地域に特有の要素を抽出し、解釈することで、様々な様式を融合させました。この手法は折衷主義として知られています。この様式の発展は、万国博覧会の競争が多くの国々に新たな工業的創造手法の発明を促した時期に起こりました。

リアリズム（1830年頃～1890年）

リアリズムは19世紀半ば、1840年頃に出現し、彫刻、文学、演劇にも同様の表現があり、文学においてはしばしば自然主義と呼ばれる。19世紀の絵画において、「リアリズム」という用語は、様式や技法よりも、描かれた主題を指すことが多い。リアリズム絵画は、西洋文化においてしばしば絵画の主流であった壮大で理想化された風景、神話の神々、聖書の主題、歴史上の人物や出来事とは対照的に、日常的な場所や日常的な活動に従事する人々を描写するのが一般的である。クールベは「天使を描くことはできない。なぜなら、私は天使を見たことがないからだ」と述べた[ 200 ]。

リアリズムは、ロマン主義の劇的、異国情緒あふれる作品に対する反動でもあった。リアリズムという用語は、新古典主義の理想化されたイメージやロマン主義のロマンチックなイメージに対して相対的に用いられる。ジャン＝バティスト＝カミーユ・コローやオノレ・ドーミエといった芸術家は、バルビゾン派、特にジャン＝フランソワ・ミレーがそうであったように、リアリズムとゆるやかな結びつきを持っていたが、この運動の中心人物はおそらくギュスターヴ・クールベであり、彼は自らをリアリストと認識し、リアリズムを主張し、エドゥアール・マネなどの若い芸術家に影響を与えた。リアリズムの重要な側面の1つは、戸外で風景画を描く習慣と、それが印象派に与えた影響である。

フランス以外では、ドイツのヴィルヘルム・ライブル、イギリスのフォード・マドックス・ブラウン、アメリカのウィンスロー・ホーマーといった芸術家がリアリズムの代表例です。美術史家H・H・アーナソンは、「新古典主義、ロマン主義、リアリズムという時系列は、言うまでもなく、運動や傾向を都合よく階層化したものにすぎません。それらは互いに、そして先行する運動とも密接に結びついており、どの運動がどこで終わり、どの運動が始まったのかを見分けることは不可能です」と記しています[ 218 ]。そして、19世紀後半から20世紀初頭にかけてのあらゆる運動や「主義」を追っていくと、このことはさらに重要かつ複雑になります[ 219 ] 。 [ 220 ]。[ 221 ] 。 [ 222 ]

印象派（1865年頃～1885年）

印象、日の出;クロード・モネ作; 1872年。キャンバスに油彩。 48.1×62.8cm。マルモッタン・モネ美術館（パリ） [ 225 ]

印象派は、リアリズム、バルビゾン派、そしてウジェーヌ・ブーダン、カミーユ・コロー、シャルル＝フランソワ・ドービニー、ヨハン・バルトルド・ヨンキントといった野外画家の影響を受けてフランスで誕生しました。1850年代後半以降、印象派の画家たちの多くは、パリの学生として、特に自由美術学校アカデミー・シュイスやシャルル・グレールのアトリエで知り合い、友情を築いていました。彼らの進歩的な作品は、多くの芸術家が名声を確立するために向かったフォーラムである権威あるアカデミー・デ・ボザールのサロンの保守的な審査員によって頻繁に拒否され、多くの若い芸術家が、大々的に宣伝されたものの大いに嘲笑された1863年の拒否されたサロンに含まれていました。1874年に彼らは、アカデミーから独立して、Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs（画家、彫刻家、彫刻家匿名協同組合）を設立し、1886年に8回目で最後の展覧会が開催されるまで、パリで数回の印象派展の最初の展覧会を開催しました。この運動における重要人物には、フレデリック・バジール、ギュスターヴ・カイユボット、メアリー・カサット、ポール・セザンヌ、エドガー・ドガ、アルマン・ギヨマン、エドゥアール・マネ、クロード・モネ、ベルト・モリゾ、カミーユ・ピサロ、ピエール＝オーギュスト・ルノワール、アルフレッド・シスレーなどがいた。印象派は主に画家の運動であったが、ドガとルノワールは彫刻も制作し、オーギュスト・ロダンやメダルド・ロッソなども印象派と結び付けられることがある。1885年までに印象派はある程度の地位を確立していたが、若い世代はすでに印象派の限界を押し広げていた。ロシア、オーストラリア、アメリカ、ラテンアメリカの芸術家がすぐに印象派のスタイルを採用した。初期の印象派の何人かは1910年代、1920年代にかけて重要な作品を作り続けた。[ 220 ] [ 226 ] [ 227 ]

前例がないわけではないものの、使用された技法の多くは伝統的な手法とは対照的でした。絵画は、乾いた絵の具の上に濡れた絵の具を塗るという手法ではなく、濡れた絵の具の上に濡れた絵の具を塗るという手法で、数時間から数日で完成することが多かったのです（乾いた絵の具の上に濡れた絵の具を塗る手法は、数週間から数ヶ月かけて完成しました）。釉薬や混色を塗るのではなく、純色を厚く不透明なインパスト（厚塗り）の筆致で並べて塗ることが多かったため、遠くから見ると鑑賞者の目に溶け込んでいました。黒はごく控えめに、あるいは全く使われず、輪郭線の代わりに、主題、輪郭、形を形成するニュアンスのある筆致で描かれました。美術史家H・W・ジャンソンは、「実空間の錯覚を増幅させるのではなく、実際の絵画面の統一性を強化する」と述べています。[ 200 ]印象派の絵画は、風景画、肖像画、静物画、家庭の風景、日常の余暇や夜遊びなどを写実的に描いたものが一般的です。構図はしばしば独特な視点に基づいており、自然で率直な印象を与えます。これらの絵画は、通常、教訓的、象徴的、あるいは隠喩的な意味合いを欠いており、アカデミーが高く評価した聖書、神話、歴史といった主題や、象徴主義者が探求したより暗く心理的な関心をほとんど扱っていなかった。光、影、雰囲気、そして表面からの色の反射といったニュアンスが探求され、時にはこれらの要素の時間的変化が強調された。絵画そのものが絵画の主題であった。それは芸術のための芸術であり、数十年前から存在していた概念であったが、印象派において新たな高みと一貫性に達したと言えるだろう。[ 196 ] [ 220 ] [ 226 ] [ 227 ]

象徴主義（1860年頃～1915年）

象徴主義は19世紀の第3四半期にフランスとベルギーで出現し、1870年代にはヨーロッパ全土に広がり、後にアメリカにも小規模ながら広まりました。象徴主義はロマン主義から発展したもので、明確な境界線はありませんでしたが、詩、文学、特に1857年に出版されたシャルル・ボードレールの『悪の華』は、象徴主義の発展において重要な役割を果たしました。象徴主義は詩、文学、演劇、音楽において国際的な表現となりました。建築、応用美術、装飾美術における象徴主義は、アール・ヌーヴォーへと密接に並行し、重なり合いました。象徴主義は、他の現代美術運動と密接に結びついていることが多く、ポスト印象派、ナビ派、退廃主義、世紀末、アール・ヌーヴォー、ミュンヘン分離派、ウィーン分離派、表現主義、さらには象徴主義以前に形成され、影響を与えたラファエル前派など、他の様式の中にも現れ、表現を見出しています。ジェームズ・マクニール・ホイッスラー、ウジェーヌ・カリエール、フェルディナント・ホドラー、フェルナン・クノップフ、ジョヴァンニ・セガンティーニ、リュシアン・レヴィ＝デュルメール、ジャン・デルヴィル、ジェームズ・アンソールなど、多様な芸術家が、程度の差はあれ象徴主義と関わっていました。美術史家ロバート・L・デルヴォワは、「象徴主義は流派というより、時代の雰囲気であった」と書いています。[ 230 ]フォーヴィスム、キュビズム、未来派の出現とともに急速に衰退し始め、第一次世界大戦の勃発までに大部分が消滅しましたが、形而上学派では持続的な発展と関連性を見出し、それが今度はシュルレアリスムに大きな影響を与えました。[ 230 ] [ 196 ] [ 231 ]

象徴主義芸術の主題、テーマ、そして意味は、しばしばベールに包まれ、曖昧なものですが、最良の作品においては、心理的または感情的なレベルで深く共鳴します。主題はしばしば比喩や寓話として提示され、主題を明確に定義したり直接言及したりすることなく、鑑賞者に非常に主観的で個人的な内省的な感情や観念を呼び起こすことを目指しています。詩人ステファヌ・マラルメは「物ではなく、それが生み出す効果を描く」[ 232 ]、「物に名前を付けることは、少しずつ理解されるように作られる詩の喜びの4分の3を抑制することである」[ 231 ]と書いています。イギリスの画家ジョージ・フレデリック・ワッツは「私は物ではなく、観念を描く」と述べています[ 230 ] [ 196 ] [ 231 ]

ポスト印象派（1885年頃～1910年）

グランド・ジャット島の日曜日の午後ジョルジュ・スーラ作1884–1886年 油彩・カンヴァス 2.08 x 3.08 mシカゴ美術館[ 235 ]

ポスト印象派とは、多様な世代の芸術家を指すやや曖昧な用語である。厳密な意味では、非常に影響力のある4人の芸術家、ポール・セザンヌ[ 236 ] [ 237 ] 、ポール・ゴーギャン[ 238 ] [ 239 ] 、ジョルジュ・スーラ[ 240 ] [ 241 ]、フィンセント・ファン・ゴッホ[ 242 ] [ 243 ]を指す。彼らはいずれも印象派の段階を経たが、最終的には4つの非常に独創的でありながら異なる様式を生み出した。彼らの作品は全体として、フォーヴィスム、キュビズム、表現主義、初期抽象主義など、第一次世界大戦前に登場した前衛芸術の多くを予見し、しばしば直接的な影響を与えた。セザンヌ（特にキュビズムに影響を与えた）とゴッホは、キャリアの重要な時期にパリを離れて比較的孤立して制作したが、スーラとゴーギャンは発展の重要な時期にグループで、より共同で制作した。この時期のもう一人の重要な芸術家はトゥールーズ＝ロートレックで、彼は画家であると同時にグラフィックアーティストとしても影響力があった。[ 244 ] [ 245 ]より広い意味では、ポスト印象派には、さまざまなスタイルとグループで活動した主にフランスとベルギーの芸術家の世代が含まれる。ほとんどの芸術家は、ある時点で印象派の影響を受けていたが、1880年代半ばにはすでに、時には印象派の論理的発展として、また時にはそれに対する反動として、その枠を超えていくつかの派閥に作品を進出させた。ポスト印象派の画家は典型的には印象派的な主題を描いたが、作品、特に総合主義には、印象派にはめったに見られない象徴主義、心霊主義、憂鬱な雰囲気が含まれることが多かった。不自然な色彩、模様、平坦な平面、奇妙な遠近法や極端に押し上げられた視点、これらすべてがモダニズムの中心を実験の基準とともに抽象化へと一歩近づけた。[ 218 ] [ 246 ] [ 247 ]

新印象派（部分主義または点描画主義、1884年頃-1894年）は、科学的な色彩理論に基づいて光と色彩を探求し、アール・ヌーヴォーの影響を受けた線でリズミカルなパターンにレイアウトされた、純色の筆遣いのモザイクを作成した。主導的な芸術家はジョルジュ・スーラとポール・シニャックで、他にはアンリ＝エドモン・クロス、マクシミリアン・リュス、アルベール・デュボア＝ピエ、そして一時期はピサロとゴッホがいた。それはフォーヴィスムに影響を与え、そのスタイルの要素は表現主義、キュビズム、初期抽象主義に現れた。綜絖主義（クロワゾニスム、1888年頃-1903年）クロワゾニスムはエミール・ベルナールによって考案され、すぐにポンタヴァン（ブルターニュ、フランス）の芸術家コロニーでポール・ゴーギャンらによって取り上げられ、発展させた。ナビ派（1890年頃-1905年、ヘブライ語で預言者あるいは啓蒙主義者の意味）はフランスとベルギーで起こったより大規模な運動で、綜合主義、新印象派、象徴主義、アール・ヌーヴォーの進歩的な要素を折衷的に取り入れた。おそらく芸術そのものよりも影響力があったのは、数々の理論、マニフェスト、そして前衛芸術への熱狂的な熱狂であり、20世紀最初の四半世紀における運動や「主義」の急増の基調を決定づけた。『ラ・ルヴュー・ブランシュ』紙はナビ派や象徴主義的な内容を頻繁に掲載した。エドゥアール・ヴュイヤール[ 248 ] [ 249 ]とピエール・ボナール[ 250 ] [ 251 ]の作品はナビ派の代表例であるが、両者とも1940年代まで作風を進化させ、重要な作品を生み出した。その他の芸術家には、モーリス・ドニ、マキシム・デトマ、マイヤー・ド・ハーン、アンリ＝ガブリエル・イベルスなどがいる。ジョルジュ・ラコンブ、アリスティド・マイヨール、ポール・ランソン、ケル＝ザヴィエ・ルーセル、アルマン・セガン、ポール・セルシエ、フェリックス・ヴァロットン、ヤン・ヴェルカーデなど。[ 218 ] [ 246 ] [ 247 ]

20世紀初頭

20世紀の芸術史は、無限の可能性と新たな基準の探求の物語であり、それらは次々と次のものによって打ち破られてきました。フォーヴィスム、表現主義、キュビズム、抽象芸術、ダダイズム、シュルレアリスムといった芸術運動は、新たな創造様式と表現方法の探求をさらに促しました。この時代、国際的な交流が活発化したことで、パブロ・ピカソがイベリア彫刻、アフリカ彫刻、プリミティヴィズムの影響を受けたことなど、西洋美術にも他の文化が同様に影響を与えました。ジャポニスムと日本の木版画（それ自体が西洋ルネサンスのデッサン技法の影響を受けていました）は、印象派とその後の芸術的発展に計り知れない影響を与えました。ポール・ゴーギャンのオセアニア美術への関心と、20世紀初頭のパリで新たに発見されたアフリカの呪物彫刻や非ヨーロッパ文化の作品が美術通の間で突如として人気を博したことは、大きな影響力を持つ例であり、ピカソ、アンリ・マティス、そして彼らの多くの同僚たちにも取り上げられました。20世紀後半には、ポップアートと抽象表現主義が台頭しました。

アール・ヌーヴォー（1890年頃～1914年）

地下鉄ポルト・ドーフィーヌ駅(パリ)、エクトル・ギマール作、1900 [ 252 ]
ダルムシュタット芸術家コロニーのエルンスト・ルートヴィヒ・ハウス、ダルムシュタット、ドイツ、ジョゼフ・マリア・オルブリッヒ作（1900年）

アール・ヌーヴォー（フランス語：ニューアート）は、19世紀最後の数十年から1914年の第一次世界大戦までの間に出現した、国際的に広く普及した芸術とデザインの運動でした。 1900年のパリ万国博覧会で一気に国際的な注目を集めました。ヨーロッパとアメリカの一部でほぼ同時に展開したアール・ヌーヴォーは、新世紀の精神を呼び起こすユニークでモダンな表現形式を生み出そうとする試みでした。絵画、イラスト、彫刻、宝飾品、金属細工、ガラス、陶磁器、織物、グラフィックデザイン、家具、建築、衣装デザイン、ファッションに現れました。アール・ヌーヴォーの芸術家たちは、工芸とデザインの地位を美術のレベルにまで高めることを目指しました。

この運動は、アルフォンス・ミュシャ、ヴィクトール・オルタ、エクトル・ギマール、アントニ・ガウディ、ルネ・ラリック、オットー・エックマン、エミール・ガレといった芸術家の作品を通して、花、蔓、葉といったしなやかな有機的な形態だけでなく、昆虫や動物とも深く結びついています。アール・ヌーヴォーのデザインや建物は、しばしば非対称的です。アール・ヌーヴォー様式には明確な特徴がある一方で、地域や国によって解釈が異なる点も数多く見られます。

短命な流行であったにもかかわらず、アール・ヌーヴォーは20世紀の近代建築とデザインへの道を開いた。アール・ヌーヴォーは歴史的に前例のない最初の建築様式であり、19世紀は歴史主義として知られる習慣、つまり前の芸術的時代のスタイルを意識的に反映する視覚スタイルの使用で悪名高かった。 1870年頃から1900年頃にかけて歴史主義の危機が起こり、その間に歴史主義文化は批判された。その声の一つが1874年のフリードリヒ・ニーチェで、彼は考古学的研究と歴史的進歩の法則への信仰に悩まされた近代文化の深刻な症状の一つとして「悪性歴史熱」の診断を下した。それにもかかわらず、アール・ヌーヴォーはケルト、ゴシック、ロココ美術などの過去のスタイルや、アーツ・アンド・クラフツ運動、唯美主義、象徴主義、そして特に日本美術からも大きな影響を受けている。[ 253 ] [ 254 ]

フォーヴィスム（1898年頃～1909年）

フォーヴィスムはポスト印象派から生まれ、徐々に発展し、20世紀最初の主要な運動となりました。その起源は1895年、最年長にして中心人物であったアンリ・マティスが、エコール・デ・ボザールのギュスターヴ・モローのアトリエに入ったことに遡ります。そこで彼は、ジョルジュ・ルオー、シャルル・カモワン、アンリ・マンガン、そしてアルベール・マルケと出会いました。マルケは次のように述べています。「マティスと私は、1898年には既に、後にフォーヴィスム様式と呼ばれることになる手法で制作していました。アンデパンダン展で初めて純粋な色調で作品を制作したのは、おそらく私たちだけだったでしょう。それは1901年に遡ります。」[ 255 ] 1902年から1903年までには、志を同じくする芸術家の輪は広がり、ジョルジュ・ブラック、アンドレ・ドラン、ラウル・デュフィ、オトン・フリース、ジャン・メッツァンジェ、ジャン・ピュイ、ルイ・ヴァルタ、ケース・ファン・ドンゲン、モーリス・ド・ヴラマンクなどが加わった。この時期には、パリで多くの影響力のある回顧展が開催された。スーラ（1900年、1905年）、ゴッホ（1901年、1905年）、トゥールーズ＝ロートレック（1902年）、ゴーギャン（1906年）、セザンヌ（1907年）などであり、いずれも当時はあまり知られていないアーティストだった。マティスとドランは、当時としては目新しいものであったが、だんだん関心を集めていたアフリカの彫刻を収集した。マティスは1904年の夏をサントロペで過ごし、新印象派のポール・シニャックやアンリ＝エドモン・クロスと共に絵を描きました。1905年にはカモワン、マンギャン、マルケが続きました。彼らはサロン・デ・アンデパンダンとサロン・ドートンヌ（1903～1908年）に定期的に出展し、1905年には作品がセンセーションを巻き起こし、スキャンダルとなりました。マティスは次のように述べています。「サロン・ドートンヌに出展していたとき、ドラン、マンギャン、マルケ、ピュイ、その他数名の作品が、大きなギャラリーの一つにまとめて展示されていました。その部屋の中央に、彫刻家マルケがイタリア様式の子供の胸像を展示していました。ヴォーセル（ジル・ブラスの美術評論家）が部屋に入ってきて、『さあ！さあ！野獣の霧の中のドナテッロ！（野獣の家のドナテッロ）』と言ったのです。」 [ 256 ]この運動は一般大衆に実体として認識されていなかったが、一度公表されるとその名称は定着した。印象派が長きにわたり受容に苦闘したのとは異なり、アヴァンギャルド派は1906年から1907年までに熱心な支持者を獲得し、フォーヴィスム派はアメリカからロシアに至るまで多くのコレクターを惹きつけた。しかし、フォーヴィスムは1908年にほぼ消滅し、キュビスムの出現とともに、多くの画家が他の様式を模索し、異なる方向へと歩み始めた。1950年代までフォーヴィスムを探求し続けたのは、マティスとデュフィだけだった。[ 255 ] [ 257 ] [ 258 ] [ 259 ] [ 260 ]

フォーヴィスムは、写実主義、印象派、そしてポスト印象派の例に倣い、戸外で風景画、室内画、人物画、静物画を描きました。彼らは、厚く不自然な、しばしば対照的な鮮やかな色彩を、時にはチューブから直接塗った、大胆な筆致で絵の具を塗りました。平坦で純粋な色彩によるパターン表現の価値と空間的側面の探求、そして原始主義への関心を持つゴーギャンの影響は大きく、新印象派も同様でした。マティスは、色彩は長い間デザインの補完として機能し、ルネサンスの画家たちは線で絵を構築し、後から部分的に色彩を加えたと説明し、次のように記しています。「ドラクロワからゴッホ、そして主にゴーギャンに至るまで、印象派は基盤を整備し、セザンヌは最終的な刺激を与え、色彩の立体感をもたらしました。私たちは、色彩の機能の回復、つまり感情的な力の回復を辿ることができるのです。」[ 255 ]フォーヴィスムは、絵画のデザインの基本的な基礎がデッサンと線から色彩へと移行した頂点であり、彼らは抽象化の瀬戸際で主題を描きました。[ 255 ] [ 257 ] [ 258 ] [ 259 ] [ 260 ]

表現主義（1905年頃～1930年）

ベルリンのストリート；エルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナー作；1913年；キャンバスに油彩；1.21 x 0.91 m；近代美術館（ニューヨーク市）[ 262 ]

表現主義は、絵画、彫刻、グラフィックアート、詩、文学、演劇、映画、建築における国際的な運動でした。第二ウィーン楽派や当時の他の音楽をこの運動と結びつける人もいます。多くの歴史家は、表現主義の始まりを1905年のドイツのドレスデンにおける「橋」の創設としています。しかし、1885年から1905年頃には、ロヴィス・コリント、ジェームズ・アンソール、ケーテ・コルヴィッツ、パウラ・モーダーゾーン＝ベッカー、エドヴァルド・ムンク、エミール・ノルデ、クリスティアン・ロルフスなど、表現主義の精神に則った影響力のある作品を制作した芸術家が数多くいました。これらの芸術家の多くは後に展覧会に出展し、様々な表現主義グループと交流しました。表現主義絵画は、自由で自発的で、しばしば厚塗りの厚塗りの筆致が特徴です。それは、外見ではなく、画家が主題に対してどのように感じたかを表現することが多かったため、写実的な表現や芸術理論よりも直感や本能を重視しました。表現主義はしばしば苦悩や喜びに満ち、現代社会や社会問題への包括的な関与を伴っていた。これは、フォーヴィスムが中立的な主題に施したデザインや色彩に焦点を絞っていたことには見られない特徴である。木版画は表現主義において特に注目すべき作品である。表現主義は、象徴主義、フォーヴィスム、キュビズム、未来派、抽象主義、ダダといった他の様式や運動と重なり合い、融合することもある。様々な時代や場所で、表現主義者の様々なグループや派閥が出現した。[ 218 ] [ 247 ] [ 263 ] [ 264 ]

ディ・ブリュッケは「あらゆる革命的で高まる要素」を結びつけることを目指した。[ 263 ] 4人の建築学生、エルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナー、エーリッヒ・ヘッケル、カール・シュミット＝ロットルフ、フリッツ・ブライユによって設立された。彼らはドレスデンでスタジオを共有し、絵画、彫刻、版画を制作し、展覧会を企画し、夏季にはそれぞれ独立して活動した。最初の展覧会は1905年で、後に1906年にエミール・ノルデとマックス・ペヒシュタイン、 1910年にオットー・ミュラーなどが参加した。影響を受けたものには、ゴシック美術、プリミティヴィズム、アール・ヌーヴォー、そしてパリの動向、特にゴッホとフォーヴィスムなどがある。グループは1911年にベルリンへ拠点を移し、その後1913年に解散した。ヴァシリー・カンディンスキーとフランツ・マルクによって設立された「青騎士」 (1911-1914年) は、パリやヨーロッパの美術品、および自らの美術品の展覧会を企画する比較的非公式なグループであった。ミュンヘン美術アカデミーから分裂して次第に進歩的なグループが次々と誕生し、1892年のミュンヘン分離派 (写実主義および印象派)、1901年のファランクス (後印象派)、 1909年の新芸術家協会、そして1911年の「青騎士」がそれである。最後の2つのグループと関係のあった芸術家には、ブールリューク兄弟、ハインリヒ・カンペンドンク、アレクセイ・フォン・ヤウレンスキー、パウル・クレー、アウグスト・マッケ、ガブリエーレ・ミュンター、マリアンネ・フォン・ヴェレフキンがいる。 1912年には、影響力のあるエッセイ集である美しい年鑑『青騎士』と、非具象芸術についての彼の考えをまとめたカンディンスキーの『芸術における精神性について』が出版された。『青騎士』は第一次世界大戦の勃発とともに終わり、マッケとマルクは共に亡くなった。[ 218 ] [ 247 ] [ 265 ] [ 263 ] [ 264 ]

オスカー・ココシュカ、エゴン・シーレ、リヒャルト・ゲルストルといった芸術家もオーストリアから登場しました。フランスの芸術家ジョルジュ・ルオーとシャイム・スーティンもこの運動と親和性がありました。彫刻家にはエルンスト・バルラッハ、ヴィルヘルム・レームブルック、ゲルハルト・マルクス、ウィリアム・ヴァウアーなどがいます。表現主義と関連のある建築家には、マックス・ベルク、ヘルマン・フィンスターリン、ヨハン・フリードリヒ・ヘーガー、ミシェル・デ・クラーク、エーリヒ・メンデルゾーン、ハンス・ペルツィヒ、ハンス・シャルーン、ルドルフ・シュタイナー、ブルーノ・タウトなどがいます。『デア・シュトゥルム』 （1910-1932年）はヘルヴァルト・ヴァルデンが創刊した表現主義的な内容の多い雑誌で、1912年にはベルリンに関連ギャラリーが、1918年には劇団と学校が開設された。表現主義的とみなされる映画で、古典ともいえるものに『カリガリ博士』（ロバート・ヴィーネ、1920年）、 『吸血鬼ノスフェラトゥ』（FW・ムルナウ、1922年）、『メトロポリス』（フリッツ・ラング、1927年）などがある。[ 218 ] [ 247 ] [ 265 ] [ 263 ] [ 264 ]

第一次世界大戦後、多くの芸術家が前衛芸術から撤退する傾向が見られ、これは1920年代の初期のフォーヴィスムの作品、ピカソとストラヴィンスキーの新古典主義時代、そしてデ・キリコの後期の作品に見られる。この傾向はドイツでは新客観主義（1919年頃-1933年）と呼ばれ、他の地域でのこの傾向の懐古主義的な性質とは対照的に、幻滅と容赦ない社会批判を特徴としていた。新客観主義の芸術家は、オットー・ディックス、クリスティアン・シャッド、ルドルフ・シュリヒター、ゲオルク・ショルツ、ジャンヌ・マメンなど、主に表現主義やダダの環境から登場した。マックス・ベックマンとジョージ・グロスも一時期新客観主義と関わりを持っていた。シュタートリヒェス・バウハウス（建築学校：1919-1933）は、本質的に表現主義的ではなかったものの、工芸、装飾美術、美術を融合させた影響力のあるドイツの学校でした。ワイマール、デッサウ、ベルリンへと拠点を移しながら、時代とともに焦点が変化し、進化しました。校長には、建築家のヴァルター・グロピウス（1919-1928）、ハンネス・マイヤー（1928-1930）、ルートヴィヒ・ミース・ファン・デル・ローエ（1930-1933）が名を連ねました。また、ヨーゼフ・アルバース、テオ・ファン・ドゥースブルフ、リオネル・ファイニンガー、ヨハネス・イッテン、パウル・クレー、ワシリー・カンディンスキー、エル・リシツキー、ゲルハルト・マルクス、ラースロー・モホイ＝ナジ、オスカー・シュレンマーといった錚々たる顔ぶれが在籍しました。バウハウスの建築家たちは、簡素化された形態、装飾の少なさ、デザインと機能の融合、そして大量生産と個人の芸術的ビジョンの両立を特徴とするインターナショナル・スタイルに大きな影響を与えました。ナチ党が台頭すると、近代美術は「退廃芸術」と揶揄され、バウハウスは1933年に閉鎖されました。これにより、ドイツにおけるモダニズムは数年間にわたって沈静化しました。[ 218 ] [ 247 ] [ 265 ] [ 263 ] [ 264 ]

キュビスム（1907年頃～1914年）

キュビズムは遠近法の否定を基盤とし、視点が複数存在する新たな空間構成を生み出しました。これにより物体の断片化が生まれ、表現内容よりも形態への偏愛が露呈しました。パブロ・ピカソ、ジョルジュ・ブラックをはじめとするキュビズムの芸術家たちは、ルーブル美術館やトロカデロの民族誌博物館に展示されていたイベリア半島、アフリカ、オセアニアの彫刻、そしてフリーマーケットやオークション会場で販売されていた彫刻に触発されました。

「ピカソは外科医が死体を解剖するように対象を研究する」と批評家で詩人のギヨーム・アポリネールは1913年に書いた。その5年前、友人であり同僚でありライバルでもあったパブロ・ピカソとジョルジュ・ブラックは、遠近法によるリアリズムを拒否し、芸術的な解剖の形、つまり対象の内部と周囲を観察し、分析的、客観的、そして完全に非人格的に提示するまったく革新的な絵画スタイルを採用し始めた。[ 270 ]

アールデコ（1920年頃～1940年）

アール・デコは、贅沢さと近代性を表現する様式としてフランスで生まれました。すぐに世界中に広がり、特にアメリカで劇的な発展を遂げ、1930年代にはより合理化されていきました。この様式は、1925年にパリで開催された現代装飾産業美術国際博覧会にちなんで名付けられました。その華やかさと幻想性は「狂騒の20年代」の精神を捉え、1930年代の大恐慌の現実からの逃避をもたらしました。古代ギリシャ、ローマ、アフリカ、アステカ、日本の影響を受けているだけでなく、未来派、キュビズム、バウハウスの影響も受けています。1922年にツタンカーメン王の墓が発見され、それが引き起こしたエジプトブームにより、エジプト復興様式と融合することもありました。一例として、アンリ・ジプシーによるパリのル・ルクソール映画館（1919～1921年）と、エルマー・F・バーンズによるディカルブ（イリノイ州、米国）のエジプシャン・シアター（1929～1930年）が挙げられます。建築を含む装飾芸術では、低浮き彫りのデザインや角張った模様、形状が用いられました。主な素材としては、クロム、真鍮、研磨された鋼鉄やアルミニウム、象嵌された木材、石、ステンドグラスなどが挙げられます。

アール・デコの最も重要な芸術家としては、パリを拠点に活動したポーランド人画家のタマラ・ド・レンピカ、ウクライナ生まれのフランス人ポスター芸術家のアドルフ・ジャン＝マリー・ムーロン（通称カサンドレ）、フランスの家具デザイナー兼インテリアデザイナーのエミール・ジャック・リュールマンなどがいます。[ 272 ] [ 273 ]

シュルレアリスム（1924年頃～1966年）

シュルレアリスムはダダの一派として現れ、1924年にアンドレ・ブルトンの『シュルレアリスム宣言』によって正式にその発足が宣言された。[ 274 ]もともとはパリの詩人や作家の文学グループであったが、すぐに画家、彫刻家、写真家、映画製作者を含む国際的な運動に発展した。『シュルレアリスム第二宣言』は1929年に出版された。[ 275 ]シュルレアリスムは応用美術や装飾美術、建築、音楽において顕著な表現はなかったが、少数の孤立した例（チェスセット、家具、ラス・ポサスなど）を特定できた。ジョルジョ・デ・キリコを中心人物とする小規模で短命だった形而上学派（1910年頃-1921年）はシュルレアリスムに大きな影響を与えた。シュルレアリストは、キュビズムやダダで最近開発されたものもあれば、コラージュ、ファウンド・オブジェクト、アサンブラージュ、偶然性、レイヨグラフ（フォトグラム）、砂絵、絵の具の垂らし方や飛ばし方、デカルコマニー、フロッタージュ、フュマージュ、ラクラージュなど、新しいものなど、無数の革新的な技法を探求しました。シュルレアリスム芸術には、2つの基本的なアプローチが主流です。初期にはオートマティズムが主流で、アンドレ・マッソンやジョアン・ミロなどの作品に見られます。ジョルジョ・デ・キリコの作品に影響を受けたサルバドール・ダリやルネ・マグリットなどの他の芸術家は、より伝統的な方法や媒体を使用して、フィルターをかけていない考えや不調和な並置を表現しました。著名なアーティストには、ジャン・アルプ、ハンス・ベルメール、ヴィクトル・ブラウナー、ルイス・ブニュエル、ジョセフ・コーネル、オスカル・ドミンゲス、マックス・エルンスト、ウィフレド・ラム、イヴ・タンギー、マン・レイ、アルベルト・ジャコメッティ、メレット・オッペンハイム、ロベルト・マッタが含まれます。非公式にシュルレアリスムに取り組んだ他の重要な芸術家には、マルセル デュシャン、パブロ ピカソ、フリーダ カーロなどがあります。シュルレアリスムのアイデアと理論は、 La Révolution Surréaliste (1924–1929)、Le Surrealisme au service de la Revolution (1930–1933)、Minotaure (1933–1939)、VVVという一連の雑誌で議論されました。（1942–1944年）。アンドレ・マッソンやジョアン・ミロ、そしてシュルレアリスム後発のロベルト・マッタやアルシル・ゴーキーらが制作した自動絵画は、1940年代後半の抽象表現主義に大きな影響を与えた。 [ 276 ] [ 277 ] [ 278 ] [ 279 ] [ 280 ] [ 281 ]

シュルレアリストは、西洋文化の伝統的な政治的、宗教的、そしてブルジョア的価値観（ブレトンをはじめとする創設メンバーは退役軍人であった）に対するダダの不遜さと軽蔑をある程度持ちつつ、ジークムント・フロイトが潜在意識に関して切り開いた可能性を探求した。「純粋な精神的自動性。これによって人は、言葉、文章、あるいはその他の手段によって、心の真の働きを表現しようとする。思考による指示であり、理性による制御はなく、美的あるいは道徳的な関心を超越したものである。」[ 274 ]シュルレアリストは、政治的、宗教的、道徳的、あるいは合理的な原理によってフィルタリングも検閲もされない、純粋な思考を表現しようとした。 [ 276 ] [ 277 ] [ 278 ] [ 279 ] [ 280 ] [ 281 ]

20世紀中期から後半

ヨーロッパが第二次世界大戦からの復興に奮闘する中、アメリカは政治的、経済的、文化的に強固な立場に立った。1940年代から1950年代にかけて、抽象表現主義が国際的な影響を与えた最初のアメリカ特有の芸術運動として登場した。その結果、芸術界の焦点はヨーロッパからニューヨークへと移った。抽象表現主義者は、似たような見解を持ちながらもアプローチの異なる、ゆるやかなつながりを持つ小さな芸術家たちのグループだった。彼らはシュルレアリスムの影響を受け、自発性、表現の自由、そしてここ数十年の国民的芸術を特徴づけてきたアメリカ生活のテーマの放棄を信じていた。この運動の最も有名な代表者の一人はジャクソン・ポロックで、地面に置いた巨大なカンバスに絵の具を注ぐ、弾く、垂らすといった手法で描いた絵画で知られている。他の芸術家には、ウィレム・デ・クーニング、フランツ・クライン、ロバート・マザーウェル、バーネット・ニューマン、マーク・ロスコ、クリフォード・スティルがいる。

第二次世界大戦後、消費主義とマスメディアが急速に発展し、その結果、ロンドンとニューヨークの両方でポップアートが発展しました。1956年のロンドンでの展覧会では、リチャード・ハミルトン（1922年～2011年）がアメリカの雑誌をコラージュした作品に「ポップ」という言葉が使われました。ポップアートは抽象表現主義への反動であり、ポップカルチャーの概念を解釈したものでした。消費主義を称賛し、批評するポップアーティストとして知られるようになった彼らは、広告、メディア、ショッピングをテーマにした色鮮やかなイメージを制作しました。映画スター、コミック、旗、パッケージ、食べ物など、一部の知識人だけでなく、誰もが共感できるものを題材にしていました。

ミニマリズムという言葉自体は新しいものではありませんでしたが、1960年代に勢いを増し、特に超然とした抑制を特徴とする芸術様式を指して使われました。ニューヨークで生まれたこの言葉は、抽象表現主義への反動として生まれたものですが、同時に、芸術は現代的な素材で作られるべきだという構成主義の考え方も受け入れました。そのため、ミニマリストの芸術家、主に彫刻家たちは、非伝統的な素材や制作方法を用いることが多く、しばしば工業製品や専門の製作業者を雇って、自分たちの仕様に合わせて作品を制作しました。この言葉は主に、周囲の空間を再評価し、既存の前提に挑戦し、身近な物を新しい方法で提示しようとしたアメリカの彫刻家たちを指すために使われました。彼らの作品には象徴性や隠された意味はなく、鑑賞者が形態を取り巻く芸術と空間を再評価できるように努めています。鑑賞者が作品が置かれている部屋を無視して焦点を合わせる人物彫刻とは異なり、ミニマリストの芸術は空間と一体になります。ミニマリズムは、文脈の効果と視聴体験の演劇性に焦点を当てることで、ポストモダニズムの台頭を後押しするだけでなく、コンセプチュアルアートやパフォーマンスアートのその後の発展に間接的ではあるが強力な影響を与えました。

マルセル・デュシャンの思想からほぼ50年後に発展したにもかかわらず、コンセプチュアル・アートは、芸術は必ずしも美的観点から判断される必要はないことを示した。それは単一のまとまった運動であったことはなく、現在では複数の種類の芸術を包含する包括的な用語であり、アメリカとヨーロッパでほぼ同時に出現し、最初にニューヨークで定義された。コンセプチュアル・アーティストは、アイデアやコンセプトの芸術を推進し、現代社会においては技術的なスキルや美学よりもそれらがより有効であると主張している。作品の芸術媒体に関わらず、それは概念を提示するための手段に過ぎないと考えられている。最も極端な場合、コンセプチュアル・アートは物理的なオブジェクトを完全に放棄し、言葉や文章によるメッセージを用いてアイデアを伝える。[ 283 ] [ 284 ] [ 285 ]

伝統的に、裁縫、織物、キルティングといった多くの創作行為は女性の仕事とされ、工芸品と称され、彫刻や絵画といったいわゆる高尚な芸術や美術品の地位や社会的認知を否定されてきました。しかし現在では、多くの芸術家が、彫刻などの美術の範囲を拡大したり、型破りな素材や技法を用いてソフトスカルプチャーを制作したり、あるいはいわゆる工芸品の素材や手法を再定義・再発見したりすることで、美術館やギャラリーで作品を展示し、装飾美術や応用美術の地位を高めたりと、こうした階層構造に挑戦しています。[ 286 ]この根本的な変化をもたらした20世紀と21世紀の芸術家には、マリア・マルティネス、アンニ・アルバース、ルーシー・リー、レノア・トーニー、ルイーズ・ブルジョワ、ミリアム・シャピロ、フェイス・リングゴールド、マグダレーナ・アバカノヴィッチ、シーラ・ヒックス、マーヴァ・リー・ピッチフォード・ジョリー、ジュディ・シカゴ、ディンガ・マッキャノンなどがいます。

参照

注記

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参考文献

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